Inglise renessansi teater sündis ja arenes turuplatsil, mis määras selle rahvusliku Briti maitse ja demokraatia. Kõige populaarsemad žanrid avalikel lavadel olid moraalinäidendid ja farsid. Elizabeth Tudori valitsusajal olid müsteeriumid keelatud. Alates 16. sajandi algusest lähenes inglise teatrikunst uuele etapile – humanistliku draama arengu algusele, mis hakkas kujunema kuningliku võimu ja katoliku kiriku vahelise poliitilise võitluse taustal.
Teatrilavalt kostis varjamatut teravat kriitikat ja uue humanistliku ideoloogia propagandat, mis oli riietatud tuttavate vahepalade ja moraalinäidendite rüüsse. Humanist John Rastelli näidendis “Vahemäng nelja elemendi olemusest” (1519) on lisaks moraalinäidendite traditsioonilistele tegelastele järgmised tegelased: teadmistejanu, leedi loodus, kogemus ja vastupidiselt. neile, kurat Teadmatus ja hoora Naudingujanu. Nende tegelaste lepitamatu võitlus näidendis lõpeb valgustatuse võiduga obskurantismi ja teadmatuse üle.
John Bale oli Inglise reformatsiooni silmapaistev tegelane ja kuulus kirjanik, näidendi King John autor. Lisades moraalinäidendile sotsiaalseid teemasid, pani ta aluse dramaturgiale ajalookroonika žanris.
Uus teater sündis keskaegsest farsist. Õukonnaluuletaja, muusik ja värviliste vaatemängude korraldaja John Gaywood arendas farsi satiiriliste vahepalade kirjutamisega. Neis naeruvääristas ta munkade ja indulgentsimüüjate pettusi, kasumiahnete vaimulike intriige ja preestrite kavalaid nippe, kes varjasid oma patte edev vagadusega. Lisaks peategelasele - kelmile - ja negatiivsetele tegelastele - vaimulikele osalesid lühikestes igapäevastseenides lihtsameelsed ja heatujulised lihtinimesed. 16. sajandi alguse satiirilistest vahepaladest sai ühenduslüli keskaegse farsiteatri ja tärkava draamateatri vahel.
armulaud inglased To Itaalia kultuur ja kunst aitas kaasa iidse kultuuri ja iidse tsivilisatsiooni saavutuste aktiivsele tajumisele ja populariseerimisele. Tugevdatud uuring ladina keel ning Seneca ja Plautuse teosed viisid tõlkeni iidsed tragöödiad ja komöödiaid inglise keelde. Nendel tõlgetel põhinevad etendused said aristokraatlikus ja ülikoolikeskkonnas väga populaarseks.
Samal ajal imetlesid aristokraadid ja valgustatud avalikkus Petrarka sonette ja Ariosto luuletusi. Boccaccio ja Bandello novellid olid mitmekesise ühiskonna seas tuntud. Kuninglikus õukonnas tutvustati meelelahutus- ja meelelahutusüritustena maskeraadi, kus mängiti läbi stseene Itaalia pastoraalidest.
Esimesed näited rahvuslikust komöödiast ja tragöödiast teatrilaval ilmusid 16. sajandi keskel. Esimese inglise komöödia Ralph Royster Doyster (umbes 1551) autor Nicholas Udall oli haritud õukonna meelelahutuse korraldaja ja püüdis oma teoste kaudu inimestele "häid elureegleid" õpetada.
Thomas Nortoni ja Thomas Sequile'i näidendit "Horboduc" (1562) mängiti esmakordselt kuninganna Elizabethi õukonnas ja seda peetakse esimeseks Inglismaa tragöödiaks. See demonstreerib ilmekalt Rooma tragöödia matkimist: näidendi jagamine 5 vaatuseks, koorilaul ja sõnumitoojate monoloogid, verised kuriteod, kuid süžee põhineb ajaloolisel faktil keskaegsest ajaloost. Tragöödia moraal seisnes allegoorilises pantomiimi ja vahepalades, mida näitlejad osatäitmiste vahel esitasid, selgitades süžee ootamatuid pöördeid.
Pärast farsilist müsteeriumi ja primitiivseid farsse tekkis antiik- ja itaalia draama põhjal uus inglise draama, milles oli kompositsiooniline alus, osade proportsionaalsus, loogika tegevuse ja tegelaste arengus.
Peaaegu kõik uue põlvkonna näitekirjanikud olid ülikooliharidusega ja pärit demokraatlikust keskkonnast. Olles ühinenud loominguliseks rühmaks nimega “Ülikoolimeeled”, püüdsid nad oma töödes sünteesida aristokraatide kõrghumanistlikku kultuuri ja rahvatarkust koos selle folklooriga.
William Shakespeare'i eelkäija, kuulus inglise näitekirjanik John Lyly (umbes 1554-1606) oli õukonnaluuletaja. Oma huvitavaimas komöödias "Aleksander ja Campaspe" (1584), mis on kirjutatud kreeka ajaloolase Pliniuse jutustuse põhjal, näitas ta Aleksander Suure suuremeelsust, kes nähes oma sõbra, kunstnik Apellese armastust. vangistuses Campaspe, loovutas ta oma sõbrale. Seega võitis kohuse ja tunde võitluses kohusetunne. Etenduse idealiseeritud kujund Aleksandrist on vastandatud filosoof Diogenese skeptilisele kujundile, kelle rahvatarkus ja terve mõistus võidavad monarhi ja tema saatjaskonna enesekindluse ja kõrkuse.
John Lily pani aluse nn romantilisele komöödiale. Ta tutvustas lüürilist elementi dramaatiline tegevus, andes proosakõnele ereda poeetilise maitse. Ta osutas tee kahe komöödiažanri – romantilise ja farsi – edaspidiseks ühinemiseks.
Inglise renessansi draama tõeline rajaja oli Christopher Marlowe (1564-1593), kuulus näitekirjanik, filosoofilise ja ateistliku sisuga teoste autor. Kingsepa poeg, kes oma visadusega saavutas teadusmagistri akadeemilise kraadi, paistis silma julguse ja vabamõtlemisega. K. Marlowe eelistas näitlejatööd teatritrupis preestrikarjäärile, mis avanes tema ees pärast Cambridge'i ülikooli lõpetamist. Tema esimene dramaatiline teos Tamerlane Suur oli täis ateistlikke ideid. See monumentaalne kaheosaline teos on kirjutatud kahe aasta jooksul (I osa 1587 ja II osa 1588). “Suur Tamerlane” on 14. sajandi lõpu kuulsa idavallutaja Timuri dramatiseeritud elulugu. Marlowe andis oma kangelasele legendaarse kangelase jõu ja välimuse. Ja mis eriti oluline, tegi ta aatelisest feodaalist, nagu Timur tegelikult oli, "madala sünniga karjase", kes ainult oma tahte, energia ja mõistuse jõul tõusis seaduslikest valitsejatest kõrgemale.
K. Marlowe näidend “Doktor Faustuse traagiline ajalugu” (1588) ( riis. 22) paljastab teise poole inimelu. Askeetlike põhimõtete tagasilükkamine ja tingimusteta allumine kõrgemale võimule teadmistejanu ja elurõõmu nimel on riietatud ateistliku doktor Faustuse kujuga. Doktor Faustuse vabanenud teadvuse ja sellele järgnenud üksinduse draama viib ta meeleparandusele, vabastades samas tohutu energia võitluses mõttevabaduse eest.
C. Marlowe viimane tragöödia, ajalooliste kroonikate ainetel kirjutatud Edward II, sai aluseks inglise draamale, mida W. Shakespeare oma teostes edukalt edasi arendas.
Kuningas ja tema saatjaskond uskusid, et C. Marlowe ja tema teosed kujutavad endast tõsist ohtu võimule. Sellega seoses anti korraldus dramaturg füüsiliselt kõrvaldada. 30. mail 1593 mõrvas Marlowe kuninga salanõukogu agent.
Riis. 22. Graveering trükisest “ Traagiline lugu Doktor Faustus", 1636
Samaaegselt C. Marlowe näidenditega tulid lavale ka teiste näitekirjanike näitemängud rühmast “University Minds”: Thomas Kyd – “Hispaania tragöödia” (1587) ja Robert Greene – “Munk Bacon ja vend Bongay”, “ James IV" ja "George Greene", Wakefieldi välivaht" (1592).
"Ülikoolimeeled" rühma näitekirjanike loominguline kogukond eelnes rahvusdraama arengu uuele etapile – renessansiaegse tragöödia ja komöödia esilekerkimisele. Järk-järgult tekkis kuvand uuest kangelasest - julge ja julge, pühendunud humanistlikule ideaalile.
16. sajandi lõpul meelitas inglise rahvateater oma etendustele tohutuid rahvahulki, neelates endasse kõik revolutsioonilised ideed ja jäljendades vapraid kangelasi, kes võitluses oma inimväärikust kaitsesid. Pidevalt kasvas teatritruppide arv hotelliõuelt ja linnaväljakutelt spetsiaalselt selleks ehitatud teatritesse.
1576. aastal ehitas James Burbage Londonisse esimese teatri, mida kutsuti "Teatriks". Sellele järgnes mitmete ehitamine teatrihooned: "Eesriie", "Blackfriars", "Rose" ja "Luik" ( riis. 23). Hoolimata asjaolust, et linnavolikogu keelas oma korraldusega 1576. aastal teatrietenduste lavastamise Londonis endas, asusid teatrid Thamesi lõunakaldal, alal, mis ei kuulunud ühismajandite nõukogu pädevusse.
Riis. 23. Teater "Luik"Suured puidust avalikud teatrihooned olid erineva kujuga: ümmargused, kandilised või kaheksanurksed. Hoonel polnud katust, vaid väike varikatus lava kohal. Need teatrid mahutasid kuni 2000 pealtvaatajat. Suurem osa publikust, mis koosneb tavalised inimesed, vaatas etendust seistes. Rikkad linlased võtsid istet galeriides, mis paiknesid teatri ümmarguste seinte vahel kolmel korrusel.
1599. aastal ehitati teater Globe, kus töötas W. Shakespeare. Hoone oli kaheksanurkse kujuga, lava trapetsikujuline, selle alus ulatus auditooriumi sisse. Funktsionaalne ruum jagunes kolmeks osaks: lava esiosa – prostseen; tagakülg, mis oli eraldatud kahe rookatusega varikatust toetava sambaga; ülemine on rõdu tagalava kohal. Selle keeruka ehitise lõpetas väike torn, millele etenduse ajal riputati lipp. Lava kaunistati tavaliselt vaipade ja mattidega ning kardin võis olenevalt žanrist (komöödia või tragöödia) olla sinine või must. Esimese Globe'i teatri hoone hävis 1613. aastal tulekahjus. Pärast taastamist eksisteeris see kuni 1645. riis. 24).
Riis. 24. Globuse teaterEnamik Londoni teatrite näitlejaid, kui mitte arvestada kuulsaid, kes nautisid aadlike patrooni, olid madala sissetulekuga ja jõuetud inimesed. Kuninglik dekreet võrdsustas kunstnikud kodutute trampidega ja nägi ette karistada truppe, kellel polnud jõukaid patroone. Vaatamata võimude karmile suhtumisele teatritesse, kasvas nende populaarsus aasta-aastalt ja nende arv kasvas.
Teatritruppide organiseerimise vorm oli tollal kahte tüüpi: näitlejate omavaheline partnerlus omavalitsusega ja eraettevõte, mille eesotsas oli ettevõtja, kes omas rekvisiite ja ostis näidendi lavastamise õigused dramaturgidelt. Eraettevõtja võiks palgata ükskõik millise trupi, pannes näitlejad oma kapriiside orjusesse.
Riis. 25. William Shakespeare
Riis. 26. Richard BurbageTrupp, mille juhatas W. Shakespeare ( riis. 25) ja tema sõber, kuulus näitleja Richard Burbage ( riis. 26), kandis nime "Lord Chamberlaini mehed". Trupi tulu jagati dramaturgi ja teatri peanäitlejate vahel vastavalt nende osakaalule.
Trupi kvantitatiivne koosseis ei olnud rohkem kui 10-14 inimest, kes pidid teatri repertuaaris täitma mitmeid rolle. Naisrolle mängisid kenad noored mehed, saavutades oma liigutuste plastilisuse ja hääle lüürilisuse kaudu autentsed esitused. Üldine viis Näitlemine oli läbimas üleminekuetappi eepilisest stiilist ja ülevast paatosest sisemise draama vaoshoitud vormile. Traagilise žanri peaosatäitjad William Shakespeare'i ajastul olid Richard Burbage ja Edward Alleyn ( riis. 27).
Riis. 27. Edward AlleyW. Shakespeare usaldas oma tragöödiate peamised rollid oma lähedasele sõbrale ja abilisele Richard Burbage'ile. Suurepärase häälevaldamisega Burbage mitte ainult ei esitanud meisterlikult oma monolooge, vaid võimendas pilkude ja žestidega ka rolli emotsionaalset värvingut. Komöödiažanris näitlejad Robert Armin ja William Kemp ( riis. 28) ja Richard Tarleton. Kõige iseloomulikum koomik oli Robert Armin, kes mängis Shakespeare'i näidendites "As You Like It" ja "Kuningas Lear" täisosa narri. filosoofiline tähendus ja dramaatiline sisu.
Riis. 28. William KempNäitekirjaniku ja lavastajana sünteesis W. Shakespeare kõik saavutused oma loomingus teatrikunstid loodud enne teda ja viis selle kunsti täiuslikkuseni. Ta määratles selle peamise suuna, milleks oli inimloomuse olemuse peegelpildi saavutamine, mis tahes kujul see ka ei ilmneks.
Sest etenduskunstid Seda perioodi iseloomustab näitlemise märkimisväärne emotsionaalne intensiivsus. Lavastuse tooni ei andnud valjuhäälne retsiteerimine ja aktiivsed žestid, vaid näitleja rikas kujutlusvõime ja võime edasi anda oma kogetavat seisundit. Nõuanded näitlejatele, mida W. Shakespeare oma tragöödias Hamleti suu läbi väljendas, on igavene teejuht kõikidele kunstnike põlvkondadele, kuni realistlik teatrikunst elus püsib. Draamateater jõudis oma arengu haripunkti suure inglise näitekirjaniku loomingus. Euroopa renessanss. Shakespeare’i looming avardas tavalisi piire ja näitas järgmistele näitlejapõlvedele arengu- ja täiustumisteed. draamakunstid ava poole vaimne maailm isik.
17. sajandi keskel lõppes Inglismaal pikk kodanlik-puritaanlik revolutsioon, mis viis puritaanluse kinnistumiseni ühiskonnas. Tema ideoloogiliseks lipukirjaks sai üks puritaanlikest dogmadest, mis väitis, et inimene ei tohi fatalistlikult oma saatusele alluda. Kaasaegsete sõnul valitses maal tol ajal kõlvatus ja moraalne allakäik. Sõprus, südametunnistus ja avalik kohustus on täielikult kaotanud oma mõtte. 17. sajandi lõpus ja 18. sajandi alguses sai inglise filosoofia juhtivaks suunaks libertineism ehk vabamõtlemine, mis suuresti mõjutas draamat ja teatrit. Hiljem omandas see suund kindla kuju ja sai tuntuks kui vaimukus. Pärast Stuarti monarhia taastamist Inglismaal austati vaimukust aristokraatliku kogukonna seas üsna kõrgelt. Järk-järgult, vastavalt uue kodanliku ideoloogia kujunemisele, muutus ka suhtumine teravmeelsusesse, muutus üha kriitilisemaks. See ei saanud muud kui kunsti mõjutada. Vaimukuse järgijate seisukohalt on elu keeruline kunst, mis nõuab inimeselt ettevaatlikkust ja taiplikkust. Valed tuleb oskuslikult ühendada tõega ning ausus ja otsekohesus kavaluse ja pettusega. Kirikuabielu peeti köidikuks, mis andis tunnistust mehe orjusest.
Ebamoraalsed põhimõtted põhjustasid auväärsete kodanlaste, aga ka kirjanike ja filosoofide õigustatud nördimust. Kodanluse võimu tugevnedes ja mõju suurenedes asus ta aktiivselt ründama “vaimukaid” inimesi. See väljendus eelkõige tema võitluses inglise teatriga.
Enne monarhia taastamist Inglismaal, Cromwelli valitsusajal, keelati teater parlamendi erimäärusega. Puritaanlik valitsus pidas teatrit ebamoraalsuse, patuse ja pahede kasvulavaks. Vallavolikogud esitasid teatrifirmadele arvukalt süüdistusi, mis mõnikord ei olnud seotud ei näitlejate ega näidendiga. Teatrite maine oli nii madal, et linnarahvas lõpetas nende külastamise. Nälgimise vältimiseks olid näitlejad sunnitud lahkuma linnadest kaugetesse provintsidesse, kus nad saaksid midagi teenida. Teatritrupid ja koolid lagunesid, oratooriumi- ja etenduskunstide, muusika ja tantsu õpetajad lahkusid linnast. Provintsivõimud olid lojaalsed lossiomanike korraldatud amatööretendustele. Ja linnades taaselustati teater muusikaliste ja draamaetendustega (maskeraadidega).
Pärast Stuarti monarhia taastamist Inglismaal algas teatri taaselustamiseks soodne periood. Linnateatrite publik koosnes eranditult aristokraatiast ja linnaaadlist. Draamakunst väljendas puritaan- ja kodanlusevastast vaimu, mis murdis läbi pärast pikki aastaid kestnud tagakiusamist ja sunnitud vaikimist. Arvukates satiirilistes komöödiates omistati rumala lihtlabase või käbuga abikaasa roll alati õnnetule kodanlikule.
Restaureerimisaegne teater taastati pika aja jooksul ja sellel perioodil toimunud muutused olid märkimisväärsed. Inglismaal tekkis teatrimonopol. Teatritrupi korraldamise ja teatri loomise õigusele anti välja kuninglik patent. Ja Lord Chamberlain juhtis tsensuuri, mis laienes teatritrupi tegevusele. Näitlejaseltside ja teatripaikade arvu Londonis kontrollis ja reguleeris Inglismaa valitsus. Erilist tähelepanu pöörati teatri repertuaarile.
Restaureerimisperioodil Inglismaal ehitati spetsiaalne hoone etenduste ja teatritruppide ja rekvisiitide demonstreerimiseks. Tegemist oli arvestatava suurusega ristkülikukujulise siseruumiga, milles vaatajad olid võrreldes restaureerimiseelse ajaga mugavamates tingimustes. Teatril oli nüüd lavatagune ja prostseen, mis ulatus kioskitesse ja mida ümbritses kahekordne kastide rida. Algul istutati sellistes teatrites eriti õilsad vaatajad toolidele otse lavale, näitlejate vahetusse lähedusse. See tekitas esinejatele mõningaid ebamugavusi.
Riis. 29. Nell GuinEtenduste lavaletoomiseks tehti spetsiaalselt komplekte, aga ka erinevaid seadmeid, mis võimaldasid simuleerida lende ja erinevaid transformatsioone. Naisrollides astusid lavale näitlejannad, kes asendasid Shakespeare’i teatri poisse. Taastamisperioodi andekaimate naisnäitlejate hulgas on Nell Guinn ( riis. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Joonis 30), Elinor Lee ja teised revolutsioonilised näitlejannad. Laiemaks on läinud ka teatrietenduse enda haare. Lisaks traditsioonilisele draamale võiks etendusse tuua pantomiimi või farssi. Muusikalised tantsuvahetunnid olid väga populaarsed. Hiljem võeti teatri repertuaari ballaadiooperid. Klassikalised tragöödiad nautisid sel perioodil suurt edu.
Riis. 30. Elizabeth BarryErinevad muutused poliitilises ja ühiskondlikus elus, mida Inglismaa sel ajastul koges, kajastusid omakorda Londoni teatrite repertuaaris. Kodanlus pääses enesekindlalt võimule ja teatrisse tuli kolmanda võimu publik. See publik, kes hõivas enamiku saali odavatest kohtadest, võis otsustavalt ja valjuhäälselt etenduse kohta oma arvamust avaldada, seda heaks kiites või hõisata.
Ühiskonnas hakkas üha sagedamini pahameelt tekkima etenduste üle, mis esitasid inimlikke pahesid ja ebamoraalsust ahvatlevas valguses. Tagurliku jutlustaja Jeremy Collieri raamat „Lühike visand Inglise lava ebamoraalsusest ja ebaausust” põhjustas vastukaja ja nördimust. teatrikeskkond. Hoolimata sellest, et raamat sai teatritöötajate terava kriitika osaliseks, andis see käegakatsutavaid positiivseid tulemusi. Muutunud on repertuaar, mis hõlmab nüüd dramaturgilisi teoseid, mille teemad kinnitavad kodanlikke voorusi: vagadus, kokkuhoidlikkus ja terviklikkus.
Kodanikuühiskonnad moraali korrigeerimiseks jälgisid rangelt Londoni teatrite lavastatud teoste sisu. Etendustel viibisid eriagendid, kes jälgisid etenduse kulgu ja fikseerisid kõik moraalivastased rünnakud. Tsensorid andsid ettevõtjad ja näitlejad nende rikkumiste eest kohtu ette. Näidendi tekstidest lõigati halastamatult välja mitte ainult tsensorite umbusku tekitanud osad, vaid ka terved aktid. Taastamisaja Inglise lava peanäitleja Thomas Betterton ( riis. 31), keda ähvardati amoraalse mängu eest surmaga, oli sunnitud oma tõlgendust paljudest rollidest üle vaatama, et need vastaksid uus süsteem väärtusi.
Riis. 31. Thomas Betterton18. sajandi alguseks oli inglise teater muutunud, vaadati ümber oma moraalsed ja eetilised väärtused. Kõige rohkem tähelepanelik ei makstud mitte ainult inimeste pahedele, vaid ka katsetele mõista nende päritolu ja sotsiaalset alust. Teatris sai naerda kleepuvate aristokraatide ja kodanlike tõusjate, õukonna silmakirjatsejate ja uusrikaste kaupmeeste üle. Vaadates laval kellegi teise elu, mõtles vaataja enda oma ning seejärel leiti vajalikud vastused paljudele eluküsimustele.
Teater oli omamoodi kool, kus vaataja õppis ära tundma tõelist voorust ja pahe. Draamakangelaste näiteid kasutades arendas ta välja oma elupositsiooni ja käitumismaneeri. Selle ajastu teater oli Inglismaa rahvuskultuuri lahutamatu osa. Traditsiooniks on saanud sotsiaalse teema käsitlemine, inimeste ja riigi pahede paljastamine peensusteni Inglise teater, mis on säilinud tänapäevani. Just selles traditsioonis nägid suured inglise näitekirjanikud ja teatritöötajad oma päritolu ja geneetilisi juuri.
Inglismaal arenes Stuarti monarhia taastamise järgsel perioodil teater ja dramaturgide looming mitmes suunas, millest peamine oli klassitsism. Vaid vormiliselt imiteerides iidseid teoseid, iseloomustasid inglise näitekirjanikud tegevust emotsionaalsemalt, immutasid näidenditesse igapäevaseid peensusi, rõhutades rahvuslikud eripärad nende näidendite kangelaste päritolu ja mittevajalikud üksikasjad. Mõtiskleti ka nende eesmärkide, soovide ja meeleolude muutlikkuse üle.
Riis. 32. John DrydenSelle perioodi silmapaistvamaks klassitsistiks võib nimetada John Drydenit (1631-1700) - luuletajat, näitekirjanikku ja kirjanduskriitikut ( riis. 32). Ta kirjutas 27 näidendit, sealhulgas tragöödiaid, komöödiad ja tragikomöödiad. Teda peetakse ka kangelasdraama žanri loojaks. Nende kriitilised vaated seoses draamaga väljendas ta end peamiselt poeetilistes proloogides ja järelsõnades enda ja teiste näidenditele.
Drydeni näidendid kütsid tormilistest kirgedest, hingasid vabadusearmastusest ja kõrgetest püüdlustest. Ta võrdles dramaturgiat iidse skulptuuriga. Tema arvates peab dramaturgiline loovus, peegeldades loodust, siiski ületama, et vaataja seda lavaperspektiivis õigesti tajuks.
Ajavahemikul 1664-1675 kirjutas ta parimad näited inglise kangelasdraamast: "Indiaanlaste kuninganna", "Indiaanlaste keiser ehk Mehhiko vallutamine hispaanlaste poolt", "Tyranniline armastus" ja "Vallutamine". hispaanlaste Granadast” teksti vermitud poeetilise vormiga ning tema kontseptsioonide väljaütlemisega aust ja kohustusest. Mitmed näitekirjaniku tragöödiad puudutavad eksistentsi edevuse ja maise õnne illusiooni teemat.
Üks tema omadest parimad näidendid– “Don Sebastian” – paljastab armuõnne illusoorse olemuse ja armastuse õndsuse petlikkuse teema. Vangi võetud noor Portugali kuningas Sebastian armus barbarist kuningannasse Almeidasse. Armastus pani ta kõik unustama. Sebastian sai peagi teada, et see, kes andis talle armastuse õnne ja vabastas vangistuse, osutus tema õeks. Õnne illusioon kadus ja õnnetud armastajad läksid vabatahtlikult kloostrisse.
Lisaks Drydeni näidenditele kuulusid iga inglise teatri repertuaaris tingimata veel kahe kuulsa näitleja ja näitekirjaniku – Nathaniel Lee (1653-1692) ja Thomas Otway (1652-1685) teosed. N. Lee näidend “Rivaal Queens ehk Aleksander Suure surm” jättis Venemaa keisrile Peeter I-le tema Londonis viibimise ajal 1698. aastal tugeva mulje. Populaarsed olid ka tema draamad Mithridates ja Theodosius.
Thomas Otway on inglise teatriajaloos tuntud kui keskklassi elust pärit "kodutragöödiate" autor. Tuntuimad neist on “Vaeslaps ehk õnnetu abielu” ja “Päästetud Veneetsia või Paljatu vandenõu" Otway oskus seisnes kirgede hävitava jõu ja tunnete pimeduse kujutamises inimese jaoks.
Näidendid olid väga populaarsed loominguline duett John Fletcher (1579-1625) ja Francis Beaumont (1584-1616). Nende näidendite kogumiku esimene trükk, mis sisaldab 34 teost, pärineb 1647. aastast. Näidendid “Philastre”, “Kuningas ja mitte kuningas”, “Tüdruku tragöödia” ilmusid korduvalt uuesti välja. Need näidendid kujutasid meisterlikult armastust ja kõiki sellega kaasnevaid inimlikke kirgi. Nende autorite komöödiad olid tõeliselt naljakad ning tragöödiad panid sind koos kangelastega kurvastama ja muretsema.
Inglise keel Beaumonti ja Fletcheri teostes viidi täiuslikkuseni. Hiljem arutasid seda korduvalt kirjanduskriitikud, kes arvasid, et kõik sõnad, mis pärast nende näitekirjanike surma igapäevakõnesse tulid, olid tarbetud. Nende näidendeid on Inglismaa teatrite lavadel mängitud juba 40 aastat pideva eduga. Veelgi enam, igal uuel teatrihooajal olid nende repertuaaris kindlasti näidendid “Teetav sadakond”, “Kuidas kontrollida naist”, “Jahimees”, “Kuningas ja mitte kuningas”, “Philastre”. originaalis, ilma igasuguste vähenduste ja muudatusteta.
Riis. 33. Joseph Addison18. sajandil Inglismaal kujunes W. Shakespeare’i suhtes mitmetähenduslik suhtumine. Silmapaistvad pedagoogid Joseph Addison ( riis. 33) ja Richard Steele ( riis. 34), kes võitles rahvusliku inglise teatri loomise eest ja välismaise, eriti itaalia ooperi domineerimise vastu ning võttis sõna selle loomingulise pärandi kaitseks. Kuid mõned kriitikud, nagu Thomas Rymer, nimetasid tema tragöödiaid "farsiks, millel puudub igasugune maitseelamus".
Riis. 34. Richard SteeleSeetõttu tegid paljud Shakespeare’i näidendid autorite poolt tänapäeva maitsele vastavaks ümber. T. Otway tegi ümber W. Shakespeare'i näidendi "Romeo ja Julia", muutes pealkirjaks "Caius Maria elu ja langemine" ning D. Dryden - "Antony ja Cleopatra" ("Kõik armastuseks"). Ja kuigi plakatitel esines jätkuvalt Shakespeare’i nimi, oli näidendi teksti muutmine sedavõrd märkimisväärne, et etendusel polnud originaaliga midagi ühist. Paljud kuulsa näitekirjaniku näidendid mängiti Londoni lavadel samal hooajal nii originaalis kui ka ümbertehtud kujul ning publikule meeldis vaadata näidendi “Romeo ja Julia” mõlemat versiooni: traagilise lõpuga W. Shakespeare’i ja James Howardi õnnelik.
Sotsiaalne, teravalt satiiriline komöödiakoomika leidis aset ka inglise teatri repertuaaris. Selle loovuse varaseks esindajaks võib nimetada George Etheridge'i (1634-1691), keda peeti sajandi moraali mõnitajaks ja kes lõi mitu näidendit, mis läksid Inglismaa teatrikunsti ajalukku: „Koomiline kättemaks, või Armastus tünnis”, “Ta oleks, kui” võiks” ja “Moe ori”. Hiljem nimetati seda tüüpi komöödiat teatriteaduses "taastamise ajastu komöödiaks".
Riis. 35. William WycherleyKomöödiad olid sel perioodil väga populaarsed. Eriti armastasid näitlejad mängida William Wycherley (1640-1716) näidendites ( riis. 35), mida eristasid huumor ja särav lavaline olek. Mõnel teatrihooajal lavastas tema näidendi “Maanaine” korraga mitu teatrit ja siis lahvatas teatriomanike vahel tõeline võistlusvõitlus publiku pärast. William Congreve'i komöödiate kohta ( riis. 36), kes nautis avalikkuse ees pidevat edu, lihvisid oma lavaoskusi mitu põlvkonda inglise näitlejaid. Näidendis “Vana poissmees”, “Kaksikmäng” ja “Armastus armastuse vastu” on esikohal sotsiaalne analüüs, mis põhineb täpsetel igapäevatunnustel.
Joonis 36 William CongreveCongreve'i uusim komöödia "See on see, mida te maailmas teete" paljastab portree tänapäeva mehest - Mirabellast. Kangelase eeliseks on tema kõla, loogiline arutluskäik ja vaimne lahkus. Näidendi keel on väga elegantne, tühja sõnamängu ja pompoossete fraasideta.
18. sajandil laienes repertuaar oluliselt draamateatrid. Etendused koosnesid mitmest vaatusest ning peale etendust lisandusid farss, pantomiim, muusikaline divertisment või klounide ja akrobaatide etteasted. Etenduse lõppu võiks kaunistada ka mõne populaarse näidendi või ooperi paroodia. Aastaid mängiti samu kuulsaid farsse, sõltumata terve õhtu programmist. Teatrirepertuaaris olid populaarseimad muusikalised divertisendid ehk vahepalad. Need võisid olla instrumentaalkontserdid või vokaaletendused, mis olid muusikasse seatud ja humoorikaid nimesid kandvad humoorika sisuga süžeed “Armastus ja õllekann”, “The. Shamed Dandy”, “Professori” naljateadused” jne.
Lisaks ballaadiooperile, farsidele ja vahepaladele ilmusid 18. sajandil teatrietendused nagu “elusad pildid” ja “tseremoniaalsed rongkäigud”. , nägi publik seda esimest korda,“ mis kujutas kuningas Henry VIII teise naise Anne Boleyni pidulikku kroonimistseremooniat. See saavutas publiku seas tohutu populaarsuse ja lavastati sõltumata sel päeval toimuvate etenduste teemast.
Mitmetunni keskne tuum teatrietendus Alati oli mõni näidend, mille valis enamasti teatritrupp ja mida prooviti pikka aega. Suurenenud konkurentsi tõttu püüdsid teatripidajad arvestada massilise publiku nõudmistega. Kuni 1868. aastani jagas repertuaari teatrite vahel Lord Chamberlain, kes juhtis kuninglikku majapidamist ja andis loa näidendi lavaletoomiseks. See süsteem võimaldas teatritel välja töötada individuaalse stiili. Londoni Duke'i teater oli kuulus oma segarepertuaari poolest, kuninglikus teatris eelistati W. Shakespeare'i ja B. Johnsonit ( riis. 3 7). Uute näidendite autoriteks olid nii elukutselised näitekirjanikud kui ka amatöörid, kes kirjutasid näidendeid mitte ainult raha pärast, vaid ka teatriarmastusest. Härrasmees, kes ei töötanud teatris, ehk teisisõnu “väline autor”, tegi teatriga kokkuleppel kuulsaid näidendeid ümber või komponeeris etendustele prolooge ja epilooge. Igal teatril olid oma näitekirjanikud ja "välised autorid". Paljud kuulsad näitlejad koostasid ka uusi etendusi, millest trupp meelsasti kaasa lõi.
Riis. 37. Ben JonsonMonarhid tellisid sageli näidendeid, pakkudes välja oma süžeed, mis mõnikord sündisid eksprompt ja mõnikord õukonnaaadlike nõuandel. Koos andekate ja tõsiste näidenditega toodi teatritesse tohutul hulgal ebakvaliteetse draama käsikirju, mis läbisid range valiku, põhjustades paljude autorite rahulolematust.
Teatrirühma poolt heaks kiidetud näidend pidi teatris esitamiseks saama kuningliku tsensori loa. Kuninglikus õukonnas määrati peatsensori ülesanded Lord Chamberlainile ja peatseremooniameistrile, kes juhtis riikliku tsensuuri institutsiooni. Näidendid võidakse keelata, kui need on kujutatud vägivaldne surm monarhid või Piibli tsitaatide sobimatu kasutamine. Stseen, mis käsitles kuninglikus õukonnas õitsenud altkäemaksu võtmist, võib juhul, kui tsensuur seda lubab, äratada kuninga viha ja viia tsensori vangistamiseni, kes mässu vahele jäi. Inglise näitekirjanduse ajaloos on selliseid juhtumeid olnud.
Kui 17. sajandi lõpul hoogustus arvukate moraaliparandusühingute tegevus, karmistus ka teatritsensuur, mis vigide ja tooride poliitilise võitluse ägenemise perioodil riigis võttis äärmuslikke vorme. 1737. aastal andis valitsus välja tsensuuriseaduse. Sellest sai teatrilubade seadus, mille alusel võisid eksisteerida ainult need teatrid, millel oli kuninglik tegevusluba. Kõik näidendid, eranditult, pidid olema tsenseeritud Lord Chamberlaini poolt. Näidendides oli autoritel keelatud puudutada poliitilisi küsimusi ja kritiseerida riigiametnikke.
Selle seaduse tulemusena tekkis teatritele riiklik monopol, st Londonis suleti kõik teatrid, välja arvatud kesksed - Covent Garden ja Drury Lane. Aktuaalset ja kriitilist laadi repertuaar kadus lavalt, puudusid välis- või sisepoliitilisi probleeme puudutavad improvisatsioonilised näidendid. Kuid vaatamata kõikidele tsensuurimeetmetele edastasid dramaturgid ja näitlejad konkreetseid teatrivõtteid ja allegooriaid kasutades publikule seda, mida nad avalikult väljendada ei saanud.
Kaks kuningas George II kunstilist konsultanti, kuulsad näitekirjanikud ja ettevõtjad William Davenant (1606-1683) ja Thomas Killigrew (1612-1683), kes said 1660. aastal kuningliku patendi teatrite avamise monopoolse õiguse eest, jagasid Londoni näitlejad omavahel. Killigru trupp sai tuntuks kui Kuninga trupp ja Davenanti trupist sai Yorki hertsogi trupp. Nendel truppidel ei olnud oma hooneid ja nad asusid erinevatesse etenduste jaoks kohandatud ruumidesse.
17. sajandi alguses ehitati Red Bulli teater Londoni kaguservale St. John Streetile. Ta esindas avatud tüüp ilma katuseta teater, mis muutis trupi töö sõltuvaks ilmastikuoludest. Neid ruume rentisid erinevad trupid, mõnel neist puudus tegevusluba ning teater suleti perioodiliselt seaduserikkumiste tõttu. Red Bulli teatrikeskkonnas valitses korralagedus ja rivid ning saali ei kogunenud isegi sadu pealtvaatajaid. Kehvades kostüümides näitlejad mängisid keskpäraselt ja kohati täiesti oskamatult. 70ndatel lõpetas Red Bull eksisteerimise ja hoone võttis üle vehklemisklubi.
Ka Cockpit Theateri ehitamine pärineb 17. sajandi algusest. See oli üsna avar telliskivihoone, mis asus Drury Lane'i keskosas. Teater sai oma teise nime - "Phoenix" - pärast 1617. aasta tulekahju ja kiiret taastamist. Teater eksisteeris umbes 60 aastat ja lammutati, kuna see ei vastanud enam tänapäevastele nõuetele.
Restaureerimise esimestel aastatel, nimelt 1629. aastal, ehitati Londonis kolmas teater – Salisbury Court. 1652. aastal sai selle omanikuks Inglismaa silmapaistev teatritegelane William Beeston, kes sai rangest keelust hoolimata Oliver Cromwelli karmi režiimi ajal lavastada mitmeid etendusi ja keda peeti üheks parimaks teatriõpetajaks. Ta alustas revolutsiooni ajal haletsusväärsesse seisukorda viidud teatrihoone rekonstrueerimist. Tema kavandi järgi tõsteti katust 30 jalga ja lava kohal asuvas ruumis a tantsutund. Oluliselt laiendati bokse ja bokse, mida ümbritsesid galeriid. Teatrihoone ei elanud üle 1666. aasta Londoni tulekahju.
7. mail 1663 avati kuulus Inglise Drury Lane'i teater, mis on tänaseni Londoni juhtiv teater. Esimene etendus, mis selle laval toimus, oli F. Beaumonti ja D. Fletcheri näidend “The Wayward Centurion”. Teater ehitati Drury Lane'i ja Bridges Streeti vahele.
Hoone oli ümara kujuga. Teatris olid avarad müügiletid ja luksuslikult kaunistatud boksid. Prostseenikaar oli kaunistatud peene kaunistusega. Hoolimata liiga suurest kaugusest lavalt kastideni, kitsastest käikudest kioskites ja orkestri kahetsusväärsest asukohast oli sellel teatril oma eelkäijate ees olulisi eeliseid. Kioskites olid pingid paigutatud kontsentriliste poolringidena, moodustades amfiteatri. Kioskeid ümbritsesid kaks kastitasandit, mis olid eraldatud vaheseintega ja sisaldasid mitut rida mugavaid toole. Selleks ajaks lubati naistel olla koos meestega boksides.
Suurem osa publikust istus kioskites, mida valgustati päeval läbi tohutu klaaskupli, mis kroonis hoone tippu. Ühe tugeva vihmasaju ajal langesid pealtvaatajatele pähe veejoad, mis tekitasid avalikkuses ägedat nördimust. Õhtul olid müügiletid küünaldega valgustatud. Bokside pingid olid kaetud rohelise riidega.
Kioskite alumise astme keskel oli kuninglik kast, mida kaunistas kullatud Apollo figuur ja Inglismaa riigivapp. Kui kuningliku pere liikmed esinemisel ei viibinud, müüdi kuningliku boksi piletid kõigile.
25. novembril 1672. aastal puhkes teatris tulekahju, mis hävitas täielikult nii teatri ruumid kui ka kõrvalhooned. Kuninglik teater, kes oli sunnitud mitu aastat uute ruumide jaoks raha koguma, sai alles 1674. aastal kuulsa arhitekti Christopher Wreni projekteeritud hoone. Tuba ei paistnud millegi erilisega silma ning oli lihtne ja kunstitu. Kioskid olid amfiteatri kujulised, kus pealtvaatajad istusid riidega polsterdatud ja seljatoeta pinkidel. Inimesed istusid kõik koos: õilsad daamid ja härrad, aga ka kerge voorusega daamid, kes esinemise ajal flirtisid ja juttu ajasid; mõned mängisid kaarte, ei pööranud näitlejatele tähelepanu. Otse lava ees, alumise galerii varikatuse all, asusid kõige kallimad istmed ning ülemisse galeriisse tunglesid kõige vaesemad pealtvaatajad.
Yorki hertsogi trupi jaoks ehitati 1671. aastal sama Christopher Wreni kavandi järgi Londoni Dorset Gardeni linnaossa teater, kus asus draama- ja ooperimaja. Seda eristas arhitektuur ja kaunistuste luksus. Teatri fassaad oli vaatega Thamesile ja seda kaunistas Yorki hertsogi vapp. Ülemine korrus oli mõeldud kuulsate inglise näitlejate korteriteks.
Teater mahutas umbes 1200 pealtvaatajat ja hämmastas oma interjööri ilu. Prostseenikaare nikerdas barokkstiilis tuntud puunikerdaja Grinling Gibbons ja see kullas rikkalikult. Auditooriumi interjöör oli Prantsusmaa parimatest teatriinterjööridest palju ilusam ja mugavama planeeringuga. Amfiteatri kujuga kioskites ei olnud peaaegu mingit müra kuulda. Parter oli ümbritsetud seitsme kastiga, mis mahutasid 20 inimest, millele järgnesid 7 esimese astme kasti ja veelgi kõrgemal - nagid.
Riis. 38. John VanbrughPäris 18. sajandi alguses, 1705. aastal, mängis Londonis näitekirjanik John Vanbrugh ( riis. 38) ehitati esimene ooperimaja, mis sai kuninganna Anne auks tuntuks kui Kuninganna ooperimaja. Nende etenduste hiiglaslik lava ja spetsiifiline akustika ei sobinud dramaatilistele etendustele, mistõttu lauljad ja muusikud asusid teatrisse elama. See teater eksisteeris peaaegu 85 aastat. Kuna see ei pääsenud paljude Londoni teatrite saatusest, hävis see hoones puhkenud tulekahjus. laod 17. juunil 1789. aastal.
Inglismaa taastamise ja kultuuri edasise arengu perioodil XVIII alguses sajandite jooksul on teatrid oluliselt muutunud. Nende arhitektuur on muutunud keerukamaks vastavalt suurenenud nõuetele. Teatrite interjöör ja sisekujundus peegeldas nende omanike jõukust. Lavakujundus ühendas Shakespeare'i platvormi lava ja boksilava portaaliga, mis eraldas seda publikust. Lava esiosa, mis ulatus auditooriumi, muutus ovaalseks. Ilmusid lavatagune ja kunstnike maalitud maastik.
Etenduse põhiosa toimus prostseenil. Lõpu poole pidid näitlejad tulema ette lava ovaalsesse ossa, mis oli vaatajale lähemal ja palju paremini valgustatud. Lava sisemus, kus asus dekoratsioon, oli hämaruses, mis tekitas kogu etenduse vältel müstika tunde. Küünlad, mille piisavaks valgustamiseks oli vaja palju suur hulk, olid kallid ja olid luksus, mida teatriomanikud lubasid endale ainult kuningliku perekonna liikmete huvides. Nõrk värelev valgus ja õõtsuvad varjud seintel tekitasid teatrietenduses tunde millegi üleloomulikust. Lava enda tasapind oli kerge kaldega prostseeni poole, mida kaunistas pidulik nikerdatud kaar, kuhu olid paigaldatud bareljeefid ja skulptuurid ning vilunud käsitöölised lõigati välja keerulised kaunistused ja kogu asi kaeti kullaga. Taastamise ajal peeti inglise näitlejaid ametlikult kuninglikus teenistuses. Kuningliku teatri näitlejad kandsid punasest riidest punase sametiga kaunistatud kuninglike teenijate mundrit, kuid tegelikult peeti neid ühiskonnas madalaima klassi esindajateks. Nad said väikest palka, mille nimel tuli kõvasti tööd teha.
Näitlejatel pidi olema füüsiline vastupidavus, et taluda pikki tunde proove ja etendusi. Ruume, kus esinemiste vahel viibis mitu inimest, ei köetud. Eraldi ruumi kaminaga võimaldati vaid erandjuhtudel. Tihti pidi näitlejatrupp kohe pärast edukat esietendust hilisõhtul etendust kordama kuningalossi õukonnateatris. Vaid suurepärase mäluga võiks näitleja lühikese aja jooksul pähe õppida ühes etenduses mitme rolli tekstid või mitme etenduse erinevad rollid.
Teatrihooajal, mis suvel kuningliku perekonna Londonist lahkudes katkes, raha teenida polnud võimalik. Töö katkes epideemiate, tulekahjude, üleujutuste, usupühade või kuningliku perekonna leina tõttu. Tsensuuri või lihtsalt kuninga või kammerhärra märkuse tõttu suleti ka teater määramata ajaks.
Enamik näitlejaid üüris teatri lähedal eluasemeid, et mitte kulutada raha reisimisele. Rikkad näitlejad võiksid endale lubada elada Londoni mainekates piirkondades. Kui teatriomanikud olid huvitatud teatud näitlejast (ja enamasti olid nad näitlejad), siis asusid nende korterid teatrimajas endas või selle kõrval asuvates hoonetes.
Inglise seadused seisid alati rikaste inimeste poolel nende kaklustes või duellides näitlejatega, kuigi kohtus käsitletud juhtumid tekkisid nende süül. Näitleja solvamine või alandamine ei maksa midagi. Seda peeti aadliklassi seas normaalseks.
Restaureerimise ajal ilmusid Inglise teatri lavale näitlejannad, kes asendasid naiselikke naisterõivastesse riietatud noormehi. Naisrollide mängimiseks pidid noormehed mitu aastat õppima. Esimestel naisnäitlejatel pidi olema piisavalt tahtejõudu ja kodanikujulgust, et minna lavale sellises puritaanlikus riigis nagu Inglismaa ja praegu. naise pilt kogu oma võlus.
Esimesed näitlejannad tulid teatrisse erapansionaatidest. Kõik nad olid tagasihoidlikku päritolu ja õppisid internaatkoolides kirjaoskust, diktsiooni, muusikat ja tantsu. Kodanliku klassi tüdrukud tulid teatrisse tantsuõpetajate ja erakoorijuhtide soovitustega. Paljud imelised näitlejannad olid pärit näitleja taustast. Ajal, mil naiste haridus oli väga madalal tasemel, hakkas näitleja elukutse paljudele tüdrukutele paljutõotav ja ahvatlev tunduma.
Teater avas neile tee kodumaisest türanniast vabasse maailma, mis andis märkimisväärseid võimalusi isiklikuks arenguks. Kuid samal ajal langesid noored talendid, kes ei suutnud endale minimaalset elatusressurssi tagada, jõukate härrasmeeste mõju alla ja neist said nende hoitud naised. Rikka härrasmehe palgal näitleja – see nähtus oli väga levinud ja täiesti seaduslik. Noored näitlejannad ise ihkasid saada hoitud naisteks ja sageli lahkusid mitu aastat teatris näitlemist õppinud tüdrukud teatrist 1-2 aastaks sellise hoolduse pärast, misjärel leidsid nad enamasti peavarju Londoni bordellides. Lavale jäid vaid need, kes kogu hingest näitlejaametile pühendusid. Enamasti olid need näitlejate naised.
Inglise näitlejad pidid elatise teenimiseks sageli reisima teistesse riikidesse. Kohati olid need reisid väga eluohtlikud. Näitlejad pidid sageli nälga ja kogema igasuguseid raskusi. Nad esinesid reeglina väljakutel ja vabaõhuturgudel. Keeleerinevusele vaatamata võeti inglise näitlejad erinevates Euroopa riikides väga hästi vastu, nende klassikaline näitlemisstiil ja näitlejaoskused äratasid nende kaasaegsete seas imetlust. Renessansiajal demonstreerisid inglise näitlejad oma oskusi Saksamaal, Hollandis, Taanis ja Prantsusmaal.
Lisaks dramaatiliste näitlejatele käisid Prantsusmaal ringreisil inglise akrobaadid, miimid ja tantsijad. Vennad Wooltonid avasid Prantsuse valitsuse loal Dijonis tsirkuse. Kuulus näitleja Thomas Betterton külastas Inglismaa valitsuse tellimusel Prantsusmaad. Ta pidi end kurssi viima teatrite repertuaari ja ülesehitusega.
Prantsuse näitlejad tulid ringreisile ka Inglismaale, kuid Londoni kogenud publik suhtus nende etteastesse põlgusega. Teatrirekvisiit ja külalisesinejate saatjaskond oli pretensioonitu ning etendused kujunesid tuimaks ja ebahuvitavaks. Selle põhjuseks oli asjaolu, et ringreisidel käisid peamiselt madala sissetulekuga näitlejad.
Esimesena jõudsid Itaaliast Inglismaale nukuteatri kunstnikud. Nende esitus avaldas kuningale suurt muljet ning ta autasustas nukutrupi peaosatäitjat medali ja kuldketiga. Ringreisile tulnud Itaalia näitlejad nautisid kuninga erilist soosingut. Etendusteks anti neile kuningalossis Whitehall. 18. sajandil juurdus Itaalia ooper Londonis ja seda külastas peamiselt Londoni aadel. Tema inglise aristokraatia rafineeritud maitse järgi loodud repertuaar võlus Londoni suhtlusringkondi.
Ooperid esitati esmalt inglise keeles, kuid see muutis nende esitamise keeruliseks, põhjustades lahknevusi muusikalise teema ja itaaliakeelse teksti ingliskeelse tõlke vahel. Hiljem laulsid inglise ja itaalia esitajad aariaid omas keeles, veel hiljem esitati kõik aariad itaalia keeles. Publik sai sisust vähe aru ja tajus laval toimuvat vaid mehaanilise lõbuna, mis ei tekitanud ei kaastunnet ega järelemõtlemist. Paljud silmapaistvad pedagoogid Inglismaal pidasid itaalia ooperit invasiooniks rahvuskultuur tekitades talle olulist kahju.
Käsikirjalises vormis uued näidendid toodi ülevaatamiseks ja kinnitamiseks otse teatrisse. Tavaliselt esitas esimesed lugemised autor. Taju sõltus suuresti tema dramaatilistest võimetest. uus näidend näitlejad. Mõnda näidendit pidi autor mitu korda läbi lugema, et anda näitlejatele edasi oma ideed ja paatos teosest. Pärast autori ettelugemisi vajasid paljud näidendid montaaži ja revideerimist kuulsate näitlejate poolt, kes kirjutasid rollid meelevaldselt ümber, kohandades neid kaaslaste kommete või iseloomudega. Mõnikord parandasid sellised toimetused näidendeid märkimisväärselt ja mõnikord kirjutati näidendid peaaegu täielikult ümber, et täita need "elava sisuga".
Rollid jagati teatriomaniku otsesel osalusel, kes ise oli tavaliselt üks peaosatäitjaid. Sees peamine roll ametisse määrati sel perioodil populaarne näitlejanna, sõltumata sellest, kas ta sai rolliga hakkama või mitte. Mõnikord rikkus populaarse näitlejanna esinemine tema rollile mitteiseloomulikus rollis etenduse mulje täielikult. Kuid juhtus, et kuningas ise osales rollide jagamisel.
Tunnustatud andekatel dramaturgidel oli õigus valida oma etendustes osalema näitlejaid. Ja nad kirjutasid näidendid, võttes arvesse, kes täpselt seda rolli mängiks. Kuid näitleja peamine roll oli selles küsimuses siiski määrav. Publikul kujunes tegelasest välja teatav stereotüüp ja publik võis teatris mässu tekitada, kui etendusse kaasatakse mitte peaosatäitja, vaid tema alamõpilane. Siis tuli etendus pooleli jätta, sest lavale lendas igasuguseid esemeid, sealhulgas põlevaid küünlaid.
Esietenduse ettevalmistamine võttis aega vähemalt kuu. Lavastamist kui sellist tollal veel ei eksisteerinud ning proovide käigus võis tekstis teha mitmesuguseid volitamata muudatusi. Pärast selliste etenduste vaatamist kurtsid näitekirjanikud, et neilt on röövitud vähemalt tuhat rida. Sageli võttis dramaturg etenduse lavastaja rolli. Ta hoolitses rollide tootmise ja töö korraldamise eest. Samuti arendas ta misanstseeni ja tegelaste liikumist lavaruumis kuni žestide ja plastilisuseni välja.
Proovid algasid hommikul ja lõppesid enne esinemist. Need toimusid erineval moel, sageli lärmakad ja segased, kuid mõnikord osutusid need üsna professionaalseteks. Õhtune aeg pärast etendusi oli eraldatud uute tekstide päheõppimiseks ja tantsude õppimiseks. Märksa vähem kulus näitlejate aega ja vaeva varem mängitud näidendi taastamisele teatri repertuaari. Selleks ei kulunud rohkem kui kaks nädalat.
Mõnikord viis liiga rutakas etenduste ettevalmistamine selleni, et näitlejad ei tundnud teksti hästi. Siis kandsid nad lavale sellist kääksatust, et seltsimehed ei pidanud valju naeru vastu ja iseloomust välja minnes segasid etendust. Sageli puudus teatritruppides range distsipliin ja mõne näitleja vastumeelsus oma diktsiooni kallal töötada. Selle tulemusel tekitas nende esinemine publikus ärritust ja rahulolematust, sest publiku hulgas oli võimatu välja tuua ühtegi sõna, mida selline näitleja ütles.
Mõned näitlejad lubasid end rafineeritult kaunistada autori tekste oma kompositsiooni helgete väljenditega. Selliste amatöörautorite terved lõigud põhjustasid etendustele korvamatut kahju ja rikkusid näitekirjaniku mainet. Üks neist innukatest näitlejatest, John Lacy, arreteeriti kuninga käsul. Seda seetõttu, et ta pidas spontaanselt suure paatosega kõnesid ja laiendas linnapahede registrit näidendis "Kroonide vahetus", millest võttis osa Karl II. Mõned koomiksinäitlejad lasid endale mitu minutit publikuga vestelda. Oli asjatu keelata neil seda teha ja autorid kirjutasid selliste näitlejate omadusi arvesse võttes autori märkmetesse: "Jätkake samas vaimus" või "Esineja äranägemisel".
Pikkadeks aastakümneteks jäi etenduse ettevalmistamine inglise draama nõrgaks kohaks. Tasulisi näidendite peaproove pealtvaatajate kutsel hakati harrastama 18. sajandil. Kõigepealt tutvustasid neid ooperiteatrid ja hiljem draamamajad.
Etenduse saatus sõltus paljudest asjaoludest, kuid selle edu määras täielikult esietenduse päev. Kõige rikkalikumad honorarid sai teater ajavahemikus novembrist veebruarini. Esilinastuse päev valiti konkreetselt. Vaatasime, kas Londonis ei toimu sel päeval muid massiüritusi, mis võiksid teatri hukutada saalis vaatajate täielikule puudumisele. Laupäeva peeti esilinastuse parimaks päevaks.
Suflöörile anti etenduse ettevalmistamisel üsna oluline koht. Ta kirjutas iga rolli näitlejatele eraldi loetavalt ümber ja tasu eest köitis poognad kaanega raamatuks. Nende raamatute lehtedele tegid suflöörid näitlejatele märkmeid ja kommentaare, tehes etenduse kulgu omapoolseid korrektiive. Lisaks paberile, pastakatele ja tindile olid suflööri inventaris alati ka kell ja vile. Vilehelin pani maastiku liikuma ja liikuma ning kell andis orkestrile teada muusikalisest sissejuhatusest.
Tähtis struktuurielement etendusel oli muusika. Ta lõi erilise emotsionaalse õhkkonna, ühendades esinejad publikuga. Muutuv muusikaline teema teoseid etenduse ajal, sellele oli võimalik anda erinevaid tähendusvarjundeid. Paljud näitekirjanikud töötasid spetsiaalselt koos heliloojatega, et luua nende näidendite jaoks muusikalisi numbreid, mõistes, kui oluline roll on muusikal ja üksikisiku kõlal. muusikariistad.
Dramaturgid armastasid eriti viiulit, flööti ja oboed. Londoni aristokraatia eelistas kitarri, mida mängisid seltskonnategelased ja daamid. Teatriorkestrite viiulite arv ulatus mõnikord 24-ni. Klavessiin oli alati kohal.
Orkestri asukoht teatris muutus mitu korda. Algul asus see lava kohal, lavaruumi sügavuses. Publik muusikuid näha ei saanud. Kohta, kus muusikud olid, kutsuti "muusika pööninguks". Hiljem liikus ta alla ja sättis end lava ja bokside vahele ning veel hiljem vajus madalamale, lava alla. Orkestri positsioon teatris muutus mitu korda, liikudes madalamalt tasemelt ülemisse ja uuesti tagasi.
Kuid ükski etendus ei toimunud ilma muusikalise saateta. Seal, kus etenduses anti vähimgi võimalus muusikanumbriks, kasutati seda kindlasti ära. Shakespeare'i ja teiste varasemate autorite näidendites ilmusid muusikalised vahetükid, vokaalaariad ja tantsustseenid. Muusika kasutamine elavdas lavastust. Etenduse kaunistamiseks kirjutasid dramaturgid spetsiaalselt mustlaste, rändlauljate või rõõmsate külaliste rollid, kes laulsid ja tantsisid, põhjustades publiku rõõmsat elavdamist.
Enne etenduste algust kõlas alati meeldiv muusika, mis vabastas publiku ootamise igavusest. Paljud pealtvaatajad tulid spetsiaalselt ette, et nautida muusikateoste suurepärast esitust.
Muusikaline avamäng (nõutav "in prantsuse stiil") eelnes näidendi proloogile. “Eesriidemeloodia” lõpetas iga vaatuse. See meloodia sai alguse tegelaste viimaste ridade ajal. Järgmine vaatus algas muusikalise sissejuhatusega. Etenduse lõppu tähistati sageli üldtants näitlejad, kes tantsisid Inglismaal populaarset chaconne'i tantsu. Muusika saatis näitlejate ja lahkuvate vaatajate kummardusi, kuni saalis enam kedagi ei olnud.
Muusikaliste numbrite arv näidendis varieerus olenevalt näidendi žanrist. Tragöödia sisaldas mitte rohkem kui kahte laulu, komöödias võis olla rohkem kui viis. Muusikat tuli mängida pidusöökide, pulmade ja matuste stseenides. Thomas Durfey komöödias oli üle kahekümne muusikalise numbri. Sel ajastul tekkis uut tüüpi draamalavastus, mida meie ajal nimetatakse operetiks.
Armastajad kannatasid serenaadide all, teenijad koostasid oma isandatest satiirilisi kupleid, eepilised kangelased nad laulsid ballaade ja tänavapoisid laulsid rikaste paroodiaid. Kõik see nihutas žanri piire, rikastas etendust uute detailidega, lisades näitlejate esitustele värvi. Tegelaste dialoogidega funktsionaalselt põimunud muusika mängis etenduse psühholoogilise haripunkti rolli. Selline esitus ei saanud muud kui puudutada inimese sügavaimaid tundeid, äratades samal ajal tema mõtteid.
Tantsuminiatuurid olid draamalavastuse lahutamatuks osaks nagu muusika. Ja pole vahet, kas see oli tragöödia või komöödia, tavaline farss või paroodianäidend. Need tantsuminiatuurid arendati hiljem balletiks, millest sai iseseisev draamakunsti vorm.
Näitekirjanikud ja teatriomanikud andsid suur väärtus tantsurepertuaar mitte ainult etendustest, vaid ka vahetundidest. Vahetundidel, meelitades publikut tuliste meloodiatega, hoidis administratsioon teatris rahulikku õhkkonda, tõmmates sellega kõige tulihingelisemate vaatajate tähelepanu kõrvale vältimatutest kaklustest.
Londoni plakatitel märgiti koos näidendi nimega ka tantsude nimed, mida avalikkusele pakutakse. Populaarsed olid rahvustantsud, nende hulgas pälvisid erilist tähelepanu Šoti, Hispaania, Iiri jigi ja koomilised tantsud. Koreograafia oli dramaatilise näitleja oskuste lahutamatu osa. Ja vaataja eelistas üha enam vaadata lõbusat muusikalist etendust koos laulude ja tantsudega, pööramata tähelepanu näidendi süžeele. Teatri põhieesmärk – harida tundeid ja arendada mõtlemist – andis teed lõbule ja meelelahutusele.
Keskajal jooksid mõned päevad enne etenduse algust lipuloojad ehk heeroldid mööda linna identifitseerimislippudega ringi, hüüdes imenäidendi nime, mida pidi esitama rändteatri trupp. Pikka aega säilis kutseliste teadaannete suuline vorm, mille tekste riimiti ja hääldati muusikariistade saatel. Londonis oli teatriteadetega kaasnev valju müra keelatud, kuid provintsilinnades tõmbasid trompeti- ja trummiheeroldid oma teatritesse alati palju rohkem vaatajaid kui kirikukell kirikusse. Rändnäitlejate etendusele võis mõne minutiga koguneda üle tuhande vaataja.
aastani jätkusid iidsed traditsioonid eelseisvast teatrietendusest välja kuulutada XVIII lõpp sajandil. Trummar ja hüüdja olid selle ajastu Inglismaa maapiirkonna maitse lahutamatu osa. Kui trummar tõmbas linnaelanike tähelepanu oma keeruka trummimänguga, siis heerold hõikas välja kogu info eelseisva etenduse kohta ning jagas saateid, mis näitasid näidendi nime ja etenduse algusaega.
Londonis heisati teatrihoone kohale lipp päeval, mil pidi toimuma etendus. Selle alguse aega teatati trompeti saatel ning teatri pööninguaknast puhus trompetist teatud ajavahemike järel kolm trompetit.
Esimene teatriplakat ilmus Prantsusmaal 16. sajandi teisel poolel. Inglismaal ilmusid plakatid palju hiljem, alles 1564. aastal. Käsitsi kirjutatud plakatid riputati tavaliselt postidele teatri lähedal, kõrgkoolide ja õppeasutuste väravate juures, tiheasustusaladel. Plakatil paistis suurte tähtedega silma teatri ja etenduse nimi. Selle ülaosas oli riigivapp ladinakeelse kirjaga "Elagu kuningas!" 18. sajandil hakati plakatile näitama etenduses osalenud näitlejate koosseisu ja etenduse algusaega. Näitekirjaniku nimi ilmus esmakordselt 1699. aastal näitekirjale. See oli komöödia Double Game autori William Congreve'i nimi. 1700. aastal keelas Londoni Suur Kohus teatritel oma plakateid linnas ja selle lähiümbruses üles riputada.
Ajalehed hakkasid avaldama teateid eelseisvate etenduste, nende autorite ja näitlejate kohta. Sealt võis koos reklaaminfoga leida raamatupoe aadressi, kus näidendi teksti müüdi. Daily Courant avaldas selliseid reklaame regulaarselt 1702. aastal, millele järgnesid 1920. aastatel Daily Post ja Daily Journal. Sel ajal sisaldasid teatriteated lisaks teabele etenduse enda kohta selliseid üksikasju, kelle palvel (üks kuninglikest isikutest või aadlidaam) etendus toimus, kohtade hindu kioskites, boksides ja galeriides, jne. Mõnel juhul palusid omanikuteatrid kirjastajatel lisada paar rida, mis iseloomustavad näitlejate etendusi või on seotud näidendi sisuga.
1702. aastal tühistati Londonis esitusarvete esitamise keeld. Linnatänavatele hakkasid taas ilmuma mustad ja punased plakatid. Punased olid kallimad ja trükiti reeglina esilinastuse või kasuetenduse päeval.
Tänavatel sai oranži müüja käest osta väikese plakati ja väikese altkäemaksu eest teatas ta viimastest teatriuudistest või viis mõnele näitlejannale kirja. Teatriomanikud palkasid need kauplejad spetsiaalselt vahetundide ajal puuvilju ja maiustusi müüma ning nõudsid neilt selle eest teatud tasu. Sellised kauplejad olid kõige väärtuslikumad teabeallikad teatri telgitaguse elu kohta, osavamad ja leidlikumad neist suutsid kaubavahetuse ja ajalehemeestega tehingute kaudu endale märkimisväärse varanduse teenida.
Londoni teatrite teatriprogrammid ilmusid 18. sajandi 60. aastatel pärast regulaarseid prantsuse näitlejate ringreise. Nende värvikalt kujundatud programm 18 leheküljel esitas üksikasjaliku kirjelduse masinavärgist, mille abil näidendi kangelane Orpheus põrgusse laskub. Kaanel olev tekst näitas, kust süžee on võetud, samuti kes ja kus seda etendust täpselt esitab. Ingliskeelsetes saadetes võidi aja kokkuhoiu mõttes anda pikkade tähtede tekste, mida publik sai ette lugeda ja lavastuse tegevus seega publikut pealesunnitud igavate stseenidega ei häirinud. Mõnikord trükiti näidendi proloog ja järelsõna eraldi lehtedele ja müüdi enne etenduse algust maha. Iga etenduse lõpus tehti teade järgmise esinemise kohta. Avalikkuse reaktsioon (heakskiit või nördimus) teatri juhtkonna ettepanekule määras eelseisva etenduse saatuse.
Teatrilehtede kroonikad kirjeldasid peensusteni kõike, mis teatrilavadel ja lava taga toimus. Tähelepanu keskmes olid ka sündmused, mis auditooriumis lahti rullusid, sealhulgas kaklused jõhkrate nautlejate vahel. See sisaldas ka lord Chamberlaini dekreete ja kuningliku tsensuuri kommentaare ning kajastas ka kõrgete välismaa kõrgete aukandjate teatrikülastusi, kes olid Londoni teatrite sagedased külalised.
Rahvast täis teatrisaal kujutas endast Inglise ühiskonna peegelpilti. See oli koht ärikohtumisteks ja armusuheteks. Noored said kiidelda oma teenete ja annetega ning vanemad võisid näidata oma tütreid abielukõlblike tüdrukutena. Külalised maarahva rikkad, olles näinud piisavalt pealinna moetegijaid, tõid oma kodudesse uusi muljeid ja moekaid rõivaid.
Teatrisse kogunesid inimesed erinevatest klassidest, kirglikult ja siiralt draamakunsti vastu, mõnikord kõige ootamatumates ja värvikamates kombinatsioonides. Parimad kohad kioskites olid alati hõivatud õilsate inimeste ja kriitikute poolt. Publik kioskites oli segane ja seetõttu said kioskid sageli lärmakate vaidluste ja kakluste kohaks, mis sageli läksid duellideks.
Keskmine galerii oli ette nähtud kergete voorustega naistele, kes ilmusid teatrisse maskidega varjates. Ülemises galeriis asusid härrasmeestega kaasas olnud teenijad ja vabad pealtvaatajad.
Nii eriilmelise publiku reaktsiooni etendusele oli raske ennustada ja seda keerulisem oli näitlejate ülesanne publiku tähelepanu allutada. Aga see on ilmselt teatrikunsti maagiline mõju, kui näitlejate oskused ja emotsioonid köidavad ja kannavad endaga etenduse ruumi selle kirgedes vahel ohjeldamatu parteri ja rafineeritud tunnetest kauge galerii.
Draamakunst ilmus Suurbritannias üsna kaua aega tagasi. See pärineb tänavaetendustest, mida peeti kirikupühadel ja mis toimisid omamoodi moraaliõpetusena. Renessansiajal muutusid kõik kunstivaldkonnad oma olemuselt ilmalikumaks ja eemaldusid religioossetest teemadest. Just sel ajal tekkis toonane revolutsiooniline teater, kus nüüdseks maailmakuulus W. Shakespeare näidendeid lavastas.
Teatri kaasaegne areng püüdleb äärmusliku realismi poole kõigis selle sfäärides, mõeldes ümber ka klassikalisi süžeesid. Nüüd hämmastab Inglismaa teatrid mitte ainult huvitavate etendustega, vaid ka originaalne arhitektuur, aga ka ebatavalisi lavastajaotsuseid.
Kui plaanite reisi Londonisse, külastage kindlasti Piccadilly teatrit. See on eksisteerinud enam kui kaheksa aastakümmet ja rõõmustab teatrikunsti austajaid mitte ainult kaasaegse, vaid ka traditsiooniliste klassikaliste lavastustega.
Londoni üks vanimaid teatreid on Aldwychi teater, mis on kogu linna koondanud juba üle sajandi. Kunagi astusid selle laval üles sellised kuulsad näitlejad nagu Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone jt.
Elujõuliste muusikalavastuste fännid peaksid külastama New Londoni teatrit. Just muusikalid tõid piisavalt noorele teatrile eelmise sajandi 70-80ndatel tõeline kuulsus noorte seas. Siiani rõõmustab see publikut maailmatasemel lavastustega, särtsakate lavaesinemiste ja hea muusikaga.
Teine Londoni teater kuulus esinemiste poolest muusikalide ja komöödianäidendite stiilis – Shaftesbury teater. Mitte kaua aega tagasi tähistas see oma sajandat sünnipäeva – teatri töö ei katkenud isegi Teise maailmasõja ajal. Selle teatri hoone väärib erilist tähelepanu oma ebatavalise antiikse disaini tõttu.
Londoni kaasaegsete teatrite hulgast paistab silma Pincocki teater. Oma uuendusliku lähenemise tõttu klassikalisele draamale konkureerib see piisavalt vanade teatritega. Laval kasutatakse sageli kaasaegse tänavatantsu elemente ja isegi akrobaatilisi etteasteid, et suurendada näidendi mõju.
Suure ooperiteatri hoone Belfastis avaldab muljet oma iluga. 19. sajandil ehitatud see pole mitte ainult idamaises stiilis arhitektuuriline maamärk, vaid rõõmustab teatrisõpru ka klassikalise repertuaari ja suurepärase akustikaga.
Kuninglikku Drury Lane'i teatrit nimetatakse Suurbritannia peamiseks dramaatilise kunsti keskuseks. See asub Londonis ja mängis olulist rolli teatri arengus riigis. Selle eksisteerimise ajal õnnestus selle lava külastada paljudel kuulsatel näitlejatel.
Veel üks arhitektuurimälestis Suurbritannia on Tema Majesteedi teater. Teater loodi 18. sajandi alguses ja 19. sajandi lõpuks kolis suurde uude majja, kus asub siiani. See kujutab endast tohutut ajaloolist ja kultuuriväärtus, ja klassikaline repertuaar meeldib kõigile selle kunstivormi austajatele. See teater asub Londonis, Westminsteri lääneosas.
Kui teil on kunagi võimalus külastada Inglismaa linna Stratfordi, külastage kindlasti Royal Shakespeare'i teatrit.
Shakespeare'i teater The Globe on üks vanimaid teatreid Inglismaal. Globe asub Thamesi lõunakaldal. Teatri kuulsuse tõid ennekõike Shakespeare'i teoste esimesed laval. Hoone ehitati erinevatel põhjustel kolm korda ümber, mis moodustab Shakespeare'i teatri rikkaliku ajaloo.
Shakespeare'i teatri tekkimine
Globe Theateri ajalugu ulatub aastasse 1599, mil Londonis, kus teatrikunsti on alati armastatud, ehitati üksteise järel avalikke teatrihooneid. Uue areeni ehitamiseks kasutati ehitusmaterjale - teisest hoonest üle jäänud puitkonstruktsioone - kõige esimene avalik teater loogilise nimega "Teater".
Teatri algse hoone omanikud, perekond Burbage, ehitasid selle 1576. aastal Shoreditchi, kus nad rentisid maa.
Kui maa renditasud tõusid, lammutasid nad vana hoone ja vedasid materjalid Thamesi, kus püstitasid uue hoone – Shakespeare's Globe'i teatri. Kõik teatrid ehitati väljaspool Londoni omavalitsuse mõju, mida seletati võimude puritaansete vaadetega.
Shakespeare’i ajastul toimus üleminek amatöörteatrikunstilt professionaalsele kunstile. Tekkisid näitetrupid, mis algselt juhtisid rändeksistentsi. Nad reisisid linnadesse ja näitasid laatadel esinemisi. Aristokraatia esindajad hakkasid näitlejaid oma patrooni alla võtma: nad võtsid nad oma teenijate ridadesse.
See andis näitlejatele ühiskonnas positsiooni, kuigi see oli väga madal. Truppe nimetati sageli selle põhimõtte alusel, näiteks "Lord Chamberlaini teenijad". Hiljem, kui James I võimule tuli, hakkasid näitlejaid patroneerima ainult kuningliku perekonna liikmed ning truppe hakati nimetama ümber “Tema Majesteediks Kuninga meesteks” või teisteks kuningliku pere liikmeteks.
Globuse teatri trupp oli näitlejate partnerlus aktsiatel, s.o. aktsionärid said etenduste tasudest tulu. Vennad Burbage, aga ka trupi juhtiv dramaturg William Shakespeare ja veel kolm näitlejat olid Globe'i aktsionärid. Kõrvalnäitlejad ja teismelised olid teatris palgal ega saanud etendustelt tulu.
Londoni Shakespeare'i teater oli kaheksanurga kujuline. Globe'i auditoorium oli tüüpiline: ovaalne katuseta platvorm, mis on piiratud suure seinaga. Areen sai oma nime tänu sissepääsu juures asuvale maakera toetanud Atlase kujule. Seda palli või maakera ümbritses lint, millel oli endiselt kuulus kiri " Kogu maailm on teater» ( sõnasõnaline tõlge- "Kogu maailm tegutseb").
Shakespeare'i teater mahutas 2–3 tuhat vaatajat. Kõrge seina siseküljel olid karbid aristokraatia esindajatele. Nende kohal oli jõukate inimeste galerii. Ülejäänud asusid lava ümber, mis ulatus auditooriumi sisse.
Etenduse ajal oodati pealtvaatajaid püsti seisma. Mõned eriti privilegeeritud isikud istusid otse lavale. Piletid rikastele inimestele, kes olid valmis maksma kohtade eest galeriis või laval, olid palju kallimad kui kioskites – lava ümber.
Lava kujutas endast umbes meetri kõrgust madalat platvormi. Laval oli lava alla viiv luuk, kust tegevuse edenedes tekkisid kummitused. Laval endal oli väga harva mööblit ja dekoratsioone üldse. Laval polnud kardinat.
Tagumise lava kohal oli rõdu, millel etenduses lossis esinevad tegelased. Ülemisel laval oli omamoodi platvorm, kus toimusid ka lavalised aktsioonid.
Veel kõrgemal oli onnilaadne ehitis, kus mängiti stseene väljaspool akent. Huvitav on see, et kui etendus Gloobusel algas, riputati selle onni katusele lipp, mis paistis väga kaugelt ja oli signaaliks, et teatris toimub etendus.
Areeni vaesus ja teatav askeetlikkus määrasid, et kõige tähtsam laval toimuv oli näitlejatöö ja draama jõud. Puudusid rekvisiidid tegevuse täielikumaks mõistmiseks, palju jäi vaataja kujutlusvõime hooleks.
Tähelepanuväärne on fakt, et etenduse ajal kioskites vaatajad sõid sageli pähkleid või apelsine, mida kinnitasid väljakaevamiste käigus leitud arheoloogilised leiud. Publik võis mõne etenduse hetke üle valjuhäälselt arutleda ja mitte varjata oma emotsioone nähtu eest.
Publik leevendas oma füsioloogilisi vajadusi ka otse saalis, nii et katuse puudumine oli teatrisõprade haistmismeelele omamoodi pääste. Seetõttu kujutame umbkaudu ette näitekirjanike ja näitlejate suurt osakaalu etendusi andmas. 
Tulekahju
1613. aasta juulis, kui esietendus Shakespeare’i näidend Henry VIII monarhi elust, põles Globe’i hoone maha, kuid publik ja trupp viga ei saanud. Stsenaariumi järgi pidi üks suurtükk tulistama, kuid midagi läks valesti ning lava kohal süttisid puitkonstruktsioonid ja rookatus.
Algse Globe'i hoone lõpp tähistas muutust kirjandus- ja teatriringkondades: Shakespeare lõpetas sel ajal näidendite kirjutamise.
Teatri taastamine pärast tulekahju
1614. aastal taastati areenihoone, mille ehitamisel kasutati kivi. Lava kohal vahetati katus plaaditud katuse vastu. Teatritrupp jätkas mängimist kuni Globe'i sulgemiseni 1642. aastal. Seejärel andsid puritaanlik valitsus ja Cromwell välja dekreedi, mille kohaselt keelati kõik meelelahutusetendused, sealhulgas teatrietendused. Globe, nagu kõik teatrid, suleti.
1644. aastal teatrimaja lammutati ja selle asemele ehitati korterelamud. Gloobuse ajalugu katkes peaaegu 300 aastaks.
Esimese Globe’i täpne asukoht Londonis oli teadmata kuni 1989. aastani, mil Park Streetilt parkla alt leiti selle vundamendid. Selle piirjoon on nüüd märgitud parkla pinnale. Seal võib olla ka teisi “Gloobuse” jäänuseid, kuid nüüd on see tsoon kantud ajalooliste väärtuste nimekirja ja seetõttu ei saa seal väljakaevamisi teha.
Globe'i teatri lava
Kaasaegse Shakespeare’i teatri tekkimine
Globe Theateri hoone moodsa ümberehituse ettepaneku tegid mitte britid, mis on üllatav, vaid Ameerika lavastaja, näitleja ja produtsent Sam Wanamaker. 1970. aastal lõi ta sihtfondi Globe, mille eesmärk oli taastada teater, avada seal hariduskeskus ja püsinäitus.
Wanamaker ise suri 1993. aastal, kuid avamine toimus siiski 1997. aastal tänapäevase nime all Shakespeare's Globe Theatre. See hoone asub 200-300 meetri kaugusel kunagisest Globe'i asukohast. Hoone rekonstrueeriti tolleaegsete traditsioonide kohaselt ja see oli esimene rookatusega hoone, mis lubati ehitada pärast Londoni suurt tulekahju 1666. aastal.
Etendused toimuvad ainult kevadel ja suvel, sest... hoone ehitati ilma katuseta. 1995. aastal esimene kunstiline juht sai Mark Rylance, kelle asendas 2006. aastal Dominic Dromgoole.
Ekskursioonid kaasaegne teater käia iga päev. Viimati avati Globe’i kõrval täielikult Shakespeare’ile pühendatud teemapark-muuseum. Lisaks sellele, et seal saab näha suurimat maailmakuulsale näitekirjanikule pühendatud näitust, saab osa võtta meelelahutusüritustest: näha mõõgavõitlust, kirjutada sonetti või osaleda mõne Shakespeare’i näidendi lavastuses.
Kui teile meeldib teater, on London teie jaoks. Siin näete parimad lavastused ooper ja ballett, parimad muusikalid ja parim draama – ju lavastas kõigi aegade parimate draamalavastuste autor William Shakespeare oma näidendeid Londonis.
Aga kõigepealt asjad kõigepealt.
Kuninglik ooperimaja Covent Garden on üks maailma vanimaid ooperiteatreid. Siin sünnivad parimad lavastused nii kohalikult trupilt kui ka külalisartistidelt, näiteks Milano La Scalast või Bolshoi teater Moskvas. Kui olete aprillis-mais Londonis ja armastate ooperit, siis soovitan teil kindlasti vaadata Verdi La Traviatat (19. aprill - 20. mai 2014) või Puccini Toscat (10. mai - 26. juuni 2014). Kui tulete suvel Londonisse, vaadake teist Puccini ooperit La bohème. Vene balleti austajatele tuuritab Mariinski teater juulis ja augustis Londonis ning esitleb kolme klassikalist balletilavastust: Romeo ja Julia, Luikede järv ja Tuhkatriinu (28. juulist 16. augustini).
Kuninglik ooperimaja Covent Garden on brittide seas väga populaarne, eriti kõrgeimate ringkondade seast. Siit võib sageli leida kuulsad poliitikud ja inglise aristokraatia. Kui Kuninglikus Ooperiteatris 2009. aastal lavastus, millega tähistati Sergei Djaghilevi Ballets Russes sajandat sünnipäeva, sain istuda müügilettides surnud Margaret Thatcheri kõrval.
Kuningliku ooperimaja piletid tuleb osta ette – soovitavalt mitu kuud ette. Neid saab osta otse teatri kodulehelt, makstes pangakaardiga. Ooperipiletid maksavad keskmiselt 120-200 naela inimese kohta, balletipiletid on veidi odavamad – 70-110 naela.
Ei saa mööda vaadata kuulsast Londoni West Endist – kõigi Londoni muusikalide sünnikohast. See on üks suurimaid muusikali keskused maailmas pärast Broadwayd New Yorgis. 19. sajandil sai West Endist teatrikeskus, mistõttu paljud lavastused mängivad hoone siseruumides siiani. viktoriaanlik ajastu. Tohutu hulk muusikale põhineb kaasaegsete (ja mitte nii moodsate) esinejate muusikal, nii et kui olete näiteks Michael Jacksoni, The Beatlesi, Queeni, Abba fänn, ostke kindlasti pilet, võitsite ei kahetse. See on meelelahutuslik teater, see on teater, kust lahkute muusika ja tantsu energiaga laetuna. Kuna ma ei ole suur Michael Jacksoni fänn, õnnestus mul mingil moel osaleda muusikalis Thriller. Suurema osa lavastusest tantsisin tooli lähedalnagu ka enamik teisi vaatajaid. KOOSkõndida oli võimatu!
On muusikalide kategooria, mis on nii populaarsed, et neid on juba aastaid kinodes näidatud. Näiteks muusikal Les Miserables ” (“Les Miserables”) on 28-aastane ja “ Ooperifantoom "("Ooperifantoom") 27 aastat. Muusikalide piletid maksavad keskmiselt 50–100 naela inimese kohta. Nende ja teiste muusikalide pileteid saab osta.
Muusikal "Les Miserables" Londoni Queeni teatris
Harva püsib muusikal laval üle paari aasta. Kuid ingliskeelne lavastus Les Misérables tähistab järgmisel aastal oma 30. juubelit...
Britid on teatrikülastajate rahvas ja riigis, mis andis meile Shakespeare'i, saate hõlpsasti osaleda mitmesugustes lavastustes teatrites, mis on tunnistatud maailma kõige suurejoonelisemateks. Allpool oleme välja toonud neist parimad ja mõned näpunäited, mis võimaldavad teil ostult kokku hoida...
Londoni West End
Londoni ajaloolises teatripiirkonnas – Theatrelandis, mille tänavatel võitleb vaatajate pärast 40 teatrit, saate nautida vapustavate etenduste ja särtsakate muusikalide vaatamist. Suur osa West Endi kultuurimaastikust on koondunud Shaftesbury Avenue ümber, piirkonna ligikaudsed piirid on lõunas Strand, põhjas Oxford Street, läänes Regent Street ja idas Kingsway.
Paljud West Endi teatri lavastused lähevad pärast esimest etendust Theatrelandis tuurile, kusjuures väljaspool Londonit toimuvate etenduste piletid maksavad palju odavamalt. KOOS täielik nimekiri Kõik Londoni lavastused ja etendused on leitavad ametlikul Londoni teatrijuhi veebisaidil, mida toetab ja haldab London Theatre Society. Ühing pakub mõnele etendusele sooduspileteid ning opereerib ka Leicester Square'il ja Brent Crossil kioskeid, kust saab pileteid osta soodushinnaga. Paljud teatrid kogu Ühendkuningriigis pakuvad õpilastele ning alla 18-aastastele lastele ja teismelistele sooduspileteid.
Shakespeare'i Globe'i teater Londonis
Kuulsa Elizabethan Shakespeare'i teatri kaasaegne avatud (katuseta) hoone on taastatud esimese 16. sajandil ehitatud ja Southwarkis Thamesi lõunakaldal asuva Globe'i teatri projekti järgi. Globe’i lavastuses osalemine on unustamatu elamus: teater kasutab ainult loomulikku valgust ja seisupileti ostmisel saab näitlejate esinemist jälgida vaid mõne sammu kaugusel lavalt.
Teatrihooaeg kestab aprillist oktoobrini, kuid kui lavastusele ei saa tulla, on võimalik teatrit ja selle infonäitust siiski külastada.
Rahvusteater asub teises Londoni piirkonnas, mida eraldab West Endist Thames. Rahvusteatri katuse all on 3 auditooriumi, mille lavadel parimad näitlejad riigid esitavad rolle nii kaasaegses kui ka klassikalises draamalavastuses, sealhulgas Shakespeare'i teoste lavastustes. Iga etenduse hommikul müüakse teatri kassas umbes 30 soodsat piletit, kuid nende ostmiseks tuleb varakult kohale tulla!
Kuninglik Ooperimaja ja Inglise Rahvusooper Londonis
Traditsioonilise ooperi austajad saavad Royalis nautida luksuslikke klassikalisi aariaid ooperimaja, mis asub Covent Gardenis.
Need, kes eelistavad kaasaegsemaid ingliskeelseid ooperietendusi, võivad külastada Inglise rahvusooperit, mis asub lähedal St Martin's Lane'il.
Sadler's Wellsi teater Londonis
Sadler's Wellsi teater on spetsialiseerunud tantsule ja on Ühendkuningriigi peamine koht inspireerivate ja meelelahutuslike tantsuetenduste jaoks, mille on koostanud tippkoreograafid ja kus esinevad tipptantsijad. See teater võõrustab sageli maailmakuulsate lavastuste, näiteks Matthew Bourne'i julges tõlgenduses Luikede järve esietendusi. Sadler's Wellsi laval saab näha väga erinevaid muusika- ja tantsuetendusi flamenkost hiphopini.
Royal Shakespeare Company teatrid Stratford-upon-Avonis, Londonis ja Newcastle'is
Royal Shakespeare Company peamised teatrid asuvad William Shakespeare'i kodulinnas Stratford-upon-Avonis ja siin saate külastada nii kaasaegsete autorite näidendite lavastusi kui ka autori etendusi. parimad teosed suurepärane näitekirjanik. Meeldivaid teatrietendusi saab näha neljas teatris, mis asuvad Stratfordis, The Duke of Yorki teatris ning Hampsteadi teatris Londonis ja Newcastle'is. Teatrid annavad ekskursioone ka teistes riigi linnades.
Manchesteri kuninglik vahetusteater
Manchesteri kuninglik vahetusteater asub suurepärases hoones, mille varem asus Cotton Exchange. Teatrisaali keskel asuv lava on ümara kujuga ning seda ümbritsevad igast küljest tõusvad istmeridad, nii et iga teatrikülastaja tähelepanu jääb keskenduma teatritegevusele.
Teatris näidatakse nii avangardseid näidendeid kui ka klassikalisi etendusi, sealhulgas Shakespeare'i teoste ainetel põhinevaid.
Edinburgh
Šotimaa pealinn on kogu maailmas kuulus tänu iga-aastasele Edinburghi festivalile, mille käigus linn sukeldub elava kunstile pühendatud festivali atmosfääri. Siiski võite külastada Edinburghi igal ajal aastas ja leiate rahvusvahelisi teatreid, mis esinevad mõnes Ühendkuningriigi parimates kohtades.
Edinburghi festivali teater on spetsialiseerunud muljetavaldava ooperi-, balleti-, tantsu-, muusika- ja draamasarja esitlemisele. Teatri lava on suurem kui ükski teine Ühendkuningriigi teater ning seal toimuvad mõned kõige populaarsemad ja olulisemad etendused. Teater Theatre Royal asub elegantses Edwardi ajastu hoones ja seal toimuvad kvaliteetsed draamalavastused ning iga-aastane pantomiimifestival. Royal Lyceum Theatre on traditsiooniline viktoriaanlikus stiilis ehitatud teater, kus näidatakse peamiselt kõige populaarsemaid etendusi. Traverse Theater on spetsialiseerunud Šoti ja rahvusvaheliste näitekirjanike põnevate ja julgete teoste tootmisele.
Glasgow
Glasgow on tõeline etenduskunstide keskus, kus linna koduks on Šoti ooper, Šoti ballett ja Šotimaa rahvusteater. Linnateater pakub uuenduslikku kaasaegset draamat, Troni ja Tramway teatrid on aga tuntud oma mõtlemapanevate lavastuste poolest. Kuninglik teater rõõmustab populaarsete draamalavastuste austajaid ning on koduks ka Šoti ooperile.
Cardiffi aastatuhande keskus
Kui satute Cardiffi, peaksite kindlasti külastama Millennium Centre'i. See hoone, mis köidab alati iga turisti tähelepanu, pakub kohti igasuguste etenduste jaoks – alates West Endi muusikalide ringreisiprogrammidest kuni balletilavastuste ja kaasaegse tantsu showdeni. Isegi kui teil pole aega ühel näitusel osaleda, vaadake seda meistriteost kaasaegne kunst ja tehke ringkäik kulisside taga või tehke paus kohalikus baaris. Millenniumikeskuse fuajees korraldatakse iga päev tasuta kontserte.