>Mitä genren klassikon käsite tarkoittaa. Klassisen musiikin genret: historia ja nykyaika

"Klassinen ja moderni"

Klassikot (latinalaisesta classicuksesta - täydellinen, esimerkillinen, ensiluokkainen) ovat niitä taideteoksia, jotka kirjoitusajasta riippumatta ovat parhaita ja kiihottavat edelleen monia sukupolvia ihmisiä. Ne ovat saaneet yleistä tunnustusta ja niillä on pysyvää arvoa kansalliselle ja maailman kulttuurille. Nämä teokset täyttävät korkeimmat taiteelliset vaatimukset.

Klassista taidetta kutsutaan muinaiseksi taiteeksi (muinaisen Kreikan ja antiikin Rooman taide), samoin kuin renessanssin ja klassismin taide.

Lisäksi klassisen musiikin käsitettä sovelletaan maailman suurimpien säveltäjien työhön. Kaukaisessa menneisyydessä luotuja ja moderneja teoksia voidaan kutsua klassisiksi.

Klassikoita vastakohtana on usein uusia taiteen suuntauksia, joiden saavutukset eivät ole vielä kestäneet ajan koetta. Aikalaiset voivat usein tehdä virheitä arvioidessaan musiikkiteoksia. On monia esimerkkejä siitä, kuinka teoksista, jotka eivät saaneet tunnustusta tekijöiden elinaikana, tuli myöhemmin klassikoita ja ne pääsivät maailman musiikkitaiteen kultarahastoon. Se, mitä eilen pidettiin rohkeana haasteena klassiselle taiteelle, voidaan tänään pitää klassikkona. Esimerkki tästä on S:n luovuus. Prokofjev, R. Shchedrin, A. Schnittke ja muut.

On myös ajatus genren klassikosta. Tässä tapauksessa kevyen musiikin teoksia kutsutaan klassisiksi: jazz, pop, rock-musiikki. Kuitenkin

monien jossain vaiheessa laajaa suosiota saaneiden teosten elämä saattaa jäädä lyhytaikaiseksi, jos niillä ei ole suuria taiteellisia ansioita.

Sana tyyli (kreikan kielestä stylos, kirjaimellisesti kirjoitustikku) tarkoittaa käsialaa, mukaan lukien kirjoittajan, joukkoa luovuuden tunnusomaisia ​​piirteitä, tekniikoita, menetelmiä ja piirteitä. Taiteessa erotetaan aikakauden tyyli (historiallinen), kansallistyyli ja yksilöllinen tyyli - säveltäjän ja jopa tietyn esiintyjän tyyli.

Nykyään muusikoiden kiinnostus menneisyyden klassiseen musiikkiin on kasvussa. Sen uusia versioita, tulkintoja ja sovituksia ilmestyy, mikä houkuttelee nykyajan kuuntelijoita. Eri tyylimusiikkiin tutustumisen ansiosta meillä on mahdollisuus käydä dialogia niin ikätovereidemme kuin kaukaisen menneisyyden ihmisten kanssa - ikään kuin vierailla eri aikoina.

Musiikkiteatterissa.

Dramaturgia, dramaattinen - nämä sanat ovat johdettu sanasta draama. Mutta niitä käytetään myös luonnehtimaan musiikkia, joka yleensä välittää ihmisen kokemuksia: kärsimystä, hämmennystä, ahdistusta, protestia, närkästystä jne. Nämä tunteet ilmenevät useimmiten ihmisissä yhteenotoissa, kiistoissa ja konflikteissa. Tähän dramaturgia ja musiikkiesitys perustuu.

Musiikkidramaturgia - järjestelmä ilmaisee. keinoja ja tekniikoita dramaattisen toiminnan ilmentämiseksi musiikki- ja näyttämöteoksissa. genre (ooppera, baletti, operetti). Musiikillinen dramaturgia perustuu draaman yhtenä taiteena yleisiin lakeihin: selkeästi ilmaistun konfliktin läsnäolo, joka paljastuu toiminta- ja reaktiovoimien taistelussa, tietty vaihesarja draaman paljastamisessa. konsepti (näyttely, juoni, kehitys, huipentuma, loppu) jne.

Ooppera (italialaista oopperaa - teos, sävellys) syntyi Italiassa 1500-1600-luvun vaihteessa. Ooppera on määritelmän mukaan "lavaesitys, jossa lavalla tapahtuva toiminta ilmaistaan ​​musiikilla eli hahmojen laulamalla (jokainen yksittäin tai yhdessä tai kuorossa) ja orkesterin voimilla näiden voimien äärettömän monipuolinen sovellus, alkaen yksinkertaisista tukiäänistä ja päättyen monimutkaisimpiin sinfonisiin yhdistelmiin." Musiikki on pääasiallinen yleistyskeino, kokonaisvaltaisen toiminnan kantaja, se ei vain kommentoi osastoa. tilanne, mutta myös yhdistää kaikki draaman elementit yhteen, paljastaa toiminnan käyttäytymisen kätketyt jouset. henkilöt, heidän monimutkaiset sisäiset suhteet, ilmaisee usein suoraan teoksen pääidean.

Oopperat voivat olla eeppisiä, lyyrisiä, dramaattisia tai koomisia.

Oopperat ovat pitkäikäisiä, ja ne perustuvat mielenkiintoiseen libretoon ja ilmeikkääseen musiikkiin, joka paljastaa hahmojen hahmot täydellisesti.

Teatterin lakien mukaan ooppera jaetaan toimintaan (näytöksiin), toiminta kuviin ja kuvat kohtauksiin.

Tyypillisesti ooppera alkaa johdannossa tai alkusoitolla, joka ilmaisee esityksen idean. Oopperan päähenkilöiden pääpiirteet ovat aaria, laulu, cavatina, duetto, trio jne., joissa hahmojen tunteet ja kokemukset ilmentyvät ikimuistoisiksi melodioiksi. "Puoliksi laulamista, puoliksi puhetta" kutsutaan resitatiiviksi.

Yksi oopperan erityispiirteistä on, että sen hahmot laulavat joskus omia osioitaan samaan aikaan. Näin säveltäjä paljastaa hahmojensa ajatukset ja tunteet yhtyeessä – harmonisen yhteissoundin. Väkijoukkokohtauksissa on kuoro, joka toimii usein yhtenä pääosana

oopperan henkilöitä tai kommentteja lavalla tapahtuvasta. Juoneesta, oopperan luomisajasta ja teatterin kyvyistä riippuen ooppera voi sisältää tansseja ja jopa balettikohtauksia.

Orkesterin rooli oopperassa on erittäin tärkeä. Hän säestää laulajia ja kuoroa, toimii oopperan hahmojen tasavertaisena kumppanina ja joskus itsenäisenä hahmona. Oopperan orkesterijaksot (gnomeerit) auttavat kuulijoita ymmärtämään toiminnan päälinjat.

Ooppera "Ivan Susanin".

Ooppera () "Ivan Susanin" ("Elämä tsaarille") herättää monissa kuulijoiden sukupolvissa tunteen osallistumisesta kansansa historiaan. Se paljastaa Ivan Susaninin sielun suuruuden - isänmaalle omistautuneen kansalaisen, perhettään rakastavan isän. Nämä inhimilliset ominaisuudet ovat tärkeitä meille jokaiselle tänäkin päivänä.

Oopperan dramaturgia perustuu kahden voiman ristiriitaiseen vastakkainasetteluun, vastakkaisten musiikkiteemojen kehittämiseen: venäläinen laulu ja puolalainen tanssi ja instrumentaalimusiikki.

Ooppera koostuu neljästä näytöksestä ja epilogista.

Toiminta tapahtuu syksyllä 1612 ja talvella 1613.

(Laksi 1 - Domninon kylässä, näytös 2 - Puolassa, näytös 3 - Susaninin mökissä, näytös 4 - metsissä, epilogi - Moskovassa Punaisella torilla).

Johdannossa (oopperan johdannossa) soi kuoro ”My Motherland”, joka ilmentää Venäjän kansan peräänantamatonta voittotahtoa.

Näytös 1: Lavalla avautuu kuva kyläläisten ja Susaninin perheen rauhallisesta elämästä. Domninon kylän talonpojat tervehtivät iloisesti miliisiä. Vain Antonida on surullinen. Hän odottaa kihlattunsa Bogdan Sobininin paluuta, joka on mennyt seuransa kanssa tuhoamaan puolalaista aatelista. Hänen cavatinansa on täynnä vilpittömyyttä ja hellyyttä, ja hänen elegantti, eloisa rondo paljastaa tyttömäisten unelmien kirkkaan, iloisen maailman: "Joka aamu, joka ilta odotan innolla tapaamista rakkaan ystäväni." Susanin ymmärtää tyttärensä tunteet, mutta hän haluaa valmistaa häntä tämän vaikean ajan tuomiin koettelemuksiin. Nyt ei ole aika ajatella avioliittoa. Yhtäkkiä joesta kuuluu laulu. Tämä on Sobiin, joka palaa joukkueensa kanssa. Hän toi hyviä uutisia: Minin ja Pozharsky johtivat Venäjän armeijaa, ja sotilaita tulvi heidän luokseen kaikkialta. Talonpojat iloitsevat: vapautumisen hetki on lähellä. Susaninin päätös lykätä häitä järkyttää Sobininin: loppujen lopuksi hän palasi kotikylään häitä varten. Aluksi Susanin on järkkymätön, mutta saatuaan tietää, että vihollisia piiritetään Moskovassa, hän suostuu.

Näytös 2: Tässä paljastuu yleinen kuva voittoa odottavista puolalaisista valloittajista. Kuningas Sigismund III:n muinaisessa puolalaisessa linnassa voittoon luottavainen ylimielinen aatelisto juhlii lempeästi. Kirkkaasti valaistu sali on täynnä nauttivia vieraita. Yhtäkkiä tanssin keskeyttää sanansaattajan ilmestyminen. Hän raportoi palkkasotilaiden tappiosta ja puolalaisten joukon piirityksestä Moskovassa. Aatelisto on sekasorron vallassa. Ritarit valmistautuvat taisteluun, kerskailevat aseitaan ja lupaavat valloittaa "vihatut smerdit".

Näytös 3: Susaninin talossa he valmistautuvat Antonidan ja Sobininin häihin. Susaninin adoptiopoika Vanya haaveilee menevänsä Sobininin kanssa puolalaisia ​​vastaan. Sisään tulleet talonpojat onnittelevat morsian ja sulhanen, Susanin kutsuu heidät häihin. Yhtäkkiä kuuluu hevosen kulkuri. Ovi aukeaa ja puolalaiset tulevat kotaan. He tarvitsevat oppaan päästäkseen Moskovaan. On turhaa, että Susaninin viholliset suostuttelevat hänet - hänestä ei tule petturia. Sitten puolalaiset tarjoavat Susaninille kultaa. Yllättäen Susanin on samaa mieltä: hän on hämmästynyt ajatuksesta johtaa puolalaiset läpäisemättömään metsään. Salaa vihollisilta hän lähettää Vanyan varoittamaan Mininia vaarasta ja lähtee puolalaisten kanssa. Saatuaan tietää tapahtuneesta Sobinin ja hänen ryhmänsä ryntäsivät takaamaan vihollisiaan.

Tunnekokemusten dramatiikkaa välittää Antonidan romanssi ("En sure sitä, tyttöystävät"), joka on kudottu tyttöystävien hääkuoron yksinkertaiseen melodiaan.

Vanya ilmoittaa venäläisille sotilaille puolalaisen joukon saapumisesta. Soturit ovat päättäneet kukistaa viholliset ja pelastaa Susaninin. Mininin johdolla he etenevät kohtaamaan vihollisen.

Näytös 4: Väsyneet, jäätyneet puolalaiset vaeltavat läpi tiheän, läpäisemättömän metsän. Viholliset epäilevät Susaninin eksyneen. Lopulta osasto pysähtyy lepäämään, puolalaiset nukahtavat. Susanin ei nuku. Hän tietää, että kuolema odottaa häntä: puolalaiset aistivat totuuden. Oli vaikea kuolla, mutta hän täytti velvollisuutensa. Susaninin resitatiivi ja aariasoundi. Myrsky nousee, ja tuulen pillissä Susanin kuvittelee lasten ääniä. Se kirkastuu. Heränneet puolalaiset ovat kauhuissaan huomatessaan, etteivät he pääse ulos syvästä metsän erämaasta. Voittoisa Susanin paljastaa kauhean totuuden panamille. Vihastuneet puolalaiset tappavat hänet.

Epilogi: Moskovassa, Punaisella torilla, ihmiset toivottavat tervetulleiksi venäläiset joukot. Vanya, Antonida ja Sobinin ovat myös täällä. Ihmiset juhlivat vapautumista ja ylistävät sankareita, jotka antoivat henkensä vihollisen voitosta. Voittajan kansanlaulun hengessä kirjoitettu loppukerrosto ”Glory!” säteilee valoa ja välittää kansan voittoa ja riemua.

Ensi-ilta - 27. marraskuuta (9. joulukuuta 1836) Pietarin Bolshoi-teatterissa.

Uusi aikakausi venäläisessä musiikkitaiteessa alkoi oopperalla, ja oopperan genren koko kehityspolku Venäjällä määritettiin.

Ooppera "Prinssi Igor"

Ooppera "Prinssi Igor" (), joka kuuluu venäläisten säveltäjien yhteisöön The Mighty Handful, on myös omistettu Venäjän historian sivuille. Oopperan juoni perustuu Muinaisen Venäjän isänmaalliseen runoon "Tarina Igorin kampanjasta", jota on täydennetty muilla historiallisilla asiakirjoilla ja kronikoilla. Se ei ole omistettu voittoille, joista venäläisillä aseilla oli monia, vaan tappiolle, jonka seurauksena prinssi vangittiin ja hänen ryhmänsä tuhottiin.

Oopperan dramaturgia perustuu kahden vastakkaisen maailman, kahden voiman vertailuun: venäläiset - prinssi Igor poikansa Vladimirin kanssa, prinsessa Jaroslavna, hänen veljensä Vladimir Galitski ja polovtsilaiset - Khan Konchak, hänen soturinsa.

Toiminta tapahtuu: prologissa, ensimmäisessä ja neljännessä näytöksessä - Putivlin kaupungissa, toisessa ja kolmannessa näytöksessä - Polovtsian leirissä.

Aika: 1185

Prologi. Muinaisessa venäläisessä Putivlin kaupungissa prinssi Igor ja hänen seuransa valmistautuvat kampanjaan polovtsialaisia ​​vastaan. Ihmiset ylistävät juhlallisesti prinssiä - kuoro "Kunnia punaiselle auringolle!" Yhtäkkiä maa peittyy pimeyteen - auringonpimennys alkaa. Ihmiset ja bojarit näkevät tämän epäystävällisenä enteenä ja luopuvat Igorista. Myös hänen vaimonsa Jaroslavna pyytää prinssiä jäämään. Mutta Igor on päättäväinen. Uskottuaan vaimonsa hoidon tämän veljelle Vladimir Galitskille, hän johdattaa ystävänsä taisteluun vihollista vastaan.

Näytös 1: Galitski käytti hyväkseen Igorin lähtöä. Yhdessä palvelijoidensa kanssa hän iloitsee ja mellakoita; Melkoista juhlaa hallitsevat humalaiset viheltäjät Skula ja Eroshka, Igoria paenneet joukot. Galitsky vaalii unelmaa tulla prinssiksi Putivlissa, mutta sillä välin hän sortaa asukkaita kaikin mahdollisin tavoin. Kidnapattuaan tytön rohkeasti prinssi ajaa pois tyttöystävänsä, jotka tulivat pyytämään hänen vapauttamistaan.

Tytöt etsivät suojaa ylimieliseltä rikoksentekijältä Jaroslavnasta. Kaikesta päättäväisyydestään ja lujuudestaan ​​huolimatta prinsessa ei kuitenkaan pysty selviytymään veljensä kanssa. Bojaarit tuovat huonoja uutisia: epätasaisessa taistelussa koko armeija kuoli, Igor haavoittui ja joutui vangiksi poikansa kanssa, ja polovtsialaisten laumat lähestyivät Putivlia. Hälytyskello kuuluu, mikä ilmoittaa vihollisen hyökkäyksestä.

Näytös 2: Ilta polovtsien leirillä. Polovtsialaiset tytöt viihdyttävät khaanin tytärtä Konchakovnaa lauluilla ja tansseilla, mutta vain iloinen tapaaminen hänen rakkaan prinssi Vladimirin kanssa karkoitti kauneuden surun. Igor on syvässä mielessä.

Prinssi Igorin imago paljastaa selkeimmin säveltäjä aariassaan. Mikään ei miellytä prinssiä, häntä piinaavat ajatukset kunniattomasta tappiosta, hänen läheisten ihmisten kohtalosta ja ajatuksistaan ​​hänen isänmaastaan. Prinssi Igorin aaria aloittaa orkesterin lyhyt johdatus. Raskaat soinnut välittävät sankarin henkistä kärsimystä. Johdantoa seuraa recitatiivi-meditaatio ("Ei unta, ei lepoa kidutetulle sielulle..."). Kuvat välkkyvät prinssi Igorin silmien edessä: auringonpimennys (epäonnen ennakkoedustaja), tappion katkeruus, vankeuden häpeä. Aarian musiikissa soi intohimoinen vetovoima ("Oh, anna, anna minulle vapautta..."). Jalo melodia, täynnä syvää sielullisuutta ja lämpöä, liittyy ruhtinas Igorin aariaan muistoihin hänen vaimostaan ​​Jaroslavnasta, uskollisesta ja rakastetusta ystävästä (aarian keskiosa). Kaikki luetellut aarian jaksot antavat meille mahdollisuuden tuntea prinssi Igorin kokeman tragedian. Hän, kuten yksinkertainen talonpoika Ivan Susanin, on huolissaan isänmaansa kohtalosta ja pyrkii suojelemaan sitä kaikin voimin.

Uskollinen Ovlur tarjoaa hänelle pakoa. Igor haaveilee pääsevänsä ulos vankeudesta, mutta epäröi – venäläisen prinssin ei ole sopivaa paeta salaa. Sotaisa Khan Konchak ihaili hänen jaloisuuttaan ja rohkeuttaan. Hän vastaanottaa Igorin kunniavieraana. Khan on jopa valmis päästämään hänet menemään, jos Igor antaa sanansa olla nostamatta miekkaa polovtseja vastaan. Mutta Igor ilmoittaa rohkeasti, että saatuaan vapauden hän kokoaa jälleen rykmenttejä khaanille. Hälventämään prinssin synkät ajatukset, Konchak käskee orjatytöt laulamaan ja tanssimaan.

Erityistaidolla säveltäjä toistaa musiikin itämaista makua luoden melodioita, jotka on väritetty hienoilla kuvioilla ja mieleenpainuvilla rytmeillä. soi polovtsien orjatyttöjen kuoron lumoava melodia, joka väistyy sotaisalle miesten äänelle. Khaania ylistävä polovtsialainen kuoro ottaa sen vastaan ​​(polovtsialaisia ​​tansseja)

Näytös 3: Khanin armeija palaa rikkaan saaliin kanssa. Saatuaan heiltä tietää onnettomuudesta, joka koki hänen kotimaataan Putivlia, Igor päättää paeta ja kun vartijat nukahtavat, hän tekee sopimuksen Ovlurin kanssa. Konchakovna, joka kuuli tämän keskustelun, pyytää Vladimiria olemaan jättämättä häntä. Mutta rakkaus taistelee prinssin sielussa velvollisuudentunteen kanssa. Sitten Konchakovna herättää nukkuvan leirin ja pidättää Vladimirin; Igor onnistuu pakenemaan. Vihaiset khaanit vaativat prinssin kuolemaa, mutta Konchak julistaa Vladimirin vävykseen.

Näytös 4: Varhain aamulla Putivlissa Jaroslavna itkee katkerasti kaupungin muurilla (Jaroslavnan valitus). Jaroslavnan musiikillisessa kuvauksessa säveltäjä ei käyttänyt todellisia kansanmelodioita, mutta se on läpäissyt muinaisten valitusten ja valitusten laululajien kansanäänestyksiä.

Jaroslavna kääntyy tuulen, auringon ja Dneprin puoleen rukoillen palauttamaan rakas Igor hänen luokseen. Ratsastajia ilmestyy kaukaisuuteen. Tämä on Igor, mukana Ovlur. Järkyttynyt Skula ja Eroshka näkevät heidät. Nerokas Skula tarjoutuu soittamaan kelloa ilmoittaakseen ensimmäisenä kansalle prinssin paluusta. Temppu onnistuu. Juhlinnan vuoksi hölmöille annetaan anteeksi. Yhdessä ihmisten kanssa he tervehtivät Igoria.

Musiikkiteatterissa.

Baletti (italialaista balettia - tanssi) syntyi renessanssin aikana 1300-1400-luvuilla. Italiassa. Tässä vaiheessa he alkavat erottaa arkiset tanssit osana elämäntapaa, viihdekäyttöön tarkoitettuja, ja näyttämötanssit.

Baletti on musikaalinen ja dramaattinen teos, jossa toiminta välittyy tanssin ja pantomiimin kautta. He suorittavat samanlaisen roolin kuin laulavat oopperassa. Sekä oopperassa että baletissa sinfoniaorkesterin äänellä on suuri merkitys: musiikki yhdistää kaikki draaman elementit yhteen ja paljastaa hahmojen monimutkaiset sisäiset suhteet, ilmaisee teoksen pääidean.

Balettiesityksen ohjelmaa lukiessaan katsoja voi törmätä sellaisiin ranskankielisiin sanoihin kuin pas de deux (tanssi kahdelle), pas de trois (tanssi kolmelle), grand pas (iso tanssi). Tätä kutsutaan yksittäisiä balettinumeroita. Ja kaunista italialaista sanaa adagio, joka ilmaisee musiikin tempoa, käytetään baletissa kuvaamaan päähenkilöiden hidasta lyyristä tanssia.

Balettiesityksen päätanssityypit ovat klassinen ja luonnetanssi. Tunnustansseihin kuuluvat kansan- ja arkikulttuurissa yleiset liikkeet. Klassinen tanssi on tavanomaisempaa, siinä on runsaasti kuvaannollista symboliikkaa, ja sen erikoisuus on, että se esitetään pointe-kengissä.

Balettiesityksen ohjaaja on koreografi (saksasta - balletmeister), joka kehittää esityksen kokonaisdramaturgiaa, pohtii tanssin ”piirustusta”, eleitä ja kuvien plastisia ratkaisuja.

Tärkeä rooli balettiesityksessä on sinfoniaorkesterin kapellimestari. Pääasia hänen työssään on kyky toteuttaa säveltäjän suunnitelma, paljastaa teoksen tyyli, yhdistämällä ne koreografin ideaan, soolotanssijien yksilöllisyyteen ja joukkotanssia esittävän corps de baletin taitoon. kohtauksia.

Moderni balettiesitys eroaa monella tapaa klassisesta. Se voi sisältää rytmisiä tansseja, pantomiimia, akrobatian elementtejä, valo- ja äänitehosteita, alkuperäisiä maisemia ja pukuja ja jopa laulua (kuoroja). Tätä vaatii modernin baletin uusi musiikillinen kieli.

Musiikki on yksi vanhimmista taiteen muodoista, joka ei ole ajan mittaan menettänyt merkitystään, vaan siitä on tullut entistäkin kysytympi ja suositumpi. Tietysti sillä on valtava määrä genrejä, tyyppejä, suuntauksia ja koulukuntia.

Yksi tämän taiteen suurimmista liikkeistä on klassinen musiikki. On olemassa monenlaisia ​​tyyppejä, jotka ovat muodostuneet useiden satojen vuosien aikana.

Käsite

Ennen kuin alamme puhua klassisen musiikin genreistä, meidän on ymmärrettävä, mitä tämä termi tarkalleen tarkoittaa.

Tarkkaan ottaen sillä ei ole selkeästi määriteltyä merkitystä tai määritelmää, joten sitä käytetään melko löyhässä muodossa ja sillä voi olla erilaisia ​​merkityksiä kontekstista riippuen.

Useimmiten sitä käytetään synonyyminä sanalle "akateeminen". Tämä on eräänlainen kaanoni, josta minkä tahansa musiikillisen työn pitäisi alkaa.

Klassisen musiikin genret: historia ja nykyaika

Sen ulkonäkö liittyy eurooppalaisen klassismin aikakauteen. Silloin tämä taiteen suunta muodostui. Se perustui muinaisten kirjailijoiden ja näytelmäkirjailijoiden teoksiin.

Tästä syntyivät klassismin keskeiset periaatteet, jotka voidaan muotoilla tasapainona, logiikkana, selkeyteenä, teoksen harmoniaan ja täydellisyyteen, genreerityisyyteen. Musiikin osalta ne kaikki voitaisiin toteuttaa vain sellaisissa genreissä kuin ooppera, oratorio ja kantaatti.

Vähitellen klassisen musiikin musiikilliset suunnat kehittyivät, muuttuivat monimutkaisemmiksi, rikkaammiksi ja poikkesivat ensisijaisista kaanoneista.

Näkyvimpiä tämän genren teoksiin erikoistuneita säveltäjiä ovat J. S. Bach, A. Vivaldi, G. Rossini, G. Verdi, W. A. ​​Mozart ja L. van Beethoven. Näiden suurten tekijöiden nimet tunnetaan kaikkialla maailmassa. Useimmat ihmiset yhdistävät "klassisen musiikin" käsitteen näiden kulttuurihenkilöiden teoksiin.

Nykyään tällaista taidetta ei voida kutsua hallitsevaksi. Klassinen musiikki on kuitenkin edelleen suosittua ja melko kysyttyä kapeiden asiantuntijoiden keskuudessa. Nykyaikaisista säveltäjistä, jotka voidaan turvallisesti laskea alansa lahjakkaiksi ja tunnustetuiksi mestareiksi, on korostettava Ludovico Einaudi, Philip Glass, Hans Zimmer, Li Ru Ma jne.

Klassisen musiikin genret: lista

Vuosisatoja vanhan kehityshistorian aikana on muodostunut suuri määrä erilaisia ​​genrejä ja alalajeja. Monet heistä eivät ole suosittuja nykyään, mutta jotkut ovat edelleen pystyssä.

Katsotaanpa, mitä genrejä klassisessa musiikissa on:

  • Ooppera.
  • Operetti.
  • Kantaatti.
  • Oratorio.
  • Sinfonia.
  • Sonaatti.
  • Sviitti.
  • Alkusoitto jne.

Tietysti niitä on monia muitakin. Tässä on lueteltu vain tärkeimmät. Jokaisen niistä ominaisuuksista ja erityispiirteistä ei tarvitse puhua tämän artikkelin puitteissa, mutta joitain on silti syytä harkita yksityiskohtaisemmin.

Genrejen ominaisuudet

Ensinnäkin kannattaa harkita oopperaa. Loppujen lopuksi tämä on yksi klassikkojen ensimmäisistä ja suosituimmista elementeistä sellaisenaan. Ooppera on musiikillinen ja dramaattinen teos, joka muodostuu tekstikomponentista, toiminnasta lavalla ja musiikillisesta säestyksestä. Se eroaa teatteriesityksestä, jossa musiikki on apuväline, siinä, että melodialla on keskeinen rooli koko teoksen muovaajana.

Sarja on yksi klassisen musiikin avainelementeistä. Kuvauksen mukaan genrellä on erottuva piirre, joka on sen syklisyys. Toisin sanoen se koostuu useista erillisistä osista, joissa musiikillinen ääni voi vaihdella suuresti ja jopa kontrastia keskenään.

Esimerkki klassisesta musiikin genrestä on myös sonaatti, joka on musiikkiteos kamariorkesterille. Kaanonin mukaan piano on siinä lähes aina läsnä. Pääsääntöisesti se on sävelletty soolo- tai duettoa varten, mutta poikkeuksiakin on tietysti.

Esimerkkejä kuuluisista teoksista

Klassisen musiikin pitkän olemassaolon aikana on ilmestynyt valtava määrä teoksia, jotka tunnetaan kaikkialla maailmassa.

Tulee mieleen Mozart ja hänen kuuluisat oopperat "Figaron häät", "Don Giovanni" ja "Taikahuilu", jotka kuulostavat kiinnostavalta ja ajankohtaiselta vielä tänäkin päivänä. Kaikki tietävät myös Beethovenin 9 sinfoniaa.

Vähintään kuuluisia ovat Bachin urkut tai Verdin oopperat. Kukaan ei epäile heidän lahjakkuuttaan ja nerouttaan. Näitä tekijöitä pidetään oikeutetusti parhaimpana laatuaan.

Nykysäveltäjien joukossa on kuitenkin myös monia esiintyjiä, ja joidenkin teoksia pidetään jo mestariteoksina. Esimerkiksi erinomainen nykysäveltäjä Hans Zimmer työskentelee usein maailmanluokan elokuvien parissa ja säveltää niille ääniraitoja. Hän työskenteli musiikin parissa sellaisille elokuville kuin "Leijonakuningas", "Spirit: Soul of the Prairie", "Inception", "Interstellar", "Dunkirk" ja monet muut.

Mitä genrejä klassisessa musiikissa on, kuvattiin edellä, ja nyt mielenkiintoisia faktoja.

Italialaisten tutkijoiden vuonna 2015 tekemä tutkimus osoitti, että Mozartin sävellysten kuunteleminen stimuloi aivoja olemaan aktiivisempia. Joillakin Beethovenin teoksilla on päinvastainen vaikutus hänen toimintaansa. Aivojen toiminnan lisäämisprosessia on kutsuttu "Mozart-efektiksi".

Etelä-Afrikassa tehtiin toinenkin koe, jonka tarkoituksena oli tunnistaa klassisen musiikin vaikutus kasveihin. Kuten kävi ilmi, Vivaldin melodioita kuunnellessa he kasvoivat hieman nopeammin ja myös heidän terveytensä parani hieman. Tiedemiehet väittävät kuitenkin, että myönteinen vaikutus saavutettiin soittimien värähtelyn ansiosta, eikä itse melodioilla ja äänillä ole vaikutusta.

Monet klassiset säveltäjät olivat hulluja. Esimerkiksi E. Satie söi vain valkoisia ruokia ja astioita, ja itsepuolustukseksi hänellä oli aina mukanaan vasara. A. Bruckner oli fanaattinen asioista ja laski jatkuvasti kaikkea, kun hän otti arkuista Schubertin ja Beethovenin kalloja. Mozartilla oli myös erittäin vakavia käyttäytymispoikkeamia: hän rakasti käyttäytyä kuin kissa, jopa harjoituksissa.

Lopuksi

Kaikki lukuisat klassisen musiikin genret ovat olemassa ja kehittyvät tähän päivään asti. Nykyaikaisten säveltäjien joukossa ei käytännössä ole jäljellä innokkaita konservatiiveja, jotka noudattavat tiukasti tämän taiteen kaanoneja. Lähes kaikki heistä pyrkivät tuomaan genreen jotain omaa, parantamaan sitä, mukauttamaan sitä tarpeisiinsa ja nykyajan todellisuuteen.

Tietenkin useimmat ihmiset pitävät muista musiikkityyleistä kuin klassisesta musiikista. Siksi itse asiassa se on nykyään eräänlainen elitistinen taidemuoto, jolla on kysyntää suhteellisen pienen joukon ihmisiä.

Hyvin usein kuulet termin "klassinen" tai "klassinen". Mutta mikä on tämän sanan merkitys?

Klassikko on...

Sanalla "klassinen" on useita merkityksiä. Useimmat selittävät sanakirjat tarjoavat yhden niistä - klassikoiden teoksia: kirjallisuutta, musiikkia, maalausta tai arkkitehtuuria. Tätä sanaa käytetään myös joihinkin taideesimerkkeihin, esimerkiksi "genren klassikoihin". Useimmiten tämä termi kuitenkin mainitaan osoituksena tietystä ajanjaksosta tämän tai sen kehityksessä, unohtamatta, että vain harvat, menestyneimmät, pidetään klassisina kirjailijoina. Kirjallisuudessa kaikkea 1700- ja 1800-luvuilla kirjoitettua pidetään klassikkona. 1900-luvulla klassikot väistyvät nykyaikaisuudelle. Monet modernistiset kirjailijat pyrkivät tuhoamaan aiemman perinteen ja etsimään uutta muotoa, teemoja ja sisältöä. Toiset päinvastoin käyttivät edeltäjiensä teoksia omiin tarkoituksiinsa. Siten postmodernit teokset ovat täynnä viittauksia ja muistoja.

Klassikko on jotain, joka on aina muodissa. Tämä on tietty maailmankuvaamme muovaava näyte, joka heijastaa kaikkia tietyn ajan kansakunnan ominaispiirteitä.

Keitä kirjailijoita voidaan kutsua klassikoiksi?

Kuten edellä todettiin, kaikki kirjailijat eivät kuulu klassikoiden joukkoon, vaan vain ne, joiden työllä oli merkittävä vaikutus venäläisen kulttuurin kehitykseen. Ehkä ensimmäiset klassiset kirjailijat, jotka jättivät merkittävän jäljen Venäjälle, ovat Lomonosov ja Derzhavin.

Mihail Vasilievich Lomonosov

Hänen kirjallinen työnsä juontuu 1700-luvun ensimmäiseltä puoliskolta. Hänestä tuli klassismin liikkeen perustaja, joten on mahdotonta olla luokittelematta häntä aikansa klassikoksi. Lomonosov antoi valtavan panoksen paitsi kirjallisuuteen, myös kielitieteeseen (tunnistettuaan kolme tyyliä äidinkielellään) sekä kemiaan, fysiikkaan ja matematiikkaan. Hänen merkittävimmät teoksensa: "Aamu-/iltapohdiskelu Jumalan Majesteetista", "Oodi taivaaseenastumispäivänä...", "Keskustelu Anakreonin kanssa", "Kirje lasin eduista". On huomattava, että suurin osa Lomonosovin runoteksteistä oli luonteeltaan jäljitteleviä. Mihail Vasilyevichiä ohjasivat työssään Horatius ja muut muinaiset kirjailijat.

Gavrila Romanovich Derzhavin

1800-luvun toisen puoliskon kirjailijat

Runoilijoista on korostettava erityisesti F.I. Juuri he merkitsivät kaikkea 1800-luvun toisen puoliskon runoutta. Proosakirjailijoiden joukossa ovat sellaiset kirkkaat hahmot kuin I. S. Turgenev, F. M. Dostojevski, L. N. Tolstoi, A. P. Tšehov ja muut. Tämän ajanjakson teokset ovat täynnä psykologista tutkimusta. Jokainen realistinen romaaneista avaa meille poikkeuksellisen maailman, jossa kaikki hahmot on piirretty elävästi ja elinvoimaisesti. On mahdotonta lukea näitä kirjoja ajattelematta mitään. Klassikot ovat ajatuksen syvyyttä, fantasialentoa, roolimallia. Huolimatta siitä, kuinka hienostunut modernistit sanovat, että taide on pidettävä erillään moraalista, klassisten kirjailijoiden teokset opettavat meille elämän kauneimpia asioita.

Käsite "klassinen musiikki" on terminologisesta näkökulmasta hyvin epämääräinen käsite. Yleisesti hyväksytyn käsityksen mukaan klassinen musiikki on musiikkia, joka on kestänyt ajan kokeen ja pysyy suosittuna useita vuosia luomisen jälkeen.

Historiallisessa mielessä "klassisen musiikin" käsite sisältää klassismin tai tarkemmin 1700- ja 1800-lukujen musiikillisen perinteen. Toinen aikakauslehti, johon keskitymme, rajoittaa klassisen musiikin ajanjaksoa, milloin se syntyi, ja nykyaikaa, jolloin se on edelleen olemassa.

Klassisen musiikin historiassa erotetaan erilliset kehitysjaksot.

renessanssi

Klassisen musiikin historian pisin ajanjakso, vuodet 1400-1600. Minä ja taiteen nopea kehitys, joka jätti maailmanmusiikkiperinteeseen muun muassa Thomas Luis de Victorian, Giovanni da Palestinan, Thomas Tallisin teoksia, mukaan lukien Shakespearen musiikkiteokset.

Barokki

Renessanssin jälkeiselle barokin aikakaudelle (1600-1750) on ominaista monimutkaisemmat musiikilliset muodot, uusien genrejen ilmaantuminen, eri genret ja moniäänisyys. Barokkikaudella kukoisti ooppera ja teräs, joita kuunnellaan ja peritään tähän päivään asti: Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Händel.

Klassismi

Klassismin aikakausi klassisen musiikin kehityksessä rajoittuu 1750-1830-lukujen ajanjaksoon, johon Wienin koulukunnan nimet - Mozart, Haydn, Beethoven - yhdistetään poikkeuksetta.


Franz Joseph Haydn

Klassismin aikakaudella erotetaan siirtymäkausi Johann Sebastian Bachin kuoleman vuonna 1750 ja Mozartin kypsän teoksen välillä 1770-luvulla. Tällä ajanjaksolla on oma ranskalainen nimi - "Galante".

Yleisesti klassismin musiikille on ominaista harmonia ja tasapaino, muotojen kanonisuus, sonaattimuodon synty ja sinfonioiden kehittyminen, orkesterin laajeneminen ja teosten suurempi emotionaalisuus.

Romantiikka

Romantismin aikakaudella klassisen musiikin muodot, genret ja ideat kehittyivät aktiivisesti. Tämän ajanjakson teoksille on ominaista tunneilmaisu ja dramaattisuus. Juuri tähän aikaan monet laulutyylilajit, erityisesti balladit, alkoivat kehittyä. Musiikki oli erityisen suosittua, esimerkiksi Chopinin ja Lisztin teokset.


Franz Liszt

Romanttisen musiikin säveltäjistä erottuu ensinnäkin Beethoven, jota pidetään pikemminkin romantiikan edeltäjänä Cherubinin ohella. Myöhemmin heidän perustamansa musiikilliset perinteet perivät Schubert, Wagner, Tšaikovski...

1900-luvun klassinen musiikki

Klassiselle musiikille on 1900-luvulla tunnusomaista kokeiluhalu, jota ei rajoita mikään muu kuin säveltäjän itsensä tahto ja mielikuvitus. Syntyivät sellaiset käsitteet kuin atonalismi (tai atonaalisuus, toisin sanoen tonaalisuuden logiikan hylkääminen) ja aleatoriikka (satunnainen elementtien sarja sävellyksessä).

1900-luvun säveltäjistä klassiseen musiikkiin luokitellaan Rahmaninovin, Brittenin, Glassin, Stravinskyn ja Bernsteinin teokset.

Nykyklassinen musiikki sekoitetaan usein postklassiseen musiikkiin. 1900-luvun musiikkityylien väliset rajat ovat todellakin niin hämärtyneet, että tietyn teoksen liittäminen tiettyyn tyyliin on joskus hyvin vaikeaa.