Musiikki-instrumentteja kuvaavia maalauksia on valtava määrä. Taiteilijat kääntyivät samankaltaisten aiheiden pariin eri historiallisina aikakausina: muinaisista ajoista nykypäivään.
Bruegel vanhin, Jan
HUHU (fragmentti). 1618
Soitinten kuvien yleinen käyttö taideteoksissa johtuu musiikin ja maalauksen läheisestä yhteydestä.
soittimet taiteilijoiden maalauksissa ei vain antaa käsityksen asiasta kulttuurielämään aikakausi ja sen ajan soittimien kehitys, mutta myös niillä on tietty symbolinen merkitys.
Melozzo
kyllä Forli
Enkeli
1484
Pitkään on uskottu, että rakkaus ja musiikki liittyvät erottamattomasti toisiinsa. Ja soittimet on liitetty rakkauden tunteisiin vuosisatojen ajan.
Keskiaikainen astrologia piti kaikkia muusikoita ”Venuksen”, rakkauden jumalattaren, lapsina. Runsaasti lyyrisiä kohtauksia taiteilijoilta eri aikakausilta soittimilla on tärkeä rooli.
Jan Mens Molenaar
Nainen selkärangan takana
17. vuosisadalla
Musiikki on pitkään yhdistetty rakkauteen, mistä on osoituksena 1600-luvun hollantilainen sananlasku: "Opi soittamaan luuttua ja spinettiä, sillä kielet voivat varastaa sydämiä."
Andrea Solario
Nainen luuttu kanssa
Joissakin Vermeerin maalauksissa musiikki esiintyy pääteema. Soittimien esiintyminen näiden maalausten kohteissa tulkitaan hienovaraiseksi vihjeeksi hienostuneesta ja romanttinen suhde sankareita.
"The Music Lesson" (kuninkaallinen kokoelma, St. James's Palace).
Neitsyt, eräänlainen cembalo, oli erittäin suosittu kotisoiton soittimena. Kuvan tarkkuuden perusteella asiantuntijat pystyivät päättelemään, että se on valmistettu Rückersin työpajassa Antwerpenissä, joka on kuuluisa kaikkialla maailmassa. Neitsyen kannessa oleva latinalainen kirjoitus kuuluu: "Musiikki on ilon kumppani ja parantaja suruissa."
Musiikkia soittavista ihmisistä tulee usein maalausten hahmoja ranskalainen maalari, rokokootyylin perustaja Jean Antoine Watteau.
Watteaun teoksen päägenre on "uljaat juhlat": aristokraattinen yhteiskunta,
sijaitsee luonnon sylissä, kiireinen puhuminen, tanssiminen, musiikin soittaminen ja flirttailu
Samanlainen kuvapiiri oli erittäin suosittu luovia piirejä Ranska. Tästä on osoituksena se, että joillakin Watteaun maalauksilla on samat nimet kuin säveltäjä François Couperinin cembaloteoksilla. ranskalainen säveltäjä, taiteilijan nykyaikainen. Herkät asiantuntijat arvostivat paitsi Watteaun maalauksellisuutta myös hänen musikaalisuuttaan. "Watteau kuuluu F. Couperinin ja C.F.E.:n piiriin. Bach, totesi suuri filosofi Oswald Spenglerin taide (Liite II).
Myös musiikki-instrumentit voidaan yhdistää mytologisiin hahmoihin.
Monet soittimet symboloivat muusoja ja ovat niiden välttämättömiä ominaisuuksia. Joten Cliolle historian muusat ovat trumpetti; Euterpelle (musiikki, lyriikka) - huilu tai jokin muu musiikki-instrumentti; Talialle (komedia, pastoraalinen runous) - pieni alttoviulu; Melpomenelle (tragedia) - bugle; Terpsichorelle (tanssi ja laulu) - alttoviulu, lyyra tai muu kielisoitin;
Eratolle (lyyrinen runous) - tamburiini, lyyra, harvemmin kolmio tai alttoviulu; Calliopelle (eeppinen runous) - trumpetti; Polyhymnia (sankarilaulut) - kannettava urut, harvemmin - luuttu tai muu soitin.
Kaikilla muusoilla, paitsi Uranialla, on soittimia symbolien tai ominaisuuksien joukossa. Miksi? Tämä selittyy sillä, että muinaisina aikoina laulettiin eri tyylilajeja olevia runoja, jotka sisälsivät tavalla tai toisella musiikillisen elementin. Siksi eri runotyyppejä holhoavilla muusoilla oli jokaisella oma instrumenttinsa.
Dirk Hals
Muusikot
XVI vuosisadalla
Soittimien symbolinen merkitys liittyy juuri näihin hahmoihin. Esimerkiksi harppu sisään eurooppalaista kulttuuria Keskiaika ja renessanssi yhdistettiin vahvasti legendaariseen psalmien kirjoittajaan, raamatulliseen kuningas Daavidiin. Suuri kuningas, poliitikko, soturi oli ja suurin runoilija ja muusikko, pyhä Augustinus selitti Raamatun kymmenen käskyn merkityksen Daavidin harpun kymmenen kielen symboliikan kautta. Maalauksissa David kuvattiin usein paimenena, joka soittaa tätä instrumenttia.
Jan de Bray. David soittaa harppua. 1670
Tämä tulkinta raamatullinen tarina toi kuningas Daavidin lähemmäksi Orpheusta, joka rauhoitti eläimiä soittamalla lyyraa.
(C) Kultainen harppu oli kelttiläisen jumalan Dagdan ominaisuus. Keltit sanoivat, että harppu pystyi tuottamaan kolme pyhää melodiaa. Ensimmäinen melodia on surun ja hellyyden melodia. Toinen on unta herättävä: sitä kuunnellessa sielu täyttyy rauhan tilassa ja vaipuu uneen. Harpun kolmas melodia on melodia ilosta ja kevään paluusta
Pyhissä lehdoissa harpun soidessa druidit, kelttien papit, puhuivat jumalia, lauloivat heidän loistavista teoistaan ja suorittivat rituaaleja. Taistelujen aikana bardit pienillä harpuilla, jotka oli kruunattu vihreillä seppeleillä, kiipesivät kukkuloille ja lauloivat sotalauluja juurruttaen rohkeutta sotureisiin.
Kaikista maailman maista vain Irlannin vaakunassa on soitin. Tämä on kultainen harppu hopeisilla kieleillä. Pitkän aikaa harppu oli heraldinen symboli Irlanti. Vuodesta 1945 lähtien se on ollut myös vaakuna
W. Bosch - "Maallisten ilojen puutarha" -
tämän soittimen kieleissä on kuva ristiinnaulitusta miehestä. Tämä luultavasti heijastaa ajatuksia merkkijonojännitteen symboliikasta, joka ilmaisee samanaikaisesti rakkautta ja jännitystä, kärsimystä, shokkia, jonka ihminen kokee maallisen elämänsä aikana
Kristinuskon ja sen leviämisen myötä pyhät kirjat Taiteilijat kuvaavat usein enkeleitä soittimilla. Soittimia soittavia enkeleitä esiintyy 1100-luvun englanninkielisissä käsikirjoituksissa. Tulevaisuudessa tällaisten kuvien määrä kasvaa jatkuvasti.
Enkelien käsissä oleva lukuisat soittimet antavat käsityksen niiden muodosta ja ulkonäöstä, niiden yhdistelmien erityispiirteistä ja antavat myös mahdollisuuden tutustua siihen aikaan olemassa oleviin musiikkikokoonpanoihin.
Renessanssin aikana tulee " hienoin tunti"enkeleille. Maalauksen mestarit saavat yhä enemmän inspiraatiota näistä täydellisistä ja harmonisista olennoista.
Jumalaa ylistävät kohtaukset muuttuvat renessanssin taiteilijoiden teoksissa todellisiksi enkelikonserteiksi, joista voi opiskella musiikillista kulttuuria tuon ajan. Urut, luuttu, viulu, huilu, harppu, dummi, pasuuna,viola da gamba...Tämä ei ole täydellinen luettelo enkelien soittamista soittimista.
Piero della Francesca.
Joulu. Lontoo. Kansallisgalleria. 1475
musiikki-instrumenttien kuvat voidaan jakaa useisiin ryhmiin:
1) soittimia käytetään lyyrisessä juonessa;
2) soittimien kuvalla on yhteys mytologiaan, esimerkiksi muinaiseen, jossa ne symboloivat muusoja ja ovat niiden välttämättömiä ominaisuuksia:
3) Kristinuskoon liittyvissä tarinoissa soittimet personoivat useimmiten ylevimpiä ajatuksia ja kuvia ja täydentävät Raamatun historian huipentumahetkiä;
4) työkalujen kuvat antavat myös käsityksen instrumentaaliset yhtyeet ja musiikintekotekniikat,
olemassa vuonna historiallinen ajanjakso kuvan luominen;
5) usein tiettyjen soittimien kuva kantaa mukanaan filosofisia ajatuksia, kuten esimerkiksi Vanitas-teeman asetelmissa;
6) soittimien symboliikka voi muuttua taiteilijan tarkoituksen ja kuvan yleisen sisällön (kontekstin) mukaan, kuten esimerkiksi Boschin maalauksessa "Maallisten ilojen puutarha".
kiehtovaa Voi ja toisinaan taiteen salaperäinen puoli.
Loppujen lopuksi monet vintage soittimia, musiikkiyhtyeitä, pelin tekniikat näkyvät nyt vain maalauksissa.
Hendrik van Balen
Apollo ja muusat
Judith Leyster
Nuori huilisti
1635
Nainen harpun kanssa
1818
John Melush Stradwick Vespers
1897
Jean van Biglert
Konsertti
E. Degas
Fagotti (fragmentti)
LUKU 2. Kitara valloittaa Euroopan
1600-luvulla kitara jatkoi Euroopan valloitusta.
Yksi tuon ajan kitaroista kuuluu kuninkaalliseen museoon musiikkiopisto Lontoossa. Tietty Melchior Diaz loi sen Lissabonissa vuonna 1581.
Tämän kitaran rakenteessa on piirteitä, joita musiikki-instrumenttien mestarit toistavat teoksissaan yli kahden vuosisadan ajan.
Italialainen battente-kitara 1600-luvulta Milanon Sforzan linnan kokoelmasta.
Kaikki tuon ajan kitarat olivat runsaasti koristeltuja. Tällaisen hienon esineen valmistamiseksi käsityöläiset käyttävät arvokkaita materiaaleja: harvinaisia puulajeja (erityisesti musta - eebenpuu), norsunluuta, kilpikonnankuori. Alataso ja sivut on koristeltu upotuksilla. Yläosa päinvastoin pysyy yksinkertaisena ja on valmistettu havupuusta (useimmiten kuusesta). Jotta tärinää ei tukahduttaisi, vain resonaattorin reikä ja rungon reunat koko sen kehältä leikataan puumosaiikeilla.
Main koristeellinen elementti– kohokuvioidusta nahasta valmistettu ruusuke. Tämä pistorasia ei vain kilpaile koko kaapin kauneudesta kokonaisuutena, vaan myös pehmentää tuotettuja ääniä. On selvää, että näiden ylellisten soittimien omistajat eivät olleet kiinnostuneita niinkään voimasta ja voimasta, vaan äänen hienostuneisuudesta.
Yksi ensimmäisistä säilyneistä esimerkeistä 1600-luvun kitaroista on Pariisin konservatorion soitinmuseon kokoelmassa. Siinä on mestarin nimi, venetsialainen Cristofo Coco, sekä päivämäärä - 1602. Tasainen runko on kokonaan valmistettu norsunluulevyistä, jotka on kiinnitetty kapeilla ruskeilla puukaistaleilla.
Augustine Quesnel kitaristi 1610
1600-luvulla Espanjasta tuotu razgueado-tyyli, jossa se oli suosittu, levisi suureen osaan Eurooppaa. Kitara menettää sen heti tärkeä, joka hänellä oli aiemmin vakaville muusikoille. Tästä lähtien sitä käytetään vain säestyksenä, jotta "laulaa, soittaa, tanssia, hypätä... leimata", kuten Louis de Bricenot kirjoittaa "Methodinsa" (Pariisi, 1626) esipuheessa.
Bordeaux-teoreetikko Pierre Trichet huomauttaa myös pahoitellen (noin 1640): "Kitara tai guiterna on laajalti käytetty soitin ranskalaisten ja italialaisten keskuudessa, mutta erityisesti espanjalaisten keskuudessa, jotka käyttävät sitä yhtä hillittömästi kuin mikä tahansa kansakunta." Hän palvelee musiikillinen säestys tansseja, jotka tanssivat "nykimällä koko kehoa, elehtien absurdisti ja hauskasti, niin että soittimen soittaminen tulee epäselväksi ja hämmentäväksi". Ja närkästynyt siitä, mitä hänen täytyy havaita, Pierre Trichet jatkaa: ”Ranskassa naiset ja kurtisaanit, jotka tuntevat espanjalaisen muotin, yrittävät matkia sitä. Tässä he muistuttavat niitä, jotka sen sijaan, että söisivät hyvin oma koti, menee naapurin luo syömään laardia, sipulia ja mustaa leipää."
David Teniers nuorempi kitaristi
Mattia Pretty -konsertti 1630-luku
Tästä huolimatta kitara on edelleen suosittu Ranskassa. Kitaraa käytetään helposti baletteissa. "Saint-Germain Forestin keiju" (1625) ja "The Rich Widow" (1626) -elokuvassa - suuremman varmuuden vuoksi espanjalaisiin pukuihin pukeutuneet muusikot soittavat kitaraa. Ensimmäisessä baletissa chaconnen soittajat "sopeuttavat kitaroidensa äänet jalkojensa kettereihin liikkeisiin". Toisessa, jonka Hänen Majesteettinsa asetti sisään Suuri sali Louvre, entre grenadiers avautuvat myös kitaran säestyksellä. Mercure de Francen mukaan tässä esityksessä Ludvig XIII itse oli säestänyt kahta sarabantitanssijaa kitaralla.
Gerrit van Honthorst soittaa kitaraa 1624
Jan Vermeer kitaristi 1672
Keskellä XVII vuosisadalla alkaa uusi aikakausi kitaran kukoistus. Ja tällä kertaa päivitys tulee Ranskasta. Kitaransoiton opetukseen nuorille ranskan kuninkaalle Kuuluisa opettaja ja muusikko Francesco Corbetta kutsutaan oikeuteen (1656). Uskaltamatta väittää (toisin kuin jotkut hoviherrat), että kahdeksassatoista kuukaudessa Ludvig XIV ylitti opettajansa, ei voi kuitenkaan olla epäilystäkään kuninkaan todellisesta intohimosta soitinta kohtaan. Hänen hallituskautensa aikana kitarasta tuli jälleen aristokratian ja säveltäjien suosikki. Taas kerran kitaramuoti valloittaa koko Euroopan.
Kaiverrus vanhan Pieces for Guitar -julkaisun kannesta. 1676
Francisco Goya -tanssi joen rannalla 1777
Francisco Goya The Blind kitaristi 1788
Ramon Bayeux Nuori mies kitaran kanssa. 1789 Prado-museo. Madrid
Ludvig XIV:n (k. 1715) hallituskauden loppupuolella kitaran historiassa tapahtui käännekohta – kuninkaallinen hovi ei suhtautunut siihen välinpitämättömästi.
Se on kuitenkin edelleen suosittu kansan keskuudessa. Tilaamassaan muotokuvassa Mademoiselle de Charolais näkyy kitara kädessään, kevyesti nyppien kielensä. Watteau ja Lancret tuovat kitaran kuvaan rakkauskohtauksia. Ja samalla se on farssinäyttelijöiden ja matkustavien koomikkojen instrumentti!
Watteaun ja Lancretin työ ja kitara ovat erillinen sivu Ranskalainen maalaus, joten päätin omistaa näille taiteilijoille erilliset galleriat tässä materiaalissa.
Jean-Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau
Rosalba Carriera Jean-Antoine Watteaun muotokuva 1721
Ranskalainen taidemaalari ja piirtäjä, rokokootyylin perustaja ja suurin mestari. Vuosina 1698–1701 Watteau opiskeli paikallisen taiteilija Gerinin johdolla, jonka vaatimuksesta hän kopioi Rubensin, Van Dyckin ja muiden flaamilaisten maalareiden teoksia. Vuonna 1702 Watteau meni Pariisiin ja löysi pian opettajan ja suojelijan Claude Gillot'n henkilöstä, teatteritaiteilija ja sisustaja, joka maalasi kuvia elämästä modernia teatteria. Watteau ohitti nopeasti opettajansa taidoissaan ja noin. 1708 astui sisustaja Claude Audranin työpajaan. Vuonna 1709 Watteau yritti menestyksettömästi voittaa Taideakatemian Grand Prix'n, mutta hänen teoksensa herättivät useiden vaikutusvaltaisten ihmisten huomion, joiden joukossa olivat filantrooppi ja taiteentuntija Jean de Julienne, taidekauppias Edmond Francois Gersin, pankkiiri ja keräilijä Pierre Crozat, jonka talossa taiteilija asui jonkin aikaa jne. Vuonna 1712 Watteau oli ehdolla akateemikon arvonimeksi ja vuonna 1717 hänestä tuli Royal Academy of Painting and Sculpture -akatemian jäsen. Watteau kuoli Nogent-sur-Marnessa 18. heinäkuuta 1721.
Jean-Antoine Watteau italialainen komedia 1714
Jean-Antoine Watteau Näkymä puiden läpi Pierre Crozatin puistossa 1714-16
Jean-Antoine Watteau Gilles perheineen 1716
Jean-Antoine Watteau Pierrot'n tarina
Jean-Antoine Watteau Rakkauslaulu 1717
Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19
Nicola Lancret
Nicolas Lancret
Nicolas Lancretin omakuva 1720
Ranskalainen taiteilija, syntynyt Pariisissa. Hän opiskeli ensin Pierre Dulinin johdolla, ja sitten noin 1712 lähtien hän työskenteli useita vuosia Claude Gillot'n johdolla, jonka kautta hän tapasi Jean Antoine Watteaun, jolla oli valtava vaikutus hänen työhönsä. Lancret kääntyi samoihin aiheisiin kuin Watteau: hän kirjoitti hahmoja italialainen komedia del arte ja kohtaukset "urheasta juhlasta". Lisäksi hän kuvitti La Fontainen tarinoita ja loi genren maalauksia. Lancret kuoli Pariisissa vuonna 1743.
Nicolas Lancret -konsertti puistossa 1720
Nicola Lancretin puutarhajuhlat
Nicola Lancret -konsertti puistossa
Nicola Lancret Gallantin keskustelu
Michel Brenetin mukaan kitaran uusi nousu liittyy kahden lahjakkaan salongissa esiintyvän laulajan esiintuloon. He esittävät duettoja itseään säestäen. Nämä ovat kuuluisat Pierre Geliot ja Pierre de la Garde.
Michel Bartolomeo Olivierin kuuluisa maalaus "Tea in English ja konsertti Princesse de Contin talossa" välittää näiden sosiaalisten tapaamisten tunnelmaa.
VENÄLÄINEN MUSIIKKIKIRJALLISUUS
venäläistä kansaa laulun luovuus
tai venäläinen musikaali kansanperinne(englannista) kansan- ihmiset, loro– tieto). Sen alkuperä juontaa juurensa muinaiset ajat, pakanallisena aikana. Vanhimmat laulut yhdistettiin uskonnollisiin rituaaleihin.
venäläisiä genrejä kansanlauluja:
rituaali - a) kalenteri (laulut, Maslenitsa, pisamia, kylvö, Kupala, sato...);
b) perhe ja arki (keutulaulut, itkulaulut, häät...)
eeppinen- eepos, historiallinen
työvoimaa
armeija (sotilaat)
pyöreät tanssit, tanssit, pelit
viipyvä tai lyyrinen
koominen, mukaan lukien ditties
Venäjän kansanlaulujen tärkeimmät genret kehittyivät 1600-luvulle mennessä ja elävät edelleen ihmisten keskuudessa.
venäjäksi musiikillinen kansanperinne levitä kiitos buffoons– matkustavat taiteilijat, muusikot. Laulujen ja tanssien säestyksenä he käyttivät seuraavia soittimia: harppu, piippu, tamburiini, helistimet ja helistimet.
Noina kaukaisina aikoina kansanlauluja niitä ei kirjoitettu ylös, vaan ne siirtyivät suusta suuhun väistämättä muuttuen. Kirjoittajien nimiä ei tallennettu. Varhaisimmat venäläisten kansanlaulujen nuotit ovat 1700-luvun toiselta puoliskolta.
Ammattilaisen syntyminen musiikillinen taide venäjällä
viittaa 10. vuosisadalla(kukoistus Kiovan Venäjä) ja se liittyy uuden uskonnon omaksumiseen (988) - kristinusko muodossa Ortodoksisuus, joka tuli Bysantista. 1600-luvulle asti, Venäjän keskiajalla, ammattimusiikkia venäläisellä (ja muilla taiteen muodoilla) oli kirkon alaisuuteen ja käyttivät uskonnollinen merkki. Toisin kuin länsimaiset kristityt, se oli ja on vain laulu, kuoro. Ortodoksinen pääpalvelu on liturgia(analogisesti lännen massat).
Venäläisen ammattimusiikin päätyyppi 1000-luvun lopulta lähtien. 1700-luvulle asti – znamenny laulu (bannerit tai koukut– melodiaa ilmaisevat merkit ovat Vanha venäläinen musiikkitallennus).
Ominaisuudet znamenny chant:
3) antiikin kreikka
4) yksitoikkoisuus, melodian joustavuus (tasainen progressiivinen liike harvinaisilla hyppyillä terssiin, tasainen rytmi)
1500-luvulla ensimmäiset esimerkit kirkosta moniäänisyys– kaksi- ja kolmiääniset sovitukset Znamenny-lauluista.
Luostareissa ja katedraaleissa ne avattiin laulukoulut joka koulutti laulajia kirkkokuoroille. Kuoroja johtivat erityisesti koulutetut ihmiset - kotimaisia.
Historia on säilyttänyt muutaman tuon ajan muusikon nimet, esimerkiksi nimen Feodor talonpoika, Znamenny-laulujen (1500-luku) kirjoittaja ja esittäjä.
Venäläisen musiikin kehitys - 1600-luku.
Parsuna XVII vuosisadalla Parsuna XVII vuosisadalla Parsuna XVII vuosisadalla
Tuntematon Aleksei Mihailovitš Pietari I
Venäjällä 1600-luku oli yhteiskunnallisten jännitteiden aikaa: vaikeuksien aika (Venäjän valtaistuimelle halunneiden puolalaisten hyökkäys), kirkon hajoaminen, talonpoikaiskapinat ja sodat (Stepan Razin), kovat mellakat. Mutta samaan aikaan on kestävän kuninkaallisen vallan perustamisen aika - Mihail Romanovin valinta kuningaskuntaan.
1600-luku venäläisen musiikin historiassa on siirtymä keskiajalta uuteen aikaan, bysanttilaisesta vaikutuksesta länsieurooppalaiseen vaikutteeseen. Znannyn laulu on kriisissä. Kirkonlaulun moniäänisyys tulee viralliseksi uuden musiikkitallenteen hyväksymisen myötä. 5-rivinen merkintä(tuotu osoitteesta Länsi-Eurooppaa). Tässä suhteessa moniääninen laulu kehittyi nopeasti - yksittäisten äänien määrä kirkon hymnit alkoi saavuttaa 12. Tällaisen monimutkaisen musiikin esittäminen tuli mahdolliseksi ansiosta nuottikirjoitus, joka korvasi primitiiviset koukkubannerit. Kirkkokuorot alkoivat jakautua juhlia- nämä ovat ääniryhmiä, joilla on tietty sointi ja sävelkorkeus, ja laulamista kutsutaan partesnoe. Rooli korkeat äänet Poikalaulajat alkoivat esiintyä kuorossa. Uusia genrejä on ilmaantunut mm
· partes konsertti - kirkkomusiikin tyylilaji, joka edustaa polyfonista kuorotyötä elävällä ja monimutkaisella musiikin kielellä.
Partes laulaa (laulaa osissa) - uusi tyyli kirkkomusiikkia, joka tuli Venäjälle Puolasta Ukrainan kautta. Partes-laulu perustuu kolmi- tai neliääniseen sointuääneen. Partes-tyyliin perustuen syntyi uusia genrejä: konsertot, cants, psalmit.
Partes-konsertti (latinan sanasta partis - juhla) sai tämän nimen, koska toisin kuin venäläinen yhteislaulu, se laulettiin osissa.
Hänen musiikkityylinsä sisältää polyfonian elementtejä. Äänten määrä voi vaihdella 3:sta 16:een. 1600-luvulla kirkon kieli tuli virallisesti Kirkkoslaavilainen
kieli (kirkkouudistuksen jälkeen). 1600-luku - vaurauden alku musiikkia, kirjallisuutta, maalausta Venäjällä, joka liittyy taiteen asteittaiseen vapautumiseen kirkon vallasta. Moskovassa, tsaari Aleksei Mihailovitšin hovissa, ensimmäinen teatteri; kuninkaalla oli upea käyrätorvi orkesteri. Moskovan tuomioistuin vietiin pois urkujen hauskaa- Kremlin fasetoituun kammioon asennettiin mekaaniset urut. Se oli muodikasta soittaa musiikkia cembalosta. Monet näistä uusista suuntauksista tulivat Länsi-Euroopasta.
Vuonna 1687 perustettiin kuuluisa slaavilais-kreikkalais-latinalainen akatemia.
Historia on säilyttänyt monien 1600-luvun upeiden venäläisten muusikoiden nimet. Tämä on N. Diletsky, N. Kalašnikov, V. Titov, N. Bavykin.
Urut
Monimutkainen musiikki-instrumentti, joka koostuu ilmanpainemekanismista, sarjasta erikokoisia puisia ja metallisia putkia ja esiintymiskonsolia (puhuja), jossa on rekisterinupit, useita koskettimia ja polkimia.
Cembalo
Virginel
Spinet
Spinetti on pieni neliön, suorakaiteen tai viisikulmainen cembalo.
Clavicytherium
Claviciterium on cembalo, jonka runko on pystyasennossa.
Klavikordi
Jouset jouset
Barokki viulu
Kontrabasso
Suurin ja matalin kuuloinen jousisoitin orkesteri. He pelaavat sitä seisoen tai istuen korkealla jakkaralla.
Kynitty kieliä
Barokki luuttu
1500-luvulla yleisin oli kuusikielinen luuttu (viisikieliset soittimet tunnettiin 1400-luvulla), siirtymävaiheessa XVII vuosisadalla(myöhäisbarokin aikakaudella) jousimäärä oli kaksikymmentäneljä. Useimmiten kieliä oli 11-13 (9-11 nelinpeliä ja 2 singleä). Asteikko on d-molli (joskus duuri).
Theorbo
Theorbo on bassotyyppinen luuttu. Jousimäärä vaihteli 14:stä 19:ään (enimmäkseen yksittäisiä, mutta oli myös kaksoiskielisiä soittimia).
Quitarrone
Quitarrone on bassolajike ns. Italialainen kitara (soitin, jonka runko on soikea, toisin kuin espanjalainen). Singlejä on 14 kappaletta. Quitarrone ei käytännössä eroa theorbosta, mutta sen alkuperä on erilainen kuin se.
Archlute
Pienempi kooltaan kuin theorb. Useimmiten siinä oli 14 kieltä, joista kuusi ensimmäistä renessanssille tyypillisessä virityksessä - (toisin kuin barokkiluuttu, jossa ensimmäiset kuusi kieltä antoivat d-molli soinnun) rakennettiin täydelliseen kvartaaliin, lukuun ottamatta 3. ja 4. jotka rakennettiin suuressa kolmanneksessa.
Angelica
Mandora
Gallichon
Sitra
Archicitra
Mandoliini
Barokkitara
Pääartikkeli: Barokkitara
Barokkitarassa oli yleensä viisi paria (kuoroa) suolen kielet. Ensimmäiset barokki- eli viiden kuoron kitarat ovat olleet tiedossa 1500-luvun lopulta lähtien. Silloin kitaraan lisättiin viides kuoro (aikaisemmin se oli varustettu neljällä kielellä). Rasgeado-tyyli tekee tästä instrumentista erittäin suositun.
Muut kielet
hurdy-gurdy
Hurdy-gurdyssa on kuudesta kahdeksaan kieliä, joista suurin osa soi samanaikaisesti ja tärisee pyörään kohdistuvan kitkan seurauksena sen pyöriessä. oikea käsi. Yksi tai kaksi erillistä merkkijonoa kuulostava osa joita lyhennetään tai pidennetään sauvojen avulla vasemmalla kädellä, toistetaan melodia ja loput kielet lähettävät yksitoikkoista huminaa.
: Länsieurooppalaista musiikkia 1600-luvulta
Instrumentaalimusiikkia Historiallisesti se kehittyi myöhemmin kuin laulumusiikki, eikä se heti siirtynyt itsenäiselle paikalle musiikkigenrejen joukossa. Ensinnäkin se säilytti melko pitkään soveltuvan, eli virallisen, puhtaasti käytännöllisen luonteen, joka seurasi ihmisten elämän eri hetkiä (seremonialaiset ja hautajaiset, hovipallot, metsästysmatkat jne.) Toiseksi pitkään instrumentaalimusiikkia oli suoraan riippuvainen laulusta, säestäen laulusta ja tottelemasta sitä. Esimerkiksi katolisen palvonnan ainoalla instrumentilla - urkuilla - ei ollut vuosisatojen ajan omia "kasvojaan", mikä toisti kuorokirjoituksen.
Renessanssin aikana (XV-XVI vuosisadat) tilanne muuttui: instrumentaalitaide astui pitkälle eteenpäin. Luotiin laaja instrumentaalirepertuaari. Kuitenkin suurin osa tuon ajan instrumentaalisista sävellyksistä ei ollut erilainen laulusta: instrumentit yksinkertaisesti vaihdettiin lauluäänet ottamatta huomioon sointien erityispiirteitä. Näitä kappaleita voisi esittää mikä tahansa soittimia, niin kauan kuin kantama sallii (viululla sama kuin pasuunalla). Instrumentaalimusiikki on kuitenkin vuosien mittaan pyrkinyt yhä enemmän luopumaan laulunäytteiden kopioimisesta. Ja lopuksi, 1600-luvulla instrumentaalimusiikin täydellinen vapautuminen tapahtui - tätä tosiasiaa pidetään yhtenä tämän tärkeimmistä saavutuksista. historiallinen aikakausi. Instrumentaalimusiikista on tulossa itsenäinen säveltäjän luovuuden ala ja sen sisältövalikoima laajenee. Yksikään ammattimusiikin genre ei voi nyt tulla toimeen ilman soittimien osallistumista. Esimerkiksi ooppera luotti orkesterisoundiin sen olemassaolon ensimmäisistä päivistä lähtien.
Kiinnostus on kovaa eri musiikillisia sävyjä . Säveltäjät alkavat oivaltaa tietyn instrumentin taiteelliset ja tekniset ominaisuudet ja säveltävät viululle eri tavalla kuin urkuille tai huilulle.
Eri instrumentaalityylit- , viulu, - niiden erityisillä ilmaisevat keinot ja esiintymistekniikoita.
Monipuolinen kansallinen instrumentaalista koulut- Saksalaiset urkurit, englantilaiset virginalistit, espanjalaiset vihuelistit, italialaiset viulistit jne.
Eri instrumentaalilajeja ainutlaatuisella ominaisuudellaan: concerto grosso, soolokonsertti, sarja, sonaatti, polyfoniset genret (kuten aikaisempien aikojen genreissä, niillä ei ollut selvää eroa: niissä oli paljon yhteistä, erot toistensa välillä olivat hyvin suhteellisia).