Kaks laulutsüklit, mille helilooja on kirjutanud oma elu viimastel aastatel ( "Kaunis möldri naine" aastal 1823 , talvetee" – aastal 1827), on üks tema töö kulminatsioone. Mõlemad põhinevad saksa romantilise poeedi Wilhelm Mülleri sõnadel.
Imeline möldri naine. Esimesed laulud on nooruslikult rõõmsad ja muretud, täis kevadiseid lootusi ja kulutamata jõudu. Nr 1, "Teel"("Mölder juhib oma elu liikumises") - üks enim kuulsad laulud Schubert, tõeline hümn reisimiseks. Kehastub seesama pilvitu rõõm ja seiklusootus nr 2, "Kuhu?". Sisse on jäädvustatud ka teised eredate tunnete varjundid nr 7, "Kannatamatus": kiire, peaaegu hingetu meloodia suurte hüpetega kujutab rõõmustavat enesekindlust igavene armastus. IN Nr 14, "Jahimees", toimub pöördepunkt: võidusõidu rütmis jahisarvede hääli meenutavad meloodilised pöörded, varitseb ärevus. Täis meeleheidet Nr 15, “Armukadedus ja uhkus”; kangelase tunnete torm ja vaimsed segadused peegelduvad oja sama tormises kohinas. Pilt ojast ilmub uuesti sisse Nr 19, “Mölder ja oja”. See on dialoogistseen, kus kangelase kurb moll meloodia vastandub selle duurversioonile – voo lohutusele; lõpus, duuri ja molli vastasseisus, kinnitatakse duur, oodates tsükli lõpptulemust - Nr 20, “Oja hällilaul”. See moodustab kaare nr 1-ga: kui seal rõõmsatest lootustest tulvil kangelane oja mööda teekonnale asus, siis nüüd, kurva tee läbinuna, leiab ta rahu oja põhjas. Lõputult korratav lühike laul loob eemaldumise, looduses lahustumise, kõigi murede igavese unustuse meeleolu.
Talvine rada. Schuberti teisest laulutsüklist sai üks maailma tippe, mis loodi aastal 1827, st neli aastat pärast "Kauni Milleri abikaasat". vokaalsõnad. Asjaolu, et Winterreise valmis vaid aasta enne helilooja surma, lubab seda pidada Schuberti töö tulemuseks aastal. laulužanrid(kuigi tema tegevus lauluvaldkonnas jätkus ka viimasel eluaastal).
Peamine idee“Winter Retreat” on selgelt rõhutatud tsükli esimeses loos, isegi selle esimeses fraasis: "Tulin siia võõrana, lahkusin maalt võõrana." See laul on Nr 1, "Maga hästi"– täidab sissejuhatuse funktsiooni, selgitades kuulajale toimuva asjaolusid. Kangelase draama on juba juhtunud, tema saatus on algusest peale ette määratud. Ta ei näe enam oma truudusetut armukest ja pöördub tema poole vaid mõtetes või mälestustes. Helilooja tähelepanu on suunatud järk-järgult süveneva psühholoogilise konflikti iseloomustusele, mis erinevalt “Kaunist Milleri naisest” eksisteerib algusest peale.
Uus plaan eeldas loomulikult teistsugust avalikustamist, teistsugust dramaturgia. Winterreise’is pole rõhku süžeele, haripunktile ega pöördepunktidele, mis eraldavad “tõusvat” tegevust “langevast”, nagu juhtus esimeses tsüklis. Selle asemel näib olevat pidev laskuv tegevus, mis viib paratamatult traagilise tulemuseni viimases loos – “The Organ Grinder”. Järeldus, milleni Schubert (luuletajat järgides) jõuab, on ebaselge. Seetõttu domineerivad leinava iseloomuga laulud. On teada, et helilooja ise nimetas seda tsüklit "kohutavad laulud".
Kuna tsükli peamine dramaatiline konflikt on sünge reaalsuse ja helgete unenägude vastandamine, on paljud laulud maalitud soojades toonides (näiteks “Pärn”, “Mälestus”, “Kevadine unenägu”). Tõsi, samal ajal rõhutab helilooja paljude eredate piltide illusoorset, “petlikku” olemust. Kõik nad asuvad väljaspool reaalsust, nad on vaid unistused, unistused (st romantilise ideaali üldistatud isikustused). Pole juhus, et sellised pildid ilmuvad reeglina läbipaistva, hapra tekstuuri, vaikse dünaamika tingimustes ja paljastavad sageli sarnasusi hällilaulu žanriga.
Helilooja kõrvutab sügavalt erinevaid pilte äärmise teravmeelsusega. Kõige ilmekam näide on "Kevadine unistus". Laul algab looduse kevadise õitsengu ja armuõnne kujundi esitlemisega. Valsilaadne liikumine kõrges registris, A-dur, läbipaistev tekstuur, vaikne kõla - kõik see annab muusikale väga kerge, unenäolise ja samas kummitusliku iseloomu. Klaveripartii mordentsid on sarnased lindude hääled. Järsku selle kuvandi areng katkeb, andes teed uuele, mis on täidetud sügava vaimse valu ja meeleheitega. See annab edasi kangelase ootamatut ärkamist ja naasmist reaalsusesse. Duur vastandub mollile, kiirustamatu areng - kiirendatud tempo, sujuv laululisus – lühikesed retsitatiivsed vihjed, läbipaistvad arpedžod – teravad, kuivad, “koputavad” akordid. Dramaatiline pinge koguneb tõusvates jadades kuni haripunktini ff.
"Winter Reise" on justkui "Ilusa Milleri neiu" jätk. Levinud on:
- üksinduse teema, teostamatud lootused tavaline inimeneõnne pärast;
- Selle teemaga seotud ekslemise motiiv on omane romantilisele kunstile. Mõlemas tsüklis kerkib esile üksildase rändava unistaja kujutlus;
- Tegelastes on palju ühist – arglikkus, häbelikkus, kerge emotsionaalne haavatavus. Mõlemad on “monogaamsed”, seega tajutakse armastuse kokkuvarisemist kui elu kokkuvarisemist;
- mõlemad tsüklid on oma olemuselt monoloogilised. Kõik laulud on väited üks kangelane;
- Mõlemas tsüklis avalduvad looduspildid mitmel viisil.
- Esimesel tsüklil on selgelt määratletud süžee. Kuigi tegevuse otsene väljapanek puudub, saab selle peategelase reaktsiooni järgi kergesti hinnata. Siin tuuakse selgelt esile konflikti arenguga seotud võtmehetked (ekspositsioon, süžee, haripunkt, lõpp, epiloog). Winterreisis ei toimu süžeed. Armastusdraama on läbi mänginud juurde esimene laul. Psühholoogiline konflikt ei esine arendusprotsessis ja eksisteerib algusest peale. Mida lähemale tsükli lõpule, seda selgem on traagilise tulemuse vältimatus;
- "Kauni Milleri naise" tsükkel jaguneb selgelt kaheks vastandlikuks pooleks. Arenenumatel esikohal domineerivad rõõmsad emotsioonid. Siia lisatud laulud räägivad armastuse ärkamisest, helgetest lootustest. Teises pooles süvenevad leinad, kurvad meeleolud, ilmneb dramaatiline pinge (alates 14. laulust - “Jahimees” - muutub draama ilmseks). Möldri lühiajaline õnn saab otsa. "Ilusa Milleri naise" lein pole aga teravast tragöödiast kaugel. Tsükli epiloog kinnistab kerge, rahuliku kurbuse oleku. Winterreise’is on draama järsult hoogustunud ja esile tulevad traagilised aktsendid. Selgelt ülekaalus on leinava iseloomuga laulud ja mida lähemale teose lõpp läheneb, seda lootusetumaks läheb emotsionaalne koloriit. Üksindustunne ja melanhoolia täidavad kangelase kogu teadvuse, kulmineerudes kõige viimase loo ja “Oreliveskiga”;
- looduspiltide erinevad tõlgendused. Winterreisis ei tunne loodus inimesele enam kaasa, ta on tema kannatuste suhtes ükskõikne. “Ilusas veskinaises” on oja elu lahutamatu noormehe elust kui inimese ja looduse ühtsuse ilmingust (sarnane looduspiltide tõlgendus on omane ka rahvaluulele). Lisaks personifitseerib oja unistust hingesugulasest, mida romantik teda ümbritseva ükskõiksuse seast nii intensiivselt otsib;
- “Kaunis Milleri neiu” koos peategelasega joonistuvad kaudselt välja ka teised tegelased. Winterreisis pole kuni viimase lauluni ühtegi tõelist aktiivset tegelast peale kangelase. Ta on sügavalt üksildane ja see on teose üks peamisi ideid. Idee inimese traagilisest üksindusest talle vaenulikus maailmas on kogu romantilise kunsti põhiprobleem. Just see teema tõmbas kõiki romantikuid ja Schubert oli esimene artist, kes selle teema muusikas nii hiilgavalt paljastas.
- “Winter Way” on esimese tsükli lugudega võrreldes tunduvalt keerulisema laulustruktuuriga. Pooled “Kauni Milleri naise” lauludest on kirjutatud värsivormis (1,7,8,9,13,14,16,20). Enamik neist paljastab ühe meeleolu, ilma sisemiste kontrastideta. Vastupidi, “Winter Reise’is” sisaldavad kõik lood peale “Oreliveski” sisemisi kontraste.
Robert Schumanni vokaalne loovus. "Poeedi armastus"
Koos klaverimuusikaga kuuluvad Schumanni kõrgeimate saavutuste hulka vokaalsõnad. See sobis suurepäraselt tema loomingulise olemusega, kuna Schumannil ei olnud mitte ainult muusikalist, vaid ka poeetilist annet. Teda eristasid nii lai kirjanduslik silmaring, suur tundlikkus poeetilise sõna suhtes kui ka oma kirjanikukogemus.
Schumann tundis hästi kaasaegsete luuletajate loomingut - J. Eichendorff ("Laulude ring" op. 39), A. Chamisso ("Naise armastus ja elu"), R. Burns, F. Rückert, J. Byron, G. H. Andersen jne. Kuid helilooja kõige lemmikum luuletaja oli Heine, kelle luuletuste põhjal lõi ta 44 laulu, pööramata nii suurt tähelepanu ühelegi teisele autorile (“Lauluring” op. 24, “Poeedi armastus”, laul “Lotos” tsüklist “Myrtle” – tõeline vokaalsõnade meistriteos). Heine rikkalikust luulest leidis lüürik Schumann ohtralt teemat, mis talle alati muret valmistas – armastus; aga mitte ainult seda.
Oma vokaalmuusikas oli Schumann schubertlane, kes jätkas oma muusikalise iidoli traditsioone. Samas ilmestavad tema loomingut Schuberti lauludega võrreldes mitmed uued jooned.
Peamised omadused vokaalmuusika Schumann:
- suurem subjektiivsus, psühholoogilisus, mitmesugused lüürilisuse varjundid (isegi kibe iroonia ja sünge skeptitsism, mida Schubertil ei olnud);
- selge eelistus viimastele romantiline luule;
- terav tähelepanu tekstile ja maksimaalsete tingimuste loomine poeetilise kujundi avalikustamiseks. Soov "edastada luuletuse mõtteid peaaegu sõna-sõnalt" , rõhutage iga psühholoogilist detaili, iga lööki, mitte ainult üldist meeleolu;
- muusikalises väljenduses avaldus see deklamatiivsete elementide tugevnemises;
- klaveripartii tohutut rolli (just klaver avaldab luuletuses tavaliselt psühholoogilise allteksti).
Schumanni keskne Heine luulega seotud teos on tsükkel "Poeedi armastus". Heines on kõige tüüpilisem romantiline idee "kadunud illusioonidest", "unistuste ja tegelikkuse vahelisest ebakõlast" kujul. päeviku sissekanded. Luuletaja kirjeldas üht oma elu episoodi, nimetades seda "lüüriliseks intermezzoks". Heine 65 luuletusest valis Schumann välja 16 (sealhulgas esimene ja viimane) – need, mis on talle kõige lähedasemad ja selge dramaturgilise liini loomiseks hädavajalikumad. Oma tsükli pealkirjas nimetas helilooja otse oma teose peategelast - luuletajat.
Võrreldes Schuberti tsüklitega tugevdab Schumann psühholoogilist printsiipi, keskendudes kogu tähelepanu “haavatud südame kannatustele”. Eemaldatakse sündmused, kohtumised, taust, millel draama toimub. Vaimsele pihtimusele asetatud rõhk põhjustab muusikas täieliku "välismaailmast lahtiühendamise".
Kuigi “Luuletaja armastus” on lahutamatu looduse kevadiste õitsengute piltidest, puudub siin erinevalt “Kaunist Milleri naisest” kujundlikkus. Näiteks Heine tekstides sageli esinevad “ööbikud” ei kajastu muusikas.
Kogu tähelepanu koondub teksti intonatsioonile, mille tulemuseks on deklamatiivse printsiibi domineerimine.
№№ 1-3 nad maalivad lühikese armastuse kevade, mis puhkes poeedi hinges "imelisel maipäeval". Poeetilistes tekstides domineerivad kevadised looduspildid, muusikas aga laululüürilised intonatsioonid, mis oma lihtsuses ja kunstituses seostuvad rahvaliku päritoluga. Teravaid kontraste veel pole: emotsionaalne meeleolu ei ulatu kergest tekstist kaugemale. Domineerivad teravad duurid.
Tsükli “Mai laul” avamine ( "Soojade maipäevade säras" ) täis erilist puudutamist ja aukartust (“Fantastiliste näidendite” näidendi “Õhtul” vaimus). Tema muusikas peegelduvad kõik poeetilise teksti varjundid - ebaselge langus, ärev küsimine, lüüriline impulss. Siin, nagu enamikus lauludes, domineerib looduse hingusega kaetud laululisus ja läbipaistev, meloodilis-harmoonilisel figuratsioonil põhinev tekstuur. Loo põhimeeleolu kontsentreerib klaverirefrään, mis algab ekspressiivse hilinemisega, moodustades dissonantsi b.7 (millest sünnib ka vokaalmeloodia). meeleolu ebaselgus - langus– rõhutab moodi-tonaalne varieeruvus (fis – A – D), lahendamata dominant. Sissejuhatava tooni küljes rippuv intonatsioon kõlab nagu tardunud küsimus. Kergete rütmide ja pehmete lõpudega vokaalmeloodia nõrkadel taktidel on sujuv. Värsivorm.
№ 2 "Lõhnavate lillede pärg" – miniatuurne lüüriline Andante – esimene “sukeldumine” omasse sisemaailma. Veel lähedasem rahvanäidetele, esitusviisilt lihtsam. Saates on ranged, peaaegu koorilised akordid. Vokaalpartiis (mille ulatust piirab minoorkuus) on kombinatsioon sujuvast meloodilisusest ja kontsentreeritud retsitatiivist (helide kordamisest). Vorm on miniatuurne kaheosaline kättemaks. Üheski osas, kaasa arvatud kordus, ei jõua hääle meloodia püsivale lõpule. See, nagu ka keskel olev lahendamata D-fis-moll, paneb teise loo meenutama “Mai” puudutavat küsitavust.
№ 3 "Ja roosid ja liiliad" - tõelise tulihingelise rõõmu väljendus, vägivaldne rõõmupuhang, mis on täiesti varjutamata kurbusest või irooniast. Hääle ja saate meloodia voolab pidevas, kontrollimatus voos, nagu üksainus armastuse tunnistamise impulss. Muusikas on säilinud esimestele lugudele omane tagasihoidlikkus ja kunstitus: lihtsaima naiivse meloodia mitmekordne kordus, tagasihoidlik harmoniseerimine (I – III – S – VII6), ostinato tantsurütm, lõputu ümar tantsuliikumine, kerge klaveripartii ilma sügava bassita.
C nr 4 – "Ma kohtan su silmade pilku" – tsükli peateema – “südame kannatused” – alustab oma arengut. Hing on täis armastust, kuid teadvus on juba mürgitatud hapruse ja kaduva õnnetundega. Muusika kehastab tõsist ja ülevat tunnet, eleegia vaimus. Seesama koraalsus, puhas diatooniline, meloodiline retsitatsioon, sügavat tõsidust edasi andvate akordivertikaalide tõsidus. Muusikaline haripunkt rõhutab luuletuse tähtsamaid sõnu; samal ajal näib Schumann puhtalt heineistlikus stiilis muusika ja teksti vahel "kohti vahetavat": sõnadele "ma armastan sind" ilmub harmooniline nihe ja kinnijäämine, samas kui fraas "ja kibedalt, kibedalt nutan. ” saab heleda värvingu.
Selles lüürilises monoloogis kasutatud dialoogilist esitust arendatakse välja nr 13 - "Unenäos nutsin ma kibedalt."
№ 5 "Lumivalgete liiliate lilledes" – tsükli esimene moll. Peamine tunne temas on sügav hellus. Muusika on täis emotsionaalset põnevust. Võluv laulumeloodia on üllatavalt lihtne, see on kootud progressiivsetest sujuvatest intonatsioonidest, mis ei ületa kolmandikku (vahemik on piiratud minoorse kuuendiga). Ka klaverisaade on laulust läbi imbunud. Tema ülemist meloodilist häält tajutakse "lillelauluna", mis kordab kangelase lüürilist monoloogi. Vorm – periood. Klaveri järelmängus väljendus intensiivistub järsult: meloodiaread muutuvad kromaatiliseks ja harmoonia muutub ebastabiilseks.
№ 6 "Reini kohal hele avarus" – paistab silma range pidulikkuse ja eepiliste, saksapäraselt iseloomulike motiivide esinemise poolest. Heine luuletuses ilmuvad majesteetlikud kujundid võimsast Reinist ja iidsest Kölnist. Kölni katedraali Madonna kaunis näos näeb poeet oma armastatu näojooni. Tema hing on suunatud ülespoole, vaimse ilu “igavestele” allikatele. Hämmastav on Schumanni tundlikkus poeetilise allika suhtes. Laul on stiliseeritud iidselt, meenutades Bachi koraaliseadeid. See žanr võimaldas mitte ainult saavutada antiikaja maitset, vaid ka ühendada ranguse ja tasakaalu suure kirega. Vokaalteema on majesteetlikult lihtne ja karmilt kurb. Tema kiirustamatus, sujuvas sammus on paindumatust ja meelekindlust. Klaveripartii on väga omanäoline, ühendades täpilise rütmi ja passakaalbassi aeglase liikumise (just Bachile on eriti lähedane rütm).
Selle muusika tähendus valmistab ette järgmise loo – monoloogi "Ma ei ole vihane" (nr 7), mis on pöördepunktiks tsükli arengus. Tundub, et tema kibestumine ja kurbus tungivad ka ülejäänud lauludesse. Poeetilise teksti põhimeeleolu on visalt allasurutud kannatus, meeleheide, mida pidurdab tohutu tahtepingutus. Kogu lugu läbib ostinato saaterütm – akordide püsiv liikumine kaheksandnoodides, mis põhineb bassi mõõdetud liigutustel. Julge irdumise ja vaoshoitud kannatuse kujundis, aga ka mõnes faktuuri ja harmoonia detailis (diatoonilised jadad) on Bachi lähedus. Harmoonia tekitab ennekõike traagika tunde. See põhineb pideval dissonantside ahelal. C-duur klahv, mis on dramaatilises monoloogis väga ootamatu, sisaldab siin palju molli harmooniaid (enamasti 7-akordi) ja hälbeid mollidesse. Monolavastuse paindlikku, detailirohket meloodiat iseloomustab meloodilisuse ja deklamatsiooni kombinatsioon. Tema esimene fraas koos tõusva neljandaga kõlab rahulikult ja julgelt, kuid liikumine laiendatud bVI-le, alanevale teisele, paljastab kohe melanhoolia. Kulminatsiooni poole liikudes (3x-osalise vormi reprisis) muutub meloodiline liikumine järjest pidevamaks. Tundub, et tõusvate jadade lainetes (keskosa ja eriti repriis) on lein juba valmis läbi murdma, kuid ikka ja jälle korratakse nagu loitsu teksti võtmesõnu rõhuga stabiilsusele ja vaoshoitusele.
“I'm Not Angry” jagab tsükli kaheks pooleks: esimeses on luuletaja lootust täis, teises on ta veendunud, et armastus toob kaasa vaid pettumuse kibeduse. Muutus kajastub kõigis muusikalistes ja väljenduslikes elementides ning eelkõige lugude tüübis endas. Kui esimesed laulud arendasid ühtset kujundit, siis alates nr 8 saab iseloomulikuks emotsionaalne “pööre” teose lõpus (repriisis või sagedamini koodas), mis on eriti märgatav kergetes lauludes. Nii märgib 8. laulus (“Oh, kui lilli oleks aimatud”), millel on õrna kaebuse iseloom, viimaseid sõnu, mis kõnelevad poeedi murtud südamest, terav, ootamatu faktuurimuutus. . (Sama tehnika on kasutusel ka kolmes viimases loos.) Toreda põnevusega täidetud klaveripostlüüdi tajutakse öeldu emotsionaalse kajana. Muide, just tsükli teises pooles mängivad eriti suurt rolli klaveritutvustused ja järeldused. Mõnikord annavad nad laulule hoopis teise varjundi, paljastades psühholoogilise allteksti.
Mida lähemale tsükli lõpule, seda rohkem süveneb kontrast naaberlaulude vahel - 8 ja 9, 10 ja 11, eriti 12 ja 13. Tumedate värvide tumenemine toimub ka ülemineku kaudu teravatelt klahvidelt lamedatele klahvidele.
№ 9 – "Viiul lummab oma viisiga." Heine tekst kirjeldab pulmaballi pilti. Armunud poeedi kannatustest võib vaid aimata. Põhiline muusikaline sisu on koondunud klaveripartiisse. See on täiesti iseseisva meloodialiiniga valss. Selle pidevalt keerlev meloodia annab edasi nii põnevust kui ka melanhoolia.
Väga liigutav ja siiras, läbipaistva saatega, laul nr 10 - "Kas ma kuulen laulude helisid" – tajutakse põneva mälestusena täitumata unistustest. See on laul "laulust, mida armastatud laulis", mida kirjeldab Heine luuletus. Klaveri postlüüdi põnevus on reaktsioon kogemusele, melanhoolia plahvatus.
Täiesti erinev - nr 11 "Ta armastab teda kirglikult." Luuletus “rahva vaimus” on kirjutatud pilkases, iroonilises toonis. Heine jutustab kompleksi ümber armastuslugu tahtlikult lihtsustatud viisil. Vastupidi, viimane stroof, mis räägib "murtud südamest", eristub selle tõsidusest. Schumann leidis laulule väga täpse lahenduse. Tema muusikakeelt iseloomustab sihilik lihtsus: “tormakas” komplitseerimata meloodia, selge jaotusega, tagasihoidlik (T-D) harmoonia, kergelt kohmakas rütm, mille rõhk on nõrkadel taktidel, tantsulaulu moodi hoolimatu saatega. Lõppstoori rõhutavad aga äkiline modulatsioon, tempo aeglustumine, teravad harmooniad ja sujuv meloodiajoon. Ja siis jälle - tempo ja kiretult ükskõikne klaverimäng. See loob kibeda varjundiga “naljaka loo” põhimeeleolu.
№ 12 – "Kohtun teiega hommikul aias" – näib naasvat tsükli algusesse, esimese loo “hommikuse” meeleolu värskuse juurde. Nagu temagi, on ta pühendunud looduse igavese ilu mõtisklemisele. Tegelane on kerge-eleegiline, ülev. Meloodiline muster on range ja puhas, harmoonilised värvid vapustavalt pehme, lummavalt õrn, “voogav” saatel. Selle laulu rahulik, hingestatud klaveripostlüüd kõlab taas päris tsükli lõpus, kinnitades romantilise unistuse kujundit.
Selle laulu võrdlus järgmisega, nr 13 – "Unenäos nutsin kibedasti" , loob kogu essee teravaima kontrasti. See on tsükli kulminatsioon (pärast "I’m not angry"), mis on Schumanni üks traagilisemaid laule. Selle monoloogi vapustav traagika on kontrastina eelmise laulu järelmänguga eriti terav. Deklamatsioon väljendub siin veelgi selgemalt kui "Ma ei ole vihane". Kogu lugu on retsitatiiv, kus leinalised häälefraasid vahelduvad madalas registris järskude, tuhmide klaveriakordidega. Ühe heli korduste rohkusega meloodia arendamine toimub justkui pingutusega, domineerib allapoole liikumine, tõusud on rasked. Sellest eraldi Heli loob täiesti vapustava traagilise killustatuse ja üksinduse tunde. Traagilist meeleolu rõhutab tonaalne koloreering - es-moll - mollidest kõige tumedam, milles lisaks kasutatakse alandavaid muudatusi.
Laulus "Unustatud vana lugu" kasvab suureks romantiline pilt“Saksa mets” jahisarvedega, päkapikud. Seda ballaadia helge-fantastilist skertso-aspekti varjutab teine – tumedalt irooniline, mis ilmneb viimases laulus – "Te olete kurjad, kurjad laulud". Ja jällegi Schumanni hämmastav tundlikkus poeetilise teksti suhtes: Heine kasutab tahtlikku hüperbooli, erakordset kainust võrdlustes, nii et muusikas on tunda suurt enesekontrolli. See on sünge marss täpse rütmi, laiade, enesekindlate meloodiakäikude ja selgete kadentsidega. Alles laulu lõpus, kui selgub, et poeedi armastust maetakse, langeb irooniline mask: väikeses Adagios kasutatakse “emotsionaalse nihke” tehnikat - muusika omandab sügava kurbuse iseloomu. . Ja siis veel üks nihe, seekord täiesti vastupidises suunas. Klaver arendab muusikat valgustatult ja läbimõeldult. FP pilt postlüüd 12 laulu – pilt lohutavast loodusest ja romantilistest unistustest.
Heine tsükkel lõpeb teravalt skeptilise noodiga, hüvastijätuga “kurjade lauludega”. Nagu nr 11 puhul, on iroonia all peidus südamedraama. Kompleksi sihilikult lihtsustades muudab luuletaja kõik naljaks: ta heidab kõrvale nii armastuse kui kannatuse. Võrdluste erakordne kainus, mida Heine kasutab, võimaldas Schumannil laulu tohutu enesekontrolliga imbuda. Sünge marsi muusikat iseloomustab haamerdatud rütm, laiad, enesekindlad meloodilised käigud (algul - eranditult mööda režiimi põhisamme), selgelt hääldatakse T-D suhted rõhutatud toonikuga, selged kadentsid.
Kui aga päris laulu lõpus selgub, et maetakse poeedi armastust, langeb irooniline mask: väikeses, kuid sügavas Adagios on teisend siirast, liigutavast fraasist esimesest laulust. tsükkel ilmub ootamatult, omandades sügava kurbuse iseloomu (“emotsionaalse nihke” tehnika). Ja siis toimub veel üks "pööre", seekord täiesti vastupidises suunas. Valgustatud ja läbimõeldult arendab klaver 12. laulu klaveripostlüüdi muusikalist kuvandit - kujutlust lohutavast loodusest ja romantilisest unistusest. Seda tajutakse kui järelsõna, sõna autorilt. Kui Heine lõpetas tsükli justkui Florestani sõnadega, siis Schumann lõpetas selle Eusebiuse nimel. Armastus, mis on suutnud tõusta üle päeva kurjuse, on surematu ja igavene ning kõigist kannatustest hoolimata ilus.
Klaverimuusika Robert Schumann. "Karneval"
Klaverimuusika Schumann pühendas oma heliloojakarjääri esimesed 10 aastat – tulihingelised noored aastad, täis loomingulist entusiasmi ja lootust (30ndad). Selles vallas avanes esmalt Schumanni individuaalne maailm ja ilmusid tema stiilile kõige iseloomulikumad tööd. Need on “Karneval”, “Sümfoonilised etüüdid”, “Kreisleriana”, Fantaasia C-duur, “Davidsbündlerite tantsud”, Novelletid, “Fantastilised palad”, “Lastestseenid”, “Ööpalad” jne. On silmatorkav, et paljud neist meistriteostest ilmusid sõna otseses mõttes 3–4 aastat pärast Schumanni komponeerimise algust – aastatel 1834–35. Helilooja biograafid nimetavad neid aastaid Clara võitluse ajaks, mil ta kaitses oma armastust. Pole üllatav, et paljud Schumanni klaveriteosed paljastavad tema isiklikke kogemusi ja on olemuselt autobiograafilised (nagu ka teiste romantikute omad). Näiteks pühendas helilooja esimese klaverisonaadi Florestani ja Eusebiuse nimel Clara Wieckile.
"Karneval" on kirjutatud aastal tsükliline vorm, mis ühendab endas programmikomplekti ja vabade variatsioonide põhimõtted. Suitetunne avaldub erinevate tegelaste näidendite kontrastses vaheldumises. See:
- karnevalimaskid - traditsioonilised tegelased Itaalia komöödia dell'arte;
- muusikalised portreed Davidsbündleritest;
- igapäevased sketšid – “Jalutuskäik”, “Kohtumine”, “Pihtimus”;
- tantsud, mis täiendavad karnevali üldpilti (“Aadlivalss”, “Saksa valss”) ja kaks tsüklit raamivat “massistseeni” servades (“Preambul” ja viimane “Davidsbündlerite marss”).
Olgu lisatud, et selles tsüklis avab Schumann variatsioonide vormi justkui tagurpidi: esmalt teostab ta variatsioonid ja alles siis tutvustab meile algseid motiive. Veelgi enam, mis on tüüpiline, ei nõua ta kohustust neid kuulata (sfinkside lühikirjeldustes).
Samas “Karnevali iseloomustab väga tugev sisemine ühtsus, mis põhineb peamiselt ühe põhimotiivi variatsioonidel - Asch. Ta on kohal peaaegu kõigis näidendites, välja arvatud Paganini, Paus ja finaal. Tsükli esimeses pooles (nr 2–9) domineerib A-Es-C-H variant, mille nr 10 – As-C-H.
“Karnevali” raamivad pidulikud ja teatraalsed rahvastseenid (mõnevõrra irooniline – ¾ marssid). Samas loob “Davidsbündlerite marss” “Preambuliga” mitte ainult tonaalse, vaid ka reprisiteemaatilise kaare. See sisaldab valitud episoode preambulist (Animato molto, Vivo ja viimane stretta). Lõputükis esindab Davidsbündlereid piduliku marsi teema ja viliste vanamoodne „Grossvater“, mida esitatakse tahtliku kohmakusega.
Oluliseks ühendavaks teguriks on ka valsikäigu perioodiline tagasitulek (valsižanr refräänina).
Mõnel näidendil pole stabiilseid lõppu (Eusebius, Florestan, Chopin, Paganini, Paus). "The Coquette"i epigraaf on kolmetaktiline, mis samal ajal lõpetab näidendi "Florestan". Sama kolm takti mitte ainult ei lõpeta “Coquette”, vaid on aluseks ka järgmisele miniatuurile (“Vestlus”, “Koopia”).
Franz Schuberti vokaaltsükkel "Winterreise"
Wilhelm Mülleri luuletuste põhjal, tõlkinud Sergei Zajatski.
Esitaja:
Eduard Khil (bariton),
Semyon Skigin – (klaver).
Loomise ajalugu
Schubert lõi oma teise vokaaltsükli oma eelviimasel eluaastal, täis kurbi sündmusi. Helilooja kaotas igasuguse lootuse avaldada oma teoseid Saksamaal ja Šveitsis. Jaanuaris sai ta teada, et järjekordne katse saada püsivale ametikohale, et omada kindlat sissetulekut ja vabalt luua, oli ebaõnnestunud: kohtuasjade kapellimeistri ametis. Viini ooper nad eelistasid talle kedagi teist. Olles otsustanud osaleda konkursil Viini eeslinna teatri "Kärnteni väravas" teise asekapellmeistri ametikohale, ei saanud ta sedagi - kas või seetõttu, et tema loodud aaria osutus liiga suureks. konkursil osaleva laulja jaoks raske ja Schubert keeldus sellest - kas muutusest või teatriintriigide tõttu.
Lohutuseks oli Beethoveni vastus, kes 1827. aasta veebruaris tutvus enam kui viiekümne Schuberti lauluga. Beethoveni esimene biograaf Anton Schindler rääkis sellest nii: “Suur meister, kes ei teadnud varem isegi viit Schuberti laulu, oli nende arvust hämmastunud ega tahtnud uskuda, et Schubert oli loonud selleks juba üle viiesaja laulu. aeg... Rõõmsa inspiratsiooniga kordas ta korduvalt: “Tõepoolest, Schubertis elab Jumala säde!” Kuid kahe suure kaasaegse suhted ei arenenud: kuu aega hiljem seisis Schubert Beethoveni haua juures.
Ühe helilooja sõbra meenutuste kohaselt oli Schubert kogu selle aja sünges meeleolus ja tundus väsinud. Kui küsisin, mis tal viga on, vastas ta vaid: "Varsti kuulete ja mõistate." Ühel päeval ütles ta mulle: "Tulge täna Schoberi (Schuberti lähim sõber - A.K.) juurde. Ma laulan teile kohutavaid laule. Need tüütavad mind rohkem kui ükski teine laul." Ja terve “Winter Reise” laulis ta meile liigutava häälega. Kuni lõpuni olime nende lugude sünge meeleolu pärast täiesti hämmingus ja Schober ütles, et talle meeldis ainult üks laul - “Linden Tree”. Schubert vaidles sellele vastu: "Mulle meeldivad need laulud kõige rohkem."
Sarnaselt “Ausa Milleri naisega” põhineb ka “Winter Reise” kuulsa saksa romantilise poeedi Wilhelm Mülleri (1794–1827) luuletustel. Rätsepa poeg avastas oma poeetilise ande nii vara, et oli 14-aastaselt koostanud oma esimese luulekogu. Ka tema vabadust armastavad vaated ilmnesid varakult: 19-aastaselt, katkestanud õpingud Berliini ülikoolis, osales ta vabatahtlikult Napoleoni-vastases vabadussõjas. Müllerile tõi kuulsust “Kreeka laulud”, milles ta ülistas kreeklaste võitlust Türgi rõhumise vastu. Mülleri luuletused, mida sageli nimetatakse lauludeks, eristuvad suure meloodilisuse poolest. Luuletaja ise esitas neile sageli muusikat ja tema "Joomalaulud" lauldi kogu Saksamaal. Tavaliselt ühendas Müller luuletused tsükliteks, mis olid seotud kangelanna kuvandiga (kaunis kelner, kaunis möldrinaine), konkreetse piirkonnaga või reisimise teemaga, romantikute lemmikteemaga. Ta ise armastas reisida – külastas Viini, Itaaliat, Kreekat ja tegi igal suvel keskaegseid rändpraktikaid imiteerides matkareise Saksamaa eri paikadesse.
“Talvetee” esialgne plaan tuli poeet välja arvatavasti aastatel 1815-1816. 1822. aasta lõpus ilmus Leipzigis “Laulud Wilhelm Mülleri rännakutest”. Talvine rada. 12 laulu." Järgmise aasta 13. ja 14. märtsil ilmus Breslau ajalehes veel 10 luuletust. Ja lõpuks, 1824. aastal Dessaus ilmunud teises raamatus “Luuletused rändava sarvemängija jäetud paberitelt” (esimene, 1821, sisaldas “Ilusat Milleri neiu”), koosnes “Winter Reise” 24 arranžeeritud laulust. varasemast erinevas järjestuses; viimased kaks kirjutatud said #15 ja #6.
Schubert kasutas kõiki tsükli laule, kuid nende järjekord on erinev: esimesed 12 järgivad täpselt luuletuste esimest avaldamist, kuigi nende helilooja kirjutas need palju hiljem. viimane väljaanne– need on Schuberti käsikirjas märgitud 1827. aasta veebruariks. Olles tutvunud luuletuste tervikväljaandega, jätkas Schubert oktoobris tööd tsükli kallal. Ta jõudis siiski näha esimest osa, mis ilmus järgmise aasta jaanuaris ühes Viini kirjastuses; laulude avaldamise teates oli kirjas: “Iga luuletaja võib endale soovida õnne, et tema helilooja teda nii mõistab, et teda edastatakse nii sooja tunde ja julge kujutlusvõimega...” II osa tõestuste kallal töötas Schubert a. viimased päevad elu, kasutades oma venna mälestuste kohaselt "lühikesi teadvuse sära" surmav haigus. “Winter Retreat” 2. osa ilmus kuu aega pärast helilooja surma.
Juba Schuberti eluajal kõlasid “Winter Reise” laulud muusikasõprade kodudes, kus need, nagu tema teisedki laulud, olid populaarsed. Avalik esinemine toimus vaid üks kord, paar päeva enne avaldamist, 10. jaanuaril 1828 (Viin, Muusikasõprade Selts, laul nr 1, “Maga hästi”). On märkimisväärne, et esineja ei olnud professionaalne laulja, vaid ülikooli professor.
Franz Peter Schubert sündis 31. jaanuaril 1797 Viini äärelinnas. Tema muusikalised võimed ilmnesid üsna varakult. Esimesed muusikatunnid sai ta kodus. Viiulit õpetas teda mängima isa ja klaverit vanem vend.
Kuueaastaselt astus Franz Peter Lichtenthali kihelkonnakooli. Tulevasel heliloojal oli hämmastav ilus hääl. Tänu sellele võeti ta 11-aastaselt vastu kui "laulupoiss" pealinna õuekabelisse.
Kuni 1816. aastani õppis Schubert tasuta A. Salieri juures. Ta õppis selgeks kompositsiooni ja kontrapunkti põhitõed.
Tema anne heliloojana avaldus juba noorukieas. Franz Schuberti eluloo uurimine , peaksite teadma, et ajavahemikul 1810–1813. ta lõi mitu laulu, klaveripala, sümfoonia ja ooperi.
Küpsed aastad
Tee kunstini sai alguse Schuberti tutvumisest baritoni I.M. Foglem. Ta esitas mitu ambitsioonika helilooja laulu ja need saavutasid kiiresti populaarsuse. Esimese tõsise edu saavutas noore helilooja Goethe ballaad “Metsakuningas”, mille ta muusikasse seadis.
Jaanuari 1818 tähistas muusiku esimese teose avaldamine.
Helilooja lühike elulugu oli sündmusterohke. Ta kohtus ja sai sõbraks A. Hüttenbrenneri, I. Mayrhoferi, A. Milder-Hauptmanniga. Kuna nad olid muusiku loomingu pühendunud fännid, aitasid nad teda sageli rahaga.
Juulis 1818 lahkus Schubert Zhelizisse. Õpetajakogemus võimaldas tal asuda tööle krahv I. Esterhazy muusikaõpetajana. Novembri teisel poolel naasis muusik Viini.
Loovuse tunnused
Tutvumine Schuberti lühielulooga , peaksite teadma, et teda tunti peamiselt laulukirjutajana. V. Mulleri luuletustel põhinevad muusikakogumikud on vokaalkirjanduses suure tähtsusega.
Laulud helilooja uusimast kogust “Luigelaul” on saanud tuntuks kogu maailmas. Schuberti loomingu analüüs näitab, et ta oli julge ja omanäoline muusik. Ta ei järginud Beethoveni lõõmatud teed, vaid valis oma tee. See on eriti märgatav klaveri kvintetis "Forell", aga ka h-moll " Lõpetamata sümfoonia”.
Schubert jättis palju kirikuteoseid. Neist suurima populaarsuse on kogunud missa nr 6 E-duur.
Haigus ja surm
1823. aastat tähistas Schuberti valimine auliikmeks muusikaliidud Linzis ja Steiermarkis. Muusiku lühikeses eluloos on kirjas, et ta kandideeris kohtudirigendi kohale. Aga see läks J. Weiglile.
Schuberti ainus avalik kontsert toimus 26. märtsil 1828. See oli üliedukas ja tõi talle väikese honorari. Ilmusid helilooja teosed klaverile ja laulud.
Schubert suri kõhutüüfusesse novembris 1828. Ta oli alla 32-aastane. Oma lühikese elu jooksul sai muusik hakkama kõige tähtsamaga – mõista oma hämmastavat kingitust.
Kronoloogiline tabel
Muud eluloo valikud
- Pikka aega pärast muusiku surma ei suutnud keegi kõiki tema käsikirju kokku panna. Mõned neist olid igaveseks kadunud.
- Üks huvitav fakt on see, et enamikku tema teoseid hakati avaldama alles 20. sajandi lõpus. Loodud teoste arvu poolest võrreldakse Schubertit sageli
Schubert kuulub esimeste romantikute hulka (romantismi koidik). Tema muusikas ei ole veel nii tihendatud psühhologismi kui hilisemate romantikute oma. See on helilooja - sõnade autor. Tema muusika aluseks on sisemised kogemused. Annab muusikas edasi armastust ja palju muid tundeid. Viimases töös põhiteema - üksindus. Ta hõlmas kõiki tolle aja žanre. Ta tõi sisse palju uut. Tema muusika lüüriline olemus määras tema loovuse peamise žanri - laulu. Tal on üle 600 laulu. Mõjutatud laululisus instrumentaalžanr
kahel viisil: Lauluteemade kasutamine instrumentaalmuusika
(laul “Wanderer” sai klaverifantaasia aluseks, laul “Tüdruk ja surm” sai kvarteti aluseks).
Laululisuse tungimine teistesse žanritesse.
Schubert on lüürilis-dramaatilise sümfoonia (lõpetamata) looja. Teemaks laul, esitluseks laul (lõpetamata sümfoonia: I osa - lk., lk. II osa - lk.), arenduse printsiibiks on vorm, nagu värss, terviklik. See on eriti märgatav sümfooniate ja sonaatide puhul.
Lisaks lüürilisele laulusümfooniale lõi ta ka eepilise sümfoonia (C-duur).
Ta on uue žanri – vokaalballaadi – looja. Romantiliste miniatuuride looja (eksprompt ja muusikalised hetked). Loonud vokaaltsükleid (Beethovenil oli sellele lähenemine).
Loomingulisus on tohutu: 16 ooperit, 22 klaverisonaati, 22 kvartetti, muud kooslused, 9 sümfooniat, 9 avamängu, 8 eksprompt, 6 muusikalist hetke; igapäevase muusikamänguga seotud muusika - valsid, lenglerid, marsid, üle 600 laulu.
Õppeaastad Konviktis.
See on internaatkool, kus koolitati õukonnalauljaid. Seal mängis Schubert viiulit, mängis orkestris, laulis kooris ja osales kammeransamblites. Seal õppis ta palju muusikat – Haydni, Mozarti sümfooniaid, Beethoveni 1. ja 2. sümfooniat.
Lemmikteos on Mozarti 40. sümfoonia. Konviktis hakkas teda huvitama loovus, mistõttu ta jättis teised õppeained kõrvale. Konviktas võttis ta 1812. aastast Salierilt õppetunde, kuid nende vaated olid erinevad. 1816. aastal läksid nende teed lahku. 1813. aastal lahkus ta Konviktist, sest õpingud segasid tema loovust. Sel perioodil kirjutas ta laule, fantaasiat 4 käele, 1. sümfooniat, puhkpilliteoseid, kvartete, oopereid ja klaveriteoseid.
1813-1817
Ta kirjutas oma esimesed laulumeistriteosed (“Margarita ketrusrattas”, “Metsatsaar”, “Forell”, “Rändaja”), 4 sümfooniat, 5 ooperit ning palju instrumentaal- ja kammermuusikat. Pärast Konvikti läbis Schubert isa nõudmisel õpetajakursused ning õpetas isa koolis aritmeetikat ja tähestikku.
1816. aastal lahkus ta koolist ja püüdis saada muusikaõpetaja ametit, kuid ebaõnnestus. Side isaga katkes. Algas katastroofiperiood: elasin niiskes toas jne. 1815. aastal kirjutas ta 144 laulu, 2 sümfooniat, 2 missat, 4 ooperit, 2 klaverisonaati, keelpillikvartetti ja muid teoseid. Armus Teresa Grobi.
Ta laulis Lichtenthali kiriku kooris. Tema isa abiellus ta pagariga. Schubertil oli palju sõpru – luuletajaid, kirjanikke, kunstnikke jne. Tema sõber Spout kirjutas Schubert Goethest. Goethe ei vastanud. Tal oli väga halb iseloom. Talle ei meeldinud Beethoven. 1817. aastal kohtus Schubert
kuulus laulja
Loovuse koidik - 22-23 Sel ajal kirjutas ta tsükli "Ilus Milleri naine", tsükli klaveriminiatuuridest, muusikalistest hetkedest ja fantaasiast "Rändaja". Schuberti igapäevane pool oli jätkuvalt raske, kuid ta ei kaotanud lootust. 20ndate keskel läks tema ring laiali.
1826-1828
Viimased aastad. Tema raske elu peegeldus tema muusikas. Sellel muusikal on tume, raske iseloom, stiil muutub. IN
laulud tunduvad deklamatiivsemad. Vähem ümarust. Harmooniline alus (dissonantsid) muutub keerukamaks. Laulud Heine luuletuste ainetel. Kvartett d-moll. Sel ajal kirjutati sümfoonia C-duur. Nende aastate jooksul kandideeris Schubert taas kohtudirigendi kohale. 1828. aastal algas lõpuks Schuberti ande tunnustamine. Toimus tema autorikontsert. Ta suri novembris. Ta maeti Beethoveniga samale kalmistule.
Schuberti laulukirjutus
600 laulu, hiliste laulude kogu, hiliste laulude kogu. Luuletajate valik on oluline. Alustasin Goethe loominguga.
Ta lõpetas Heine traagilise lauluga. Kirjutas Schilleri jaoks “Relshtab”.
Žanr – vokaalballaad: “Metsakuningas”, “Hauafantaasia”, “Mõrvari isale”, “Agaria kaebus”. Monotüki žanriks on "Margarita ketrusrattas". Goethe rahvalaulu “Roos” žanr. Laul-aaria – “Ave Maria”. Serenaadi žanr on “Serenade” (Relshtab serenaad).
Oma meloodiates toetus ta Austria rahvalaulu intonatsioonile. Muusika on selge ja siiras.
Muusika ja teksti seos.
Schubert annab edasi värsi üldise sisu. Meloodiad on laiad, üldistatud ja paindlikud.
Osa muusikast noodib teksti detaile, siis ilmub esituses rohkem retsitatiivsust, millest saab hiljem Schuberti meloodialaadi alus.
1823. 20 laulu W. Mülleri luuletuste põhjal. Tsükkel sonaadi arendusega. Peateema on armastus. Tsüklil on kangelane (veskija), episoodiline kangelane (kütt) ja peamine roll (voog).
Olenevalt kangelase seisundist vuliseb oja kas rõõmsalt, elavalt või ägedalt, väljendades möldri valu. Voo nimel kõlavad 1. ja 20. lugu. See ühendab tsükli. Viimastes lauludes peegeldub rahu, valgustatus surmas. Tsikli üldine meeleolu on endiselt helge. Intonatsioonistruktuur on lähedane austria igapäevalauludele. Laulude ja akordide kõlade intonatsioon on lai. Vokaaltsüklis on palju laululisust, skandeerimist ja vähe retsitatiivsust. Meloodiad on laiad ja üldistatud. Enamasti on lauluvormid salmid või lihtsad 2- ja 3-osalised.
1. laul - "Teel." B-dur, rõõmsameelne. See laul on voo nimel. Klaveripartiis on teda alati kujutatud. Täpne paarisvorm. Muusika on lähedane Austria rahvalauludele.
2. laul - "Kus". Veski laulab, G-duur. Klaveril on õrn oja mürin. Intonatsioonid on laiad, laulvad, Austria meloodiatele lähedased.
6. laul
- "Uudishimu." Sellel laulul on vaiksemad ja peenemad sõnad. Täpsemalt.
H-dur. Vorm on keerulisem – ümberlükkamatu 2-osaline vorm.
1. osa – "Ei tähti ega lilli."
2. osa on suurem kui 1. Lihtne 3-osaline vorm. Pöördumine voo poole – 2. osa 1. jagu.
Taas kostab oja kohin. Siin tuleb mängu duur-moll. See on tüüpiline Schubertile. 2. osa keskel muutub meloodia retsitatiivseks. Ootamatu pööre G-duur. 2. jao reprisis esineb taas duur-moll. Laulu vormi diagramm
A-C CBC
11 laulu - "Minu". Selles kasvab järk-järgult lüüriline rõõmutunne.
See on lähedane Austria rahvalauludele. 12-14 laulu
Järk-järgult, tsükli lõpu poole, saabub kurb valgustumine.
19 laul - "Mölder ja oja". g-moll. 3-osaline vorm. See on nagu vestlus möldri ja oja vahel. Keskel on G-duur. Taas ilmub klaveri lähedalt sulisev ojake. Reprise - mölder laulab uuesti, jälle G-moll, aga oja kohin jääb alles. Lõpus on valgustatus G-duur.
20 laulu - "Oja hällilaul". Oja rahustab möldrit oja põhjas. E-dur.
See on üks Schuberti lemmikvõtmeid (“Lip’s Song” filmis “Winter Reise”, lõpetamata sümfoonia 2. osa). Värsivorm. Sõnad: "Maga, maga" oja näost.
Vokaaltsükkel "Winter Way"
Kirjutatud 1827. 24 laulu. Täpselt nagu “Ilus Milleri naine”, W. Mülleri sõnade järgi. Vaatamata sellele, et nende vahe on 4 aastat, erinevad nad üksteisest silmatorkavalt. Esimene tsükkel on muusikaliselt kerge, kuid see on traagiline, peegeldades Schubertit haaranud meeleheidet. Teema on sarnane 1. tsükliga (ka armastuse teema). 1. laulu tegevus on palju vähem. Kangelane lahkub linnast, kus elab tema tüdruksõber. Tema vanemad jätavad ta maha ja tema (talvel) lahkub linnast.Ülejäänud laulud on lüürilised pihtimused. Molli ülekaal Laulud on traagilised.
Stiil on täiesti erinev. Kui võrrelda vokaalpartiisid, siis 1. tsükli meloodiad on üldistavamad, luuletuste üldsisu paljastavad, laiad, austria rahvalaulule lähedased ning “Talvises retriidis” on vokaalpartii deklamatiivsem, laululisus puudub. , palju vähem lähedal
rahvalaulud
, muutub individuaalsemaks.
Klaveripartii teevad keeruliseks teravad dissonantsid, üleminekud kaugetele klahvidele ja enharmoonilised modulatsioonid. Ka vormid muutuvad keerukamaks.
Vormid on küllastunud otsast lõpuni arenguga. Näiteks kui see on värsivorm, siis värss varieerub, kui tegemist on 3-osalise vormiga, siis on repiisid suuresti muudetud ja dünaamiline (“Oja ääres”). – “Külmunud pisarad” (f-moll). Masendav, raske meeleolu - "Pisarad voolavad silmadest ja külmuvad põskedele." Meloodias on väga märgatav retsitatiivsuse kasv – "Oh, neid pisaraid." Tonaalsed hälbed, keeruline harmooniline struktuur. 2-osaline otspunkti arenduse vorm. Repriisi kui sellist pole.
4. laul – “Daze”, c-moll. Väga laialt arendatud laul. Dramaatiline, meeleheitel tegelane. "Ma otsin tema jälgi." Kompleksne 3-osaline vorm. Äärmuslikud osad koosnevad 2 teemast. 2. teema g-moll. "Ma tahan maapinnale kukkuda." Katkestatud kadents pikendab arengut. Keskmine osa. Valgustunud As-dur. "Oh, kus on vanad lilled?"
Reprise – 1. ja 2. teema. 5. laul
- "Pärn." E-dur. E-moll hiilib laulu sisse. Värss-variatsioonivorm. Klaveripartiis on kujutatud lehtede sahinat. Salm 1 – "Linna sissepääsu juures on pärn." Rahulik, rahulik meloodia. Selles laulus on väga olulised klaveripartiid. Nad on oma olemuselt kujundlikud ja väljendusrikkad. 2. salm on juba e-mollis. "Ja kiirustage pikale teekonnale." Klaveripartiis ilmub uus teema, kolmikutega rännakute teema. 2. salmi teises pooles ilmub duur. "Oksad hakkasid kahisema." Klaverifragmendil on kujutatud tuuleiile. Selle taustal kõlab 2. ja 3. salmi vahel dramaatiline retsitatiiv. "Sein, külm tuul." 3. salm. "Nüüd ekslen juba kaugel võõral maal." 1. ja 2. salmi tunnused on ühendatud. Klaveripartii sisaldab rännakuteema 2. salmist. 7. laul – - "Oja ääres." Näide otsast lõpuni dramaatilisest vormiarengust. See põhineb tugeva dünaamilisusega 3-osalisel vormil. E-moll. Muusika on tardunud ja kurb.
Taas kostab oja kohin. Siin tuleb mängu duur-moll. See on tüüpiline Schubertile. 2. osa keskel muutub meloodia retsitatiivseks. Ootamatu pööre G-duur. 2. jao reprisis esineb taas duur-moll. "Oh mu tormine oja." Helilooja järgib rangelt teksti, modulatsioonid esinevad cis-moll sõnal “nüüd”. Keskmine osa. "Jääl olen nagu terav kivi." E-dur (räägib armastatust). Toimub rütmiline elavnemine. Pulsatsiooni kiirenemine. Ilmuvad kuueteistkümnenda noodi kolmikud. "Ma jätan esimese kohtumise õnne siia jääle." Repriisi on oluliselt muudetud. Tugevalt laienenud - kahes käes. Teema läheb klaveripartii.
Ja vokaaliosas on retsitatiivi "Külmunud voolus tunnen ennast ära." Rütmilised muutused ilmnevad veelgi. Ilmuvad 32. kestused. Dramaatiline haripunkt näidendi lõpu poole. Paljud kõrvalekalded – e-moll, G-dur, dis-moll, gis-moll – fis-moll
g-moll.
- "Kevadine unistus". Semantiline kulminatsioon. Major. Valgus. Tundub, et sellel on 3 sfääri:
mälestused, unenäod
2. jagu. Terav kontrast (e-moll). Sõnad: "Kukk laulis äkki." Kukk ja ronk on surma sümbol. Selles laulus on kukk ja laulus nr 15 ronk. Klahvide iseloomulik võrdlus on e-moll – d-moll – g-moll – a-moll. Teise madala lava harmoonia kõlab teravalt toonilises orelipunktis. Teravad intonatsioonid (ei ole).
3. jagu. Sõnad: "Aga kes kaunistas kõik mu aknad lilledega?" Ilmub väike dominant.
Värsivorm. 2 salmi, millest igaüks koosneb kolmest vastandlikust osast.
14 laul - "Hallid juuksed." Traagiline tegelane. c-moll. Varjatud draama laine. Dissonantsed harmooniad. Sarnasusi on 1. lauluga (“Maga hästi”), kuid moonutatud, süvendatud versioonis. Sõnad: “Kaunistasin oma otsaesise härmatisega...”.
11 laulu - "Vares". c-moll. Traagiline valgustus tänu
figuratsioonide jaoks kolmikutes.
20 laulu Sõnad: "Must ronk asus minu järel pikale teekonnale." 3-osaline vorm. Keskmine osa. Sõnad: "Vares, imelik must sõber." Meloodia on deklamatiivne. Reprise. Pärast seda tuleb klaveril kõlav järeldus madalas registris.
- "Teepost". Ilmub sammu rütm. Sõnad: “Miks see minu jaoks raskeks läks suured teed
minna?". Kaugmodulatsioonid – g-moll – b-moll – f-moll. Värss-variatsioonivorm. Duuri ja molli võrdlus. 2. salm – G-duur. 3. salm – g-moll.
Kood on oluline. Laul annab edasi tardumust, tuimust, surmavaimu. See väljendub vokaalpartiis (ühe heli pidev kordamine). Sõnad: "Ma näen sammast - üks paljudest...". Kaugmodulatsioonid – g-moll – b-moll – cis-moll – g-moll.
24 laul
- "Oreliveski." Väga lihtne ja sügavalt traagiline. Alaealine. Kangelane kohtub õnnetu oreliveskiga ja kutsub teda koos leina taluma. Kogu lugu on viiendal toonilisel orelipunktil. Kvintid esindavad tünniorelit. Sõnad: "Siin seisab oreliveski nukralt külast väljas." Pidev fraaside kordamine. Värsivorm. 2 salmi. Lõpus on dramaatiline haripunkt. Dramaatiline retsitatiiv. See lõpeb küsimusega: "Kas sa tahad, et me kannataksime koos leina, kas sa tahad, et me laulaksime koos tünnioreli all?" Toonilisel orelipunktil on kahandatud septakordid. sai sümfoonia aluseks. Laululisus läbib seda. See läbib kogu sümfooniat. See väljendub teemade iseloomus ja esituses - meloodias ja saates (nagu laulus), vormis - terviklikus vormis (nagu värss), arengus - variatsioonis, meloodia kõla läheduses hääl. Sümfoonias on 2 osa – h-moll ja E-duur. Schubert hakkas 3. osa kirjutama, kuid loobus. Iseloomulik on see, et enne seda oli ta kirjutanud juba 2 klaveri 2-osalist sonaati - Fis-dur ja e-moll. Romantismi ajastul muutub vaba lüürilise väljenduse tulemusena sümfoonia struktuur (erinev osade arv). Liszt kipub sümfoonilist tsüklit kokku suruma (Fausti sümfoonia 3 osaga, Donti sümfoonia 2 osaga). Liszt lõi üheosalise sümfoonilise poeemi. Berliozil on sümfoonilise tsükli laiendus (Symphony Fantastique - 5 osa, Sümfoonia "Romeo ja Julia" - 7 osa). See juhtub tarkvara mõjul.
Romantilised jooned ei avaldu mitte ainult laulus ja 2 osas, vaid ka tonaalsetes suhetes. See ei ole klassikaline suhe. Schubert hoolitseb värvika toonisuhte eest (G.P. - h-moll, P.P. - G-dur ja P.P. reprisis - D-dur). Tonaalsuste tertsiaalne suhe on romantikutele omane. II osas G.P. – E-dur, P.P. – cis-moll ja reprisis P.P. – a-moll. Ka siin on tertsiaarne tonaalsussuhe.
Romantiline joon on ka teemade varieeruvus – mitte teemade killustumine motiivideks, vaid kogu teema varieerumine. Sümfoonia lõpeb E-duur ja see ise h-moll (see on omane ka romantikutele). I osa
– h-moll. Sissejuhatuse teema on nagu romantiline küsimus. See on väiketähtedega. G.P.
– h-moll. Tüüpiline laul meloodia ja saatega. Solistidena esinevad klarnet ja oboe, saadavad keelpillid. Vorm, nagu ka salm, on täielik. P.P.
- mitte kontrastne. Ta on ka laul, aga ta on ka tants. Teema läheb tšellole. Täpiline rütm, sünkoop. Rütm on justkui seos osade vahel (sest see on ka teises osas P.P-s). Selles on keskel dramaatiline muutus, sügisel on see terav (üleminek c-mollile). Sellel pöördepunktil tungib sisse GP-teema. See on klassikaline funktsioon. Z.P.
– üles ehitatud P.P.. G-duur teemale. Teema kanooniline rakendamine erinevates instrumentides.
Ekspositsioon kordub – nagu klassikud. Ekspositsiooni ja arengu piiril kerkib sissejuhatuse teema. Siin on see e-poes. Arendus hõlmab sissejuhatuse teemat (kuid dramatiseeritud) ja sünkopeeritud rütmi P. P. saatel Polüfooniliste tehnikate roll on siin tohutu. Arendamisel on 2 sektsiooni:
1. jagu. Sissejuhatav teema e-molli. Lõpp on muudetud. Teema jõuab haripunkti.
Enharmooniline modulatsioon h-moll-lt cis-moll-le. Edasi tuleb sünkopeeritud rütm P.P-lt. Tonaalne kava: cis-moll – d-moll – e-moll. 2. jagu.
See on teisendatud sissejuhatav teema. See kõlab ähvardavalt ja käskivalt. E-moll, siis h-moll. Teema on esmalt vaskpuhkpilli jaoks ja seejärel läbib kaanoni kõigis häältes. Dramaatiline haripunkt, mis on üles ehitatud avakaanoni teemale ja P.P. sünkopeeritud rütmile. Selle kõrval on suur kulminatsioon - D-dur. Enne kordusmängu kõlab puupuhkpillide nimemäng.
– h-moll. Sissejuhatuse teema on nagu romantiline küsimus. See on väiketähtedega.. E-dur. Sonaadivorm ilma arenduseta. Esitage siin
– h-moll. Tüüpiline laul meloodia ja saatega. Solistidena esinevad klarnet ja oboe, saadavad keelpillid. Vorm, nagu ka salm, on täielik.. maastiku sõnad
See on teisendatud sissejuhatav teema. See kõlab ähvardavalt ja käskivalt. E-moll, siis h-moll. Teema on esmalt vaskpuhkpilli jaoks ja seejärel läbib kaanoni kõigis häältes. . Üldiselt on ta särav, kuid temas on draama sähvatusi.
Laul. Teema on viiulite jaoks ja bass on pizzicato (kontrabassidele). Värvilised harmoonilised kombinatsioonid – E-dur – e-moll – C-dur – G-dur. Teemal on hällilaulu intonatsioonid.
3-osaline vorm. See (vorm) on valmis. Keskkoht on dramaatiline. G.P. kordus lühendatult. Siinsed laulusõnad on isiklikumad. Teemaks on ka laul. Selles, nagu P.P. II osa, sünkopaatsaade. See ühendab need teemad. Solo on ka romantiline omadus. Siin on soolo esmalt klarnetile, seejärel oboele.. Romantiliste laulude ja ballaadide, vokaaltsüklite, klaveriminiatuuride, sümfooniate ja instrumentaalansamblite looja. Laululisus läbib kõigi žanrite teoseid. Umbes 600 laulu autor (F. Schilleri, J. V. Goethe, G. Heine sõnadele), sealhulgas tsüklitest “Ilus Milleri naine” (1823), “Winter Reise” (1827, mõlemad W. sõnadele. Müller ); 9 sümfooniat (sh “Lõpetamata”, 1822), kvartete, triosid, klaverikvintett “Trout” (1819); klaverisonaadid (üle 20), eksprompt, fantaasiad, valsid, maamehed.
SCHUBERT (Schubert) Franz ( täisnimi Franz Peter) (31. jaanuar 1797, Viin – 19. november 1828, ibid.), Austria helilooja, suurim esindaja varajane romantism.
Lapsepõlve aastad. Varased tööd
Sündis kooliõpetaja perre. Schuberti erakordsed muusikalised võimed ilmnesid juba varases lapsepõlves. Alates seitsmendast eluaastast õppis ta mitme pillimängu, laulmist ja teoreetilisi erialasid. Aastatel 1808–1812 laulis ta keiserlikus õue kabelis väljapaistva Viini helilooja ja õpetaja A. Salieri juhendamisel, kes poisi andekusele tähelepanu juhtides asus talle kompositsiooni põhitõdesid õpetama. Seitsmeteistkümneaastaselt oli Schubert juba autor klaveripalad, vokaalminiatuurid, keelpillikvartetid, sümfoonia ja ooper “Kuradiloss”. Töötades oma isa koolis õpetaja abina (1814–1818), jätkas Schubert intensiivselt komponeerimist. Arvukad laulud pärinevad aastatest 1814–1815 (sealhulgas sellised meistriteosed nagu “Margarita ketrusrattas” ja “Metsakuningas” J. V. Goethe sõnadele, 2. ja 3. sümfoonia, kolm missa ja neli laulumängu). Muusiku karjäär
Samal ajal tutvustas Schuberti sõber J. von Spaun teda poeet I. Mayrhoferile ja juuratudengile F. von Schoberile. Need ja teised Schuberti sõbrad - Viini uue keskklassi haritud esindajad, kellel on rafineeritud muusikaline ja poeetiline maitse - kogunesid regulaarselt Schuberti muusika kodustele õhtutele, mida hiljem kutsuti schubertiaadideks. Suhtlemine selle sõbraliku ja vastutuleliku publikuga rahustas täielikult noor helilooja oma kutsumuses ja 1818. aastal lahkus Schubert töölt koolis. Samal ajal sai noor helilooja lähedaseks kuulsa Viini laulja I. M. Vogliga (1768-1840), kellest sai innukas tema vokaalse loovuse edendaja. 1810. aastate teisel poolel. Schuberti sulest tuli hulgaliselt uusi laule (sh populaarseimad “Rändur”, “Ganymedes”, “Forell”), klaverisonaadid, IV, V ja VI sümfoonia, elegantsed avamängud G. Rossini stiilis , klaverikvintett “Forell”, sealhulgas variatsioonid samanimelisest laulust. Tema 1820. aastal Voglile kirjutatud ja Viini Kärntnertori teatris lavastatud laul “Kaksikvennad” ei olnud eriti edukas, kuid tõi Schubertile kuulsuse. Tõsisem saavutus oli mõni kuu hiljem Theatre an der Wienis lavastatud melodraama "Võluharf".
Õnne muutlikkus
Aastad 1820-21 olid Schubertile edukad. Ta nautis aristokraatlike perekondade eestkostet ja sõlmis Viini mõjukate inimeste seas mitmeid tutvusi. Schuberti sõbrad avaldasid 20 tema laulu eratellimisel. Peagi algas aga tema elus ebasoodsam periood. Schoberi libretoga ooper “Alfonso ja Estrella” lükati tagasi (Schubert ise pidas seda oma suureks õnnestumiseks). Lisaks haigestus Schubert 1822. aasta lõpus raskelt (ilmselt haigestus süüfilisesse). Kuid see keeruline ja raske aasta pälvis silmapaistvate teoste, sealhulgas laulude, klaverifantaasia “Rändur” (see on praktiliselt ainus näide bravuurikas-virtuoossest klaveristiilist Schuberti) ja romantilist paatost täis “Lõpetamata sümfoonia” (mis on loonud kaks osa sümfoonia ja koostas kolmanda, helilooja lahkus teadmata põhjusel töölt ega pöördunud enam selle juurde).
Elu katkes oma parimal ajal
Peagi ilmusid vokaaltsükkel “Kaunis Milleri naine” (20 laulu W. Mülleri sõnadega), laulumäng “Vandenõulased” ja ooper “Fierabras”. 1824. aastal kirjutati keelpillikvartetid A-moll ja D-moll (selle teine osa on variatsioonid rohkematel teemadel varane laul Schuberti "Surm ja neiu") ning kuuetunnine oktett puhkpillidele ja keelpillidele, mis on loodud väga populaarse Septeti op. 20 L. van Beethoven, kuid ületades teda mastaapsuse ja virtuoosse sära poolest. Ilmselt visandas Schubert 1825. aasta suvel Viini lähedal Gmundenis või komponeeris osaliselt oma viimase sümfoonia (nn “Suur”, C-duur). Selleks ajaks oli Schubertil Viinis juba väga kõrge maine. Tema kontserdid Vogliga tõmbasid palju publikut ning kirjastajad avaldasid innukalt tema uusi laule, näidendeid ja klaverisonate. Schuberti 1825-26 teoste hulgast paistavad silma klaveriteosed sonaadid a-moll, D-dur, G-dur, viimane keelpillikvartett G-duris ja mõned lood, sealhulgas “The Young Nun” ja Ave Maria. Aastatel 1827-28 kajastas Schuberti loomingut aktiivselt ajakirjandus, ta valiti Viini Muusikasõprade Seltsi liikmeks ja 26. märtsil 1828 andis ta seltsi saalis autorikontserdi, mis saatis suurt edu. Sellesse perioodi kuuluvad vokaaltsükkel “Winterreise” (24 laulu Mülleri sõnadega), kaks ekspromptklaveri märkmikku, kaks klaveritriot ja Schuberti viimaste elukuude meistriteosed – Es-duri missa, kolm viimast klaverisonaati, Keelpillikvintett ja 14 laulu, mis ilmusid pärast Schuberti surma kogumikuna "Luigelaul" (populaarseimad on "Serenaad" L. Relshtabi sõnadele ja "Toubel" G. Heine sõnadele). Schubert suri tüüfusesse 31-aastaselt; Kaasaegsed tajusid tema surma geeniuse kaotusena, kes suutis õigustada vaid väikese osa talle pandud lootustest. Schuberti laulud
Pikka aega oli Schubert tuntud peamiselt hääle- ja klaverilaulude poolest. Sisuliselt algas Schubertiga Saksa ajaloos uus ajastu. vokaal miniatuur, mille valmistas saksa lüürika õitseaeg 18. sajandi lõpus ja 19. sajandi alguses. Schubert kirjutas muusikat erineva tasemega poeetide luuletustele alates suurtest J. V. Goethest (umbes 70 laulu), F. Schillerist (üle 40 laulu) ja G. Heinest (6 laulu “Luigelaulust”) kuni suhteliselt vähetuntud kirjanike ja amatöörid (näiteks lõi Schubert oma sõbra I. Mayrhoferi luuletuste põhjal umbes 50 laulu). Lisaks tohutule spontaansele meloodiaannetele oli heliloojal ainulaadne võime anda muusika kaudu edasi nii luuletuse üldist atmosfääri kui ka selle semantilisi varjundeid. Alates oma varasematest lauludest kasutas ta leidlikult klaveri võimalusi sonograafilistel ja väljenduslikel eesmärkidel; Nii kujutab “Margaritas ketrusrattas” kuueteistkümnenda nootide pidev figuratsioon pöörleva ratta pöörlemist ja reageerib samal ajal tundlikult kõikidele emotsionaalse pinge muutustele. Schuberti laulud on vormilt äärmiselt mitmekesised, lihtsatest stroofilistest miniatuuridest kuni vabalt üles ehitatud vokaalstseenideni, mis sageli koosnevad kontrastsetest lõikudest. Olles avastanud Mülleri laulusõnad, mis räägivad üksildase rännakutest, kannatustest, lootustest ja pettumusest romantiline hing, lõi Schubert vokaaltsüklid “Ilus Milleri naine” ja “Talvine reise” – sisuliselt esimene suur monoloogilaulude seeria ajaloos, mida ühendab üks süžee.
Teistes žanrites
Schubert püüdis kogu oma elu teatrižanrides edu saavutada, kuid tema ooperid ei ole kõigi oma muusikaliste väärtuste juures piisavalt dramaatilised. Kogu Schuberti teatriga otseselt seotud muusikast kogusid populaarsust vaid üksikud numbrid V. von Cesi näidendile “Rosamund” (1823).
Schuberti kirikukompositsioonid, välja arvatud missad As-dur (1822) ja Es-dur (1828), on vähetuntud. Vahepeal kirjutas Schubert kogu oma elu kirikule; tema vaimulikus muusikas on vastupidiselt pikale traditsioonile ülekaalus homofooniline tekstuur (polüfooniline kiri ei kuulunud tugevused Schuberti kompositsioonitehnikat ja 1828. aastal kavatses ta isegi läbida autoriteetse Viini õpetaja S. Sechteri kontrapunktikursuse). Schuberti ainus ja samuti lõpetamata oratoorium “Lazarus” on stiililiselt seotud tema ooperitega. Schuberti ilmalike koori- ja vokaalansambliteoste hulgas on ülekaalus amatööresituseks mõeldud palad. “Vaimude laul vete kohal” kaheksale meeshäälele ja madalatele keeltele Goethe (1820) sõnadele paistab silma tõsise, üleva iseloomuga.
Instrumentaalmuusika
Instrumentaalžanrite muusikat luues keskendus Schubert loomulikult Viini omale klassikalised kujundused; isegi tema originaalseim varajased sümfooniad, 4. (autori alapealkirjaga "Traagiline") ja 5. on endiselt Haydni mõju all. Ent juba Forellikvintetis (1819) esineb Schubert absoluutselt küpse ja originaalse meistrina. Oma suurtes instrumentaaloopuses suur roll nad esitavad lüürilisi lauluteemasid (sh Schuberti enda lauludest laenatud - nagu kvintetis "Forell", kvartetis "Surm ja neiu", fantaasias "Rändaja"), igapäevase muusika rütme ja intonatsioone. Isegi Schuberti viimane sümfoonia, nn “Suur”, põhineb eelkõige laulu- ja tantsutemaatikal, mida see arendab tõeliselt eepilises mastaabis. Stiililised jooned, mis pärinevad igapäevasest musitseerimisest, on küpses Schubertis ühendatud lahkunud palveliku mõtiskluse ja äkilise traagilise paatosega. Schuberti instrumentaalteostes domineerivad rahulikud tempod; Pidades silmas tema kalduvust muusikaliste mõtete rahulikuks esitamiseks, rääkis R. Schumann oma "jumalikust pikkusest". Kõige muljetavaldavamalt kehastusid Schuberti instrumentaalkirjanduse eripärad tema kahes viimases suurteoses – keelpillikvintetis ja Klaverisonaat B-duur. Schuberti instrumentaalloomingu oluliseks valdkonnaks on muusikalised hetked ja improvisatsioonid klaverile; Romantiliste klaveriminiatuuride ajalugu sai tegelikult alguse just nendest paladest. Schubert komponeeris ka palju klaveri- ja ansamblitantse, marsse ja variatsioone kodumuusika mängimiseks.