Kontserdisaalid on spetsiaalselt varustatud ja akustiliselt kohandatud ruumid avalike kontsertide pidamiseks. Tavaliselt võõrustavad väikesed kammersaalid soolokontserdid lauljad ja pillimängijad, ansamblid (triod, kvartetid jne); suur - mõeldud sümfooniaorkestrite, kooride, folklooriansamblite esinemiseks, ooperilavastusteks kontsertettekandes, harvem - üksikute solistide ning väikeste vokaal- ja instrumentaalansamblite esinemiseks. Mõnes saalis esinevad ka koreograafilised kollektiivid, laulu- ja tantsuansamblid, meistrid kunstiline sõna.
Kontserdisaalid annavad võimaluse laiale kuulajaskonnale tutvuda mineviku ja tänapäeva heliloojate suurteostega ning sügavamalt mõista muusikamaailma.
Esimeste kontserdisaalide ilmumine pärineb 17. XVIII alguses V. Just sel perioodil, seoses linnakodanliku kultuuri kasvuga, levisid esmalt Inglismaal, seejärel Prantsusmaal, Saksamaal ja mitmetes teistes riikides tasulised kontserdid.
Venemaal on kontserdielu arenenud alates 18. sajandi II poolest. Selle keskusteks said teatrid, õppeasutuste saalid, aristokraatlikud klubid, hiljem Peterburi ja Moskva konservatoorium.
Pärast Suurt Sotsialistlikku Oktoobrirevolutsiooni muutus kontserdimajade loominguline elu oluliselt, nende kavasid uuendati ja laiendati. Kuulajate arvu kasv on kaasa toonud uute kontserdisaalide tekkimise ning nende arv kasvab iga aastaga. Nüüd on spetsiaalsed kontserdisaalid kõigis liiduvabariikides ja suurtes kultuurikeskused meie riik. Kontserdisaale on ka filharmooniaseltside, konservatooriumide, muusikainstituutide, kolledžite ja koolide juures; paleedes ja kultuurimajades, klubides, paleedes ja pioneerimajades, paljudes muuseumides (vt Muusikamuuseumid).
P. I. Tšaikovski nimelise Moskva Riikliku Lenini Kahekordse Ordeni Konservatooriumi suur saal on kogu maailmas väljateenitud autoriteeti. Siin on õigus esineda parimatel muusikakollektiividel ja solistidel, kus iga kontsert muutub tõeline puhkus muusikaline kunst. Moskva konservatooriumi suur saal loodi aastatel 1895-1901. projekteeris arhitekt V. P. Zagorsky. Laval seisab pidulikult üks maailma suurimaid oreleid. Saali akustika on nii täiuslik, et üleliiduline plaadifirma “Melodiya” teeb siin muusikasalvestusi ka kontsertide ajal.
Suure saali loominguline elu on rikas ja vaheldusrikas. Ta mäletab suurepäraste muusikute-esinejate - S. V. Rahmaninovi, S. S. Prokofjevi, K. N. Igumnovi, F. I. Šaljapini, V. V. Sofronitski, L. V. Sobinovi, A. V. Neždanova, N. A. Obuhhova, V. V. Barsova, D. L. Korak, D. F. jt. Ühel kontserdihooajal toimub suures saalis üle 250 kontserdi.
Suure saali laval esinevad ka lasterühmad. Traditsiooniliseks on muutunud lastemuusikakoolide, kooride ja muusika-kooristuudiote õpilaste, näiteks "Pioneria", "Kevade", "Vesnyanka", "Voskhod" ettekannetekontserdid; esinevad instituudi lastekoor kunstiline haridus NSVL Pedagoogikateaduste Akadeemia, Moskva Riikliku Koorikooli poistekoor, Bolshoi lastekoor Kesktelevisioon ja üleliiduline raadio, lastemuusikakollektiivid teistest Nõukogude Liidu linnadest, väliskülalised (näiteks lastekoor "Bodra Smyana" Bulgaaria Rahvavabariigist).
Igal solistil ja muusikakollektiivil on suur au esineda ka Moskva Konservatooriumi väikeses saalis, Ametiühingute Maja kolonnide saalis, Tšaikovski kontserdisaalis, Kremli Kongresside palee saalis ja Rossijas. Kontserdimaja.
D. D. Šostakovitši nimeline Leningradi Filharmoonia suur saal (endine Aadlikogu saal) on üldsuse ja muusikute seas armastatud. See oli Peterburi muusikaline keskus. Seal esinesid F. Liszt, G. Berlioz, R. Wagner.
Saalis toimusid vene muusikas märkimisväärsed sündmused. Siin toimusid A. S. Dargomõžski, M. A. Balakirevi, M. P. Mussorgski, A. P. Borodini, N. A. Rimski-Korsakovi, A. K. Glazunovi, S. V. Rahmaninovi orkestriteoste esiettekanded. 28. oktoober 1893 in viimane kord P. I. Tšaikovski astus lavale, et juhatada oma 6. sümfoonia esmaettekannet.
Alates 1921. aastast on suures saalis pidevalt esinenud Leningradi Filharmoonia Riiklik Akadeemiline Sümfooniaorkester (alates 1938. aastast peadirigent E. A. Mravinsky). Sellest ajast kuni tänapäevani on suur saal teinud palju tööd klassikalise ja kaasaegse muusika propageerimiseks.
Suures saalis toimuvad kontserdid (umbes 250 tk hooajal) on peamiselt kombineeritud tellimistsükliteks, sealhulgas lastepublikule, üliõpilastele ja töötavatele noortele. Paljude kontserditega kaasnevad loengud ja kavade annotatsioonid.
Teised meie riigi kontserdisaalid pole vähem kuulsad. Nende hulgas on N. A. Rimski-Korsakovi nimeline Leningradi konservatooriumi Suur ja Väike saal, Leningradi Filharmoonia M. I. Glinka nimeline Väike saal, Bakuu, Gorki, Kaasani, Thbilisi kontserdisaalid; kontserdisaalid "Estonia" Tallinnas, Kultuuripalee "Ukraina" Kiievis, V.I Lenini nimeline palee Almatõs. Ülemaailmse kuulsuse on kogunud Riia Toomkiriku saalid ja Moskva Znamenski kloostri katedraal. Paljusid meie riigi muusikasõpru meelitavad kontserdid P. I. Tšaikovski majamuuseumis Klinis, M. K. Ciurlionise Druskininkais, A. N. Skrjabini, A. B. Goldenweiseri, A. V. Neždanova, N. S. Golovanovi Moskvas, S. I. Tanejevi majas-muuseumides Djudkovos.
Parimate välismaiste kontserdisaalide hulka kuuluvad Athenaeum Bukarestis, Bulgaaria Sofias, Smetana Kunstimaja saalid Prahas, Kõrgkooli suur ja väike saal. muusikakool Budapestis, samuti Albert Hall ja Festival Hall Londonis, Gaveau, Chaillot, Pleyel Pariisis, Lincoln Center ja Carnegie Hall New Yorgis, Hall Society of Music Friends of Viinis.
Saali mahutavus on 1505 istekohta.
Entsüklopeediline YouTube
-
1 / 5
Mitmekesine loominguline elu kohapeal kaasaegne hoone praeguse Tverskaja tänava ja Triumfalnaja väljaku nurgal, sai alguse kahekümnenda sajandi algusaastatel. Just siin asus alates 1901. aastast prantsuse ettevõtja Charles Aumonti teater “Bouffe-Miniatures”, hiljem kergežanriteater Zon ja pärast revolutsiooni RSFSRi teater. 1913. aastal avati otse teatrihoone vastas üks esimesi Moskva kinosid - Hanžonkovi maja, hiljem kuulus Moskva kino. Läheduses, praeguse Satire Theater'i kohas, on kunagi populaarne vendade Nikitin Circus, seejärel Music Hall.
1922. aastal anti hoone üle TIM-ile – Vs.
Meyerhold. 10 aastat lavastati siin võidukalt Meyerholdi kuulsaid etendusi: Majakovski “Müsteerium Bouffe”, “Kindralinspektor”, “Häda vaimukusele” (A. Gribojedovi komöödia “Häda vaimukust” ainetel) jt. 1932. aastal kolis TIM praeguse teatri ruumidesse. Ermolova ja Triumfalnaja väljakul asuvas hoones algas tõsine ümberstruktureerimine ja rekonstrueerimine. Meyerholdi sõnul uus kodu tema trupist pidi saama Moskva suurim ja moodsaim, varustatud tehnoloogia. Meyerhold mõtles välja teatri, mis sisaldas: transformeeritavat lava ja võimalust liigutada mängualasid saali erinevatesse kohtadesse, sissetõmmatavat kuppelkatust ja päevavalgust, kinematograafia väljavaadet ning valguse ja heli suunajuhtimist, näitlejate otsest seost. ruumid koos lavaalaga. See nägi ette ka võimaluse teenindada publikut vahetundideta etendustel (jookide serveerimisega ja istmete seljatoe ventilatsiooniga suitsetajatele), mis tundus toona fantastiline, kuid on tänapäeval üsna teostatav.
Lavastaja põhiülesanne oli luua lavale ja auditooriumile ühtne ruum. Meyerhold soovis hävitada kujuteldava barjääri näitlejate ja pealtvaatajate vahel (eemaldada eesriie, jalatuled ja orkestriauk), "kaasata publik tegevusse ja etenduse loomise kollektiivsesse protsessi".
30ndate lõpu traagilised sündmused tegid lõpu kõigile Meyerholdi loomingulistele plaanidele: jaanuaris 1938 suleti GosTim, 1939. aastal arreteeriti Meyerhold ise ja hukati 1940. aasta veebruaris.
Ajalooliste andmete kohaselt õnnestus Meyerholdil ja tema arhitektide meeskonnal (A.V. Shchusev, M.G. Barkhin ja S.E. Vakhtangov – E.B. Vakhtangovi poeg) ehitada 1938. aastaks hoone põhiskelett - telliskivist ja betoonist. Ainult viimistlus ja fassaad jäid välja töötamata. Pärast Meyerholdi teatri sulgemist anti lõpetamata hoone üle Moskva Filharmooniale ümberehitamiseks. kontserdisaal. 1940. aastal valmis uue saali siseviimistlus. Arhitektid D. N. Chechulin ja K. K. Orlov, kes juhtisid hoone ümberehitamise töid, säilitasid üldiselt varasema planeeringu. D. N. Chechulin andis hiljem olulise panuse väljaku kaunistamisse, mis aastatel 1935–1992. kandis Vladimir Majakovski nime. Ta on 1958. aastal Majakovski väljakule püstitatud Pekingi hotellihoone ja suure luuletaja monumendi arhitekt.
Vahepeal kasvas esialgne "kunstiväljak" uute aadressidega. Ühes hoones 1937-1970. Riiklik Nukuteater asus S. V. Obraztsovi juhtimisel. Teises 1961.–1974. Tegutses Sovremenniku teater. Alates 1959. aastast sai Tšaikovski kontserdimaja “naabriks” Mossoveti teater, mis kolis vana talveteatri “Akvaarium” kohale ehitatud hoonesse; aastast 1965 - Satiiri teater. Veidi kaugemal on M. A. Bulgakovi muuseum.
Tšaikovski saali kujunduses on algsest projektist palju alles. Võib julgelt väita, et saal võlgneb suure osa oma praegusest välimusest Vsevolod Meyerholdile ja tema säravatele ideedele. Eelkõige pidas Meyerhold ideaalseks lavalahenduseks Vana-Kreeka teatri mudelit, kus lava-areeni katab maksimaalselt kolmest küljest vaatajaruum ning publikukohad asuvad amfiteatris, kust avaneb suurepärane vaade lava igast küljest. Need tingimused säilisid osaliselt ka uues kontserdisaalis, mis on elliptilise kujuga, mis annab laval toimuvast suurepärase ettekujutuse.
1938. aastal avati maja nurgaosas Majakovskaja metroojaam, mille unikaalne disain sai ülemaailmne tunnustus. Samal aastal võitis ta New Yorgi rahvusvahelisel näitusel Grand Prix. Alates 1980. aastatest on Majakovskaja jaam olnud arhitektuurimälestise staatuses ning 2001. aastal kanti see ajaloo- ja kultuurimälestiste nimekirja kui üks pealinna väärtuslikemaid arhitektuuriobjekte.
1940-1945
P. I. Tšaikovski nimelise Moskva Filharmoonia uue kontserdisaali avamine oli ajastatud helilooja 100. sünniaastapäevaga. 12. oktoobril 1940 esitas NSVL Riiklik Sümfooniaorkester Aleksander Gauki ja Konstantin Ivanovi juhatusel Kuuenda sümfoonia, Francesca da Rimini, I klaverikontserdi 1. osa, aariaid ooperitest ja romanssidest. Solistid olid Lev Oborin, Panteleimon Nortsov, Jelena Kruglikova, Vera Davõdova ja Mark Reisen.
Juba esimene filharmoonia hooaeg Tšaikovski kontserdimajas tõi saali üleliidulise kuulsuse. Uue saali plakatitel esitati dirigentide Nikolai Golovanovi, Aleksandr Melik-Pašajevi, Jevgeni Mravinski, Nathan Rakhlini, Carl Eliasbergi nimed; pianistid Konstantin Igumnov, Vladimir Sofronitski, Maria Yudina, Emil Gilels, Yakov Flier, Yakov Zak, Grigory Ginzburg; viiuldaja David Oistrakh; tšellist Svjatoslav Knuševitski; vokalistid Valeria Barsova, Nadežda Obuhhova, Maria Maksakova, Sergei Lemešev, Ivan Kozlovski. Hooaja tipphetkedeks on Beethoveni ooperi Fidelio kontsertettekanne (helilooja 170. sünniaastapäeva puhul) ja õhtu Sergei Prokofjeviga, kus viienda klaverisonaadi esitas noor Svjatoslav Richter. Aulas esines ansambel rahvatants Igor Moisejevi juhatusel, Pjatnitski koor, Vene Rahvapillide Orkester Nikolai Osipovi juhatusel, lastekollektiivid nagu "Kalinka", "Nadežda", "Rosinka" (Peterburi ja Mitšurinsk) ja teised kollektiivid ka laval esineda.
Äsja avatud saalis on E-st pärit iidne orel. F. Walker" (Ludwigsburg, Saksamaa), enam kui 100 aastat (alates 1839. aastast) asunud Peterburis Peterburi katedraalis. Peeter ja Paulus Nevski prospektil (1860. aastatel aasta XIX sajandil mängis sellel P.I.
Suure Isamaasõja ajal jätkus filharmooniaelu ja 5. oktoobril 1941 avati Tšaikovski saalis teine kontserdihooaeg. Kontserdid jätkusid piiramisseisundist hoolimata, hoolimata tõsiasjast, et Moskva piiride lähedal, Volokolamski maantee piirkonnas (saalist ligi kümne kilomeetri kaugusel) toimusid ägedad lahingud, mõnikord õhurünnaku sireeni saatel. Hoone keldris oli pommivarjend, kuhu fašistide õhurünnakute ajal kuulajad laskusid, katusel oli õhutõrjekahur. Saal oli peaaegu kütmata, kuid artistid esinesid alati ainult kontserdikostüümides. Pealtnägijad mäletavad kahte ainulaadset kontserti 1941. aasta sügisel: üks õhutõrjekahuritele mõeldud saali katusel, teine Majakovskaja metroojaama perroonil 6. novembril pärast oktoobrikuu 24. aastapäevale pühendatud pidulikku koosolekut. revolutsioon.
Vaid nelja militaarhooaja jooksul toimus Tšaikovski saalis umbes 1500 kontserti, mille auks peeti pidulikke koosolekuid. meeldejäävad kuupäevad A. S. Puškin, M. I. Glinka, I. E. Repin. Üritusi külastas üle 2 miljoni pealtvaataja.
Sõjajärgsed aastad
Rahuliku ajastu tulekuga, filharmooniaelu ja kontserdimaja elu. P.I. Tšaikovski sai uusi loomingulisi impulsse. Esimestel sõjajärgsetel aastatel nautis avalikkus peaaegu kõigi silmapaistvate kodumaiste esinejate ja kollektiivide kunsti, kelle hulgas olid ka solistid: Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Maria Grinberg, Vladimir Sofronitski, Jakov Zak, David Oistrahh, Leonid Kogan, Julian Sitkovetski , Mstislav Rostropovitš, Daniil Šafran, Leonid Roizman, Zara Doluhanova, Ivan Kozlovski, Sergei Lemešev; nime saanud kvartett Beethoven; dirigendid Nikolai Anosov, Aleksandr Gauk, Nikolai Golovanov, Kirill Kondrašin, Samuil Samosud; NSV Liidu Riiklik Sümfooniaorkester, Moskva Riiklik Sümfooniaorkester, Üleliiduline Raadioorkester. Kontsertettekanded Prokofjevi ooperitest “Sõda ja rahu”, Mussorgski “Sorotšinskaja laat”, Puccini “Cio-Cio-san”, muusikalised ja draamalavastused “Peer Gynt”, “La Arlesienne”, “Unista sisse”. suveöö", "Egmont" (režissöör Vsevolod Aksenov), nõukogude heliloojate teoste esiettekanded, paljudel autorite osalusel: Sergei Prokofjev, Dmitri Šostakovitš, Aram Hatšaturjan, Tihhon Hrennikov, Dmitri Kabalevski... "Puškini lugemised" ja tseremoniaal kohtumised Moskva 800. aastapäevaks, A. S. Puškini 150. sünniaastapäevaks, Moskva parimate teatrite loominguõhtud, säravad näitlejannad Vera Maretskaja ja Ljubov Orlova, populaarsed popartistid Irma Yaunzem, Lydia Ruslanova, Klavdia Šulženko, Arkadi Raikin. 1947. aastal filmiti saalis kuulsat filmi “Esimene kinnas”.
1950. aastatel ilmusid ülipopulaarseks saanud Tšaikovski saali plakatil uute kollektiivide nimed: 1951. aastal raadiokomitee alluvuses loodud Moskva Filharmoonia Sümfooniaorkester Samuil Samosudi juhtimisel loodi 1953. aastal. Moskva Filharmoonia, Moskva Kammerorkester (asutas 1956. aastal Rudolf Baršai, praegu on Venemaa Riiklik Akadeemiline Kammerorkester Aleksei Utkini juhatusel), Borodini kvartett (ametlikult loodud 1945, aastast 1956 kannab suure venelase nime helilooja). 1965. aastal liitus nendega helilooja ja klavessinisti Andrei Volkonski loodud Madrigali solistide ansambel.
Alates 1950. aastatest on saal olnud areeniks mitmetele male maailmameistrivõistluste matšidele (1951 - M. Botvinnik - D. Bronstein, 1954 ja 1957 - M. Botvinnik - V. Smyslov, 1985 - A. Karpov - G. Kasparov ) . Kolm silmapaistvat Nõukogude suurmeistrit - Mihhail Botvinnik, Vassili Smõslov ja Garri Kasparov - pärjati sellel laval maailmameistrite loorberipärgadega.
1930. aastate lõpul tekkis NSV Liidus traditsioon korraldada suuremaid kunstiüritusi ja -etendusi: liidu ja autonoomsete vabariikide, NSVL piirkondade ja territooriumide ning välisriikide kultuuri- ja kunsti aastakümned ja päevad. Tšaikovski saalist sai üks peamisi kohti, kus need pidulikud sündmused aset leidsid. Tellimused rahvakooride osavõtul, tantsurühmad RSFSR-ist (Voronež, Omsk, Põhjamaa koorid jne), Ukraina (“Dumka”, “Trembita”), teised NSV Liidu liidu- ja autonoomsed vabariigid.
Tšaikovski saalis toimusid ka üleliidulised koreograafide ja balletitantsijate konkursid, üleliidulised ja ülevenemaalised sümfooniaorkestrite, akadeemiliste ja rahvakollektiivide showd. 1950. aastal püstitati saali lava kohale NSVL vapi krohvikujutis - 16 lindiga versioon (vastavalt tollal NSV Liidu koosseisu kuulunud liiduvabariikide arvule). Ja kuigi 1956. aastal oli 15 liiduvabariiki ja vapi struktuuris tehti vastavad muudatused ning 1991. aastal vajus see unustusehõlma ja Nõukogude Liit, on Tšaikovski kontserdimaja publikul ka tänapäeval võimalus näha vana nõukogude vappi.
1959. aastal ilmus Tšaikovski kontserdimajja uus orel, mille paigaldas Tšehhoslovakkia firma Rieger-Kloss, et asendada eelmine instrument E. F. Walker" (Ludwigsburg, Saksamaa), mis sai Leningradist Moskvasse reisides väga tõsiseid vigastusi ja oli ebarahuldavas seisukorras. Uus tööriist sai Vene orelikevade “esimeseks märgiks”. Orelil on 81 registrit. Oreli keha pikkus on 11 meetrit, laius 6 meetrit, kõrgus 8 meetrit. Oreli sisemus koosneb 3 korruselt, kus paikneb 7800 kõlavat toru. Suurimate torude kõrgus ulatub 6,5 meetrini, ümbermõõt on 2,6 meetrit, igaüks kaalub kuni 220 kg. Väikseimate kõlatorude kõrgus on 20 mm, läbimõõt 6 mm. Juhtpaneel on keerukas elektriline mehhanism, millele on paigaldatud neli klaviatuuri käte jaoks ja üks kaugjuhtimispult on varustatud juhtsignaalseadmega. Oreli algse paigutuse kujundasid kaks selle instrumendi säravat asjatundjat - Jiri Reinberger ja Leonid Roizman. Selle hilisemate ümberehituste algatajaks 1970. ja 1977. aastal oli silmapaistev muusik-pedagoog Harry Grodberg, üks oreli paigaldamise algatajaid. Nüüd toimuvad saalis regulaarselt orelifestivalid ning esinevad suuremad Venemaa ja välismaised meistrid. 2009. aastal tähistas Moskva Filharmoonia oreli 50. juubelit, mida avalikkus ja kriitikud tunnistasid Venemaa üheks parimaks. Kõik hooaja 2009-2010 orelikontserdid toimusid moto “50 aastat Tšaikovski kontserdimaja orelit” all.
Alates 1962. aastast on saal olnud üks rahvusvahelise Tšaikovski konkursi peamisi toimumispaiku (eelkõige toimusid siin 2007. aastal vokalistide võistlusproovid). Kuid juba 1958. aastal, vahetult pärast esimest konkurssi, toimus märkimisväärne sündmus, mida kirjeldas V. Delson oma raamatus Svjatoslav Richterist: „Klaverivõistluse žüriisse kuulusid maailma silmapaistvamad muusikud, sealhulgas Svjatoslav Richter. Mõni päev pärast võistluse lõppu a klaveriõhtu Richter, millest võtsid osa paljud žüriiliikmed, laureaadid ja konkursil osalejad. See oli pianisti selle hooaja üks parimaid etteasteid. Esimese preemia saanud Van Cliburn oli kontserdil ja oli varem Richterist palju kuulnud. Cliburni hämmastas Richteri mängu täiuslikkus, tema kunsti ulatus, tema ande sügavus ja läbitungimine. "Kui ma oleksin Richterit varem, enne konkurssi kuulnud, oleksin ilmselt veelgi rohkem mures, teades, et ta on žüriis," ütles noor Ameerika pianist talle omase spontaansusega.
1999. aastal toimusid Tšaikovski saalis viienda rahvusvahelise keelpillikvartettide konkursi esinemised. D. D. Šostakovitš ja 2004. aastal - seitsmenda konkursi galakontsert. Aastal 2006 - viienda rahvusvahelise Juri Bašmeti vioolakonkursi lõppvoor ja galakontsert.
Eriline lehekülg saali ajaloos on luulefestivalid ja kirjanduskontserdid. Veel 1940.–1950. aastatel esinesid sellel laval sellised kunstilise väljenduse meistrid nagu Vsevolod Aksenov, Dmitri Žuravlev, Igor Iljinski, Emmanuel Kaminka, Suren Kotšarjan, Mihhail Tsarev, Vladimir Jahhontov. Ja muidugi Irakli Andronikov, kelle töö ja kuulus " suulised ajalood"moodustas terve ajastu Tšaikovski saali ajaloos. Seejärel toimusid siin Andrei Voznesenski, Bulat Okudzhava, David Samoilovi, Robert Roždestvenski, Jevgeni Jevtušenko, Mihhail Žvanetski, Edward Radzinski loomingulised õhtud, Moskva Filharmoonia väljapaistvate kunstnike, teatri- ja filminäitlejate esinemised. Nende hulgas on Sergei Bezrukov, Oleg Borisov, Alla Demidova, Tatjana Doronina, Rafael Kleiner, Mihhail Kozakov, Svetlana Krjutškova, Antonina Kuznetsova, Vassili Lanovoy, Pavel Ljubimtsev, Vladimir Menšov, Dmitri Nazarov, Boriss Plotnikov, Veniamin Smekho Tarlen, Veniamin Smekho Tarkin , Mihhail Uljanov, Aleksandr Filippenko, Sergei Jurski. Siin tähistati pidulikult ka Boriss Pasternaki 100. sünniaastapäeva ja Aleksandr Solženitsõni 80. sünniaastapäeva. Aastal 2010 tähistab paljude põlvkondade saalikülastajate poolt armastatud populaarseim kirjanduslugemise žanr oma 100. juubelit, mida tähistatakse pidulikult Tšaikovski saali laval.
XXI sajandi algus
IN XXI alguses sajandil hakati saali positsioneerima Moskva Filharmoonia peamise kontserdipaigana. Aastas toimub siin umbes 300 kontserti, millest võtab osa üle 350 tuhande moskvalase ja pealinna külalise (saali mahutavus on 1505 kohta).
Moskva Filharmoonia saalis peetavate kontsertide ja festivalide palett on muutunud oluliselt laiemaks ja mitmekesisemaks. 1964. aastast toimuvale traditsioonilisele festivalile “Vene talv” lisandusid 2005. aastal sellised kontserdielu üritused, mis on samuti juba traditsiooniliseks saanud, nagu festivalid “Kitarrivirtuoosid” ja “Üheksa sajandit orelit” ( nüüd on need eraldi filharmoonia tellimused). Just Tšaikovski saal sai platvormiks sellistele Moskva Filharmoonia eksklusiivsetele tsüklitele, mis määravad suuresti selle loomingulise kuvandi, nagu " Ooperi meistriteosed", "Suured oratooriumid", "Euroopa virtuoosid Moskvas", "Maailma ooperitähed Moskvas" ja hulk teisi. Siin toimusid festivalikontserdid Dmitri Šostakovitši 100. sünniaastapäevaks (2006), Rodion Štšedrini 75. aastapäevaks (2007).
IN viimastel aastatel Tšaikovski saal on oluliselt laiendanud oma noortele kuulajatele suunatud tegevust. Koos Svetlana Vinogradova ja Žanna Dozortseva traditsiooniliste tellimustega (“ Tretjakovi galerii", "Muusika, maal, elu"), ilmusid uued ja uued tsüklid, sealhulgas interaktiivsed töövormid noorte publikuga. Tellimused “Muinasjutud orkestriga” (kaastegevad Moskva Filharmoonia Akadeemiline Sümfooniaorkester ja Moskva teatrite juhtivad artistid), “Suur muusika väikestele” (saatejuht Natalia Panasyuk), “Klassika on lahe!” äärmiselt populaarne! (saatejuht Jevgeni Buškov), “Naljakas professor” (saatejuht Pavel Ljubimtsev), “ Muusika entsüklopeedia A-st Z-ni” (saatejuht Artjom Vargaftik), “Kutsume muinasjuttu”, “Tahan saada dirigendiks”, “Imeline on lähedal”, festival “Tahan tantsida”.
Saalis on mitu aastat olnud renoveerimistööd. Hooajal 2004-2005. Saalis viidi läbi mitmeid sõltumatuid akustilisi uuringuid. Tänu sellele oli võimalik täiustada saali ruumilist kontseptsiooni ja laiendada selle tegevusala. Esikusse paigaldati uued toolid ja taastati põrand. Nüüd saate kioskid hõlpsalt lahti võtta ja sellesse kohta paigutada orkestri, vabastades lava ooperietenduste jaoks. Nii taaselustas filharmoonia Vsevolod Meyerholdi ideed sellest hoonest kui universaalsete võimaluste teatrist. 2004. aasta novembris toimus renoveeritud laval esimene taoline etendus - “ Potikuninganna» Mariinski teater (dirigent Valeri Gergijev, Vladimir Galuzin Hermani rollis). Nii käivitati saali laval võimas “ooperiliikumine”, mille tulemusena valmisid lavaversioonid ooperitest “Štšedrini “Nõiutud rändur”, Stravinski “Oidipus Rex”, Denisovi “Neli tüdrukut”, “ Tsaari pruut"Rimski-Korsakov, Wagneri "Tristan ja Isolde", Mozarti "La Clemenza di Titus"; kontsertettekanded Verdi “La Traviata”, Rahmaninovi “Aleko” ja “Francesca da Rimini”, Bizet’ “Carmen” ja “Pärlipüüdjad”, Bellini “Capulets and Montagues”, Gounod’ “Romeo ja Julia”, Mussorgski "Sorotšinski laat", "Orlando" "Handel, Haydni "Orpheus ja Eurydice", Mozarti "Idomeneo" ja "Don Juan", Tšaikovski "Jevgeni Onegin".
2006. aasta suvel sai täiendava tõuke idee viia ellu Tšaikovski saali akustika korrigeerimise projekt. Aasta lõpuks tehti akustilised mõõtmised ning algas eelprojekti koostamine, mis sisaldas kolme põhiosa: passiivsete akustiliste pindade asukoha plaan, vajalikud soovitused tööriistade ja materjalide kohta ning eelprojekt. elektrooniline süsteem akustiliste parameetrite korrigeerimiseks. Selline elektrooniline süsteem paigaldati esmakordselt Venemaal Tšaikovski saali, mis näitas selle kõrget efektiivsust. Süsteemi eesmärk on tekitada helipeegeldusi olematutelt, kuid arhitektuuriliselt “õigetelt” saali seinte ja lae pindadelt. Peegeldusi loovad keerulised matemaatilised algoritmid, mis põhinevad saali reaalsel kõlal, need ei ole oma olemuselt kunstlikud. Süsteem ei võimenda lavalt kostvat heli, see ei ole kuuldav nagu tavalised kõlarid.
Järgnevatel hooaegadel paigaldati vajalikud seadmed, et luua tulevikus saali optimaalne akustika erinevate žanrite kontsertide läbiviimisel: sümfooniline, kammerlik, vokaal, orel; Lõppenud on süsteemi elektroonilise osa paigaldus, tehtud esimene jõudluskontroll ja uus akustiliste mõõtmiste seeria, mille pinnad on juba lakke paigaldatud.
Edaspidi on süsteem pidevalt Venemaa ja välismaiste spetsialistide, sõltumatute ekspertide, aga ka muusikute kontrolli all. Süsteem saab ja muutub koos saali arenguga.
Jätkus töö saali akustika parandamiseks lavaalal. Lavale paigaldati spetsiaalsed pinnad ja vahetati välja tagumine liugvahesein. See parandab oluliselt akustilisi parameetreid laval, mis muudab muusikute töö mugavamaks. Selle töö eesmärk on vähendada nn peegli peegeldused lavaalal, mille tulemusena on bokside akustiline olukord paranenud.
2008. aastal alustati tööd Tšaikovski kontserdimaja ajalooliste interjööride taastamisega – loomulikult arvestades tänapäevaseid nõudeid saalide ehitamisel ja restaureerimisel. 1990. aastatel oli Moskva Filharmoonia juhtkond sunnitud osa oma maja fuajeest ärimeestele välja rentima. Seejärel kadus suur osa Tšaikovski saali traditsioonilisest välimusest.
Restaureerimise käigus avastati saali ehitusprojekti algse projekti põrand - eelmise sajandi 30ndatest säilinud ja hiljem hilisema aja lagede alla “peidetud” marmorlaastudega valatud betoon. Põranda eripäraks on selle muster: kiired, mis jooksevad ühest sambast teise. Lisaks taastati sambad, portaalid, valgustid ja kogu valgustussüsteem ning eemaldati mittevajalikud vaheseinad, mis võimaldab nüüd näha esimese korruse algupärast arhitektuuri. Restaureeriti peegelsambad ja banketid, mis olid aastaid fuajee lahutamatuks osaks ja kaunistuseks. Varasemate raskete uste asemel on esikusse paigaldatud klaasuksed, mis ei sega visuaalselt vaadet fuajee arhitektuurile. P. I. Tšaikovski büst asetati oma algsele kohale. Kogu selle töö juures said filharmoonia juhtkond ja restauraatorid märkimisväärset abi tavalistelt muusikasõpradelt – neilt, kellel oli kontserdimaja ajaloolisest ilmest fotosid ja kirjeldusi. Tšaikovski. Tulevikus jätkub fuajee rekonstrueerimine.
KULTUROLOOGIA
Kultuuri sotsiaalsed aspektid
UDC 725.812 + 304.3 A. Kramer*.
KONTSERDISAAL KUI ARHITEKTUURIOBJEKT KULTUURIRUUMIS
Artiklis käsitletakse mõnda teoreetilised probleemid kontserdisaali kirjeldused arhitektuursete ja sotsiokultuuriliste aspektide suhetes. Pakutakse välja “kontserdisaali” kui arhitektuuritüübi mõiste viimistletud definitsioon ning neljakomponendiline mudel kontserdisaali kirjeldamiseks kultuuriruumi struktuuris.
Märksõnad: kontserdisaal, kontserdisituatsioon, arhitektuur, kultuuriruum.
A.Yu. Krameri kontserdisaal kui arhitektuuriobjekt kultuuriruumis
Artiklis käsitletakse mõningaid teoreetilisi küsimusi, mis puudutavad "kontserdisaali" kontseptsiooni kirjeldamise probleeme selle arhitektuuriliste ja sotsiaal-kultuuriliste aspektide vastastikustes suhetes. Hiljuti kinnitatud määratlus "kontserdisaal" kui arhitektuuriklass ja Pakutakse välja neljakomponendiline kirjeldav mudel kontserdisaalide liigitamiseks kultuuriruumis.
Märksõnad: kontserdisaal, kontsert, kontserdisituatsioon, arhitektuur, kultuuriruum.
Väga mahukas töö on pühendatud kontserdimaja kui arhitektuuriobjekti (teatud arhitektuuritüüpi struktuuri) süstemaatilisele käsitlemisele. väliskirjandus. Ka paljud välismaised uurijad peavad kontserdisaali muusikakultuuri arenguga seoses üllatavalt väheks, neid on fragmentaarselt ja vähe. Kontserdimaja arhitektuuri süstemaatilist arvestamist rahvusliku muusikakultuuri arenguga praktiliselt ei toimu. Kontserdile (kui muusikažanrile) ja kontserdielule pühendatud kirjandus on nii kodu- kui välismaises muusikateaduses äärmiselt ulatuslik, kuid arvestatav
* Kramer Aleksandr Jurjevitš - Peterburi Puškini rajooni tehnilise loovuse ja infotehnoloogia keskuse metoodik, [e-postiga kaitstud]
Venemaa Kristliku Humanitaarakadeemia bülletään. 2015. 16. köide. 1. väljaanne
muusika loomise või esitamise koha spetsiifilised füüsilised asjaolud ei kuulu muusikateaduse õppeaine alla (ja seega langevad kajast välja) - nii nagu õppeainesse ei kuulu arhitektuurilises struktuuris toimunud sündmuste spetsiifika arhitektuuri ajaloost (sarnaste tagajärgedega). Lisaks on kontserdisaali arhitektuuri ja kunstiliste, aga ka (laiema ulatusega) sotsiokultuuriliste olude suhe ja vastastikune sõltuvus interdistsiplinaarses valdkonnas ning eeldab uurimismetoodika väljatöötamist, mis hõlmaks ja adekvaatselt hõlmaks infot ehitusfüüsikast, arhitektuuriakustika, ajalugu "meelelahutustööstus", sotsioloogia, õigusajalugu, tehnikaajalugu jne.
Iga kontserdisaal on teatud tüüpi arhitektuuriobjekt, mille funktsioonid selguvad alles kontsertürituse toimumise ajal, seoses kontsertüritusega ning konkreetsetes kunstilistes ja sotsiaalkultuurilistes oludes. “Arhitektuuritüübist” rääkides laiendame J. N. L. Durandi ja A. H. Quatremer de Quincey väljatöötatud kontseptsiooni, kasutame E. I. Kirichenko ideid ja võtame lisaks funktsionaalsusele (sh linnaplaneerimisele) arvesse ajaloolis-kultuurilist konteksti, “ teisisõnu, see sisusotsioloogiline aspekt, mis seob hoonete utilitaarse funktsiooni ideoloogilise ja kunstilise funktsiooniga.
Venemaal on kontserdisaal (kontsert ise muusikažanri või ürituse tüübina) Euroopa toodang. kultuurid XVI-XVIII sajandid; see toodi Venemaale 17.-18. sajandi Peeter Suure (ja eriti Petriini järgsete) transformatsioonide ajal. “Sisse viia” rahvuskultuuri kangasse ja edasine areng mõjutatud nii kodu- ja maailmakultuurile omasetest kui ka Venemaale omastest asjaoludest.
Käesolevas artiklis käsitleme vaid mõningaid asjaolusid, mis on olulised kontserdimaja kui keerulise kultuurinähtuse käsitlemisel.
Kontsert kui muusikakunsti eksisteerimise avalik esinemisvorm aastal Euroopa kultuur on olnud 16.-17. sajandi vahetusest (kontsert kui muusikateose žanr tekkis umbes samal perioodil). Kontserdi (kui sündmuse) mõiste ulatus on aja jooksul oluliselt laienenud. Seega on abt Feraud (1765) sõnastikus kontsert "laulvate või muusikainstrumente mängivate muusikute kohtumine". E. Dukovi monograafiast (2003) saab lugeja teada, et kontsert on „kunsti lavalise eksistentsi stabiilne, polüvariantne, fenomenaalselt tabamatu vorm”, mille poeetikat iseloomustab „lahutumine suletud ja piiritletud platvormist. .” Huvitav on see, et hoolimata sellest, kuidas kontserdi mõistet tõlgendatakse, on Euroopa kultuuris (vähemalt M. Mersenne’i traktaadi “Harmonie Universelle” (1636) ajast) tasapisi tekkimas nõudlus. eritingimused koha eest
kontsert. Kontserdisaal kui spetsialiseerunud (algul sotsiaalses ja seejärel arhitektuurilises mõttes) avalik ruum kontsertide pidamiseks tekkis Euroopas 17. sajandi viimasel kolmandikul, Venemaal - 18. sajandi teisel poolel. Huvitav on see muusikalised sõnaraamatud ja teatmeteoseid viimane veerand XIX sajandil artikkel “kontserdisaal” puudus. Arhitektuurisõnastikud ja teatmeteosed hakkavad kontserdisaali erilise ruumina esile tõstma alles pärast lord Rayleighi põhjaliku kaheköitelise raamatu "Akustika" avaldamist (1870).
Tänaseni puudub üldtunnustatud teoreetiline arusaam sellest, mis on kontserdisaal arhitektuurilises mõttes. Kui võtta kokku kontserdisaali tunnuste hajutatud määratlused viimasest kvartalist XIX sajandil ja tänaseni saame järgmise definitsiooni: kontserdisaal on avalik saali tüüpi ruum, mida eristab ühe mahu funktsionaalne ja konstruktiivne jaotamine esinejatele ja kuulajatele mõeldud tsoonideks ning mis on mõeldud muusika esitamiseks akustilistel muusikariistadel (ja sellise muusika kuulamise eest). 20. sajandi versioonides. definitsiooni teine osa näeb välja selline: "mõeldud muusika esitamiseks akustilistel või elektroonikakustilistel instrumentidel ja sellise muusika kuulamiseks ilma täiendava helivõimenduseta."
18. sajandi keskel. Oxfordi kerkib esimene spetsialiseeritud kontserdisaalihoone ja siis umbes sajandi jooksul kujuneb Euroopas välja konkreetne tüüp. avalik hoone, milles, kui järgida L. Sullivani valemit “vorm järgib funktsiooni” (“Kus funktsioon ei muuda vorm ei muutu”), on kontserdisaal ise hoone ainus ja/või peamine funktsionaalne keskus (mille tõttu hoone ise saab nime "kontserdisaal") Möödub sajand ja koos 19. keskpaik V. nii Euroopas kui ka Venemaal osutub kontserdisaal süstemaatilise muusikalise “meelelahutuse” kohaks; on moodustamisel populaarkultuur- ja kontserdisaal toimib juba kultuuripoliitilise tegurina (algul kohalik), mis omakorda loob vajaduse linnaplaneerimise järgi mõista uute saalide ehituskohta (nagu näiteks Concertgebouw Amsterdamis või Koncerthus aastal Stockholm). Oluliste objektiivsete tegurite hulgas, mis aitasid kaasa kontserdisaalide tähtsuse kasvule, on kontserdikülastajate ja -kuulajate liikuvuse suurenemine (eriti raudteede kiire ehitamine 19. sajandil ja tsiviillennunduse teke 20. sajandil).
Kontsert kui sündmus on oma eksisteerimise enam kui kolme sajandi jooksul üsna palju muutunud ka selle ajaga on kontserdisaal arhitektuuriobjektina läbi teinud muudatusi: laienenud on planeeringukavade repertuaar – põhiosas on see siiski; ikka seesama üksik köide oma funktsionaalse jaotusega. Sisuliselt tähendab see, et kontserdisaalide arhitektid-projekteerijad juhinduvad (lisaks tellijanõuetele ja ehitusmäärustele) väga stabiilsest “ideaalpildist” mitte ainult hoone välisest arhitektuursest vormist linnaruumi kontekstis, vaid ka üsna stabiilse “ideaali poolt üldistatud
"pilt" helist, mida tajutakse saalis (see on arhitekti jaoks oluline oluline erinevus "sees" ja "väljas" vahel). D. Howard ja J. Angus püstitasid hüpoteesi, mille kohaselt jääb kõige stabiilsemaks esteetiliseks efektiks kultuuris kontserdisaali mahu spetsiifiline arhitektuurne struktureerimine, mis tekitab "kahekordse akustilise transformatsiooniefekti", mis koosneb järgmisest: heli genereeritakse ja muundatakse muusikariistaga, misjärel see saali sisenedes muudetakse teist korda selle arhitektuursete elementide (nagu ka dekoori, mööbli ja loomulike heli neelajate – kuulajate) poolt. Sel juhul satuvad nii esinejad kui ka kuulajad justkui muusikainstrumendi seest, millest saab kontserdi ajal saal. Hüpotees on väga huvitav ja väärib eksperimentaalset kinnitust või ümberlükkamist.
Kontserdisaali uurimine on alati ühel või teisel määral uurimus sellest, kuidas kuulaja või esineja tajub kontserdi atmosfääri. Kodumaised teadlased märkisid juba 1985. aastal:
Kui arhitektuur ise on objekt inimese tähelepanu, arhitektuursete tööde hulka sattunute psüühikat mõjutavad paljud erinevad tegurid ja nende hulgast on raske välja tuua tegelikke arhitektuurseid. Kuid kõige olulisem on määrata arhitektuuri emotsionaalse mõju olemus just siis, kui tähelepanu ei ole suunatud arhitektuurile, kui see mängib tausta rolli.
Siin on peen mõte arhitektuuri psühholoogilisest mõjust kuulajale kontserdi ajal, millele tänapäeval kahjuks vähe tähelepanu pööratakse. Probleem on selles, et subjektiivsed kogemused võivad, kuid ei pruugi olla otseselt arhitektuurist põhjustatud. Hindamistes käsitleme peaaegu alati muljete segu muusikast, publiku üldisest reaktsioonist, sündmuse visuaalsusest kuni toolide mugavuse või lõhnadeni välja, kohandatud enesetsensuuri ja ootustega, “sulatatud”. üheks kujundlikuks konglomeraadiks, mis igal juhul nõuab dekodeerimist.
Niisiis, R. Schumann kirjutab Peterburi Aadlikogu suure saali kohta, et see on "luksuslik" - millest me räägime: saali dekoratsiooni luksusest, publiku karusnahad ja teemandid, "luksus" akustikast? Või siin on veel üks näide. P. I. Tšaikovski kirjutas oma päevikusse Carnegie Halli avamise auks viie tuhande pealtvaataja juuresolekul toimunud kontserdi kohta: „... valgustatud ja publikuga täidetud on see (saal - A. K.) ebatavaliselt suurejoonelise ja suurejoonelise välimusega. .” Näib, et kõik on selge ja ilmne - kui te ei unusta, et Tšaikovski näeb saali dirigendikohalt (ta osales kontserdil külalisstaarina) ja kui te ei võta arvesse tema sissekannet oma päevikusse proov kolm päeva varem: "Orkester paikneb kogu hiiglasliku lava laiuses, mille tagajärjel on helisus halb ja ebaühtlane."
Probleem on selles, et me ei oska öelda, kuidas saal tegelikult (s.t objektiivselt) "kõlas" (psühhoakustika kui süstemaatiline distsipliin tekkis alles keskel ja adekvaatsed helisalvestusvahendid - 20. sajandi lõpus). Analüüsides muusikute memuaare ja kirju, aga ka 18.-19. sajandi kriitikute arvustusi, tegeleme paratamatult kuulaja subjektiivsuse tõenäosusliku rekonstrueerimisega. Asja teeb veelgi keerulisemaks asjaolu, et muusikakriitika (enne vähemalt kvaliteetse helisalvestuse tulekut) salvestas kontserdisaalide akustilisi omadusi seoses muusikasündmustega kas selgelt inetu akustikaga olukordades või siis, uue saali avamine (teatud ootuste ja kogemuste alusel).
Teine näide. 1900. aastal meenutas Jekaterinburgis äsja avatud I. Makletski kontserdisaal Ural Life’i korrespondendile “osaliselt Peterburi Krediidiühingu saali” (autor ei täpsusta, mida täpselt). Ilmselgelt eelistas reporter võrdlust ühe pealinna maineka kammersaaliga; Probleemiks on aga see, kui hästi tema enda pilt Peterburi saalist vastas provintsi lugejate kogemusele (või nende tollal eksisteerinud “ideaalsest saalist”).
Ja siin on veel üks peen punkt. Kontsert ja kontserdisaal tekkisid seoses sümfooniaorkestri tekkimisega, esialgu a. ooperimaja ja sai seejärel iseseisvaks esinemisüksuseks. Samas säilis varajases ooperis kaudselt eksisteerinud nõue kuulajale esitatavale „meeleolu kontsentreeritusele, sama teravusele ja reaktsioonisügavusele, mis on sajandeid olnud vaimse kunsti taju tunnusjooni” ka iseseisvale sümfoonilisele (ja instrumentaal) muusikat üldiselt. Instrumentaalmuusika (“puhas”) jäi “kuulmismuusikaks” suhteliselt lühikest aega – juba 19. sajandi esimesest kolmandikust. “romantiliste virtuooside” ringreisipraktika tähistas kontsertürituse pööret meelelahutuse poole. 20. sajandi kontserdipraktikad. võrdsustas nii akadeemilise muusika kontserdi, massižanrite teostest koostatud kontserdi kui ka “kombineeritud” kontserdi õigused, mis võis sisaldada numbreid kuni tsirkusenumbriteni (20. sajandi lõpul oli seitse põhitüüpi kontserdist). Selle tulemusena omandab kontserdisaal multifunktsionaalseid sorte ja 20. sajandi lõpuks. multifunktsionaalne saal muutub arhitektuuripraktikas enimkasutatavaks kontserdihoonetüübiks.
Siiski on (praegu ainult Venemaal ja kuni 20. sajandi keskpaigani - peaaegu kõikjal) ainus institutsioon - konservatoorium -, mis on säilitanud lähenemise muusika kuulamisele mitte kui „saate jaoks tarbimisele“, vaid "kummardada". Veelgi enam, seda lähenemist reprodutseeritakse konkreetsete praktikate kogumina, mille jaoks on loodud konservatooriumide kontserdisaalid. Rõhutame, et vene kultuuris jätkub see nähtus tänapäevani ning Euroopas ja Ameerikas kõigutas “muusika kummardamise” positsiooni tugevalt 1960. aastate avangard. ja mis kõige tähtsam – elektroakustilise ja arvutimuusika põhimõtteliselt uus esteetika.
Sellegipoolest on mõned põhjused R. Taruskiniga nõustumiseks
fakt on see, et kontsert kui üritus tundub kohati tõesti anakronismina.
Samas pole veel piisavalt uuritud seost “kontserdisündmuse” ja selle toimumiskoha vahel: millal kontsert kui sündmus tegelikult algab: hetkel, mil muusika algab, hetkel, mil vaataja saali siseneb või koheselt. pärast seda, kui ta ületab hoone välispiiri ?
Teeme ettepaneku laiendada mõiste „kontsertüritus“ mõistele „olukord
kontsert" (või "kontserdisituatsioon"). E. Hoffman tõlgendab mõistet “olukord” järgmiselt:
Iga keskkond, mis sisaldab vastastikuse jälgimise võimalusi
kestab seni, kuni kaks või enam inimest on otseses füüsilises kontaktis
üksteise kohalolekut ja laieneb kogu territooriumile, kus see asub
vastastikune jälgimine on võimalik.
“Kontserdisituatsioon” ei hõlma mitte ainult kontserti ennast, vaid ka sellele vahetult eelnevaid või järgnevaid sündmusi mitte ainult kontserdisaalis, vaid ka teistes ruumides selle ümber. Kontserdiürituste ülesehitus on allutatud ühelt poolt kontserdimaja arhitektuursele korrastatusele ja teiselt poolt käitumisreeglite süsteemile, mis annab meile üldjoontes kirjelduse kontserdist kui teatud kontserdi interaktsiooni viisist. .
Kontsert ja kontserdisaal – sündmus ja arhitektuuriobjekt – on omavahel seotud ja sõltuvad; neid tuleb käsitleda ühtse kultuurinähtusena. Kontserdimaja kui arhitektuurse tüübi evolutsiooni ja taastootmist on mõttekas uurida vaid arhitektuuri ja kontsertürituste ühtsuses teatud kultuuriruumis. Metodoloogilise alusena kasutame A. Bystrova kultuuriruumi mudelit, mis eristab:
a) Pärismaailma ruum on „territoorium, kus eksisteerib, kantakse edasi ja taastoodetakse elava kogukonna kultuur”. See territoorium (millel on geograafilised koordinaadid ja dimensioon) esitatakse võrdselt nii loodusliku (geograafiline, klimaatiline, maastik) kui ka arhitektuurse ruumina, peamiselt selle "piiride", "sulguse" ja "läbilaskvuse" mõistete kaudu.
Kontserdisaali puhul on tegemist materiaalsete arhitektuursete (samuti ehitus- ja linnaehituslike) lahenduste ja vahendite kompleksiga, mille hulka kuuluvad: „navigatsiooni“ meetodid hoones või saalis, saali akustiline keskkond, interjöör disain, muud “sensoorse reguleerimise” vahendid (terminoloogias K. Lynch).
(b) Ühiskonna ruum on kultuuris esindatud sotsiaalsuse vormides, nagu sotsiaalsed institutsioonid, vormid ja meetodid
ühiskonnakorraldus – eelkõige „sotsiaalse”, „isikliku” ja „avalike” väärtusaspektide kaudu. Kontserdimajaga seoses on need linnamuusikaelu erinevad tahud, mis on “kokku kukkunud” kontserdi kui avaliku ürituse ja kontserdimaja kui avaliku ruumi suhetesse. Igas sotsiokultuurilises olukorras on iga kontserdisaali jaoks vaja selgitada ruumi enda omadused, mis määravad "inimkäitumise stseeni raami" ja on selle poolt vastastikku kindlaks määratud. Sellised omadused hõlmavad vähemalt muusikute lavale paigutamise viise, artistide vahelise suhtluse viise esinemisprotsessi ajal, esinejate ja kuulajate territoriaalset eraldatust (sealhulgas lava tegelik või kujuteldav "punane joon"). Teatud määral on need ka tegurid kontserdisaali planeeringu ja kehtivate etiketireeglite vahelises seoses (“kontseremoonia”, erinevat tüüpi kontserdi puhul erinev)
(c) Suhtlusruum (või teabe-märk).
paljastab “olulise omaduse inimeste maailm- tähendus” ning on kultuuris esindatud märgisüsteemide, keelte, formalismide, meetodite, struktuuride ja funktsioonide kaudu, tänu millele toimib maailm informatsiooni ja tähenduse kandjana. Seoses kontserdisaaliga on need ühelt poolt tüüpilised arhitektuursed viisid saali/hoone struktuuris sümboolsete ja/või funktsionaalsete “tõmbekeskuste” lahendamiseks ning viisid, kuidas “inimest ja väärtuslikku kohta liigutada. üksteist” kontserdiolukorra kontekstis, teisalt.
(d) Intellektuaalne ruum (mis on "kultuuri ja selle seisundi tulemus") - teadvuse ruum (sealhulgas kujutlusvõime, tähenduse otsimine, küsimine, vastuse otsimine ja muud mõtlemisvormid), sealhulgas esteetiline, mis on universaalne. tingitud asjaolust, et see "on absorbeerinud tunnetuse, väärtuste süsteemi ja tegevuste süsteemi". Samal ajal on need teatud moodustamise ja edastamise meetodid kultuurilised normid ja ideaale ning ennekõike - „ideaalse“ kontserdisaali kuvandit antud sotsiaalkultuurilise olukorra jaoks (seda saab kirjeldada K. Lynchi poolt „linnapildi“ jaoks välja töötatud kategoorilise aparatuuri abil (elemendid, rajad, piirid, linnaosad). , sõlmed, maamärgid)). See on esitatava muusika žanri vastavus ruumi akustilistele omadustele, samuti disaini- ja arhitektuurse disaini stereotüüpidele. Samas ruumis on kontserdisündmuste sisu tõlgendamise filosoofilised, teaduslikud, psühholoogilised, kriitilised jne viisid.
Samal ajal on kogu “kontserdisaali kultuuriruumi” kompleks koostoimes paljude kontserdisaaliväliste sotsiaalkultuuriliste teguritega: muusikaline haridus, kontserdiäri, ajakirjandus ja kriitika, arhitektuurivõistlused, õiguslikud ja poliitilised asjaolud jne.
Näib, et see neljakomponendiline kirjeldusmudel võib olla aluseks järgnevale „kontserdisaali kultuuriruumi” tüpoloogiale kontserdisituatsiooni kohatüübi ja tüübi kombinatsiooni kaudu.
kontsertürituste struktuurid. Pakutud meetod kontserdimaja terviklikuks kirjeldamiseks teatud kultuuri- ja ajalooliste tingimuste kontekstis võimaldab seda esitleda erilise arhitektuuritüübina, peegeldades ja väljendades kontserdimaja kultuuriruumi eripära.
KIRJANDUS
1. Bystrova A. N. Kultuuriruumi probleem (filosoofilise analüüsi kogemus). - Novosibirsk: kirjastus SB RAS, 2004. - 240 lk.
2. B hea tund! // Uurali elu. - 1900. - nr 272 (03.10). - lk 2.
3. Hoffman E. Kus on tegevus // Hoffman E. Interaktsioonirituaal: Essays on face-to-face käitumine. - M.: Smysl, 2009. - 319 lk.
4. Dukov E.V Kontsert Lääne-Euroopa kultuuriloos. - M.: Klassika XXI, 2003. - 256 lk.
5. Zabelshansky G. B., Minervin P. B., Rappaport A. G., Somov G. Yu Arhitektuur ja inimese emotsionaalne maailm. - M.: Stroyizdat, 1985. - 207 lk.
6. Kiritšenko E. I. Romantism ja historitsism vene keeles 19. sajandi arhitektuur sajand (eklektika kahe arengufaasi küsimuses) // Arhitektuuripärand. - 1988. - Väljaanne. 36. - lk 130-143.
7. Konen V. D. Kolmas kiht: uued massižanrid kahekümnenda sajandi muusikas. - M.: Muusika, 1994. - 160 lk.
8. Kontserdisaalid / Toim. M. R. Savtšenko. - M.: Stroyizdat, 1975. - 152 lk.
9. Lapshina E. G. Arhitektuurne ruum: esseed. - Penza: kirjastus. PGUAS, 2005. - 127 lk.
10. Lynch K. Pilt linnast. - M.: Stroyizdat, 1982. - 328 lk.
11. Rappaport A. G. Arhitektuurse vormi mõistmise poole: dis. ... kunstidoktor. - M., 2000. - 53 lk.
13. Saponov M. A. R. Wagneri, L. Spohri, R. Schumanni vene päevikud ja mälestused. - M.: Deka-VS, 2004. - 344 lk.
14. Tšaikovski P.I., Päevikud. - M.; Jekaterinburg: Meie kodu - L "age d"homme U-Factoria, 2000. - 296 lk.
15. Yankovskaya Yu. Arhitektuuriobjekt: pilt ja morfoloogia: abstraktne. dis. ... Arhitektuuridoktor. - M., 2006. - 56 lk.
16. Beranek L. L. Kontserdisaalid ja ooperimajad: muskus, akustika ja arhitektuur. . - NewYork: Springer, 2004. - 661 lk.
17. Blesser B., Salter L.-R. Spaces räägib, kas sa kuulad? Auraalse arhitektuuriga tutvumine. - Cambridge, Mass.: The MIT Press, 2007. - 437 lk.
18. Pettus J.-F. Nouveau dictionnaire universel des arts et des sciences francois, ladina ja anglois. - T. 1. - Avignon: Fr. Girard et Guillyn, 1756. - 604 lk.
19. Forsyth M. Ehitised muusikale. - Cambridge, Mass.: MIT Press, 1985. - 398 lk.
20. Gieryn T. F. Koha ruum sotsioloogias // Annual Review of Sociology. - 2000. - N 26. - Lk 464-466.
21. Gracyk T. Muusika kuulamine: esitused ja salvestused // Performance: Critical Concepts in Literary and Cultural Studies. - Vol. IV. - London: Routledge, 2003. - Lk 332-350.
22. Howard D. M., Angus J. Akustika ja psühhoakustika. 4. väljaanne - Oxford: Focal Press, 2009. - 488 lk.
23. Schumacher P. Arhitektuuri autopoees. - Vol. 1: Arhitektuuri uus raamistik. - Chichester: Wiley & sons Publ., 2011. - 466 lk.
24. Sullivan L. H. Kunstiliselt käsitletav kõrge büroohoone // Lippincott's Magazine - 1896. - N 57 (märts - lk 403-409).
25. Taruskin, R. Oleviku minevik ja mineviku kohalolek // Tekst ja tegu: esseesid muusikast ja esitusest. - NewYork: Oxford University Press, 1995. - Lk 90-154.
26. Venturi R. Komplekssus ja vastuolulisus arhitektuuris. 3. väljaanne - NewYork: Moodsa kunsti muuseum, 1987. - 136 lk.
Ülevenemaaline virtuaalne kontserdisaal - maamärk Vene Föderatsiooni Kultuuriministeerium, üks olulisemaid saavutusi "avatud kultuuriruumi" kujundamisel Venemaal.
Kogu Venemaal loodud virtuaalsete kontserdisaalide võrgustik viib akadeemilise muusikakunsti edendamise uuele suhtlustasandile ning aitab luua võrdseid võimalusi juurdepääsuks kultuuriväärtusi kõigile Vene Föderatsiooni kodanikele. Nüüdsest saab publik meie riigi kõige kaugemates nurkades kuulda ja näha parimaid kontserte Venemaa ja välismaa staaride osavõtul ning lastele suunatud projekte.
Tänu spetsiaalselt varustatud ruumidele kaasaegne tehnoloogia, kus otsesignaal saabub Venemaa keskkontsertsaalidest, on paljude piirkondade kuulajatel võimalus ka reaalselt filharmooniakontserte külastada.
Alates 2009. aastast on Kesk-Uuralites Sverdlovski Filharmoonia egiidi all aktiivselt arenenud piirkondlik virtuaalsete kontserdisaalide võrgustik. 5 aasta jooksul õnnestus virtuaalsesse kontserdiruumi kaasata ka piirkonna kõige kaugemad asulad. Täna vaatavad Sverdlovski oblasti 30 territooriumi elanikud kontsertide otseülekandeid ja osalevad aktiivselt filharmooniaelus.
Moskva Riiklik Filharmoonia kultuuriministeeriumi initsiatiivil ja toel Venemaa Föderatsioon viib ellu ülevenemaalise virtuaalse kontserdimaja projekti, mis ühendab Surguti ja Irkutski, Belgorodi ja Habarovski, Ulan-Ude ja Permi ühtseks filharmoonia kontserdiruumiks.
Vene Föderatsiooni kultuuriminister Vladimir Medinski nimetas oma tervituskõnes Ülevenemaalise virtuaalsaali avatseremoonia korraldajatele, osalejatele ja külalistele seda sündmust "läbimurdeks tulevikku". «Muusika on inimesi alati ühendanud. Ja infotehnoloogia aitab seda loomingulist ühtsust. Need võimaldavad teil vaatamis- ja kuulajaskonda märkimisväärselt laiendada, meelitada klassikaline muusika meie riigi kõige kaugemate linnade ja külade elanikud,” seisab ministri tervituses.
Abakan, Vologda, Jekaterinburg ja Sverdlovski oblasti linnad, Iževsk, Omsk, Orenburg, Perm, Rjazan, Sevastopol, Saratov, Surgut, Kostroma, Kurgan, Tjumen, Ulan-Ude, Habarovsk, Chita, Jakutsk on juba osalenud. projekt.
Vladislav Tšernušenko virtuaalsest kontserdimajast
Riigi kunstiline juht ja peadirigent akadeemiline kabel Peterburi Vladislav Tšernušenko: "Põhjus pole mitte ainult üllas, vaid ka erilise riikliku tähtsusega."
Meie hiiglasliku riigi mastaabis ruumi vähendamise võimalus, tuues isamaa kaugematesse piirkondadesse teatrietenduste elulähedase visuaalse ja helilise taju ning kontserdiprogrammid sooritab juhtiv loomingulised meeskonnad- ei ole pelgalt üllas eesmärk, vaid ka erilise riikliku tähtsusega, sest see aitab kaasa meie rahva kultuuri arengule ja valgustumisele. Koorimuusika kontserdid võivad nendes saadetes olla erilisel kohal, kuna koorilaul on Venemaal juba sajandeid olnud selle lahutamatu osa. eluviisi Kõik ühiskonnakihid ja selle traditsiooni taastamine avaldab soodsat mõju õõnestatud leplikkuse tunde taastamisele inimeste teadvusesse. Samas tuleks arvestada selliste kontsertide visuaalse ja helilise esituse keerukusega, erinevalt teatrilavastustest ja isegi sümfooniaorkestrite kontsertidest. See nõuab nutikat programmeerimist ning heliinseneride ja videooperaatorite eriti keerulist tööd. Aga ideed ennast tuleb igalt poolt toetada.
Kunstiline juht ja peadirigent
Peterburi Riiklik Akadeemiline Kabel
NSV Liidu rahvakunstnik, Venemaa riiklike preemiate laureaat