Suurin kriitikko, joka oli vastuussa naiivien taiteilijoiden edistämisestä ensimmäisen maailmansodan jälkeisinä vuosina Wilhelm Uhde. Aluksi naiivien taiteilijoiden näkemyksen tuoreus ja suoraviivaisuus houkutteli lähinnä heidän tovereitaan, mutta useat tärkeät näyttelyt 1920- ja 1930-luvuilla lisäsivät yleisön kiinnostusta heitä kohtaan.
Näyttely oli erityisen tärkeä "Kansanmaalauksen mestarit: Euroopan ja Amerikan nykyaikaiset primitivistit" Museum of Modern Artissa New Yorkissa vuonna 1938.
Suurin osa mainetta saavuttaneista varhaisista naiiveista taiteilijoista oli ranskalaisia ​​(johtuen suurelta osin Ouden toiminnasta Ranskassa). Heidän joukossaan:
André Beauchamp (1873-1958)

Camille Bombois (1883-1970)

Louise Serafin (1864-1934)

Beryl Cook (1926--2008)

Myös usein luokiteltu naiiveiksi taiteilijoiksi Lawrence Stephen Lowry (1887-1976)

Mutta jotkut kriitikot jättävät hänet pois joukostaan, koska... Lauri opiskeli pitkään taidekoulussa.

Yhdysvalloissa johtavat luvut mukaan lukien John Kane (1860-1934)

ja Anna Mary Robertson Moseson (1860-1961)

Kroatia antoi suuren määrän naiiveja taiteilijoita, joista kuuluisin oli Ivan Generalich (1914-1992)

Naiivia taidetta, naiivia - (englanniksi: naive art)- yksi 1700-1900-luvun primitiivisen taiteen alueista, mukaan lukien amatööritaide (maalaus, grafiikka, kuvanveisto, koristetaide, arkkitehtuuri) sekä itseoppineiden taiteilijoiden kuvataide. Naiivien taiteen teoksiin kuuluu merkittävän ranskalaisen taiteilijan A. Rousseaun, lempinimeltään Tullivirkailija, maalauksia, koska hän oli ammatiltaan tullivirkailija ja upeita provinssin muotokuvia venäläisistä 1700-1800-luvuilla. tuntemattomia taiteilijoita.

"Naiivi" taiteilija eroaa "ei-naiivista", kuten shamaani eroaa professorista: molemmat ovat asiantuntijoita, kukin omalla tavallaan.

Arjen primitiivisen muotokuvan ainutlaatuisuus ei johdu vain taiteellisen kielen erityispiirteistä, vaan myös itse luonnon luonteesta. Yleisesti ottaen kauppiasmuotokuvan sommittelumalli on lainattu nykytaiteellisesta ammattitaiteesta. Samalla kasvojen ankaruus, kohonnut siluetin tunne ja maalaustekniikka saavat mieleen ikonimaalauksen. Mutta yhteys suosittuun printtiin on vieläkin tuntuvampi. Tämä ilmenee ensisijaisesti luonnonläheisyydestä, jonka taiteilija näkee naiivisti ja kokonaisvaltaisesti, koristeellisesti ja värikkäästi. Kansallinen venäläinen etninen tyyppi näkyy selvästi kasvoissa ja vaatteissa. Pää- ja toissijaisen tunnollinen jäljentäminen johti kokonaisvaltaisen kuvan luomiseen, joka hämmästytti elintärkeän luonteen voimalla.

Naiivitaide yhdistää mielikuvituksellisen fantasian alkuperäisen kirkkauden, maailmankuvan tuoreuden ja vilpittömän ammatillisten taitojen puutteeseen piirtämisessä, maalauksessa, sommittelussa, mallintamisessa jne.

Naiivitaiteen teokset ovat muodoltaan ja tyyliltään äärimmäisen erilaisia, mutta monille niistä on ominaista lineaarisen perspektiivin puuttuminen (monet primitivistit pyrkivät välittämään syvyyttä erilaisilla hahmomitoilla, erityinen muotojen ja värimassojen järjestäytyminen), tasaisuus. , yksinkertaistettu rytmi ja symmetria sekä paikallisten värien aktiivinen käyttö , muotojen yleistäminen, kohteen toimivuuden korostaminen tiettyjen muodonmuutosten vuoksi, ääriviivan lisääntynyt merkitys, teknisten tekniikoiden yksinkertaisuus.

Naiivitaide on pääsääntöisesti hengeltään optimistista, elämää vahvistavaa, monipuolista ja monipuolista, ja sillä on useimmiten melko korkea esteettinen merkitys. Naivi taide on ikään kuin vastapaino "tekniselle" taiteelle. Naiivissa taiteessa ei ole tekniikkaa, ei koulua, se on mahdotonta oppia. Se on omavarainen. Hän ei välitä siitä, kuinka hänen mestarinsa arvioivat häntä tai mihin tyyliin hän kuuluu. Tämä on niin alkuperäistä sielun luovuutta, ja opiskelu todennäköisemmin riistää sen voiman kuin terävöittää sitä.

Yksi naiivin taiteen puolista on muotojen, kuvien, tekniikoiden naiivius tai yksinkertaisuus; hänessä ei ole ylpeyttä, narsismia tai teeskentelyä. Mutta muodon naiiviuden takaa näkyy selvästi merkityksen syvyys (muuten se lakkaa olemasta taidetta, vaikka pysyy naivistina). Se on todellinen. Se on kaikkien saatavilla - lapsen ja vanhan miehen, lukutaidottoman ja tieteen tohtorin.

1900-luvun primitivistiset taiteilijat, jotka tuntevat klassisen ja nykyajan ammattitaiteen, löytävät usein mielenkiintoisia ja omaperäisiä taiteellisia ratkaisuja yrittäessään matkia ammattitaiteen tiettyjä tekniikoita asianmukaisen teknisen tiedon ja taitojen puuttuessa.

Venäjällä vallitsi pitkään käsitys, että naiivi taide oli jotenkin "toissijaista". Venäjän (samoin kuin joissakin muissa) kielissä termillä "alkukantainen" on yhtenä päämerkityksistään arvioiva (ja juuri kielteinen) merkitys. Siksi on tarkoituksenmukaisempaa keskittyä naiivin taiteen käsitteeseen. Laajimmassa merkityksessä tämä tarkoittaa kuvataidetta, jolle on tunnusomaista yksinkertaisuus (tai yksinkertaistaminen), selkeys ja muodollinen spontaanius figuratiivisen ja ekspressiivisen kielen avulla, jonka avulla ilmaistaan ​​erityinen näkemys maailmasta, jota sivilisaatiosopimukset eivät rasita. Samalla he unohtivat, että varhaiset avantgarde-taiteilijat, postmodernistit ja käsitteelliset taiteilijat etsivät uusia visuaalisia muotoja, kääntyivät naiivin spontaaniuden ja yksinkertaisuuden puoleen. Chagall osoitti kiinnostusta itseoppineiden työhön, Malevitš kääntyi venäläisten suosittujen tulosteiden puoleen, ja naiivilla oli erityinen paikka Larionovin ja Goncharovan työssä. Suurelta osin naiivin taiteen tekniikoiden ja kuvien ansiosta menestys seurasi Kabakovin, Bruskinin, Komarin ja Melamidin teosten näyttelyitä. Monet 1900-luvun suuret taiteilijat käyttivät töissään tiettyjä primitivistisen kielen tekniikoita ja elementtejä. (ekspressionistit, P. Klee, M. Chagall, H. Miro, P. Picasso jne.). Naiivissa taiteessa monet kulttuurin edustajat pyrkivät näkemään taiteellisen kulttuurin ulospääsyä sivilisaatioiden umpikujasta.

Naiivitaide on maailmannäkemyksensä ja taiteellisen esittämisensä menetelmin osalta jonkin verran lähellä toisaalta lasten taidetta ja toisaalta mielisairaiden luovuutta. Naiivitaide eroaa kuitenkin pohjimmiltaan molemmista. Lähintä maailmankuvassa lastentaidetta on Oseanian ja Afrikan arkaaisten kansojen ja aboriginaalien naiivi taide. Sen perustavanlaatuinen ero lasten taiteeseen on sen syvässä pyhyydessä, perinteisyydessä ja kanonisuudessa. Lapsuuden naiivius ja maailmankatsomuksen spontaanius tuntuivat jäätyneeltä ikuisesti tässä taiteessa sen ilmeikkäät muodot ja taiteellisen kielen elementit olivat täynnä pyhää maagista merkitystä ja kulttisymboliikkaa, jolla on melko vakaa irrationaalisten merkitysten kenttä. Lasten taiteessa ne ovat hyvin liikkuvia eivätkä kanna kulttista kuormaa. Sitä vastoin mielisairaiden taiteelle, joka on usein muodoltaan lähellä sitä, on ominaista tuskallinen pakkomielle samoista motiiveista, pessimistis-masennustila ja alhainen taiteellisuus.

Julkaisut Museot-osiossa

Opas naiiviin taiteeseen

Naiivi taide tai ei-ammattitaiteilijoiden taide tulee harvoin gallerian omistajien ja taidekriitikkojen tietoon. Naiivien taiteilijoiden teokset, yksinkertaiset ja avoimet, voivat kuitenkin olla yhtä dramaattisia ja jopa taiteellisesti merkittäviä kuin tunnustettujen mestareiden maalaukset. Lue Culture.RF-portaalin materiaalista, mitä naiivi taide on ja miksi sitä on mielenkiintoista seurata..

Naivi tarkoittaa yksinkertaista

Aleksanteri Emelyanov. Omakuva. 2000-luku. Yksityinen kokoelma

Vladimir Melikhov. Bifurkaatio. 1989. Yksityinen kokoelma

Naiivitaide on ammatillista koulutusta vailla olevien taiteilijoiden töitä, jotka samalla systemaattisesti ja jatkuvasti harjoittavat maalausta. Naiivissa itsessään voidaan erottaa erilliset suunnat, esimerkiksi art brut tai outsider art - psykiatrisen diagnoosin omaavien taiteilijoiden taide.

Erittäin tärkeä kysymys taidekriitikoille on, miten naiivi taiteilija erottaa amatööristä. Tällaisten taiteilijoiden työn arvioinnin kriteerinä ovat yleensä heidän teoksensa omaperäisyys ja laatu. Tekijän itsensä persoonallisuudella on myös suuri rooli: omistautuiko hän elämänsä taiteelle, pyrkikö hän sanomaan jotain teoksissaan (maalaus, grafiikka, veistos).

Ensimmäinen on naiivi

Naiivia taidetta on aina ollut. Kalliomaalaukset, paleoliittiset veistokset ja jopa muinaiset kouroosit ja karyatidit - kaikki tämä tehtiin primitivistisellä tavalla. Naiivin taiteen syntyminen itsenäiseksi kuvataiteen liikkeeksi ei tapahtunut yhdessä yössä: tämä prosessi kesti yli vuosisadan ja päättyi 1800-luvun lopulla. Tämän innovatiivisen liikkeen edelläkävijä oli Henri Rousseau, itseoppinut ranskalainen taiteilija.

Rousseau palveli pitkään tullissa, jo aikuisiässä hän jätti ammattinsa ja ryhtyi maalaamaan vakavasti. Hän yritti ensimmäisen kerran esitellä joitakin töitään vuonna 1886 Pariisin itsenäisten näyttelyssä, mutta häntä naurettiin. Ja myöhemmin, 1900-luvun alussa, hän tapasi kuuluisia avantgarde-taiteilijoita, kuten Robert Delaunayn, joka arvosti Rousseaun rohkeaa tyyliä. Avantgarde-taiteilijat usein "veivät esiin" sellaisia ​​alkuperäisiä maalareita kuin Rousseau, auttoivat heitä kehittymään ja jopa saivat inspiraatiota työstään ja näkemyksestään omaan taiteelliseen etsintään. Pian Rousseaun teoksilla alkoi olla kysyntää.

Venäjällä naiivia taidetta esiintyi massayleisön edessä taiteilija Mihail Larionovin järjestämässä Target-näyttelyssä 1913. Siellä oli ensimmäistä kertaa esillä Niko Pirosmanin teoksia, jotka veljekset Kirill ja Ilja Zdanevich, taiteilijat ja taidehistorioitsijat toivat Georgiasta. Ennen tätä näyttelyä yleisö ei tiennyt, että amatööritaide voisi olla muutakin kuin suosittuja grafiikkaa ja kansanmaalauksia.

Naiivit piirteet

Niko Pirosmani. Sozashvilin muotokuva. 1910-luku. Moskovan modernin taiteen museo

Niko Pirosmani. Nainen pääsiäismunien kanssa. 1910-luku Moskovan modernin taiteen museo

Naiivien mestareiden töitä yhdistää usein ilon tunnelma ja innostunut näkemys arjesta, kirkkaat värit ja huomio yksityiskohtiin, fiktion ja todellisuuden yhdistelmä.

Monet kotimaisen naiivin klassikot, paitsi ehkä Niko Pirosmani ja Soslanbek Edziev, kävivät ZNUI - Kirjeenvaihtajayliopiston taideyliopiston koulun läpi. Se perustettiin vuonna 1960 Nadezhda Krupskajan mukaan nimettyjen taidekurssien pohjalta; Siellä opettivat Robert Falk, Ilja Mashkov, Kuzma Petrov-Vodkin ja muut kunnioitetut kirjailijat. Juuri ZNUI-koulutus antoi naivisteille mahdollisuuden hankkia teknisiä taitoja sekä ammattimaisen mielipiteen työstään.

Jokainen naiivi taiteilija muodostuu taiteilijaksi tietyssä eristyksessä, pysyy ikuisesti suljettuna omien ideoidensa ja tyylinsä puitteissa ja voi työskennellä ikuisten teemojen parissa koko elämänsä. Pavel Leonovin 1980-luvun ja 1990-luvun lopun teokset eivät siis juurikaan eroa toisistaan: samankaltaiset sävellykset, samanlaiset hahmot, sama todellisuudentaju, lähellä lasta. Paitsi että maalit ovat laadukkaampia ja kankaat kasvavat. Samaa voidaan sanoa suurimmasta osasta naivisteja. He reagoivat erityisesti merkittäviin sosiaalisiin tapahtumiin: he eivät muuta tyyliä ajasta riippuen, vaan lisäävät teoksiinsa vain uusia aineellisia aikakauden merkkejä. Kuten esimerkiksi klassinen naiivi Vladimir Melikhov. Hänen teoksensa "Division" on upea esimerkki naisten asemasta Neuvostoliitossa. Se kuvaa naista, joka on kirjaimellisesti kahdessa paikassa yhtä aikaa: toisella kädellä työskentelemässä tehtaalla ja toisella imettävänä lasta.

Naiivit teemat

Pavel Leonov. Omakuva. 1960. Moskovan modernin taiteen museo

Pavel Leonov. Sadonkorjuu. 1991. Moskovan modernin taiteen museo

Naivistit kääntyvät yleismaailmallisten inhimillisten teemojen puoleen, jotka ovat lähellä kaikkia: syntymää ja kuolemaa, rakkautta ja kotia. Heidän teoksensa ovat aina ymmärrettäviä, sillä taiteilijat yrittävät ilmaista heitä kiihottavat ideat mahdollisimman yksinkertaisesti, syventymättä symboliikkaan ja piilotettuihin merkityksiin.

Yksi ensimmäisistä vahvoista vaikutelmista naiivista taiteilijasta on hänen ulostulonsa kaupunkiin, sosiaaliseen ympäristöön. Naivistit, jotka pääsääntöisesti asuvat maaseudulla, yleensä idealisoivat kaupungin katuja ja aukioita kevyiksi, ilmaviksi ja viehättäviksi. Taiteilijat, kuten Elfriede Milts, ovat erityisesti inspiroituneet teknisistä innovaatioista - erityisesti Moskovan metrosta.

Toisena naiivin taiteen yleisenä teemana voidaan pitää ihmisen kuvaa - muotokuvia ja erityisesti omakuvia. Naivisteilla on tapa tutkia maailmaa persoonallisuutensa, oman ulkonäkönsä ja ympärillään olevien ihmisten ulkonäön kautta. Heitä kiinnostaa myös se, miten ihmisen sisäinen maailma heijastuu hänen ulkonäköönsä. Siksi muotokuvagenren teokset antavat katsojalle mahdollisuuden tutustua naivisteihin lähes henkilökohtaisesti, tutustua heihin sellaisina kuin taiteilijat näkevät itsensä. Naivistien eristäytymistä omaan sisäiseen maailmaansa havainnollistaa esimerkiksi nykytaiteilija Aleksanteri Emelyanovin omakuva. Hän esittää itsensä kokoelmana kuvia ja teemoja, joihin hän suhtautuu.

Melkein kaikki naiivin klassikot tulkitsevat lapsuuden teeman tavalla tai toisella. Naivistit pysyvät aina lapsina, joten tähän ideaan liittyvistä teoksista - koskettavista ja spontaaneista - tulee eräänlainen kontaktipiste menneisyyden lapsen ja nykyajan lapsen välillä, joka edelleen elää taiteilijan sielussa. On huomionarvoista, että naivistit eivät melkein koskaan maalaa itseään lapsen kuvaksi. He keskittyvät ympäröivään maailmaan, muiden lasten muotokuviin, eläinkuviin - siihen, mitä voidaan nähdä aakkosissa.

Svetlana Nikolskaja. Stalin kuoli. 1997. Moskovan modernin taiteen museo

Aleksanteri Lobanov. Omakuva soikeassa kehyksessä Neuvostoliiton vaakunan alla. 1980. Moskovan modernin taiteen museo

Naiivitaiteen seuraava tärkeä teema on juhlan teema. Taiteilijat maalaavat mielellään asetelmia, juhlia, häitä ja juhlia - erityisen usein niitä voi nähdä Niko Pirosmanin, Pavel Leonovin ja Vasily Grigorjevin maalauksissa, joille juhla saa pyhän, eukaristisen merkityksen. Rakkauden juhla, hauskanpito, perhepiirin juhla - jokainen taiteilija löytää tästä teemasta jotain hyvin henkilökohtaista ja arvokasta. Kuten kodin teemassa, perheen tulisija, joka symboloi rauhaa, mukavuutta ja turvallisuutta. Pavel Leonovin teoksissa Neuvostoliiton todellisuus liittyy aina iloon, lomiin ja paraateihin. Leonov jopa kuvaa työtään iloisena ja kirkkaana.

Naivi taide ei kuitenkaan aina ole idyllistä. Esimerkiksi ulkopuolinen taide tai art brut jättää katsojalle usein epämääräisen, levoton tunteen. Näissä teoksissa ei ole harmonista ja täydellistä maailmaa - taiteilijat keskittyvät useimmiten yhteen motiiviin tai aiheeseen ja toistavat sen jokaisessa teoksessa. Klassiselle ulkopuolisen taiteen Aleksanteri Lobanoville tällainen esine oli Mosin-kivääri. Lobanov itse ei koskaan ampunut kivääriä, eikä hänen teoksissaan ole sotaa, ei julmuutta, ei kipua. Tämä esine on kuin esine, vallan ruumiillistuma, aivan kuten aktiivinen Neuvostoliiton symboliikka, joka on läsnä suurimmassa osassa hänen teoksistaan.

Taiteilijoiden keskeisiä filosofisia teemoja ovat syntymä ja kuolema. Naivistit jumalallistavat ihmisen syntymän, sekä fyysisen että henkilökohtaisen, ja vertaavat sitä elämän jumalalliseen alkuperään yleensä. Ja he havaitsevat henkilön poistumisen hänestä jäljellä olevan muistin ja tuskan näkökulmasta. Joten esimerkiksi Svetlana Nikolskajan maalauksessa harmaaseen kontrastiin pukeutuneita ihmisiä on mahdotonta lukea heidän ajatuksiaan tai tunteitaan - he näyttävät kivettyneen.

Klassisen naiivin aikakausi on vähitellen katoamassa. Nykyään niin suljettu ja eristetty naivistien olemassaolo kuin ennen on mahdotonta. Taiteilijoiden tulee olla aktiivisesti mukana taideprosessissa ja ymmärtää, mitä taidemarkkinoilla tapahtuu. Tämä ei ole hyvä eikä huono - vain ajan merkki. Ja sitä arvokkaampi on jokaisen katsojan vetoomus naiiviin taiteeseen, kunnes se katoaa kokonaan.

Portaali "Culture.RF" kiittää vanhempi tutkija hänen avustaan ​​materiaalin valmistelussa MMOMA, NAIV...BUT-näyttelyn kuraattoriryhmän jäsen Nina Lavrishcheva ja työntekijä Venäjän suositun printin ja naivistin museo Maria Artamonova.

Istun kahvilassa. Vanhempi nainen istuu pöytääni - on selvää, että hänellä ei ole juurikaan tuloja. Hän ottaa esiin A3-arkkeja ja hiiltä. "Haluatko, että piirrän sinut?" En ole samaa mieltä, mutta en myöskään kieltäydy – se on mielenkiintoista. Nainen mutisee jotain hengityksensä alla, piirtää kirjaimellisesti muotokuvani 5 minuutissa ja tarjoaa minulle sen - ei tietenkään ilmaiseksi. Pari minuuttia myöhemmin kävelen jo kohti metroa, kädessäni paperiarkkia, jossa on hyvin primitiivinen kuva minusta. Maksoin siitä viisikymmentä ruplaa.

Tämä nainen sai minut muistamaan naiivin taiteen. Encyclopedia of Art antaa seuraavan määritelmän tälle genrelle: ”perinteistä kansankäsityöläisten ja itseoppineiden taiteilijoiden taidetta, joka säilyttää lapsellisen tuoreuden ja maailmannäkemyksen spontaanisuuden”. Ehkä olet törmännyt näihin maalauksiin - yksinkertaisia, vilpittömiä, näyttää siltä, ​​​​että ne on maalannut lapsi, mutta itse asiassa kirjoittaja kuuluu aikuiselle. Useimmiten nämä ovat jopa vanhuksia. Heillä on oma ammattinsa - pääsääntöisesti työ. He asuvat kylissä ja käyvät töissä joka päivä. Naiivitaide on melko vanha liike. Vielä 1600-luvulla ei-ammattitaiteilijat loivat omia "armottomasti totuudenmukaisia" muotokuvia, ja 1900-luvulla naiivi taide nousi omaksi suunnaksi, vapaaksi akateemisista säännöistä ja normeista.

Naiivin maalauksen esi-isänä pidetään ikonografiaa. Kun olet nähnyt tällaiset kuvakkeet, erotat ne helposti perinteisistä. Ne ovat suhteettomia, primitiivisiä, ikään kuin jopa huolimattomia. Kaikkia näitä ominaisuuksia voidaan soveltaa mihin tahansa naiivin taiteen maalaukseen, ei vain ikoneihin.

Yksi näkyvimmistä edustajista naiivi -. Häntä pidetään myös naiivin taiteen perustajana. Rousseau kirjoitti ensimmäisen teoksensa 42-vuotiaana - hän työskenteli tullivirkailijana ja aloitti kirjoittamisen vasta jäätyään eläkkeelle. Näillä taiteilijoilla ei ole aikaa olla luovia ammattimaisesti, eivätkä he haluakaan. Joskus he vain piirtävät vapaa-ajallaan mitä näkevät. "Omenanpoiminta", "Puimaus", "Myrskyinen joki", "Valkoiset kankaat" - nämä ovat naiivien taiteilijoiden maalausten nimet.

Rousseaun työtä usein pilkattiin ja kritisoitiin ankarasti, varsinkin aluksi. Ja taiteilija saavutti laajan suosion sen jälkeen, kun Camille Pissarro tuotiin yhteen hänen maalauksistaan ​​- he halusivat viihdyttää häntä, ja mestari alkoi ihailla taiteilijan tyyliä ja ylistää maalausta. Se oli "Karnevaaliilta", 1886.

Maiseman yksityiskohdat olivat liian huolellisesti piirrettyjä, ja suunnitelmien rakentaminen huvitti yleisöä, mutta juuri tämä ilahdutti Pissaroa.

Toinen, yhtä kuuluisa naiivitaiteilija, on Georgian Niko Pirosmani. 1900-luvun alussa, kun Pirosmani alkoi aktiivisesti harjoittaa taidetta, hän maalasi kotitekoisilla maaleilla öljykankaille - valkoisille tai mustille. Kun näitä värejä oli tarpeen kuvata, taiteilija jätti öljykankaat yksinkertaisesti maalaamatta - ja näin hän kehitti yhden päätekniikoistaan.

Pirosmani rakasti eläinkuvaamista, ja hänen ystävänsä sanoivat, että hän itse piirsi näissä eläimissä. Ja itse asiassa kaikkien Pirosmanin eläinten "kasvot" muistuttavat vain vähän oikeita eläinten kasvoja, ja niillä kaikilla on sama ilme: surullinen ja puolustuskyvytön, olipa kyseessä "Kirahvi" (1905) tai "Karhu kuutamoisessa yössä" (1905). ).

Niko Pirosmani kuoli kodittomassa köyhyydessä nälkään ja puutteeseen. Ja tämä siitä huolimatta, että hänellä oli silloin tällöin töitä suunnitella kylttejä julkisiin ravintoloihin.

Suurin osa naiiveista edustajista ei tienaa taiteellisella luovuudellaan rahaa, vaan jättää siihen parhaimmillaan pari tuntia päivässä harrastuksena. Tämä ei tee sinusta ammattia - tämä tekee naiiveista taiteilijoista erillisen kastin. Tämä on erittäin rehellistä taidetta, sydämeni pohjasta - taiteilijaan ei kohdistu tilausten painetta, ei taloudellista riippuvuutta luovuudesta. Hän yksinkertaisesti piirtää, koska hän rakastaa sitä - sadonkorjuuta, matchmaking rituaaleja ja kotijokeaan metsässä. Hän rakastaa ja kehuu parhaansa mukaan.

Romanialainen naiivitaiteilija osaa tehdä tämän hyvin erikoisella tavalla. Hänen teoksensa ovat samanlaisia ​​kuin lastenkirjojen kuvitukset – ne ovat värikkäitä, ystävällisiä ja upeita. Daskalu eroaa monista naiivin taiteilijoista siinä, että hän kuvaa fantasia-aiheita tavallisten elämäntilanteiden sijaan. Siellä on kengästä tehty talo, liliputit jättiläisillä ja lentäviä yksisarvisia. Samaan aikaan hänen maalauksensa eivät koskaan lakkaa olemasta yksinkertaisia ​​- sekä muodoltaan että sisällöltään. Niitä katsellessa haluat lukea uudelleen suosikkisatujasi ja haaveilla vähän.

Naivi sisältää itseoppineen luovuuden ja amatööritaiteen. "Naiivi" ei tarkoita "tyhmää" tai "kapeakatseista". Se on pikemminkin vastakohta ammattitaiteeseen. Naiivitaiteen taiteilijoilla ei ole ammatillisia taiteellisia taitoja. Tämä on heidän eronsa primitivismin taiteilijoihin: he, jotka olivat ammattilaisia, tyylitelivät teoksensa "kyvyttömiksi" ja yksinkertaisiksi. Ja mikä tärkeintä, naiivit taiteilijat eivät pyri maalaamaan kaanonien mukaan, ammattimaisesti. He eivät halua kehittää taidettaan ja tehdä siitä ammattiaan. Naiivit taiteilijat maalaavat maailmaa ei niin kuin opettavat, vaan sellaisena kuin he sen tuntevat.

Aluksi minusta tuntui, että naiivi taide oli kuin roskaa. Olin niin iloinen tästä vertailusta - siitä tuli erittäin värikäs ja kirkas. Mutta kun selvitin asian, tajusin, että olin väärässä. Naiivitaide on hyvin kevyttä, mutta "valurautaista vakavaa". Siinä, toisin kuin emäksissä, ei ole huumoria, groteskisuutta tai karikatyyriä - vaikka ensi silmäyksellä se näyttää täysin erilaiselta. Naiivisuudessa kirjoittajalla on aina innostunut käsitys siitä, mitä hän kuvaa. Ja missä ei ole iloa, ei ole naiivia taidetta - he eivät yksinkertaisesti näytä näitä elämän alueita. Naiivius on vilpitöntä ihailua.

Moskovassa on Naiivin taiteen museo - sen työntekijät tekevät vakavaa työtä kerätäkseen näyttelyitä ja kommunikoivat tekijöiden kanssa. Nyt museossa on noin 1500 teosta, mutta esillepanotilaa on vähän, joten näyttelyt vaihtuvat lähes joka kuukausi.

Tämä teksti ei kerro kaikkea naiivin taiteilijoista, mutta antaa sen ainakin kiinnostaa ja inspiroida sinua menemään museoon tai selaamaan näitä naiiveja kuvia hakukoneella. Nämä aikuiset taiteilija-unelmoijat ansaitsevat yksinkertaisen huomion - tosin ilman ihailua ja maailmantunnustusta, mutta yritetään ainakin tuntea heidät.

”Minussa syntyi halu öljymaaleilla maalaamiseen. En ollut koskaan aikaisemmin maalannut niitä: ja sitten päätin kokeilla niitä ja piirsin itsestäni muotokuvan kankaalle”, Tulan aatelismies Andrei Bolotov kirjoitti päiväkirjaansa syksyllä 1763. Yli kaksi ja puoli vuosisataa on kulunut, ja "maalauksen metsästys" voittaa edelleen aikalaisiamme. Ihmiset, jotka eivät ole koskaan käsineet kynää ja sivellintä, valtaavat yhtäkkiä vastustamaton intohimo kuvataiteeseen.

Uuden suunnan syntyminen

1900-luvun - 2000-luvun alun naiivi taide eroaa huomattavasti edellisten vuosisatojen primitiivistä taidetta. Syyt tähän, kummallista kyllä, ovat "tieteellisen" taiteen kehityksessä. 1800-luvun lopulla johtavat eurooppalaiset mestarit olivat erittäin tietoisia nykykulttuurinsa "väsymyksestä". He yrittivät saada elinvoimaa raa'asta, primitiivisestä maailmasta, joka oli olemassa menneisyydessä tai säilyi edelleen planeetan syrjäisissä osissa. Paul Gauguin oli yksi ensimmäisistä, jotka seurasivat tätä polkua. Kieltäytyessään rappeutuneen eurooppalaisen sivilisaation eduista, taiteilija yritti rinnastaa "primitiivisen" elämän "primitiiviseen" luovuuteen, ja hän halusi tuntea olevansa henkilö, jonka suonissa virtaa villin veri. "Täällä, lähellä majaani, täydellisessä hiljaisuudessa, haaveilen rehevistä harmonioista luonnon huumaavien tuoksujen joukossa", Gauguin kirjoitti vierailustaan ​​Tahitilla.

Monet viime vuosisadan alun mestarit kävivät läpi kiehtovan primitiivisyyden: Henri Matisse keräsi afrikkalaisia ​​veistoksia, Pablo Picasso hankki ja ripusti näkyvälle paikalle ateljeestaan ​​Henri Rousseaun muotokuvan, Mikhail Larionov näyttelyssä "Target" esitti. julkisia askartelukylttejä, Niko Pirosmanašvilin töitä ja lasten piirustuksia.

Alkukantaisilla taiteilijoilla on 1910-luvulta lähtien ollut mahdollisuus esitellä teoksiaan ammattitaiteilijoiden teosten rinnalla. Tämän seurauksena primitiivissä tapahtui dramaattinen muutos: se tajusi oman taiteellisen arvonsa ja lakkasi olemasta perifeerisen kulttuurin ilmiö. Primitiivisen yksinkertaisuus on tulossa yhä enemmän kuvitteelliseksi. Vähän ennen kuolemaansa Rousseau myönsi: "Säilytin naivisuuteni... Nyt en voinut enää muuttaa kirjoitustyyliäni, jonka sain kovalla työllä."

Tällä hetkellä naiivi taide nousee esiin erityisenä taiteellisena ilmiönä, joka eroaa primitiivistä taiteesta. Usein naiivien taiteilijoiden työ määritellään epäammattimaiseksi taiteeksi, mikä korostaa akateemisen taiteellisen koulutuksen puutetta. Mutta tämä ei selvästikään riitä ymmärtämään sen eroa amatöörityöstä ja käsityöstä. "Naiivi" siirtää painopisteen tuloksesta sisäisiin syihin. Tämä ei ole vain "epätieteellinen", vaan myös "yksinkertainen", "kevyttelemätön" - suora, erottumaton, heijastamaton todellisuudentaju.

Erottuvia ominaisuuksia

Itseoppinut taiteilija itseilmaisua etsiessään kääntyy tiedostamatta lasten luovuuden muotoihin - muotoihin, litistyneeseen tilaan, koristeellisuuteen luomansa uuden maailman pääelementteinä. Aikuinen ei voi piirtää kuin lapsi, mutta hän voi hahmottaa ympäristönsä suoraan kuin lapsi. Naiivin taiteen erottuva piirre ei ole taiteilijan luomuksissa, vaan hänen tietoisuudessaan. Tekijä kokee maalauksen ja siinä kuvatun maailman todellisuutena, jossa hän itse on olemassa. Mutta hänen visionsa eivät ole yhtä todellisia taiteilijalle: ”Se, mitä haluan kirjoittaa, on aina mukanani. Näen tämän kaiken heti kankaalla. Esineet pyytävät heti kankaalle, valmiina sekä väriltään että muodoltaan. Kun työskentelen, viimeistelen kaikki esineet, kunnes harjan alla tunnen niiden elävän ja liikkuvan: eläimet, hahmot, vesi, kasvit, hedelmät ja koko luonto” (E. A. Volkova).

Kuvattujen esineiden prototyypit ovat olemassa tekijän mielikuvituksessa materialisoituneiden, mutta elottomien haamujen muodossa. Ja vasta kuvan valmistumisen aikana niistä tulee animoituja. Tämä kankaalle luotu elämä on uuden myytin synty.

// pichugin2

Naiivi taiteilija ei kuvaa niinkään mitä hän näkee, vaan sitä, mitä hän tietää. Halu välittää ajatuksiaan asioista, ihmisistä, maailmasta, heijastaa elämänkulun tärkeimpiä hetkiä, johtaa tahtomattaan mestarin kaavamaisuuteen ja selkeyteen - tilaan, jossa mitä yksinkertaisempia asioita ne ovat, sitä merkityksellisempiä ne ovat.

Järvi ankoilla, työt pelloilla ja puutarhoissa, vaatteiden pesu, poliittinen mielenosoitus, hääjuhla. Ensi silmäyksellä maailma on tavallinen, tavallinen, jopa hieman tylsä. Mutta katsotaanpa tarkemmin näitä yksinkertaisia ​​kohtauksia. Ne kertovat tarinaa ei niinkään arjesta kuin olemisesta: elämästä ja kuolemasta, hyvästä ja pahasta, rakkaudesta ja vihasta, työstä ja juhlista. Tietyn jakson kuvausta ei pidetä tässä hetken fiksaationa, vaan rakentavana tarinana kaikille ajoille. Taiteilija kirjoittaa kömpelösti yksityiskohtia, ei pysty erottamaan pääasiallista toissijaisesta, mutta tämän sopimattomuuden takana syntyy maailmankatsomusjärjestelmä, joka hylkää täysin sattumanvaraisen, hetkellisen. Kokemattomuus muuttuu oivallukseksi: haluten kertoa yksityisestä naiivi taiteilija puhuu muuttumattomasta, ikuisesti olemassa olevasta, horjumattomasta.

Naiivitaide yhdistää paradoksaalisesti taiteellisten ratkaisujen odottamattomuuden ja vetovoiman rajalliseen teema- ja aihealueeseen lainaten kerran löydettyjä tekniikoita. Tämä taide perustuu toistuviin elementteihin, jotka vastaavat universaaleja ihmisideoita, tyypillisiä kaavoja, arkkityyppejä: avaruus, alku ja loppu, kotimaa (menetetty paratiisi), runsaus, loma, sankari, rakkaus, suuri peto.

Mytologinen perusta

Mytologisessa ajattelussa ilmiön olemus ja alkuperä ovat identtisiä. Matkallaan myytin syvyyksiin naiivi taiteilija tulee alun arkkityyppiin. Hän tuntee olevansa lähellä ensimmäistä ihmistä, joka löytää maailman uudelleen. Asiat, eläimet ja ihmiset ilmestyvät hänen kankailleen uudessa, tunnistamattomassa muodossa. Kuten Adam, joka antaa nimet kaikelle olemassa olevalle, naiivi taiteilija antaa tavalliselle uuden merkityksen. Taivaallisen autuuden teema on hänelle läheinen ja ymmärrettävä. Taiteilija ymmärtää idyllin alkuperäisenä tilana, joka on annettu ihmiselle syntymästä lähtien. Naiivi taide näyttää palauttavan meidät ihmiskunnan lapsuuteen, autuaaseen tietämättömyyteen.

Mutta syksyn teema ei ole yhtä laajalle levinnyt. "Paratiisista karkottaminen" -juonen suosio osoittaa tietyn perheyhteyden olemassaolon ensimmäisten ihmisten myytin ja naiivin taiteilijan kohtalon, hänen maailmankuvansa ja henkisen historiansa välillä. Karkotetut, taivaan lumpen - Aadam ja Eeva - tuntevat akuutisti autuuden menetyksen ja ristiriidan todellisuuden kanssa. He ovat lähellä naiivia taiteilijaa. Loppujen lopuksi hän tietää lapsuuden seesteisyyden, luomisen euforian ja maanpaon katkeruuden. Naiivitaide paljastaa terävästi ristiriidan taiteilijan halun ymmärtää ja selittää maailmaa ja halun tuoda siihen harmoniaa, herättää henkiin menetetty koskemattomuus.

"Menennetyn paratiisin" tunne, joka on usein hyvin vahva naiivissa taiteessa, pahentaa taiteilijan henkilökohtaisen turvattomuuden tunnetta. Tämän seurauksena kankaille ilmestyy usein suojaavan sankarin hahmo. Perinteisessä myytissä sankarin kuva personoi harmonisen periaatteen voiton kaaoksesta.

Naiivien taiteilijoiden teoksissa suosituista grafiikoista tunnettu voittaja - Ilja Muromets ja Anika Soturi, Suvorov ja Kaukasuksen valloittaja kenraali Ermolov - saa sisällissodan sankarin Tšapajevin ja marsalkka Žukovin piirteet. . Kaikki ne ovat tulkintoja käärmetaistelijan kuvasta, joka on tallennettu geneettisen muistin syvyyksiin, ja palaavat lohikäärmeen surmaavan Pyhän Yrjön ikonografiaan.

Soturi-puolustajan vastakohta on kulttuurisankari-demiurgi. Lisäksi tässä tapauksessa painopiste siirtyy ulkoisesta toiminnasta sisäiseen tahdon ja hengen jännitteeseen. Demiurgin roolia voi esittää mytologinen hahmo, esimerkiksi Bacchus, joka opetti ihmisille viininvalmistusta, tai kuuluisa historiallinen henkilö - Ivan Julma, Pietari I tai Lenin, joka personoi ajatuksen autokraatista, maan perustajasta. tila tai mytologisiin sävyihin viitaten esi-isä.

Mutta runoilijan kuva on erityisen suosittu naiivissa taiteessa. Useimmiten käytetään samaa sävellystekniikkaa: istuva hahmo kuvataan paperinpala ja kynä tai runokirja kädessään. Tämä universaali kaava toimii runollisen inspiraation kaavana, ja takki, leijonakala, husaarimantik tai pusero toimivat "historiallisina" yksityiskohdina, jotka vahvistavat tapahtuman syvän aitouden. Runoilijaa ympäröivät runojen hahmot, hänen luomansa maailman tila. Tämä kuva on erityisen läheinen naiiville taiteilijalle, koska hän näkee aina itsensä kuvauniversumissa sankariensa vieressä kokemassa luojan inspiraatiota yhä uudelleen ja uudelleen.

Neuvostoliiton ideologialla oli suuri vaikutus monien naiivien taiteilijoiden työhön. Mytologisiin malleihin rakennettu se muodosti kuvia "uuden aikakauden alusta" ja "kansojen johtajista" ja korvasi elävän kansanjuhlan Neuvostoliiton rituaaleilla: viralliset mielenosoitukset, seremonialliset kokoukset ja seremoniat, tuotannon johtajien palkinnot ja vastaavaa.

Mutta naiivin taiteilijan siveltimellä kuvatut kohtaukset muuttuvat joksikin enemmän kuin "neuvostoliiton elämäntavan" kuviksi. Monista maalauksista rakentuu ”kollektiivisen” ihmisen muotokuva, jossa persoonallisuus hämärtyy ja työnnetään taustalle. Figuurien mittakaava ja asentojen jäykkyys korostaa johtajien ja joukon välistä etäisyyttä. Tämän seurauksena vapauden tunne ja tapahtuman keinotekoisuus tulevat selvästi esiin ulkoisen ääriviivan kautta. Joutuessaan kosketuksiin naiivin taiteen vilpittömyyden kanssa ideologiset haamut muuttuvat vastoin tekijöiden tahtoa hahmoiksi absurdin teatterissa.

// Pichugin

Naiiviuden ydin

Naiivissa taiteessa on aina mallin kopioimisen vaihe. Kopiointi voi olla vaihe taiteilijan yksilöllisen tyylin tai tietoisen itsenäisen tekniikan kehittämisessä. Tämä tapahtuu usein esimerkiksi luotaessa muotokuvaa valokuvasta. Naiivilla taiteilijalla ei ole ujoutta "korkean" standardin edessä. Häntä katsellessaan kokemus vangitsee, ja tämä tunne muuttaa kopion.

Aleksei Pichugin ei lainkaan hämmentynyt tehtävän monimutkaisuudesta, ja hän esittää "Pompejin viimeinen päivä" ja "The Morning of the Streltsy Execution" maalatussa puisessa reliefissä. Melko tarkasti sävellyksen yleisiä ääriviivoja seuraten Pichugin fantasioi yksityiskohtaisesti. Pompejin viimeisenä päivänä vanhaa miestä kantavan soturin päässä oleva roomalainen kypärä muuttuu pyöreälieriseksi hatuksi. "Streltsyn teloituksen aamuna" teloituspaikan lähellä oleva asetustaulu alkaa muistuttaa koulutaulua - valkoisella tekstillä mustalla taustalla (Surikovissa se on maalaamattoman puun väri, mutta tekstiä ei ole ollenkaan ). Mutta mikä tärkeintä, teoksen yleinen maku muuttuu dramaattisesti. Tämä ei ole enää synkkä syysaamu Punaisella torilla tai eteläinen yö, jota valaisevat virtaavan laavan välähdys. Värit muuttuvat niin kirkkaiksi ja tyylikkäiksi, että ne ovat ristiriidassa juonen dramaattisuuden kanssa ja muuttavat teosten sisäistä merkitystä. Aleksei Pichuginin kääntämät kansantragediat muistuttavat enemmän messujuhlia.

Mestarin "luova alemmuuskompleksi", joka oli yksi "vanhan" primitiivin houkuttelevimmista puolista, on nykyään lyhytikäinen. Taiteilijat huomaavat nopeasti, että heidän vähemmän taitavilla luomuksilla on oma viehätyksensä. Tahattomia syyllisiä tähän ovat taidekriitikot, keräilijät ja media. Tässä mielessä naiivin taiteen näyttelyillä on paradoksaalisesti tuhoisa rooli. Harvat ihmiset onnistuvat, kuten Rousseau, "säilyttää naivisuutensa". Joskus eilisen naiivit ihmiset - tietoisesti tai tiedostamatta - lähtevät oman menetelmänsä harjoittamisen polulle, alkavat tyylitellä itsekseen, mutta useammin he joutuvat taidemarkkinoiden väistämättömien elementtien vetämänä massakulttuurin syleilyyn, laajaan. kuin portit.