MKOU "Torbeevskaja põhikool, mis sai nime A.I. Danilov"
Novoduginski rajoon, Smolenski oblast
Teatri tekkimise ajalugu Venemaal
Lõpetanud: algklasside õpetaja
Smirnova A.A.
küla Torbeevo
2016. aasta
Rahvakunst Vene teater tekkis iidsetel aegadel rahvakunstis. Need olid rituaalid, pühad. Aja jooksul kaotasid rituaalid oma tähenduse ja muutusid esinemismängudeks. Nad näitasid teatri elemente - dramaatiline tegevus, pomisemine, dialoog. Vanim teater oli rahvanäitlejate – pättide mängud.
Hullpead
Aastal 1068 mainiti kroonikates esimest korda pühvleid. Need langevad ajaliselt kokku Kiievi-Sophia katedraali seintele ilmuvate freskode ilmumisega, mis kujutavad härrasmeeste esinemisi. Kroonik munk nimetab härjajaid kuraditeenijateks ja katedraali seinu maalinud kunstnik pidas võimalikuks lisada nende kujutis koos ikoonidega kirikukaunistustesse.
Püha Sofia katedraal Kiievis
Freskod Püha Sofia katedraali seintel
Kes on pätid?
Sellise määratluse on andnud selgitava sõnaraamatu koostaja V.I. Dahl:
“Puhkur, koomik, muusik, torupillimängija, imemängija, torupillimängija, psalterimängija, kes elatub end laulude, naljade ja nippidega tantsides, näitleja, koomik, naljamees, karulõikaja , kloun, naljamees."
Petersell
17. sajandil kujunesid välja esimesed suulised draamad, mis olid süžeelt lihtsad ja peegeldasid populaarseid tundeid. Nukukomöödia Petruškast (tema nimi oli algul Vanka-Ratatouille) jutustas nutika, rõõmsa kaaslase seiklustest, kes ei karda maailmas midagi. .
Kohtuteater
Kohtuteatri loomise plaanid ilmusid esmakordselt koos tsaar Mihhail Fedorovitšiga 1643. aastal. Moskva valitsus püüdis leida kunstnikke, kes oleksid nõus kuninglikku teenistusse astuma. 1644. aastal saabus Pihkvasse trobikond koomikuid Strasbourgist. Pihkvas elasid nad umbes kuu, misjärel nad teadmata põhjusel Venemaalt välja saadeti.
Tsaar Mihhail Fedorovitš Romanov
Tsarski teater Esiteks kuninglik teater Venemaal kuulus tsaar Aleksei Mihhailovitšile ja eksisteeris aastatel 1672–1676. Selle algus on seotud bojaari Artamon Matvejevi nimega.
Artamon Sergejevitš andis Moskvas elanud sakslaste asunduse pastorile Johann Gottfried Gregoryle korralduse alustada näitetrupi värbamist.
Tsaar Aleksei Mihhailovitš
Artamon Matvejev Pastor värbas 64 noormeest ja teismelist poissi ning hakkas neile näitlemisoskusi õpetama. Ta koostas piibliloo põhjal näidendi. See oli sisse kirjutatud saksa keel
, kuid etendus toimus vene keeles.
17. oktoobril 1672 avati Moskva lähedal tsaari residentsis kauaoodatud teater ja toimus esimene teatrietendus.
Lõbus kamber
Tsaari teatrit kui hoonet kutsuti lõbustuskambriks. Kooliteater 17. sajandil tekkis Venemaal slaavi-kreeka-ladina akadeemias kooliteater. Näidendid kirjutasid õpetajad, õpilased lavastasid ajaloolisi tragöödiaid, draamasid ja satiirilisi argistseene. Kooliteatri satiirilised sketsid panid aluse komöödiažanrile rahvuslikus näitekirjanduses. Kooliteatri päritolu oli kuulus
poliitik
, näitekirjanik Simeon Polotski.
Siimeon Polotskist Kindluse teatrid Ja sisse XVII lõpp sajandil ilmusid esimesed pärisorjateatrid. Päristeatrid aitasid kaasa naiste lavale ilmumisele. Silmapaistvate vene pärisorjade näitlejannade hulgas on üks, kes säras Šeremetevi krahvide teatris
Praskovja Žemtšugova-Kovaljova.
Pärisorjateatrite repertuaar koosnes Euroopa, peamiselt prantsuse ja itaalia autorite teostest.
Krahv Šeremetev
Praskovja Žemtšugova-Kovaljova
Krahv Šeremetevi kindlusteater
Kodukino hoone
Šeremetevs
Näitlejate kostüümid
Teatri ruumid
Millal teater Smolenski linna ilmus?
1) 1708. aastal
2) 1780. aastal
3) 1870. aastal 4) 1807. aastal Aastal 1780 saabuma Katariina II kaasas
Keiser Joseph II
, valmistas linnakuberner vürst N. V. Repnin “ooperimaja”, kus mõlemast soost aadlikele esitleti “vene komöödiat kooriga”. N.V. Repnin
Katariina N.V. Repnin
II
Keiser Joosep
Kelle nime kannab Smolenski Draamateater?
1) A.S. Puškin?
2) F.M. Dostojevski?
3) L.N. Tolstoi?
4) A.S. Griboedova?
Millist teatrit Smolenskis pole?
Kammerteater
Nukuteater
Ooperi- ja balletiteater
Smolenskis pole ooperi- ja balletiteatrit, seal on M.I. nimeline filharmoonia. Glinka nime saanud Smolenski piirkondlik filharmoonia. M.I. Glinka
Sergiev Posad Zakharova Vsevolod 15. keskkooli 10. klassi õpilane 1) Kutselise teatri tekkimine 2) Vanavene keel muusikaline kultuur 3) Teabeallikad 1) Too esile esinemise tunnused professionaalne teater Venemaal, 2) paljastada muusikakultuuri kujunemise tunnused iidsest Venemaalt kuni Venemaani, 3) aidata kaasa õpilaste vaimse kultuuri kujunemisele, huvi ja lugupidamise kujunemisele meie riigi kultuuri vastu. TSAAR ALEKSEI MIHAILOVITŠ Kutselise vene teatri alused pandi paika 17. sajandi teisel poolel. Selle päritolu peetakse tavaliselt 1672. aastaks, mil tsaar Aleksei Mihhailovitšile, rahvaliku “lõbu” tagakiusajale ning suurepäraste etenduste ja meelelahutuse armastajale, esitleti õukonnateatri esimest etendust. Euroopa teatriga sarnase teatri loomise algatajaks oli valgustatud bojaar Artamon Sergejevitš Matvejev. Näitekirjanikuks määrati Moskva luterliku kiriku saksa pastor Johann Gottfried Gregory, laialdaselt haritud, kirjanduslikult andekas ja vajalikke teadmisi valdav saksa ja hollandi teatriteadmised. Teater ehitati kiiruga Moskva lähedale, Preobraženskoje külla tsaari residentsi. Amfiteatri moodi paikneva “komöödiamõisa” auditoorium oli lavast väiksem, kuid rikkalikult kaunistatud: seinad ja põrand olid polsterdatud karmiinpunase, punase ja rohelise riidega puidust pingid, oli polsterdatud punase riidega, millele pealtvaatajate sõnul istusid vastavalt oma "järgule ja auastmele" mõned neist seisid laval. Kuninganna ja printsesside jaoks paigutati spetsiaalsed kastid - traditsioonide kohaselt eraldati auditooriumist võrega "puurid". Esimene etendus "komöödiamõisa" laval oli näidend "Ester ehk Artaxerxese tegevus". Näidendi süžee põhines piibellikul lool Esterist, alandlikust kaunitarist, kes pälvis Pärsia kuninga Artaxerxese tähelepanu ja päästis oma rahva surmast, saades oma naiseks. Etendus kestis kümme tundi, kuid kuningas vaatas selle kõik lõpuni ja jäi väga rahule. “Komöödiasaalis” lavastati veel kümme näidendit: “Judit”, “Kametuskomöödia Aadamast ja Eevast”, “Joosep” jt religioossetel ja ajaloolistel teemadel. Õukonnaetendusi korraldati mastaapselt ja luksuslikult, kuna need pidid peegeldama kuningliku õukonna pompsust ja rikkust. Ülikonnad valmistati kallitest kangastest. Etendustes kasutati laialdaselt muusikat, laulu ja tantsu. Tihti sai kuulda orelit, trompeteid ja muid pille. Igal etendusel olid tõstvad maastikud ja kõrvalstseenid. Lavatehnoloogia abil rakendati erinevaid efekte. Õukonnateatri näidendite esmaesitlejad olid peamiselt Saksa asuala näitlejad ja ainult mehed. 17. sajandi lõpus asendus “riiklik lõbustus” kooliteatriga (mis korraldati mõne õppeasutuse juures), tuginedes Poola ja Ukraina teatrite rikkalikule kogemusele. Selle päritolu seostati Kiievi-Mohyla Akadeemia üliõpilase, pedagoogi, luuletaja ja näitekirjaniku Simeoni Polotski nimega. Ta kirjutas spetsiaalselt kooliteatri jaoks kaks näidendit - "Tähendamissõna komöödia kadunud poeg" ja "Kuningas Nekadnetsarist, kuldsest kehast ja kolmest noorukist, keda koopas ei põletatud." 17. sajandi õukonna- ja kooliteatrid panid aluse teatrikunsti arengule Venemaal ja määrasid suuresti selle tuleviku. Vana-Vene muusikakultuuri päritolu ulatub tagasi paganlikesse traditsioonidesse idaslaavlased, mis kujunes ammu enne kristluse vastuvõtmist. Vana-Vene muusikariistad olid üsna mitmekesised. Harfi, nuusutamist, torusid ja flööti kasutati laialdaselt. Venemaal oli eriti lugupeetud gusli, vanim kitkutud keelpill, mida mainiti 10. sajandil "Möödunud aastate muinas". Pikka aega on arvatud, et harf on inimhinge sarnasus ning selle helin ajab minema surma ja haigused. Guslit mängisid rahvajutuvestjad ja kangelased: prohvetlik Boyan filmis “Igori sõjaretk”, eepilised kangelased Volga ja Dobrinja Nikititš Kiievis, Sadko Novgorodis. Kui Dobrynya võtab need helisevad väikesed hanepojad oma valgetesse kätesse, tõmbab ta kullatud nööridesse, Juudi salm hakkab kurvalt mängima, Kurval viisil ja liigutaval viisil kuulanud. Dobrynya hakkas lõbusalt mängima, Ta alustas mängu Erusolimist, teise mängu Tsar-gradist, kolmanda pealinnast Kiievist - Ta tõi kõik pidusöögile. Sõjaretkedel kasutati löök- ja puhkpille: trumme, tamburiine, trompetit, kõristeid. Nad säilitasid lahingute ajal sõdurite moraali, leevendasid emotsionaalset stressi ja sisendasid usaldust võidu vastu. Kristluse vastuvõtmine ei suutnud täielikult muuta rahva traditsioonilist eluviisi ja muusikalisi eelistusi. Bütsantsi ristimisega kandusid paljud kunstipõhimõtted Venemaa pinnale, laenati kaanon ja žanrisüsteem. Siin mõeldi need loominguliselt ümber ja töötati ümber, mis võimaldas hiljem kujundada originaalseid rahvuslikke traditsioone. Vana-Vene kirikumuusika eksisteeris koorilauluna ilma instrumentaalse saateta. Muusikariistad sisse õigeusu kirik olid keelatud. Pealegi peeti instrumentaalmuusikat patuseks ja deemonlikuks. Sellel vastasseisul oli vaimne tähendus. Tollal usuti, et õigeusu kirikus tohib kõlada ainult inglite laul, mis on taevase muusika kaja. Selline laulmine kehastas iluideaali ja andis inimestele armu-, puhastus-, lohutustunde ning õpetas armastama Jumalat ja ligimesi. Ainus erand oli kellade mängimise kunst, mida arendati lihtsa helina, kella, trezvoni jne erinevates vormides. Mitmed erineva tooniga kellad moodustasid kellatorni, mis võimaldas esitada terveid muusikateoseid. Kirikulaul oli näide kõrgeimast professionaalsusest, mis väljendus mitmesugustes vormides praktilises ja teoreetilises süsteemis, mida nimetati osmoglassüsteemiks, st helirühmade vaheldumisi kaheksa nädala jooksul. Rahvamuusikat anti neil aegadel traditsiooniliselt edasi põlvest põlve suuliselt, "suust suhu". Selle ajastu kultusmuusika salvestati spetsiaalsete siltidega, mida nimetatakse bänneriteks, millest kõige levinumad olid konksud. Seetõttu nimetati iidseid muusikalisi käsikirju znamennyks või konksuks. 17. sajandil jõudis muusikakultuur Venemaal, eriti koorikultuur, väga kõrgele tasemele. See oli aeg, mil traditsiooniliste žanrite kõrval muusikaline kunst sündisid uued vormid ja žanrid. Enne seda koorimuusika oli monofooniline. Nüüd on see asendunud polüfooniaga. Ja konksud asendusid noodikirjaga ja tekkis parteilaulu stiil. Nii nimetati tollal kanti ja koorikontsertide nootidest laulmist. Need kontserdid olid oluline üleminekuetapp kirikust ilmaliku professionaalse muusika juurde. Vana-Vene muusikakultuur oli kindel alus, millele hiljem kasvas kaunis hoone, mis pani aluse professionaalse loovuse arengule. Vana-Vene muusika parimatest näidetest on õigustatult saanud vene muusikakultuuri kõige väärtuslikum vara. http://images.yandex.ru/, http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi, http://vkontakte.ru/id47570217#/search?c%5Bsection%5D=audio, http://www.youtube.com/, Maailma kunstikultuur. Algusest kuni 17. sajandini. 10 klassi Algtase: õpik haridusasutustele / G.I. – 7. väljaanne, muudetud. – M.: Bustard, 2009
vene keel teatri loomingulisus tekkis ürgse kommunaalsüsteemi ajastul ning on maalist ja arhitektuurist suuremal määral seotud rahvakunstiga. Pinnas, millele selle algsed elemendid ilmusid, oli slaavlaste tootmistegevus, kes rahvapärased rituaalid ja pühad muutsid selle keeruliseks dramaatilise kunsti süsteemiks.
Folklooriteatrit eksisteerib slaavi maades siiani. Pulmad, matused, põllumajanduspühad on keerulised rituaalid, mis kestavad mõnikord mitu päeva ja milles kasutatakse laialdaselt selliseid teatrielemente nagu dramaatiline tegevus, laulmine, tants, kostüümid, kaunistused (kostjasobitaja, pruut, ringtantsud, rituaal või meelelahutuslikud mängud jne). Muistsed slaavlased peegeldasid ka maailma paganlusele iseloomulikku surnud looduse ülestõusmise püha.
Pärast ristiusu vastuvõtmist vähenes oluliselt rahvamängude roll ühiskonnaelus (kirik kiusas taga paganlust). Teatrilik rahvakunst elas sellegipoolest kuni 20. sajandini. Algul olid selle kandjad pätid. Rahvamängudel esitati populaarseid “mummemänge” ja “surnute” etendusi “õpitud karuga”. Rahvateater andis Petruška teatri.
Lemmiknukuetendused Venemaal olid jõulusõime, hiljem raika (Ukraina) ning lõunas ja läänes batleykas (Valgevene). Need etendused esitati puidust kasti abil, mis oli jagatud ülemiseks ja alumiseks astmeks. Sees ülemine korrus teemal mängiti tõsist osa etendusest piibli lugu Kristuse ja kuningas Heroodese sünnist. Alumisel korrusel näidati igapäevaseid koomilisi ja satiirilisi stseene, nagu Petruška teater. Järk-järgult vähenes jõulusõime tõsine osa ja teine osa kasvas, millele lisandusid uued koomilised stseenid 
ja jõulukast muutus kahetasandilisest ühetasandiliseks.
Kuni 17. sajandini oli teatraalsus Venemaal orgaaniline komponent rahvapärased rituaalid, kalendripühad, lavastatud ringtantsud. Selle elemendid kaasati jumalateenistusse ja just siin hakkas ilmaliku põhimõtte tugevnedes Vene ühiskonnas kujunema professionaalne teater.
Esialgu tekkisid liturgilised toimingud. Need on üsna keerukad teatrietendused, mida kasutatakse mõju suurendamiseks kiriklik jumalateenistus ning riigi- ja kirikuvõimude ühtsuse ülistamine. “Koopaakt” (kuningas Nebukadnetsari kristlaste veresauna taaslavastus) ja “eesli seljas ratsutamine” (Piibli süžee taasesitus palmipuudepühal) on hästi tuntud.
17. sajandi õukonna- ja kooliteatrid aitasid kaasa teatri edasisele arengule Venemaal. Juba tsaar Aleksei Mihhailovitši ajal hakati õukonnapidustusi, vastuvõtte ja tseremooniaid kaunistama suure teatraalsusega – ilmekalt ja suurejooneliselt. Esimene Venemaa professionaalne teater, Comedy Temple, oli õukonnateater ja üks tsaari reguleeritud "lõbusatest etendustest". Seda juhtis 1662. aastal Moskva sakslaste asunduses asuva luterliku ohvitseride kiriku teoloogiamagister, pastor ja koolijuht I. Gregory. Hoone ise avati 1672. aastal Preobraženskoje külas etendusega “Artaxerxes’ Action”.
Kooliteatri tekkimist Venemaal seostatakse koolihariduse arenguga. IN Lääne-Euroopa see tekkis 12. sajandil humanistlikes koolides omamoodi pedagoogilise tehnikana ja täitis esialgu vaid kasvatuslikke eesmärke. Ta aitas õpilastel omandada erinevaid teadmisi mängu vormis: ladina keeles Ja piibli lood, luule ja oratoorium. 16. sajandil hakati kooliteatri vaimse mõju võimalusi kasutama religioossetel ja poliitilistel eesmärkidel: Luther võitluses katoliiklastega, jesuiidid - luterluse ja õigeusu vastu. Venemaal kool 
teatrit kasutas õigeusk võitluses roomakatoliku mõju vastu. Selle tekkele aitas kaasa Kiievi-Mohyla Akadeemia lõpetanud munk, haritud inimene, poliitik, koolitaja ja luuletaja Simeon Polotskist. Aastal 1664 tuli ta Moskvasse ja temast sai õukonnas kuninglike laste õpetaja. Tema teoste kogumikus “Rhythmologion” avaldati kaks näidendit - “Komöödia kuningas Novhudonosorist, kuldsest kehast ja kolmest noormehest, keda ei põletatud koopas” ning komöödia “Tähendamislugu kadunud pojast”.
S. Polotski näidendid on oma olemuselt mõeldud õukonnateatrile. Oma eeliste poolest on nad kõrgemad koolilavastused tolle aja kohta ja eelneb 18. sajandi teatri arengule. Seega oli “komöödiatempli” toimimine ja S. Polotski esimeste professionaalsete dramaatiliste teoste ilmumine Venemaal ajalooliselt vajaliku ja loomuliku maailma teatrikultuuri saavutuste valdamise protsessi algus.
Polotski Siimeon polnud mitte ainult andekas luuletaja ja näitekirjanik. Maailma kunstikultuuris mängis ta probleeme arvestades märkimisväärset rolli suurima slaavi kunstiteoreetikuna kunstiline loovus- kirjandus, muusika, maalikunst. Teoloogina märkis ta, et kunst esindab kõrgeimat vaimset loovust. Ta hõlmas luulet, muusikat ja maali.
Huvitavad on S. Polotski esteetilised ja harivad vaated kunstile. Munk väitis, et ilukunstil "on inimestele vaimne ja vaimne kasu". Tema mõttekäigu järgi pole luulet, maali, muusikat ilma harmoonia, proportsiooni ja rütmita. Ilma kunstita pole haridust, sest selle mõju kaudu inimeste hinge surutakse maha negatiivsed emotsioonid positiivseid tundeid. Läbi muusika ja sõnade ilu saavad rahulolematud kannatlikud, laisad töötegijad, rumalad targaks, räpased südamelt puhtaks.
S. Polotsky lõi esimese klassifikatsiooni slaavi piirkonnas kaunid kunstid, tõstes maalikunsti seitsme vabakunsti hulka. Sama kehtib ka muusika kohta. Ta põhjendas selle esteetilist väärtust ja tõestas mitmehäälse laulu kiriku vajalikkust harmoonilises häältekombinatsioonis. Muusika moodi-tonaalset mitmekesisust, märkis S. Polotski, dikteerib selle hariv funktsioon.
blog.site, materjali täielikul või osalisel kopeerimisel on vaja linki algallikale.
Vene teatri ajalugu
Sissejuhatus
Vene teatri ajalugu on jagatud mitmeks peamiseks etapiks. Algne, mänguline etapp saab alguse klanniühiskonnast ja lõpeb 17. sajandiks, mil koos uue Venemaa ajalooperioodiga tekib uus, rohkem küps staadium teatri arengus, mis tipnes alalise riikliku kutselise teatri loomisega 1756. aastal.
Mõisted “teater” ja “draama” jõudsid vene sõnaraamatusse alles 18. sajandil. 17. sajandi lõpul oli kasutusel mõiste “komöödia” ja kogu sajandi jooksul – “lõbus” (Poteshny Chulan, Amusing Chamber). Masside seas eelnes terminile "teater" sõna "häbi", mõistele "draama" - "mäng", "mäng". Vene keskajal olid levinud nende sünonüümid - "deemonlikud" või "saatanlikud" pätimängud. Lõbustuseks nimetati ka igasuguseid võõraste poolt 16. sajandil toodud imesid. XVII sajandil ja ilutulestik. Noore tsaari Peeter I sõjalist tegevust nimetati ka lõbusaks. Mõiste “mäng” on lähedane mõistele “mäng” (“buffoon games”, “fee games”). Selles mõttes nimetati nii pulmi kui ka memme “mänguks”, “mängudeks”. Muusikariistade puhul on “mäng” hoopis teistsugune tähendus: parmupillide mängimine, nuusutamine jne. Suulise draama mõisted “mäng” ja “mäng” säilisid rahva seas kuni 19.-20. sajandini.
Rahvakunst
Vene teater sai alguse iidsetest aegadest. Selle päritolu ulatub tagasi rahvakunsti – rituaalidesse, tööga seotud tähtpäevadesse. Aja jooksul kaotasid rituaalid oma maagilise tähenduse ja muutusid esinemismängudeks. Neis sündisid teatri elemendid - dramaatiline tegevus, näitlemine, dialoog. Edaspidi muutusid lihtsamad mängud rahvadraamadeks; need loodi kollektiivse loovuse käigus ja talletati inimeste mälu, põlvest põlve edasi kanduv.
Arengu käigus mängud eristusid, lagunedes omavahel seotud ja samal ajal üksteisest üha enam eemalduvateks sortideks - draamadeks, rituaalideks, mängudeks. Ainus, mis neid ühendas, oli see, et nad kõik peegeldasid tegelikkust ja kasutasid sarnaseid väljendusviise – dialoogi, laulu, tantsu, muusikat, maskeeringut, näitlemist, näitlemist.
Mängud sisendasid dramaatilise loovuse maitset.
Mängud olid algselt klanni kogukonna organisatsiooni otsene peegeldus: neil oli ümartantsu, koori iseloom. Ümartantsumängudes sulandus orgaaniliselt koori- ja dramaatiline loovus. Mängudes sisalduvad laulud ja dialoogid aitasid iseloomustada mängupilte. Massimälestustel oli ka mänguline iseloom, need olid ajastatud kevadega ja kandsid nimetust "Venemaa". 15. sajandil defineeriti mõiste “Rusalia” sisu järgmiselt: deemonid inimese kujul. Ja juba 1694. aasta Moskva "Azbukovnik" määratleb rusaliat kui "hullumänge".
Meie kodumaa rahvaste teatrikunst saab alguse rituaalidest ja mängudest, rituaalsetest tegevustest. Feodalismi ajal viljeles teatrikunsti ühelt poolt “rahvamassid”, teiselt poolt feodaalne aadel, ning vastavalt sellele eristati ka pätte.
957. aastal tutvus suurhertsoginna Olga Konstantinoopoli teatriga. 11. sajandi viimase kolmandiku Kiievi Püha Sofia katedraali freskodel on kujutatud hipodroomi etteasteid. Aastal 1068 mainiti kroonikates esimest korda pühvleid.
Kiievi-Vene oli tuntud kolme tüüpi teatrite poolest: õukonna-, kiriku- ja rahvateatrid.
Buffoonery
Vanim “teater” oli rahvanäitlejate - pättide - mängud. Buffoonery on keeruline nähtus. Härrasid peeti omamoodi nõidadeks, kuid see on ekslik, sest rituaalides osalenud pühvlid mitte ainult ei suurendanud oma usulis-maagilist iseloomu, vaid, vastupidi, tutvustasid maist, ilmalikku sisu.
Igaüks võis teha nalja, see tähendab laulda, tantsida, nalja teha, sketse mängida, pille mängida ja näitleda ehk kujutada mingit inimest või olendit. Kuid osavaks pätiks said ja kutsuti vaid need, kelle kunst paistis oma artistlikkuse poolest masside kunstitasemest kõrgemale.
Paralleelselt rahvateatriga arenes välja professionaalne teatrikunst, mille kandjateks Vana-Venemaal olid pätid. Nukuteatri ilmumine Venemaal on seotud pätimängudega. Esimesed kroonikateave pühvlite kohta langevad kokku pühvlite esinemist kujutavate freskode ilmumisega Kiievi Püha Sofia katedraali seintele. Kroonik munk nimetab härjajaid kuraditeenijateks ja katedraali seinu maalinud kunstnik pidas võimalikuks lisada nende kujutis koos ikoonidega kirikukaunistustesse. Buffoonid olid seotud massidega ja üks nende kunstiliikidest oli “glum”, see tähendab satiir. Skomorokhi kutsutakse "piltajateks", see tähendab pilkajateks. Pilkamine, mõnitamine, satiir seotakse ka edaspidi kindlalt pättidega.
Ilmalik pättide kunst oli kiriku- ja vaimuliku ideoloogia suhtes vaenulik. Vaimulike vihkamisest pättide kunsti vastu annavad tunnistust kroonikute ülestähendused (“Möödunud aastate lugu”). 11.-12. sajandi kirikuõpetus kuulutab, et patt on ka pätid, kelle poole pöörduvad. Eriti tugeva tagakiusamise osaliseks said pätid tatari ikke aastatel, mil kirik hakkas intensiivselt jutlustama askeetlikku elustiili. Mitte ükski tagakiusamine ei ole rahva seast pätikunsti välja juurinud. Vastupidi, see arenes edukalt ja selle satiiriline tork muutus teravamaks.
Vana-Venemaal tunti kunstiga seotud käsitööd: ikoonimaalijad, juveliirid, puu- ja luunikerdajad, raamatukirjutajad. Punnid kuulusid nende hulka, olles “kavalad”, laulu, muusika, tantsu, luule, draama “meistrid”. Kuid neid peeti ainult meelelahutajateks, lõbustajateks. Nende kunst oli ideoloogiliselt seotud rahvamassidega, käsitöölistega, kes olid tavaliselt vastandunud valitsevatele massidele. See muutis nende oskused mitte ainult kasutuks, vaid ka feodaalide ja vaimulike seisukohalt ideoloogiliselt kahjulikuks ja ohtlikuks. Kristliku kiriku esindajad asetasid tarkade ja nõidade kõrvale puhvrid. Rituaalides ja mängudes pole ikka veel jagunemist esinejateks ja pealtvaatajateks; neil puuduvad arenenud süžeed ja kujunditeks muutumine. Nad esinevad rahvadraamas, läbistunult teravatest sotsiaalsetest motiividest. Suulise pärimuse avalike teatrite teket seostatakse rahvadraamaga. Nende rahvateatrite näitlejad (buffoonid) naeruvääristasid vägesid, vaimulikke, rikkaid ja näitasid kaastundlikult tavalisi inimesi. Esildised rahvateater põhinesid improvisatsioonil, sisaldasid pantomiimi, muusikat, laulu, tantsu, kirikunumbreid; esinejad kasutasid maske, meiki, kostüüme ja rekvisiite.
Puhkade esinemiste iseloom ei nõudnud esialgu nende ühendamist suurteks seltskondadeks. Muinasjuttude, eeposte, laulude esitamiseks ja pillimänguks piisas vaid ühest esinejast. Skomorokhid lahkuvad oma sünnipaikadest ja rändavad tööd otsides mööda Venemaa maad, kolides küladest linnadesse, kus nad ei teeni mitte ainult maa-, vaid ka linlasi ja mõnikord isegi vürstiõukondi.
Buffoonid olid seotud ka rahvaliku õueetendustega, mis paljunes Bütsantsi ja selle õukonnaeluga tutvumise mõjul. Kui Moskva õukonna juurde rajati Lõbus kapp (1571) ja Lõbus kamber (1613), sattusid pätid õukonnanarride positsioonile.
Buffoonide etteasted ühendasid erinevaid kunstiliike: draama-, kiriku- ja popkunsti.
Kristlik kirik vastandas rahvamängud ja pättide kunsti rituaalsele kunstile, mis oli küllastunud religioossetest ja müstilistest elementidest.
Professionaalseks teatriks ei arenenud pättide etendused. Teatritruppide sünniks polnud tingimusi – võimud ju kiusasid pätid taga. Kirik kiusas taga ka pätte, pöördudes abi saamiseks ilmalike võimude poole. Hullide vastu saadeti kaebekiri 15. sajandi Trinity-Sergius kloostrile ja 16. sajandi alguse harta. Kirik asetas pätid järjekindlalt kandjatega võrdsele tasemele paganlik maailmavaade(maagid, nõiad). Ja ometi elasid pätietendused edasi ja rahvateater arenes.
Samal ajal võttis kirik kasutusele kõik abinõud oma mõju avaldamiseks. See väljendus liturgilise draama arengus. Mõned liturgilised draamad jõudsid meieni koos kristlusega, teised - 15. sajandil koos äsja vastu võetud piduliku hartaga. suur kirik” (“Pühkimise käik”, “Jalgade pesemine”).
Vaatamata teatri- ja meelelahutusvormide kasutamisele ei loonud vene kirik oma teatrit.
17. sajandil püüdis Simeon Polotskist (1629-1680) luua liturgilise draama baasil kunstilist kirjandusdraama, see katse osutus üksikuks ja viljatuks.
17. sajandi teatrid
17. sajandil kujunesid välja esimesed suulised draamad, mis olid süžeelt lihtsad ja peegeldasid populaarseid tundeid. Nukukomöödia Petruškast (tema nimi oli algul Vanka-Ratatouille) jutustas nutika, lustliku selli seiklustest, kes maailmas midagi ei kartnud. Teater ilmus tõeliselt 17. sajandil – õukonna- ja kooliteater.
Kohtuteater
Õukonnateatri tekkimise tingis õukonnaaadli huvi lääne kultuuri vastu. See teater ilmus Moskvas tsaar Aleksei Mihhailovitši juhtimisel. Näidendi “Artaxerxese tegu” (piibli Estri lugu) esmaesitlus toimus 17. oktoobril 1672. aastal. Algul ei olnud õukonnateatril oma ruume ja kostüüme liigutati ühest kohast teise. Esimesed etendused lavastas pastor Gregory Saksa asundusest, näitlejad olid samuti välismaalased. Hiljem hakati jõuliselt meelitama ja koolitama vene “nooreid”. Neile maksti ebaregulaarselt, kuid dekoratsioonide ja kostüümidega nad ei koonerdanud. Esinemisi eristas suur pompoossus, mida mõnikord saatis pillimäng ja tants. Pärast tsaar Aleksei Mihhailovitši surma õukonnateater suleti ja etendused jätkusid alles Peeter I juhtimisel.
Kooliteater
Lisaks õukonnateatrile kujunes Venemaal 17. sajandil kooliteater välja ka Slaavi-Kreeka-Ladina Akadeemias, Lvovi, Tiflise ja Kiievi teoloogilistes seminarides ja koolides. Näidendeid kirjutasid õpetajad ja ajaloolisi tragöödiaid lavastasid õpilased, allegoorilised draamad, Euroopa imedele lähedased vahepalad on satiirilised argistseenid, milles protestiti sotsiaalsüsteemi vastu. Kooliteatri kõrvaletendused panid aluse rahvusliku draama komöödiažanrile. Kooliteatri alguse sai kuulus poliitiline tegelane ja näitekirjanik Simeon Polotski.
Õukonnakooliteatrite tekkimine laiendas Vene ühiskonna vaimse elu sfääri.
Teater XVIII alguses sajandil
Peeter I käsul loodi 1702. aastal avalik teater, mis oli mõeldud laiale avalikkusele. Moskva Punasele väljakule ehitati spetsiaalselt tema jaoks hoone - "Koomiline tempel". Seal andis etendusi Saksa trupp J. H. Kunst. Repertuaaris olid välismaised näidendid, mis ei olnud avalikkuses edukad, ja teater lakkas 1706. aastal eksisteerimast, kuna Peeter I toetused lakkasid.
Järeldus
Uus lehekülg ajaloos etenduskunstid avasid meie kodumaa rahvad pärisorjuste ja amatöörteatrid. aastast eksisteerinud pärisorjatruppides XVIII lõpp sajanditel lavastati vodeville, koomilisi oopereid ja ballette. Pärisorjateatrite baasil tekkisid mitmetes linnades eraettevõtted. Vene teatrikunst mõjutas soodsalt meie kodumaa rahvaste professionaalse teatri kujunemist. Esimeste kutseliste teatrite truppides olid andekad amatöörid – demokraatliku intelligentsi esindajad.
Teater saavutas Venemaal 18. sajandil tohutu populaarsuse, sai laiade masside omandiks, teiseks avalikult kättesaadavaks inimeste vaimse tegevuse sfääriks.
Vene teater RUSIAN THEATRE (TEATER OF RUSSIA) on läbinud teistsuguse kujunemis- ja arengutee kui Euroopa, Ida või Ameerika teater. Selle tee etapid on seotud Venemaa ajaloo ainulaadsusega - selle majandusega, muutustega ühiskondlikes formatsioonides, religioonis, venelaste erilise mentaliteediga jne. TEATER
Päritolu ja kujunemine Vene teater Teater oma rituaalsetes ja tseremoniaalsetes vormides, nagu igas muistses kogukonnas, oli Venemaal laialt levinud; IN antud juhul see tähendab müsteeriumi mitte kui keskaegse Euroopa teatri žanrit, vaid kui grupitegevust, mis on seotud igapäevaste ja pühade eesmärkidega, kõige sagedamini - saada jumaluse abi inimkonna toimimiseks olulistes olukordades.
Vene teatri tekkimine ja kujunemine. Need olid põllumajandustsükli etapid - külv, koristus, looduskatastroofid - põud, epideemiad ja episootiad, hõimu- ja perekondlikud sündmused - pulmad, lapse sünd, surm jne. Tegemist oli iidsel hõimu- ja põllumaagial põhinevate prateatri etendustega, seetõttu uurivad selle perioodi teatrit peamiselt folkloristid ja etnograafid, mitte teatriajaloolased. Kuid see etapp on äärmiselt oluline – nagu iga algus, mis määrab arenguvektori.
Vene teatri tekkimine ja kujunemine Sellistest rituaalsetest tegevustest kujunes välja vene teatri kui rahvateatri arenguliin, rahvateater, mida esitleti mitmel kujul - nukuteater (Petrushka, jõulusõim jne), putka (raek, karulõbu jne), rändnäitlejad (psaltterimängijad, lauljad, jutuvestjad, akrobaadid jne) jne. Kuni 17. sajandini teater arenes Venemaal ainult folklooriteatrina, muu teatrivormid, erinevalt Euroopast, siin ei eksisteerinud. Kuni 10.–11. Vene teater arenes mööda Ida või Aafrika traditsioonilisele teatrile iseloomulikku rada - rituaal-folkloor, püha, algupärasele mütoloogiale üles ehitatud
Vene teatri teke ja kujunemine Umbes 11. sajandil. olukord on muutumas, alguses järk-järgult, seejärel jõulisemalt, mis tõi kaasa põhjaliku muutuse vene teatri arengus ja selle edasises kujunemises Euroopa kultuuri mõjul.
Professionaalne teater Kutselise teatri esimesed esindajad olid pätid, kes tegutsesid peaaegu kõigis tänavalavastuste žanrites. Esimesed tõendid pühvlite kohta pärinevad 11. sajandist, mis võimaldab veenduda, et puhviskunst oli pikka aega kujunenud ja tollase ühiskonna kõigi kihtide igapäevaellu sisenenud nähtus. Rituaalidest ja rituaalidest lähtuva vene algupärase buffoonikunsti kujunemist mõjutasid ka Euroopa ja Bütsantsi rändkoomikute – histrionide, trubaduuride, vagandid – “tuurid”.
1551. aastal asunud Vene õigeusu kiriku kool-kirikteater "Stoglavy" mängis otsustavat rolli religioosse ja riikliku ühtsuse idee loomisel ja usaldas vaimulikele vastutuse religioossete õppeasutuste loomise eest. Sel perioodil ilmusid koolidraama ja kooli-kirikuetendused, mida nendes teatrites lavastati õppeasutused(kolledžid, akadeemiad). Lavale ilmusid raamatute lehekülgedelt üle kantuna riiki, kirikut, iidset Olümpost, tarkust, usku, lootust, armastust jne kehastavad figuurid.
Kooli-kirikuteater Olles alguse saanud Kiievist, hakkas kooliteater ilmuma ka teistes linnades: Moskvas, Smolenskis, Jaroslavlis, Tobolskis, Polotskis, Tveris, Rostovis, Tšernigovis jne. Teoloogiakooli seinte vahel kasvades lõpetas ta kiriklike riituste teatraliseerimise: liturgia, suure nädala jumalateenistused, jõulud, lihavõtted ja muud rituaalid. Tärkava kodanliku elu tingimustes tekkinud kooliteater eraldas esimest korda meie pinnal näitleja ja lava vaatajast ja saalist ning viis esimest korda kindla lavapildini nii dramaturgi kui ka lavale. näitleja.
Õukonnateater Õukonnateatri kujunemist Venemaal seostatakse tsaar Aleksei Mihhailovitši nimega. Tema valitsemisaega seostatakse uue ideoloogia kujunemisega, mis keskendub diplomaatiliste sidemete laiendamisele Euroopaga. Orienteerumine euroopalikule eluviisile tõi Vene õukonna elus palju muutusi. I. Rozanov. Esimese õukonnateatri asutaja Artamon Sergejevitš Matvejevi portree
Kohtuteater. Aleksei Mihhailovitši katse korraldada esimene õukonnateater pärineb aastast 1660: tsaari tellimuste ja ostude “nimekirja” kirjutas Aleksei Mihhailovitš inglise kaupmehe Hebdoni ülesandega “Kutsuda Saksa maalt Moskva riiki. meistrid komöödiat tegema." See katse jäi aga ebaõnnestunuks; Vene õukonnateatri esietendus toimus alles mais 1672. Tsaar andis välja dekreedi, millega kolonel Nikolai von Stadenile (bojaar Matvejevi sõber) tehti ülesandeks leida välismaalt inimesed, kes oskaksid “komöödiaid mängida”.
Kohtuteatri etendustest sai Moskva õukonna üks lemmikumaid meelelahutusi. Seal oli 26 vene näitlejat. Poisid mängisid naisrollid. Estri rolli Artaxerxese etenduses mängis Blumentrosti poeg. Nii välismaalasi kui ka vene näitlejaid koolitati erikoolis, mis avati 21. septembril 1672 Saksa asunduses Gregory maja hoovis. Vene ja välisüliõpilaste koolitamine osutus keeruliseks ning 1675. aasta teisel poolel hakkas tegutsema kaks teatrikooli: Poola õukonnas - välismaalastele, Meshchanskaja Slobodas - venelastele.
Õukonnateater Esimese õukonnateatri ilmumine langes kokku Peeter I sünniga (1672), kes lapsepõlves nägi selle teatri viimaseid etendusi. Pärast troonile tõusmist ja Venemaa euroopastamise tohutut tööd alustanud Peeter I ei saanud jätta pöördumata teatri poole kui oma uuenduslike poliitiliste ja sotsiaalsete ideede propageerimiseks.
Petrovski teater Petrovski teater Alates 17. sajandi lõpust. Euroopas muutusid moes maskeraadid, mis meeldisid noorele Peeter I-le. 1698. aastal osales ta Friisimaa talupoja kostüümides Viini maskeraadil. Peeter otsustas oma reforme ja uuendusi teatrikunsti kaudu populariseerida. Ta plaanis ehitada Moskvasse teatri, kuid mitte vähestele väljavalitutele, vaid kõigile avatud. Aastatel 1698–1699 töötas Moskvas nukuteatri trupp, mille eesotsas oli Jan Splavsky ja kellele Peeter 1701. aastal käskis kutsuda koomikuid välismaalt. 1702. aastal tuli Johann Kunsti trupp Venemaale.
Avaliku (avaliku) teatri tekkimine Pärast Elizabeth Petrovna troonile tõusmist 1741. aastal jätkus Euroopa teatri tutvustamine. Õukonnas tuuritasid välismaised trupid - itaalia, saksa, prantsuse, nende hulgas draama, ooper ja ballett, commedia dell'arte. Samal perioodil pandi alus ka rahvuslikule vene kutselisele teatrile, just Elizabethi valitsusajal õppis Moskvas tulevane “vene teatri isa” Fjodor Volkov, kes võttis osa jõuluetendustest ja ammutas tuurikogemusi; Euroopa trupid.
Teatrid õppeasutustes 18. sajandi keskel. õppeasutustes korraldati teatreid (1749 - Peterburi aadelkorpus, 1756 - Moskva ülikool), vene teatrietendusi korraldati Peterburis (korraldaja I. Lukin), Moskvas (korraldajad K. Baykulov, vaimulikud töötajad Halkovi juhtimisel). ja Gluškov, "tindiasjade meister" Ivanov jt), Jaroslavlis (korraldajad N. Serov, F. Volkov). Teine asi juhtub 1747. aastal tähtis sündmus: kirjutati esimene poeetiline tragöödia - Khorev A. Sumarokova.
Rahvuslik avalik teater Kõik see loob eeldused rahvusliku avaliku teatri tekkeks. Selleks kutsuti 1752. aastal Volkovi trupp Jaroslavlist Peterburi. Gentry korpusesse valitakse õppima andekad amatöörnäitlejad - A. Popov, I. Dmitrevski, F. ja G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov jne. Nende hulgas on neli naist: A. Musina-Puškina, A. Mihhailova, õed M. ja O. Ananjev.
Petrovski teater Petrovski teater Peeter I juhtimisel pani Siberis etenduste alguse Tobolski metropoliit Filofei Leštšinski. 1727. aastast pärit käsitsi kirjutatud kroonikas öeldakse: "Philotheus oli teatrietenduste armastaja, ta tegi uhkeid ja rikkalikke komöödiaid, kui ta pidi olema kollektsionääride komöödias pealtvaataja, siis tema, Vladyka, tegi kollektsiooni katedraalikellad. austust ning teatrid asusid katedraali ja Püha Sergiuse kirikute vahel ning transporditi sinna, kuhu inimesed läksid." Metropoliit Philotheuse uuendusi jätkasid tema järeltulijad, osa neist olid Kiievi Akadeemia tudengid.
Teater Anna Ioannovna juhtimisel Anna Ioannovna kulutas tohutuid summasid erinevatele pidustustele, ballidele, maskeraadidele, suursaadikute vastuvõttudele, ilutulestikule, valgustustele ja teatrirongkäikudele. Tema õukonnas elavnes klounikultuur, jätkates "istuvate" pättide traditsioone - tal olid hiiglased ja päkapikud, naljamehed ja tuleristsed. Kuulsaim teatripidu oli 6. veebruaril 1740 jäämajas naljamehe prints Golitsõni “uudishimulik” pulm Kalmõki pauguti Buzheninovaga.
Avalik alaline teater Esimene Venemaa alaline avalik teater avati 1756. aastal Peterburis Golovkini majas. Aadlikorpuse väljaõppe saanud näitlejate hulka lisandus hulk näitlejaid F. Volkovi Jaroslavli trupist, sealhulgas koomiksinäitleja Shumsky. Teatrit juhtis Sumarokov, kelle klassitsistlikud tragöödiad moodustasid repertuaari aluse. Trupi esikoha hõivas Volkov, kes asendas Sumarokovi direktorina ja asus sellel kohal kuni tema surmani 1763. aastal (see teater sai 1832. aastal Aleksandrinski nime - Nikolai I naise auks).
Draamateatri loomine Esimesed avalikud esinemised Moskvas pärinevad aastast 1756, mil ülikooli gümnaasiumi õpilased moodustasid oma direktori, luuletaja M. Heraskovi juhtimisel ülikooli seinte vahel teatritrupi. Etendustele olid kutsutud Moskva kõrgeima seltskonna esindajad. 1776. aastal loodi kunagise ülikooli trupi baasil draamateater, mis sai nime Petrovski (tuntud ka kui Medox Theater). Venemaa Bolshoi (ooperi- ja balletiteatrid) ja Maly (draamateatrid) pärinevad sellest teatrist.
Maly teatri ajalugu Maly teater on Venemaa vanim teater. Tema trupp loodi Moskva ülikoolis 1756. aastal, vahetult pärast kuulsat keisrinna Elizabeth Petrovna dekreeti, mis tähistas meie riigis professionaalse teatri sündi: nüüd oleme andnud korralduse luua komöödiate ja tragöödiate esitamiseks vene teater. Kaupmees Vargini maja, kus 1824. aastal avati Maly teater
Maly teatri ajalugu 1824. aastal ehitas Bove teatri jaoks ümber kaupmees Vargini häärberi ning keiserliku teatri Moskva trupi dramaatiline osa sai Petrovskaja (praegu Teatralnaja) väljakul oma hoone ja oma nime - Maly. Teater. 1824. aastal ehitas Bove teatri jaoks ümber kaupmees Vargini häärberi ning keiserliku teatri Moskva trupi dramaatiline osa sai Petrovskaja (nüüd Teatralnaja) väljakul oma hoone ja oma nime - Maly teater. Moskva Maly teatri hoone, foto 19. sajandi 90ndatest
Sentimentalismi ajastu teater Klassitsismiperiood Venemaal ei kestnud kaua – sentimentalismi kujunemine algas 1760. aastate keskel. Ilmuvad V. Lukinski, M. Verevkini, M. Heraskovi “pisarad komöödiad”, koomiline ooper, kodanlik draama. Demokraatlike tendentside tugevnemist teatris ja draamas aitas kaasa ühiskondlike vastuolude süvenemine talurahvasõja perioodil 1773–1775 ning rahvateatri traditsioonid. Nii kasutas Shumsky kaasaegsete sõnul puhvistele lähedasi mänguvõtteid. Arendatakse satiirilist komöödiat – D. Fonvizini alaealine
Kindluseteatrid 18. sajandi lõpuks. pärisorjuste teatrid on laialt levimas. Teatrispetsialistid – näitlejad, koreograafid, heliloojad – kutsuti siia näitlejatega treenima. Mõned pärisorjateatrid (Šeremetev Kuskovos ja Ostankinos, Jusupov Arhangelskis) ületasid oma lavastuste rikkuse poolest riigiteatreid. 19. sajandi alguses. mõne pärisorjuse teatri omanikud hakkavad neid muutma äriettevõteteks (Šahovskoy jt). Pärisorjateatritest tulid paljud kuulsad vene näitlejad, kes anti sageli rendile, et mängida “tasuta” teatrites - sh. keiserlikul laval (M. Štšepkin, L. Nikulina-Kositskaja jt). Kindluseteatri tantsija
Teater sajandivahetusel Üldiselt professionaalse teatri kujunemisprotsess Venemaal 18. sajandil. lõppenud. Järgmisest, 19. sajandist sai vene teatri kõigi suundade kiire arengu periood. Ermitaaži teater aastal ehitatud Katariina Suure tellimusel
Vene teater 19. sajandil Vene teater 19. sajandil Teatri arenguga seotud küsimused 19. sajandi alguses. arutati Kirjanduse, Teaduse ja Kunsti Austajate Vaba Seltsi koosolekutel. Radištševi järgija I. Pnin väitis oma raamatus "Experience on Enlightenment in relation to Russia" (1804), et teater peaks panustama ühiskonna arengusse. Teiseks aitas romantismi kujunemisele kaasa sel perioodil lavastatud isamaaliste tragöödiate aktuaalsus, mis on täis vihjeid tänapäeva olustikule (Oidipus Ateenas ja Dmitri Donskoy V. Ozerovilt, F. Schilleri ja W. Shakespeare’i näidendid). See tähendab, et kinnistusid uued näitlemispõhimõtted, soov individualiseerida lavategelasi, paljastada nende tundeid ja psühholoogiat.
Teater jagunes 19. sajandi esimesel veerandil kaheks trupiks. toimus Vene draamateatri esimene ametlik eraldumine omaette suunaks (varem töötas draamatrupp koos ooper ja ballett ja samad näitlejad esinesid sageli eri žanrite etendustes). 1824. aastal jagati endine Medoxi teater kaheks trupiks – draamatrupiks (Maly teater) ning ooperi- ja balletitrupiks (Bolshoi teater). Maly teater saab eraldi hoone. (Peterburis eraldati draamatrupp muusikatrupist 1803. aastal, kuid enne Aleksandrinski teatri omaette majja kolimist 1836. aastal töötas see siiski koos Mariinski teatri ooperi- ja balletitrupiga.)
Aleksandrinski teater Aleksandrinski teatri jaoks 19. sajandi teine pool. osutus keerulisemaks perioodiks. Vaatamata üksikutele Ostrovski, I. Turgenevi, A. Suhhovo-Kobylini, A. Pisemski näidendite lavastustele keiserlike teatrite direktoraadi tellimusel peamine alus Toonane repertuaar koosnes vodevillidest ja pseudorahvadraamast. Truppi kuulus palju andekaid kunstnikke, kelle nimed on kantud vene teatri ajalukku: A. Martõnov, P. Vassiljev, V. Asenkova, E. Guseva, Ju Linskaja, V. Samoilov ja hiljem, 19. sajandi lõpuks sajandil. – P. Strepetova, V. Komissarževskaja, M. Dalski, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaja, V. Dalmatov, V. Davõdov jne. Kõik need säravad näitlejad ilmusid aga justkui omaette, näitledes staarid lavaansamblit ei moodustanud. Üldiselt ei olnud Aleksandrinski teatri toonane seis kuigi kadestamisväärne: trupi juhid vahetusid pidevalt, tugevat suunda polnud, esietenduste arv kasvas, proovide aeg vähenes.
Suurim teater Venemaa ooper ja ballett, üks meie riigi vanimaid muusikateatreid. See pärineb 1783. aastal avatud Stone (Bolshoi) teatrist. IN kaasaegne hoone(ümberehitatud pärast tsirkuseteatri tulekahju) on eksisteerinud aastast 1860, siis sai see uue nime - Mariinski teater.
Teater sajandivahetusel Vene teatri kiire tõusu ja kiire õitsengu periood oli 19.–20. sajandi vahetus. See aeg oli pöördepunkt kogu maailma teatri jaoks: uus teatri elukutse- direktor ja sellega seoses moodustus põhimõtteliselt uus esteetika lavastaja teater. Venemaal olid need suundumused eriti väljendunud. See oli kogu vene kunsti enneolematu kasvu periood, mis hiljem sai nimeks hõbeaeg. Ja dramaatiline teater - koos luule, maali, stsenograafia, balletiga - ilmus väga erinevates esteetilistes suundades, koondades maailma teatrikogukonna tähelepanu.
Vene teater 19.–20. sajandi vahetusel Vene teater 19.–20. sajandi vahetusel Et käsitleda Venemaad 19.–20. sajandi vahetusel. maailma teatrisaavutuste keskus, piisaks K. Stanislavskile üksi oma vapustavate uuenduslike ideedega ja tema koos V. Nemirovitš-Dantšenkoga loodud Moskovskist. Kunstiteater(1898). Hoolimata sellest, et Moskva Kunstiteater avati A. K. Tolstoi näidendiga Tsaar Fjodor Joannovitš, oli uue teatri lipukirjaks A. Tšehhovi dramaturgia, salapärane, täna veel täielikult paljastamata. Pole ime, et Moskva Kunstiteatri kardinal on kajakas, viidates ühe teatri nimele. parimad näidendid Tšehhov ja sai teatri sümboliks. Kuid Stanislavski üks peamisi teeneid maailmateatrile on andekate õpilaste kasvatamine, kes on tema teatrisüsteemi kogemusi omaks võtnud ja seda kõige ootamatumates ja paradoksaalsemates suundades edasi arendanud (ilmsateks näideteks on V. Meyerhold, M. Tšehhov, E. Vahtangov).
VERA FEDOROVNA KOmissarzhevskaja Peterburis oli selle aja “võtmefiguur” V. Komissarževskaja. 1896. aastal Aleksandrinski teatri laval debüteerinud (enne seda mängis ta Stanislavski amatöörlavastustes) võitis näitleja peaaegu kohe publiku tulihingelise armastuse. Tema enda teater, mille ta lõi 1904. aastal, mängis tohutut rolli vene režii hiilgava galaktika kujunemisel. Komissarževskaja teatris pani ta aastatel 1906–1907 esimest korda pealinna laval paika põhimõtted. tavapärane teater Meyerhold (hiljem jätkas ta eksperimente keiserlikes teatrites - Aleksandrinski ja Mariinski, samuti Tenishevski kool ja teatristuudios Borodinskaja tänaval)
Moskva Kunstiteater Moskva Kunstiteatri keskus teatrielu oli Moskva Kunstiteater. Sinna kogunes hiilgav näitlejate konstellatsioon, kes mängisid etendustes, mis tõmbasid kohale tohutult vaatajaid: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andrejeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Tšehhov jne. Paljud suundumusi kujunesid siin kaasaegne režii: lisaks Stanislavski ja Nemirovitš-Dantšenko, need olid L. Suleržitski, K. Marjanovi, Vahtangovi tööd; Lavastusele tuli ka maailmakuulus G. Craig. Moskva Kunstiteater pani aluse nüüdisaegsele stsenograafiale: selle etendustega tegelesid M. Dobužinski, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodijev jt. Moskva Kunstiteater määras tol ajal tegelikult kogu kunstielu Moskva, sh. – ja teatri väikevormide arendamine; kõige populaarsem Moskva kabareeteater " Nahkhiir"on loodud Moskva Kunstiteatri sketšide põhjal.
Vene teater pärast 1917. aastat Uus valitsus mõistis selle tähtsust teatrikunstid: 9. novembril 1917 anti välja nõukogu määrus rahvakomissarid kõigi Vene teatrite üleandmise kohta kunstiosakonna jurisdiktsiooni Riigikomisjon hariduse kohta. Ja 26. augustil 1919 ilmus dekreet teatrite natsionaliseerimise kohta, esimest korda Venemaa ajaloos sai teater täielikult riiklikuks asjaks (Vana-Kreekas viidi sellist riiklikku poliitikat ellu juba 5. sajandil eKr) . Juhtivatele teatritele omistatakse akadeemilised tiitlid: 1919. aastal Maly teater, 1920. aastal Moskva Kunstiteater ja Aleksandrinski teater (uue nimega Petrogradi Riigiteater akadeemiline teater draamad). Uued teatrid avatakse. Moskvas - Moskva Kunstiteatri 3. stuudio (1920, hiljem Vahtangovi teater); Revolutsiooni teater (1922, hiljem Majakovski teater); MGSPS teater (1922, täna – Mossoveti teater); Moskva Lasteteater (1921, aastast 1936 – Kesk lasteteater). Petrogradis – Bolshoi Draamateater (1919); GOSET (1919, aastast 1920 kolib Moskvasse); Teater noortele vaatajatele (1922).
Jevgeni Vahtangovi nimeline teater Jevgeni Vahtangovi nimelise teatri ajalugu. Vakhtangov alustas ammu enne oma sündi. 1913. aasta lõpus asutas rühm väga noori kaheksateist kuni kahekümne Moskva üliõpilast üliõpilaste draamastuudio, kes otsustasid õppida teatrikunsti Stanislavski süsteemi järgi.
Teater 30ndatel Uus periood Vene teater sai alguse 1932. aastal üleliidulise bolševike kommunistliku partei keskkomitee otsusega "Kirjandus- ja kunstiorganisatsioonide ümberkorraldamise kohta". Kunsti peamiseks meetodiks tunnistati sotsialistlik realism. Kunstiliste katsetuste aeg on möödas, kuigi see ei tähenda, et järgnevad aastad poleks toonud teatrikunsti arengus uusi saavutusi ja kordaminekuid. Lihtsalt lubatud kunsti "territoorium" ahenes, teatud esitused kunstilised suunad- tavaliselt realistlik. Ja ilmnes täiendav hindamiskriteerium: ideoloogiline ja temaatiline. Nii on näiteks vene teatri tingimusteta saavutus alates 1930. aastate keskpaigast olnud etendused nn. “Leniinlased”, milles toodi lavale V. Lenini kuju (Mees relvaga Vahtangovi teatris, Lenini rollis - B. Štšukin; Pravda Revolutsiooni Teatris, Lenini rollis - M. Strauch jne). Kõik "sotsialistliku realismi rajaja" M. Gorki näidenditel põhinevad etendused olid praktiliselt määratud edule. See ei tähenda, et iga ideoloogiliselt järjekindel esitus oleks halb, lihtsalt kunstilised kriteeriumid(ja kohati ka publikuedu) ei ole etenduste riiklikul hinnangul määravaks saanud.
Teater 1930. aastatel Paljude vene teatritöötajate jaoks kujunesid 1930. aastad (ja 1940. aastate teine pool, mil ideoloogiline poliitika jätkus) traagiliseks. Vene teater arenes aga edasi. Ilmusid uued režissöörinimed: A. Popov, J. Zavadski, R. Simonov, B. Zahhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gertšakov, M. Kedrov, M. Knebel, V. Sahnovski, B. Suškevitš, I. Bersenev, A. Brjantsev, E. Radlov jt. Neid nimesid seostati peamiselt Moskva ja Leningradiga ning riigi juhtivate teatrite lavastajakooliga. Kuid tuntuks saavad ka paljude lavastajate tööd teistes Nõukogude Liidu linnades: N. Sobolštšikov-Samarin (Gorki), N. Sinelnikov (Harkov), I. Rostovtsev (Jaroslavl), A. Kanin (Rjazan), V. Bitjutski (Sverdlovsk), N. Pokrovski (Smolensk, Gorki, Volgograd) jne.
Teater Suure Isamaasõja ajal Suure Isamaasõja ajal pöördusid peamiselt Venemaa teatrid isamaaline teema. Lavadel olid sel perioodil kirjutatud näidendid (L. Leonovi sissetung, A. Korneitšuki rinne, tüüp meie linnast ja K. Simonovi vene rahvas) ning ajaloolise ja isamaalise teemaga näidendid (A. N. Tolstoi Peeter I, feldmarssal Kutuzov
Teater Suure Isamaasõja ajal Ajavahemikul 1941–1945 oli Venemaa ja Nõukogude Liidu teatrielule veel üks tagajärg: provintsiteatrite kunstilise taseme märkimisväärne tõus. Inspireerisid Moskva ja Leningradi teatrite evakueerimine ning nende töö äärealadel uus elu kohalikesse teatritesse, aidanud kaasa etenduskunstide lõimumisele ja loominguliste kogemuste vahetamisele.
Vene teater aastatel 1950–1980 Vene teater aastatel 1950–1980 Vene teatrikunsti kujunemisse andsid suure panuse paljud Leningradi näitlejad: I. Gorbatšov, N. Simonov, Tolubejev, N. Tšerkasov, B. Freundlich, O. Lebzak , L. Shtykan, N. Burov jt (Puškini teater); D. Barkov, L. Djatškov, G. Žženov, A. Petrenko, A. Ravikovitš, A. Freundlich, M. Bojarski, S. Migitsko, I. Mazurkevitš jt (teater Lensovet); V. Jakovlev, R. Gromadski, E. Žiganšina, V. Tykke jt (Lenini Komsomoli Teater); T. Abrosimova, N. Bojarski, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsjanko, V. Osobik jt (Komissarževskaja teater); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin jt (Komöödiateater); L. Makarijev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Hotšinski, A. Šuranova, O. Volkova jt (Teater Noored vaatajad); N. Akimova, N. Lavrov, T. Šestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osiptšuk, P. Semak, I. Skljar jt (MDT, tuntud ka kui Euroopa Teater). Vene Armee Teater VENEMAA SÕE TEATER on esimene professionaalne draamateater Kaitseministeeriumi süsteemis. Kuni 1946. aastani kandis see nime Punaarmee teater, seejärel nimetati see ümber Teatriks Nõukogude armee
(hiljem - Nõukogude Armee Akadeemiline Keskteater). Alates 1991. aastast – Vene Armee Akadeemiline Keskteater. VENEMAA ARMETEATER on esimene professionaalne draamateater kaitseministeeriumi süsteemis. Kuni 1946. aastani kandis see nime Punaarmee Teater, seejärel nimetati see ümber Nõukogude Armee Teatriks (hiljem Nõukogude Armee Akadeemiline Keskteater). Alates 1991. aastast – Vene Armee Akadeemiline Keskteater. Vene armee teater Aastatel 1930–1931 juhtis Punaarmee teatrit Yu.A. Siin lavastas ta ühe tollase Moskva tähelepanuväärseima etenduse Mstislav Julge I. Prut. Teatri juures oli stuudio, selle lõpetajad liitusid trupiga. 1935. aastal asus teatrit juhtima A. D. Popov, kelle nime seostatakse Punaarmee teatri esilekerkimisega. Arhitekt K.S. Alabyan lõi väga erilise projekti teatrihoone – mundris viieharuline täht
, kahe auditooriumiga (Suur saal 1800 istekohaga), avara lavaga, mida iseloomustas seninägematu sügavus, paljude töötubade, teatriteenuste ja prooviruumide jaoks kohandatud ruumidega. 1940. aastaks ehitati hoone, kuni selle ajani mängis teater oma etendusi Punaarmee maja Punalipu saalis ja tegi pikki ringreise.
Nõukogude-järgse perioodi vene teater Nõukogude-järgse perioodi vene teater 1990. aastate alguses toimunud muutus poliitilises formatsioonis ja pikaajaline majanduslik hävinguperiood muutsid põhjalikult Vene teatri elu. Ideoloogilise kontrolli nõrgenemise (ja pärast – ja kaotamise) esimest perioodi saatis eufooria: nüüd saab lavastada ja publikule näidata mida iganes. Pärast teatrite tsentraliseerimise kaotamist hakati rohkelt moodustama uusi teatri-stuudiorühmitusi, ettevõtteid jne. Kuid vähesed neist jäid uutes tingimustes ellu – selgus, et lisaks ideoloogilisele diktaadile kehtib ka pealtvaatajate diktaat: avalikkus vaatab vaid seda, mida tahab. Ja kui teatri riikliku rahastamise tingimustes pole auditooriumi täitmine kuigi oluline, siis isemajandamise juures on täismaja saalis ellujäämise kõige olulisem tingimus. Hõbedaaeg. Traditsiooniliste teatristiilide lavastajad eksisteerivad koos eksperimentalistidega. Koos tunnustatud meistrid– P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktjuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kaljagin, G. Voltšek töötavad edukalt koos K. Ginkase, G. Janovskaja, G. Trostjanetski, I. Raikhelgauziga , K. Raikin, S. Artsibašev, S. Prohanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, aga ka nooremad ja radikaalsemad avangardistid: B. Jukhananov, A. Praudin, A. Moguchiy, V. Kramer, Klim et al.
Teater tänapäeval Nõukogude järgsel perioodil on teatrireformi kontuurid dramaatiliselt muutunud, need on liikunud peamiselt teatrikollektiivide rahastamise, kultuuri ja eelkõige teatrite rahastamise valdkonda jne. Võimalik reform tekitab väga erinevaid arvamusi ja tuliseid vaidlusi. Selle reformi esimesed sammud olid Venemaa valitsuse 2005. aasta dekreet mitmete Moskva teatrite ja õppeasutuste täiendava rahastamise kohta. Peterburi. Teatrireformi skeemi süsteemse väljatöötamiseni on aga veel pikk tee minna. Mis see saab, on veel ebaselge.
