K. Bryullov. Omakuva. (romantismi)
Syntynyt taiteilijan, akateemikon ja Taideakatemian opettajan perheeseen. Jo lapsuudessa hänen isänsä työskenteli hänen kanssaan paljon, mikä ei voinut muuta kuin jättää jäljen hänen työhönsä. Teoksissaan hän noudatti yleensä klassismin tyyliä (taiteen tyyli latinasta käännettynä "esimerkiksi", pitäen ihanteena antiikin ja renessanssin perinteitä. Klassismi korottaa sankarillisuutta, korkeaa kansalaisuutta, velvollisuudentuntoa, tuomitsee paheet .), jonka hän esitteli sinnikkäästi seinien sisällä. Kuten näemme, trendit eivät myöskään jättäneet Bryullovia välinpitämättömäksi. Hän valmistui loistavasti akatemiasta, sai suuren kultamitalin ja paransi sitten taitojaan Italiassa, missä hän saavutti nopeasti eurooppalaisen tunnustuksen. Monien hänen maalaustensa aiheet ovat saaneet inspiraationsa italialaisista aiheista. Bryullov omistaa kankaita historiallisista ja mytologisista aiheista sekä jokapäiväisistä aiheista. Hän maalasi myös kuvituksia kirjallisille teoksille ja paljon muotokuvia.
Pompejin viimeinen päivä (1833)
Maalaus toistaa muinaisen Pompejin kaupungin kuoleman Vesuviuksen purkauksen aikana vuonna 79 jKr. Tämä on valtava kangas, joka on 4,5 metriä korkea ja 6,5 metriä pitkä.
Monimutkaisin maisema tausta ja monihahmoinen sommittelu vaati intensiivistä fyysistä ja luovaa energiaa. Maalauksen menestystä selittää kohtauksen myrskyisä dramaattisuus, värien loisto ja kirkkaus, sommittelulaajuus, veistoksellinen selkeys ja muotojen ilmeisyys.
Vesuvius avasi suunsa - savua tuli ulos, liekkien pilvi
Laajalti kehitetty taistelulippuna,
Maa on levoton - huojuvista pylväistä
Idolit putoavat! Pelon ohjaama kansa
Kivisateen alla, tulehtuneen tuhkan alla,
Väkijoukot, vanhat ja nuoret, karkaavat pois kaupungista.
Tärkeintä on, että taidemaalari osoitti vakuuttavasti: edes kaikkein armottomimmat ja väistämättömät voimat eivät pysty tuhoamaan ihmistä ihmisessä. Kuvaa katsellessa huomaa, että edes kuoleman hetkellä jokainen kuvattu ei niinkään etsi pelastusta itselleen, vaan pyrkii ennen kaikkea pelastamaan itselleen läheisiä ja rakkaita ihmisiä. Siten kuvan keskellä oleva mies, joka ojentaa vasemman kätensä avoimen kämmenen uhkaavalle taivaalle, ei suojele itseään putoavilta kiviltä, vaan vaimoaan, jonka hän peitti viitallaan. Nainen kumartuen ja nojaten koko kehonsa eteenpäin yrittää peittää lapset vartalollaan.
Tässä aikuiset lapset yrittävät ottaa vanhan isänsä ulos tulen alta. Täällä äiti vakuuttaa poikansa jättämään hänet ja pelastamaan itsensä. Ja tässä on sulhanen kuollut morsian sylissään.
Tietenkään kaikki ihmiset eivät ole yhtä uskollisia ja kunnollisia. Kuvassa on sekä eläinpelkoa, joka pakottaa ratsastajan nopeasti pelastamaan itsensä, että kyltymätön ahneus, jolla pappi haltuu kirkon aarteita hyödyntäen yleistä paniikkia. Mutta niitä ei ole montaa.
Silti jalo ja rakkaus hallitsevat kuvassa.
Bryullovin teoksissa on selkeä jälki romantiikan vaikutuksesta. Tämä näkyy sekä teeman valinnassa että kuvan tulisessa värityksessä. Mutta toisaalta, tässä näkyy myös klassismin vaikutus, jolle Bryullov oli aina uskollinen - ihmisten hahmot muistuttavat hyvin täydellisiä antiikkiveistoksia. Harvat taideteokset ovat tunteneet Bryullovin luoman voiton.
Kuuluisa englantilainen kirjailija Walter Scott vietti kaksi tuntia maalauksen lähellä ja arvioi venäläisen mestarin luomisen historialliseksi eeposeksi. Kun kirjailija astui kotimaahansa, häntä juhlittiin lämpimästi Odessassa (hän saapui meritse) ja erityisen innostuneesti Moskovassa. "Äitivaltaistuimella" taiteilijaa tervehdittiin E. A. Baratynskyn runollisilla säikeillä:
Toit rauhanpalkinnot
Sinun kanssasi isäsi katokselle,
Ja siitä tuli "Pompejin viimeinen päivä"
Ensimmäinen päivä venäläiselle siveltimelle!
Omakuva (1848)
Tätä omakuvaa pidetään yhtenä maailman maalauksen parhaista. Siinä taiteilija välitti tunnelman, joka vallitsi häntä elämänsä lopussa. Bryullov oli tuolloin vakavasti sairas. Mestari kuvaa itseään nojaamassa tuoliin. Punainen tyyny, jolla pää lepää väsyneenä, korostaa kasvojen sairasta kalpeutta. Laihtuneen käsivarren käsi, voimattomaksi laskettu käsinojasta, vahvistaa fyysisen kärsimyksen motiivia. Kuitenkin tuntuu, että henkinen tuska lisää fyysistä kärsimystä. Uponneiden, väsyneiden silmien ilme puhuu niistä ilmeikkäästi. Tämä mestariteos kirjoitettiin vain kahdessa tunnissa.
Muotokuva Julia Samoilovasta oppilaansa kanssa
Tämä maalaus on Bryullovin muotokuvamaalarityön huippu. Tämä on voittoisa osoitus itsenäisen, kirkkaan, vapaan persoonallisuuden kauneudesta ja henkisestä voimasta. Bryullov ja Yulia Samoilova rakastivat toisiaan. He tapasivat Roomassa, ja heidän rakkauttaan helpotti antelias italialainen luonto. Taiteilija kuvasi hänet yhdessä oppilaansa kanssa talon olohuoneesta poistumassa: kiihkeänä, kiihkeänä, häikäisevän kauniina, kiehtovana tuoksuvalla nuoruudellaan ja intohimollaan luontoon. Taiteilija Kiprensky sanoi, että voit niin onnistuneesti luoda muotokuvan naisesta, jota et vain ihaile loputtomasti, vaan jota rakastat intohimoisesti ja hullusti...
Maalauksen toinen nimi on "Naamiaiset". Tämä on taiteilijan pääidea.
Siellä salin takaosassa on naamiainen. Mutta valheiden maailmassa Samoilova, täynnä ihmisarvoa, heitti halveksivasti pois naamionsa ja näyttää ylpeänä avoimet kasvonsa. Hän on vilpitön. Hän ei piilota rakkauttaan tässä juhlassa tuomittua taiteilijaa kohtaan ja suhtautumistaan yhteiskuntaan, jonka hän ja veljentytär ovat uhmakkaasti jättämässä.
Ja siellä, salin takaosassa, naamioituneilla ihmisillä on edelleen hauskaa, siellä on korkean yhteiskunnan edustajia, jotka ovat tottuneet sanomaan yhtä, tekemään toista ja ajattelemaan jotain muuta. Siellä on täysin valheellinen yhteiskunta, jonka kanssa Bryullov ei niin usein sopinut hänen näkemyksiensä kanssa. Samoilovalla oli valtava rooli taiteilijan elämässä - hän tuki häntä sekä taloudellisesti että henkisesti Bryullovin elämän vaikeina hetkinä.
Bakhchisarai-suihkulähde (1849)
Maalaus-kuvitus Pushkinin samannimisestä runosta. Hän kuvasi Khan Gireyn "arkoja vaimoja" puutarhassa uima-altaan vieressä katsomassa kalojen liikkeitä vedessä. Eunukki tarkkailee heitä. Taiteilija välittää mielenkiinnolla ja ilolla idän eksotiikkaa: hienot itämaiset puvut, luonnon rehevä ylellisyys - kaikki tämä antaa kuvalle juhlallisen koristeellisen laadun. Elokuvassa ei ole draamaa. kuin runossa. Idyllinen tunnelma tekee siitä maalauksellisen kuvituksen runoille:
Huolettomasti odottamassa khaania,
Leikkisän suihkulähteen ympärillä
Silkkimatoilla
He istuivat iloisen joukossa
Ja lapsellisella ilolla he katsoivat,
Kuin kala kirkkaassa syvyydessä
Kävelin marmoripohjalla.
Tarkoituksella hänelle muiden pohjalle
He pudottivat kultaiset korvakorut.
Italialainen iltapäivä (1827)
Tämän maalauksen mallina oli roomalainen tavallinen mies - pullea, pyöreäkasvoinen henkilö, jota hän kuvasi poimimassa rypäleitä. Portailla seisoessaan hän pitää vasemmassa kädessään rypälekoria, oikealla kädellä hän on poimimassa rypäleterttua ja ihaili meripihkan täyttämien marjojen valon leikkiä. Taiteilija löysi hänet tekemästä tätä. Antelias italialainen aurinko paistaa vihreiden lehtien läpi, palaa kultaisena rypäleissä, leimahtaa kirkkaalla liekillä nuoren naisen vasemman käsivarren päälle heitetyllä violetilla viittalla, hänen poskien punaisuudessa, hänen helakanpunaisten huultensa kaaressa, lävistää hänet rehevä rintakuva, jonka paljastaa olkapäältä pudonnut pusero. "Italian Noon" on kypsä, kukkiva nainen, joka sopii yhteen Italian auringon ravitsemien kypsien ja mehukkaiden hedelmien kanssa. Valon ja värien mellakka, tyypillisesti italialainen, eteläinen kasvot eivät vaadi ympäristön näyttämistä korostamaan kohtausta.
Shishmarevin sisarten muotokuva (1839)
Seremoniallinen muotokuva kuuluisan teatterin rakastajan ja taiteilijan Shishmarevin tyttäristä. Muotokuva on maalattu genremaalauksen muodossa, sisarukset on kuvattu laskeutumassa marmoriportaita pitkin puutarhaan. Koira ryntää nopeasti heidän jalkojensa juureen. Alla etiopialainen palvelija pitelee arabianhevosia. "Amazonien" liikkeet ovat sileitä ja kauniita. Heidän asunsa ovat upeita. Sinisten, purppuranpunaisten ja mustien vaatteiden väri on syvä ja rikas.
Batseba (1832)
Kuva perustuu raamatulliseen tarinaan. Batseba on Urian, kuningas Daavidin ystävän, vaimo. Daavid tappoi Uurian ja teki Batsebasta vaimonsa. Hän synnytti hänelle pojan, tulevan kuningas Salomon, joka oli kuuluisa viisaudestaan. Taiteilija yhdisti kuvassa ihanteellisen kauneuden elämän totuuteen. Hän maalaa naisvartalon kauneutta, mutta kaikilla klassismia muistuttavilla veistoksellisilla muodoilla tämä kauneus ei ole kylmää, vaan elävää, lämmintä. Romantiikan hengessä oleva mytologinen juoni on väritetty itämaisen eksoottisuuden mausteilla: Batsheban lumivalkoista kauneutta herättää mustan naisen tummaihoinen vartalo.
Tyttö poimimassa rypäleitä.
Maalaus on maalattu vuonna 1827. Tämä on kohtaus maaseutuelämästä, nähty yhdessä Italian kaupungeista. Bryullov teki siitä tyylikkään balettiesityksen.
Nuori talonpoikanainen, kuin siro tanssija, nousi varpailleen ja levitti joustavat käsivartensa, tuskin koskettaen viiniköynnökseen mustia viinirypäleitä. Hänen asennon musikaalisuutta korostaa hänen hoikkiin jalkoihinsa sopiva kevyt mekko - chiton. Korallilanka erottaa hoikan kaulan ja punertavat kasvot, joita kehystävät kiharat ruskeat hiukset.
Toinen tyttö, joka makaa vapaasti talon portailla. soittaa tamburiinin kelloja ja katsoo kekseliäästi katsojaa.
Iloiseen seuraan puuttuu lyhytpaidassa pukeutunut pikkuveli - eräänlainen bakkanaali-amor, joka kantaa viinipulloa.
Ennustava Svetlana
Jouluaattona tytöt ennustavat kihlauksestaan. Joten Svetlana ihmettelee peiliin katsoessaan. Tämä on tyttö kansasta - kokoshnikissa, aurinkopuvussa, helmet rinnassa. Taiteilija tietysti koristeli muotokuvaa suuresti - kansan tytöt eivät pukeudu niin. Svetlana katsoo peiliin ja kuiskaa loitsuja. Tyttö lausuu intohimoisesti taikasanat, hänen silmänsä katsovat anovasti hänen kasvoilleen, ikään kuin hän odottaisi toiveensa toteutumista. Palava kynttilä seisoo lähellä ja valaisee tytön kasvoja.
N. N. Goncharovan muotokuva. 1832
Tämä on Puškinin vaimon ainoa muotokuva, joka on luotu runoilijan elinaikana. Tämä on todellinen venäläisen akvarellimaalauksen mestariteos.
Taiteilija ei syvenny nuoren naisen luonteeseen. Hän on täysin vaikuttunut nuoruuden kauneudesta ja viehätysvoimasta. Siksi katsojan kaikki huomio keskittyy hänen nuoruuteensa, hänen lähes lapsellisten kasvojensa suloisuuteen ja tyylikkääseen wc:hen. Hän oli vain 18-vuotias.
Muotokuvassa kauniilla Nataliella on korvakorut, joissa on kalliita timantteja korvissaan. Köyhä Pushkin lainasi niitä ystävältään Pjotr Meshcherskyltä palloa varten rakkaalle vaimolleen. Kun runoilija näki ne vaimossaan, hän vaati, että Bryullov maalasi muotokuvan näillä korvakoruilla. On sanottava, että legendan mukaan nämä timantit eivät olleet tavallisia, vaan "Shirin-timantteja" - ne luokitellaan historiallisiksi "kuolellisiksi" jalokiviksi. Sitä uskottiin. että niitä ei voi käyttää naiset, jotka eivät kuulu Meshchersky-perheeseen.
Tätä Bryullovin muotokuvaa katsellessa tulee tahattomasti mieleen rivit Pushkinin runosta, joka on omistettu hänen rakkaalle vaimolleen:
Yksinkertaisessa nurkassani, keskellä hidasta työtä,
Halusin olla ikuisesti yhden kuvan katsoja,
Yksi: niin, että kankaalta, kuten pilvistä,
Puhtain ja jumalallinen pelastajamme...
Toiveeni toteutuivat. Luoja
Hän lähetti sinut luokseni, sinä, Madonnani,
Puhtain esimerkki puhtaasta kauneudesta.
Parimuotokuva E. Mussardista ja E. Mussardista (1849), akvarelli
Lääkäreiden neuvosta Bryullov lähti vuonna 1849 Madeiran saarelle, jossa hän viipyi noin vuoden. Täällä, pienen venäläisten siirtokunnan joukossa, taiteilija tapasi kauniin Mussard-parin. Evgeniy Ivanovich Mussard oli Lichtenbergin herttua Maximilianin ja hänen vaimonsa suurherttuatar Maria Nikolaevnan sihteeri. Taiteilija sitoutui maalaamaan muotokuvan Mussardeista. Hevosurheilun muotokuva, seremoniallinen. Bryullov rakasti maalata tällaisia muotokuvia. Ja vaikka tämä on akvarelli, taiteilija onnistui mestarillisesti välittämään vaatteiden tekstuurin ja asusteiden kauneuden. Mutta niiden loisto ei estä sinua ihailemasta kaunista Mussard-paria kävelyllä ja heidän upeiden hevosinsa ilmettä.
Inessa de Castron kuolema (1834)
Edessämme on draama Portugalin Kastilian kuninkaan Alfonso IV:n elämästä. Kuninkaan pojan vaimon Don Pedro Inessan hovirouva valloitti kauneudellaan vauvan, joka vaimonsa kuoleman jälkeen meni salaa naimisiin hänen kanssaan, koska... isällä oli toinen ehdokas vaimoksi pojalleen. Kuninkaan neuvonantajat saivat selville hänen poikansa salaisuuden ja paljasti sen Alphonselle.
Don Pedro kieltäytyi menemästä naimisiin isänsä kosijan kanssa. Sitten kuninkaallisen neuvoston päätöksellä päätettiin tappaa Inessa. Odotettuaan hetkeä, jolloin Don Pedro lähti metsästämään, kuningas ja hänen neuvonantajansa menivät Inessan luo. Kun Inessa tajusi, mikä heitä odotti, hän heittäytyi kuninkaan jalkojen juureen. Onneton nainen nyyhki ja anoi henkensä edestä. Aluksi kuningas sääli nuorta naista, mutta hänen neuvonantajansa suostuttelivat tämän olemaan antautumatta tarpeettomaan sääliin ja tappoivat kahden lapsen äidin.
Don Pedro ei antanut isälleen anteeksi tällaista petosta ja hänen kuolemansa jälkeen hän löysi suorat tappajat ja teloitti heidät. Taiteilija onnistui välittämään äidin tunteet, joka kiihkeästi rukoili tappajiaan. Kuningas ja hänen kätyrinsä on kuvattu tummilla, synkillä väreillä, Inessan ja lasten hahmot erottuvat valopilkkuna. Ja jälleen, naisen kuvauksessa Bryullov pysyy uskollisena klassismille, ja teemavalinnassaan intohimokuvauksessa hän kallistuu romantiikkaan.
Ratsunainen (1823)
Ehkä kuuluisin Bryullovin muotokuva. Edessämme ovat kreivitär Samoilovan oppilaat Giovanna ja Amazilia Pacini. Tämä on seremoniallinen muotokuva: nuori kaunotar Giovanna Amazonin muodossa hillitsee hevostaan talon verannan edessä, koirat ja pikkutyttö juoksivat häntä vastaan, hän katsoo siskoaan ihaillen ja palvonta. Muotokuva näyttää olevan täynnä liikkeitä ja ääniä: koirat haukkuvat, lasten jalkojen kolinaa tuntuu edelleen kuuluvan palatsion kaikuvassa käytävässä. Hevonen on kuuma, mutta ratsastaja itse istuu rauhallisesti leveällä selkällään. Bryullov maalaa taitavasti ratsastajan lepattavan smaragdiharsohuivin puiston tumman vehreyden taustaa vasten - vihreää vihreällä. Loma on täynnä iloista ihailua elämän juhlallisen rikkauden ja monimuotoisuuden suhteen. Tarina yhdestä Karl Bryullovin maalauksesta.
Bryullov K. "Pompejin viimeinen päivä"
Hänen siveltimensä maagisella kosketuksella herätettiin henkiin historiallinen, muotokuva, akvarelli, perspektiivi, maisemamaalaus, josta hän antoi maalauksissaan eläviä esimerkkejä. Taiteilijan siveltimellä tuskin ehti seurata hänen mielikuvitustaan, hänen päässään kuhisi kuvia hyveistä ja paheista, jatkuvasti vaihtaen toisiaan, kokonaiset historialliset tapahtumat kasvoivat elävimmiksi konkreettisiksi ääriviivoiksi.
Karl Bryullov oli 28-vuotias, kun hän päätti maalata suurenmoisen maalauksen "Pompejin viimeinen päivä". Taiteilija oli velkaa kiinnostuksen syntymisestä tätä aihetta kohtaan vanhemmalle veljelleen, arkkitehti Alexander Bryulloville, joka tutustutti hänet yksityiskohtaisesti vuosien 1824-1825 kaivauksiin. K. Bryullov itse oli näinä vuosina Roomassa, hänen viides vuosi eläkkeestä Italiassa oli päättymässä. Hänen vyönsä alla oli jo useita vakavia teoksia, joilla oli huomattavaa menestystä taiteilijayhteisössä, mutta yksikään niistä ei taiteilijan mielestä näyttänyt olevan kykynsä arvoinen. Hänestä tuntui, ettei hän ollut vielä täyttänyt hänelle asetettuja odotuksia.
K. Bryullovia ahdisti pitkään vakaumus, että hän voisi luoda teoksen, joka on merkittävämpi kuin mitä hän oli tehnyt tähän mennessä. Tietoisena vahvuuksistaan hän halusi täydentää laajan ja monimutkaisen kuvan ja tuhota siten huhut, jotka alkoivat kiertää Roomassa. Häntä ärsytti erityisesti herrasmies Cammuccini, jota pidettiin tuolloin ensimmäisenä italialaisena taidemaalarina. Juuri hän epäili venäläisen taiteilijan lahjakkuutta ja sanoi usein: "No, tämä venäläinen taidemaalari pystyy pieniin asioihin, mutta kolossaalinen työ on tehtävä jonkun suuremman toimesta!"
Toisetkin, vaikka he tunnustivat K. Bryullovin suuren lahjakkuuden, totesivat kuitenkin, että kevytmielisyys ja hajamielinen elämä eivät koskaan antaisi hänen keskittyä vakavaan työhön. Näiden keskustelujen innoittamana Karl Bryullov etsi jatkuvasti aihetta suurelle maalaukselle, joka ylistäisi hänen nimeään. Pitkään aikaan hän ei voinut viipyä minkään hänen mieleensä tulleen aiheen ääressä. Lopulta hän törmäsi juoneen, joka valtasi kaikki hänen ajatuksensa.
Tällä hetkellä Paccinin ooppera "L" Ultimo giorno di Pompeia" esitettiin menestyksekkäästi monien italialaisten teattereiden näyttämöillä. Ei ole epäilystäkään siitä, että Karl Bryullov näki sen, ehkä jopa useammin kuin kerran. Lisäksi yhdessä aatelismiehen A. N. Demidovin kanssa (Hänen Majesteettinsa Venäjän keisarin kamariherra ja ratsumies) hän tutki tuhoutuneen Pompejin ja tiesi omasta kokemuksestaan, kuinka vahvan vaikutuksen nämä rauniot tekevät katsojaan, säilyttäen jälkiä muinaisista vaunuista, näistä taloista, ikään kuin nämä julkiset rakennukset ja temppelit olivat vasta äskettäin hylänneet niiden omistajat, amfiteatterit, joissa gladiaattoritaistelut näyttivät päättyneen vasta eilen.
Ympärillä, aivan kuten monta vuosisataa sitten, vehreä kasvillisuus peitti valitettavan kaupungin jäänteet. Ja kaiken tämän yläpuolella kohoaa Vesuviuksen tumma kartio, joka savuttaa uhkaavasti kutsuvalla taivaalla. Pompejissa K. Bryullov kysyi elävästi kaivauksia pitkän aikaa valvoneilta palvelijoilta kaikista yksityiskohdista.
Tietenkin taiteilijan vaikutuksellinen ja vastaanottavainen sielu vastasi muinaisen italialaisen kaupungin jäänteiden herättämiin ajatuksiin ja tunteisiin. Yhdessä näistä hetkistä hänen mieleensä välähti ajatus kuvitella nämä kohtaukset suurelle kankaalle. Hän välitti tämän idean A.N. Demidov niin kiihkeästi, että lupasi antaa varoja tämän suunnitelman toteuttamiseen ja ostaa K. Bryullovin tulevan maalauksen etukäteen.
Rakkaudella ja intohimolla K. Bryullov ryhtyi toteuttamaan maalauksen ja teki melko pian alustavan luonnoksen. Muut toimet kuitenkin saivat taiteilijan huomion pois Demidovin tilauksesta, eikä maalaus ollut valmis määräaikaan mennessä (vuoden 1830 lopussa). Tyytymätön tällaisiin olosuhteisiin A.N. Demidov melkein tuhosi heidän välisen sopimuksensa ehdot, ja vain K. Bryullovin vakuutukset siitä, että hän pääsee heti töihin, korjasivat koko asian. Ja todellakin hän ryhtyi työhön niin ahkerasti, että kaksi vuotta myöhemmin hän sai valmiiksi valtavan kankaan. Loistava taiteilija ei saanut inspiraatiota pelkästään tuhoutuneen Pompejin raunioista, vaan hän sai inspiraationsa myös Plinius Nuoremman klassisesta proosasta, joka kuvaili Vesuviuksen purkausta kirjeessään roomalaiselle historioitsijalle Tacitukselle. 
Pyrkiessään kuvan mahdollisimman luotettavuuteen Bryullov tutki kaivausmateriaaleja ja historiallisia asiakirjoja. Kuvan arkkitehtoniset rakenteet on hän entisöinyt muinaisten muistomerkkien jäännöksistä, taloustavarat ja naisten korut kopioitiin Napolin museossa sijaitsevista näyttelyistä. Kuvattujen ihmisten hahmot ja päät on maalattu pääasiassa elämästä, Rooman asukkaista. Lukuisat luonnokset yksittäisistä hahmoista, kokonaisista ryhmistä ja maalauksen luonnoksista osoittavat tekijän halun maksimaaliseen psykologiseen, plastiseen ja koloristiseen ilmaisukykyyn.
Bryullov rakensi kuvan erillisiksi jaksoiksi, jotka eivät ensi silmäyksellä olleet yhteydessä toisiinsa. Yhteys selviää vasta, kun katse kattaa samanaikaisesti kaikki ryhmät, koko kuvan.
Kauan ennen loppua ihmiset Roomassa alkoivat puhua venäläisen taiteilijan upeasta työstä. Kun hänen St. Claudius Streetin studionsa ovet avautuivat laajalle yleisölle ja kun maalaus myöhemmin esiteltiin Milanossa, italialaiset olivat sanoinkuvaamattoman iloisia. Karl Bryullovin nimi tuli heti kuuluisaksi koko Italian niemimaalla - päästä toiseen. Kadulla tavattaessa kaikki nostivat hattua hänelle; kun hän esiintyi teattereissa, kaikki nousivat ylös; talon, jossa hän asui, tai ravintolan ovelle, jossa hän ruokaili, monet ihmiset kokoontuivat aina tervehtimään häntä.
Italialaiset sanomalehdet ja aikakauslehdet ylistivät Karl Bryullovia kaikkien aikojen suurimpiin taiteilijoihin verrattavana nerona, runoilijat lauloivat hänen ylistystä jakeessa ja hänen uudesta maalauksestaan kirjoitettiin kokonaisia tutkielmia. Englantilainen kirjailija W. Scott kutsui sitä maalauksen eeposeksi, ja Cammuccini (häpeäen aikaisempia lausuntojaan) halasi K. Bryullovia ja kutsui häntä kolossiksi. Itse renessanssin jälkeen kukaan taiteilija ei ole ollut sellaisen yleismaailmallisen palvonnan kohteena Italiassa kuin Karl Bryullov.
Hän esitteli hämmästyneelle katseelle kaikki moitteettoman taiteilijan hyveet, vaikka on jo pitkään tiedetty, etteivät edes suurimmat taidemaalarit olleet yhtä täydellisiä onnellisimmassa yhdistelmässään. K. Bryullovin piirustus, kuvan valaistus ja taiteellinen tyyli ovat kuitenkin täysin jäljittelemättömiä. Maalaus "Pompejin viimeinen päivä" esitteli Euroopan mahtavaan venäläiseen siveltimeen ja Venäjän luontoon, joka pystyy saavuttamaan lähes saavuttamattomia korkeuksia kaikilla taiteen aloilla.
Mitä on kuvattu Karl Bryullovin maalauksessa?
Kaukana leimuaa Vesuvius, jonka syvyyksistä tulee tulista laavajokia joka suuntaan. Niiden valo on niin voimakas, että tulivuorta lähinnä olevat rakennukset näyttävät jo palavan. Eräs ranskalainen sanomalehti pani merkille tämän kuvallisen vaikutuksen, jonka taiteilija halusi saavuttaa, ja huomautti: "Tavallinen taiteilija ei tietenkään jättäisi hyväkseen Vesuviuksen purkausta valaisemaan kuvaansa, mutta herra Bryullov laiminlyö tämän keinon inspiroi häntä rohkealla, yhtä iloisella ja jäljittelemättömällä idealla: valaista koko kuvan etuosa salaman nopealla, pienellä ja valkeahkolla kirkkaudella, joka leikkaa kaupungin peittävän paksun tuhkapilven läpi samalla kun valo purkaus, joka hädin tuskin murtaa syvän pimeyden läpi, heittää taustalle punertavan penumbran."
Itse asiassa päävärimaailma, jonka K. Bryullov valitsi maalaukselleen, oli siihen aikaan erittäin rohkea. Se oli sinisen, punaisen ja keltaisen värin päälle rakennettu spektri, jota valaisi valkoinen valo. Vihreä, pinkki, sininen löytyvät välisävyinä.
Päätettyään maalata suuren kankaan, K. Bryullov valitsi sen kompositiollisen rakentamisen vaikeimmista menetelmistä, nimittäin valo-varjo ja tila. Tämä vaati taiteilijaa laskemaan tarkasti maalauksen vaikutuksen etäältä ja määrittämään matemaattisesti valon tulon. Ja luodakseen vaikutelman syvästä avaruudesta, hänen oli kiinnitettävä vakavaa huomiota ilmaperspektiiviin.
Kankaan keskellä on kumartunut hahmo murhattu nuori nainen ikään kuin tällä K. Bryullov olisi halunnut symboloida kuolevaa muinaista maailmaa (vihje sellaiseen tulkintaan löytyi jo hänen aikalaistensa arvosteluista). Tämä aatelisperhe oli lähdössä vaunuissa toivoen pääsevänsä pakoon hätäisesti. Mutta valitettavasti on liian myöhäistä: kuolema yllätti heidät matkalla. Pelästyneet hevoset ravistelevat ohjaksia, ohjakset katkeavat, vaunujen akseli katkeaa, ja niissä istuva nainen putoaa maahan ja kuolee. Onnettoman naisen vieressä makaa erilaisia koruja ja arvoesineitä, jotka hän otti mukanaan viimeiselle matkalleen. Ja hillitsemättömät hevoset kantavat hänen miehensä eteenpäin - myös varmaan kuolemaan, ja hän yrittää turhaan pysyä vaunuissa. Lapsi kurottautuu äidin elotonta ruumista kohti...
Maalauksen omistaja A.N. Demidov oli iloinen "Pompejin viimeisen päivän" mahtavasta menestyksestä ja halusi varmasti näyttää kuvan Pariisissa. Hänen ponnistelunsa ansiosta se oli esillä Taidesalonissa vuonna 1834, mutta jo ennen sitä ranskalaiset olivat kuulleet K. Bryullovin maalauksen poikkeuksellisesta menestyksestä italialaisten keskuudessa. Mutta täysin erilainen tilanne vallitsi ranskalaisessa maalauksessa 1830-luvulla, ja siellä käytiin kiivaa taistelua eri taiteellisten liikkeiden välillä, ja siksi K. Bryullovin teoksia tervehdittiin ilman sitä innostusta, joka häntä kohtasi Italiassa. Huolimatta siitä, että ranskalaisen lehdistön arvostelut eivät olleet kovin suotuisia taiteilijalle, Ranskan taideakatemia myönsi Karl Bryulloville kunniamitalin.
Todellinen voitto odotti K. Bryullovia kotona. Maalaus tuotiin Venäjälle heinäkuussa 1834, ja siitä tuli välittömästi isänmaallisen ylpeyden aihe ja siitä tuli venäläisen yhteiskunnan huomion keskipiste. Lukuisat kaiverretut ja litografiset jäljennökset "Pompejin viimeisestä päivästä" levittivät K. Bryullovin mainetta kauas pääkaupungin ulkopuolelle. Venäläisen kulttuurin parhaat edustajat tervehtivät innokkaasti kuuluisaa maalausta: A.S. Pushkin käänsi sen juonen runoksi, N.V. Gogol kutsui maalausta "universaaliksi luomukseksi", jossa kaikki "on niin voimakasta, niin rohkeaa, niin harmonisesti yhdistettynä yhdeksi, heti kun se voi nousta universaalin neron päässä". Mutta nämäkin omat ylistykset tuntuivat kirjoittajalle riittämättömiltä, ja hän kutsui kuvaa "maalauksen kirkkaaksi ylösnousemukseksi Hän (K. Bryullov) yrittää tarttua luontoon jättimäisellä syleillä".
Jevgeni Baratynsky omisti seuraavat rivit Karl Bryulloville:
Hän toi rauhan saalista
Ota se mukaasi isäsi katokseen.
Ja siellä oli "Pompejin viimeinen päivä"
Ensimmäinen päivä venäläiselle harjalle.
N.A. Ioninin "Sata suurta maalausta", Veche Publishing House, 2002
Tarinoita mestariteoksista
On tunnettu tosiasia, että Karl Bryullovin oppilaiden joukossa hänen maalauksensa "Pompejin viimeinen päivä" sillä oli melko yksinkertainen nimi - vain "maalaus". Tämä tarkoittaa, että kaikille opiskelijoille tämä maalaus oli vain maalaus isolla P-kirjaimella, maalausten maalaus. Voidaan antaa esimerkki: miten raamattu on kaikkien kirjojen kirja, sana Raamattu näyttää tarkoittavan sanaa Kirja. Sen suunnittelun ja lopullisen esteettisen vaikutuksen ytimessä "Pompejin viimeinen päivä" ei ole vain toinen kokemus metamorfoosin tyyliin, vaan myös ruumiillistuva idea, suunnitelma.
Metamorfoosin periaate perustuu taiteen maagiseen voimaan, tämä ei ole vain lelumittakaavassa, vaan myös suurenmoisessa mittakaavassa. Gogol onnistui ilmaisemaan kaikki tunteet täydellisellä varmuudella: "... minusta näytti siltä, että veistos, jonka antiikin ihmiset ymmärsivät niin plastisesti täydellisyydellä, että tämä veistos lopulta siirtyi maalaamiseen ja oli lisäksi jonkinlaisen salamusiikin täynnä.". Täydellisyyden ihanne, joka näytettiin katsojalle, on käynyt läpi metamorfoosin. Hän nousi kuolleista ja muuttui viehättävässä muodossa. Loppujen lopuksi sitä maalausta kutsutaan käännöksessä - maalaamaan elävästi. Veistossa kaikki kivestä tehty herää eloon. Mutta heti kaikki merkit elollisuudesta, jonka maalaus voi palauttaa, katoavat siitä. Samalla se ei menetä täydellisyyttään ollenkaan, se on painettu veistoksiin antiikin kautta.
Tästä seuraa, että kuvan juoni "Pompejin viimeinen päivä" ei tulkitse kovin traagista tapausta elämästä, vaan taiteellisen juonen. Se kertoo kuinka täydellisyyden ihanne haudattiin, mutta se säilytettiin kiveen voidakseen voittaa, voittaakseen ajan. Hänen täytyi syntyä uudelleen maalauksessa ymmärtääkseen veistoksisten kuvien täydellisen kauneuden piirteet. Hän on kerännyt varojaan pitkän ajan kuluessa elvyttääkseen ja palauttaakseen hengityksen sellaiselle kauneudelle. Tämä oli velka, jonka maalaustaiteen täytyi palata klassiseen taiteeseen. Oli tarpeen oppia löytämään ihanne ehdottoman kauniista. Juuri tämä tunnelma antiikin ja romantiikan dialogissa oli eräänlainen esteettinen tausta, jota vasten Bryullovin kuvan ääriviivat hahmottuivat. Karl Bryullovin maalauksessa oli juuri sellainen metafyysinen superjuoni jatkuvuuden ja taiteellisen kokemuksen polkujen käsittämättömyydestä.
Se kannattaa muistaa Baratynsky sävelsi nyt kuuluisat linjat "Ja tämä oli Pompejin viimeinen päivä". Gogol ilmoittaa aivan artikkelinsa alussa kirkkaan sunnuntain lopun ja kuoleman synkästä spektaakkelista maalauksessa. Molempien mestareiden sanojen mukaan maalauksen lopullinen juoni ja otsikko pelataan samalla tavalla. Tämä on juuri avain kuvaan ja menestykseen, jonka kuva sai aikalaisiltaan. Toistetaan vastakohta: viimeinen päivä, joka tarkoittaa kuolemaa ja loppua, kuolema - ja ensimmäinen - eli merkitsevä ja juhlallinen. Mutta molemmat maalaukset osoittavat elämän katastrofaalista rappeutumista yhdessä asiassa - historian aineessa, ja jossain vaiheessa se asetetaan mystiseen yhteyteen elävän energian ihmeellisen läsnäolon kanssa.
Täällä taiteilija on piirtänyt kuvan elämää antavasta kuolemasta. Kuvan muinainen maailma tuhoutui, mutta elävä kauneus näytti sen pelastaneen. Karl Bryullov onnistui sekä herättämään henkiin että ikuistamaan. Juuri tästä hän puhuu Gogol: "hänen hahmonsa ovat kauniita huolimatta heidän tilanteensa kauhusta. He hukuttaa hänet kauneudellaan... Bryullovissa ilmestyy mies, joka näyttää kaiken kauneutensa, kaiken luonteensa ylimmän armon. Intohimot, aidot, tuliset tunteet ilmaistaan niin kauniissa ulkonäössä, niin kauniissa ihmisessä, josta nautit hurmaukseen asti...”
Sarja purkauksia tapahtui ensimmäisellä vuosisadalla jKr Vesuvius joihin liittyi maanjäristys. He tuhosivat useita kukoistavia kaupunkeja, jotka sijaitsivat lähellä vuoren juurta. kaupungit Pompeji katosi vain kahdessa päivässä - elokuussa 1979 se oli kokonaan vulkaanisen tuhkan peitossa. Hän huomasi olevansa haudattu seitsemän metriä paksun tuhkakerroksen alle. Näytti siltä, että kaupunki oli kadonnut maan pinnalta. Pompejin löytö tapahtui sisään 1748 vuosi. Siitä lähtien kuukausi toisensa jälkeen jatkuvat kaivaukset ovat paljastaneet kaupungin. Pompeiji jätti lähtemättömän jäljen Karl Bryullovin sieluun jo hänen ensimmäisellä vierailullaan kaupungissa vuonna 1827.
Bryullovin veli opiskelee pompejalaista arkkitehtuuria ja työskentelee pompejalaisten kylpylöiden entisöintiprojekteissa. Saattaa tuntua, että tulevan maalauksen teema syntyi luonnollisesti, ikään kuin se olisi kunnianosoitus vaikutelmalle. Mutta eurooppalaisessa taiteessa Pompejin kaupungin aihe on nomadinen aihe. Romantismin taiteena loi sukupolvi ihmisiä Napoleonin sotien aikana. Heidän silmiensä eteen ilmestyivät salaperäisen pelin spektaakkelit. Romantikot alkoivat keksiä ja tulkita historiallisia aiheita eri tavalla.
Traagisia kohtauksia kuvattiin usein klassisen taiteen eri ilmenemismuodoissa. Esimerkiksi Sodoman tuho tai Egyptin vitsaukset. Mutta sellaisissa raamatullisissa tarinoissa vihjattiin, että teloitus tuli ylhäältä, tässä voitiin nähdä Jumalan huolenpidon ilmentymä. Ikään kuin raamatullinen historia ei tietäisi järjetöntä kohtaloa, vaan vain Jumalan vihaa. Karl Bryullovin maalauksissa ihmiset olivat sokeiden luonnonelementtien, kohtalon, armoilla. Täällä ei voi puhua syyllisyydestä ja rangaistuksesta. Et löydä päähenkilöä kuvasta. Se ei yksinkertaisesti ole siellä. Se, mikä näkyy edessämme, on vain joukko, ihmisiä, jotka olivat pelon vallassa.
Toisin kuin monet klassismin aikakauden maalaukset, joissa pääosin hahmojen yksi käännös hallitsi - kohti auditoriota, täällä kehitetään uutta tekniikkaa, uutta vaihtoehtoa. Liikesuunta suoritetaan vain liikkeen suunnalla syvyydessä. Maalauksen yksittäiset hahmot on kuvattu takaapäin, jotkut ovat voimakkaassa vinoliikkeessä. Tämä ryhmien sijoittamistekniikka varustasi tapahtumalla katsojasta riippumattoman olemassaolon täällä kaikki on olemassa vain katsojaa varten. Kaikki traaginen ja kauhea, mitä tapahtuu, tapahtuu vain yleisölle. Juuri tällainen tapaus, kuten todellinen tulipalo keinotekoisesti keinotekoisesti sovitetulla näyttämöllä, saa yleisön tuntemaan kaiken näkemänsä, kaikki koskettaa heitä suoraan, on kuin he olisivat tapahtuman osallistujia, ei katsoja.
Bryullovilla oli järkeä käyttää luonnoksissaan sävellystä, hän aikoi muuttaa visuaalista asetusta analogisesti vastaavien tilanteiden kanssa. Katsojan piti tunkeutua tunteeseen, että kaikki tapahtui suoraan. Tretjakovin galleriassa säilytettävässä luonnoksessa näkyy kokonainen vyyhti, joka pyörii eri tavoin. Oikean yläkulman kuvassa on tulivuorenpurkaus - kraatterista purskahtaa tulen kieli ja laavakielet laskeutuvat alas vuoren rinteitä. Myös kuvan punainen taivas on liekkien ympäröimä.
Luonnoksessa näet myös muokattuja lainauksia Vatikaanin freskosta "Tuli Borgossa". Täällä voit myös nähdä ihmisryhmiä nostamassa kätensä taivasta kohti. He pyytävät ylimmäiseltä papilta armoa. Maalauksessa on suorakaiteen muotoinen hauta, mikä rajoittaa maalauksen syvyyttä ja luo läheisyyden tunteen. Siinä on sekoitus klassista kaanonia ja uutta. Juuri kirjailijan romanttiset intohimot varmistivat elokuvan niin suuren menestyksen Italiassa. Elokuva oli menestys myös Pietarissa. Täällä kuvaa odotettiin innolla.
Maalaus tehtiin tilauksesta. tilasin sen Anatoli Demidov, hän oli yksi Uralin kaivosomistajien rikkaimmista perillisistä. Italiassa hän osti itselleen erityisarvon prinssi San Donato, keräilijä ja hyväntekijä. Vuonna 1834 Demidov saapui Pietariin ja antoi tämän maalauksen lahjaksi Nikolai Ensimmäiselle. Anatoli päätti näyttää maalauksen ensin Ranskassa, joten maalaus meni Pariisiin. Mutta saman vuoden maaliskuussa hän esiintyi Barcelonassa. Näyttelyn tuomaristo päätti pääpalkinnon tälle maalaukselle.
Mutta Karl Bryullov pysyi tyytymättömänä ranskalaisen kritiikin reaktioon, varsinkin italialaisen innostuksen jälkeen. Ranskalainen taiteellinen kritiikki heijasti taiteen yleistä voimatasapainoa, mutta se oli puolueiden taistelua. Bryullov pääsi kompromissiin - hän yhdisti romantiikan ja klassismin. Mutta klassismin ja romantiikan välisen jatkuvan taistelun taustalla kuva ei tyydyttänyt kummankaan ryhmän makua. Näyttelyssä maalaus sijaitsi maalausten välissä - "St. Symphorion" Ingres ja "Algerian naiset" Delacroix.
Karl Pavlovich Bryullov(1799 - 1852),
Taiteilija.
Omakuva
Karl Bryullov syntyi 12. joulukuuta 1799 Pietarissa. Hän varttui taiteellisessa perheessä: hänen veljensä, isänsä, isoisänsä ja isoisoisänsä olivat taiteilijoita.
Hän valmistui menestyksekkäästi Taideakatemiasta, jossa hänen isänsä opetti. Harvinaisen kykynsä ja huomattavan kotivalmistuksensa ansiosta hän erottui ensimmäisistä askeleista lähtien ikäisensä joukosta.
Pietariin perustettiin vuonna 1821 Taiteilijoiden rohkaisuyhdistys, jonka päätavoitteena oli auttaa taiteilijoita kaikin mahdollisin tavoin ja edistää kaikkien kuvataiteiden laajaa leviämistä. Karl Bryullov ja hänen veljensä Alexander olivat ensimmäiset, jotka lähtivät Seuran rahoilla Italiaan, Roomaan.
Muotokuva arkkitehti A. P. Bryullovista, taiteilijan veljestä
Ja heidän ulkomaanmatkansa aattona heidän alkuperäiselle sukunimelleen "Bryullo" annettiin venäläinen pääte, ja tästä lähtien molemmista tuli "Bryullovs". Nuoret venäläiset taiteilijat tutustuivat perusteellisesti Länsi-Euroopan historiaan ja taiteeseen.
Keisarinna Aleksandra Fedorovnan muotokuva. 1837
Siellä Karl maalasi maalauksen "Italian Morning", joka teki hänestä epätavallisen suositun taiteilijan.
Italialainen aamu
Hänen sankarittarensa, joka peseytyy suihkulähteen suihkujen alla, tunkeutuu auringonsäteiden läpi, ilmava ja kevyt, nähdään itse aamun, nousevan uuden päivän aamun, ihmiselämän aamun personifikaationa.
Italialainen keskipäivä
Suuri Karl - näin merkittävän venäläisen taiteilijan Karl Pavlovich Bryullovin aikalaiset kutsuivat häntä hänen elinaikanaan. Bryullovin Italiassa maalaama valtava kangas, "Pompejin viimeinen päivä", toi hänelle maailmanlaajuista tunnustusta. Karl Bryullovin nimi asetettiin nyt Rubensin, Rembrandtin ja Van Dyckin nimien viereen.
Pompejin viimeinen päivä
Maalauksen "Pompejin viimeinen päivä" juoni on muinaisen Pompejin kaupungin kuolema Vesuvius-vuoren purkauksen seurauksena vuonna 79 jKr. Suunnitelmansa toteuttamisen parissa hän tutki huolellisesti historiallista materiaalia, erityisesti katastrofin silminnäkijän - roomalaisen kirjailijan ja valtiomiehen - Plinius nuoremman todistusta ja meni arkeologiselle kaivauspaikalle, jossa hän teki monia luonnoksia ja luonnoksia. elämästä.
Ihmisten traaginen kuolema Vesuviuksen purkauksen aikana, tunteiden poetiikka, ihmishengen suuruus sokeiden elementtien edessä kuvasivat taiteilijan dramaattista elämänkäsitystä.
Vuonna 1836 K. P. Bryullov palasi Venäjälle ja otti professorin tehtävän Taideakatemiassa.
Pietarissa taiteilija loi gallerian aikalaistensa muotokuvista.
Ratsastaja
Muotokuva Yu.P. Samoilova adoptoidun tyttärensä Amalian kanssa 1842