Kollektiiv ulatub oma ajaloo alguseni 2. märtsini 1911, mil Aadlikogu väikesel laval toimus esimene talurahvakoori kontsert Mitrofan Efimovitš Pjatnitski juhatusel. Esimese kontserdi kavas oli 27 laulu Voronežist, Rjazanist ja Smolenski piirkonnad Venemaa. Sergei Rahmaninov, Fjodor Šaljapin, Ivan Bunin olid šokeeritud talupoegade ürgsest ja inspireeritud laulukunstist ning kiitsid kõige rohkem talupoegade lauljaid ja muusikuid. See hinnang aitas oluliselt kaasa meeskonna kui loomingulise üksuse kujunemisele Vene lava need aastad. Kuni 1917. aastani oli meeskond “amatöör”. Pärast Oktoobrirevolutsiooni toetas koori tegevust Nõukogude valitsus. Kõik osalejad kolivad alaliselt elama Moskvasse. Ja alates 20ndate algusest on koor korraldanud ulatuslikku kontserttegevust mitte ainult Moskvas, vaid kogu riigis.
Alates 30. aastate algusest juhtis meeskonda muusikaline juht Rahvakunstnik NSVL, riikliku preemia laureaat V. G. Zahharov, kelle originaallaulud “Ja kes teda tunneb”, “Mööda küla”, “Vene ilu” ülistasid Pjatnitski koori kogu riigis.
30. aastate lõpus loodi kooris orkestri- ja tantsurühmad, mida juhtisid Vene Föderatsiooni rahvakunstnik V. V. Khvatov ja NSV Liidu rahvakunstnik, professor T. A. See võimaldas ekspressiivseid lavavahendeid oluliselt laiendada ja see struktuurne alus on säilinud tänapäevani ja sellesse kujundisse on loodud palju riigirühmitusi.
Teise maailmasõja ajal viis M. E. Pjatnitski koor rindekontsertide koosseisus ulatuslikku kontserttegevust. Ja laul “Oh, udud” V.G. Zakharovast sai partisaniliikumise hümn. 9. mail 1945 oli koor Moskvas suure võidu tähistamise üks põhirühmi. Lisaks oli ta üks esimesi meeskondi, kellele usaldati riigi esindamine välismaal. Järgnevatel aastakümnetel viis M.E. Pjatnitski koor läbi tohutult ringreise ja kontserttegevusi. Ta tutvustas oma kunsti igasse riigi nurka ja külastas rohkem kui 40 riiki üle maailma. Meeskond lõi maailma meistriteoseid rahvakunst.
Märkimisväärne lehekülg rühma ajaloos on NSV Liidu rahvakunstniku, riikliku preemia laureaadi, helilooja V. S. Levashovi looming. V.S. Levashovi laulud “Võta oma mantel – lähme koju”, “Minu kallis Moskva piirkond” - ja täna on need kaasaegse laululava ehted.
M. E. Pjatnitski nimelise koori kohta kunsti- ja dokumentaalfilme, nagu “Laulev Venemaa”, “Vene fantaasia”, “Kogu elu tantsus”, “Sina, mu Venemaa”, M. E. Pjatnitski nimelise koori kohta ilmusid raamatud “M.E. Pjatnitski nimeline riiklik vene rahvakoor”, “ Mälestused V.G. Zahharovist, "Venelased rahvatantsud"; ilmus tohutul hulgal muusikakogusid “M.E. Pjatnitski nimelise koori repertuaarist”, ajalehtede ja ajakirjade väljaandeid ning palju plaate.
Kaasaegne koor nimega M.E. Pjatnitski on keeruline loominguline organism, mis koosneb koori-, orkestri- ja balletirühmadest, millel on kunstiline ja haldusaparaat.
Allikas - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv
Muusikateose kunstiline kujund kooris luuakse ja avaldub skandeerimise ja sõnade kaudu. Seetõttu on koorihelilisuse peamisteks tehnilisteks nõueteks esiteks iga laulja eraldi partii ja iga partii heli kõrge heli intonatsiooni täpsus kogu koorihelis; teiseks üksikute häälte tämbriline ühtsus ja dünaamiline tasakaal iga partii sees ja kõigis partiides üldises koorikoosseisus; kolmandaks sõnade selge hääldus.
Kuid harmooniline, intonatsiooniliselt puhas, jõuliselt tasakaalus, tämbrilt ühtne, koorikõlalisus on vaid eelduseks teose sisu edasi andva kunstilise kuvandi loomiseks. Seetõttu peab juht enne laulu õppimise alustamist teost analüüsides mõistma selle sisu ja vahendeid, millega helilooja seda paljastab. Kirjandusliku tekstiga tutvumise tulemusena saate aru teose teemast ja ideest ning selle iseloomust: kas kangelaslik, lüüriline või koomiline jne. Olenevalt laulu üldisest olemusest, tempost, määratakse dünaamika, heli tämbriline värvus ja meloodia liikumise iseloom, fraaside kunstiline ja semantiline esiletõstmine.
Pärast teose sellist analüüsi koostatakse esitusplaan, millele allutatakse kogu järgnev vokaal- ja kooritöö. Juht tuvastab raskused teose valdamisel, toob välja võimalused nende ületamiseks, töötab välja teatud harjutused ja koostab üksikasjaliku prooviplaani.
Kooriga töötamine uue laulu kallal algab tavaliselt jämedalt õppimisega – meloodia päheõppimisega, intervallide, kaashäälikute ehitamisega, teose rütmilise poole ja diktsiooni harjutamisega.
Kuna juht valdab tehnilisi elemente, hakkab ta rohkem tähelepanu pöörama töö kunstilisele viimistlemisele. Saabub aeg, mil paljad noodid hakkavad omandama kunstilist liha.
Toome näitena kunstilise analüüsi ja esitusplaani tööks kooriga laulul “Polyushko Kolkhoznoe”, sõnad ja viis G. Savitskilt, seade rahvakoori naisloomingule I. Ivanova. (Laul on trükitud kogumiku käesolevas numbris lk 13).
Laulu kirjanduslikus tekstis avaneb pilt laiast, ekspansiivsest kolhoosipõllust.
Oh, sa oled mu kullake,
Polelyuska kolhoos,
Sa oled minu lai
Sa oled minu vabadus.
Rukis on lainetest paks,
Tuul kõigub.
Igal aastal pole
See on kuulus oma saagikoristuse poolest.
Oh, sa oled mu kullake,
Polelyuska kolhoos,
Sa oled minu lai.
Sa oled minu vabadus.
Luuletust eristab erakordne lakoonilisus ja samal ajal pildi ekspressiivsus. Hoolimata asjaolust, et see koosneb vaid kolmest neljavärsist ja kolmas on esimese sõnasõnaline kordamine, paistab “kolhoosiposti” kujund silmatorkavalt ja tugevalt esile. Millise suure ja laia temaatilise tähenduse paneb autor sõnadele “kolhoosipulk”! Neis sügav alltekst Selles “pooluses” on kogu töötava inimese elu, uus, õnnelik elu, nagu “poolus”, lai ja vaba.
See luuletuse sisemine tähendus ehk idee joonistub välja juba esimeses katräänis, kus majesteetlik “pooluse” kujund hakkab end ilmutama läbi sügavalt emotsionaalse, täis armastust üleskutse: “Oh, sa oled mu poolus. ”
Kui esimeses nelikvärsis avaldub “kolhoosipooluse” kujund lüürilis-eepilises karakteris, siis teises neljas kerkib esiplaanile kujundi heroiline kõla, mis omandab järjest dünaamilisema sisu. Seega teise nelikvärsi energiline algus -
Rukis on lainetest paks,
Tuul kõigub.
annab edasi kiiret liikumist ja dünaamikat “kolhoosi pooluse” kuvandi kujunemisel. See pole enam ainult "lai ja ekspansiivne", vaid ka "kuulus oma saagi poolest". Siin ilmneb veelgi luuletuse alltekst. Kiikuv rukkimeri on loomingulise töö vili Nõukogude inimene- kõigi maiste õnnistuste looja. Seetõttu kõlab kolmandas katräänis, mis on esimese sõnasõnaline kordamine, pöördumine poolusse uut jõudu: mitte enam mõtisklusena, vaid hümnina tema viljakusele, hümnina nõukogude inimese loometööle.
Niisiis ilmneb luuletuses olev “kolhoosipooluse” kujund dünaamilises arengus lüürilis-eepilisest majesteetlikkusest võimsa heroilise kõlani. Kadreerimistehnika annab luuletusele temaatilise terviklikkuse ning avab samal ajal ruumi helilooja ja kooriseade autori loomingulisusele.
Laulu muusika analüüsimine " Poljuško kolhoos", on lihtne tõdeda, et intonatsiooniliselt annab see väga täpselt, rahvalaululikult edasi kirjandusliku kuvandi iseloomu. Loo meloodia on lai, meloodiline ja tänu oma mitmekülgsele metrorütmilisele korraldusele loob emotsionaalse põnevuse ja sisemise liikumise õhkkonna. Iga laulu salm, mis annab edasi vastava neliku meeleolu, on justkui teatud arenguetapp muusikaline pilt laulud.
Esimese salmi muusika sisaldab pehmet, armastavat pöördumist “kolhoosi polelyuska” poole. Kuid samas pole see sõna otseses mõttes vestlus, vaid pigem sügav peegeldus, kus „kolhoosipoolus“ ja inimese saatus, kogu tema elu sulavad ühtseks mõisteks. Siit tulebki esimese salmi määrav meeleolu – pehmus, siirus ja tähenduslikkus.
Tempo on aeglane, meloodia liikumine sujuv, üldtoon on pianissimo (väga vaikne).
Kõik kunstilise väljenduse elemendid (meloodia, metroorütm, tekstuur, fraseering) on pidevas liikumises, paljastades justkui pildi üha uusi tahke, tänu millele saab teosest kunstilise esituse viljakas materjal.
Esimene salm, nagu ka järgmised salmid, koosneb neljast fraasist, millest igaühel on oma dünaamiline tipp. Tipule järgnevaid helisid esitatakse kõrgendatud kõlaga ja tipule järgnevaid helisid nõrgendatult. Seega on tipp dünaamiliselt rõhutatud ning organiseerib eelnevad ja järgnevad helid enda ümber. Analüüsitavas loos on iga fraasi tipuks teise takti esimene löök. Kuid fraasid ei ole tähenduselt samaväärsed. Sel juhul on peamine, ülemine fraas kolmas. Selleni tõuseb emotsionaalne kuhjumine, meloodia laiendab ulatust, sisemine liikumine kiireneb, vähendades taktide arvu teises fraasis, tekstuur on küllastunud: kõigepealt laulab üks laulja, teises fraas ühineb temaga teine, ja kolmandas fraasis kõlab polüfooniline koor. Neljandas fraasis, vastupidi, on juba tunda emotsionaalse pinge nõrgenemist, see kõlab dünaamiliselt nõrgemalt kui kolmas, selle rütmiline muster muutub, ulatus lüheneb ja tekstuur lihtsustub: neljahääl asendub unisooniga.
See fraaside eristamine omal moel kunstiline väärtus nimetatakse fraseerimiseks. (Näide nr 1) Kui värsi üldtoon on pianissimo, siis fraaside tippudes võib kõla mõnevõrra tugevneda, jõudes klaverini ja fraasi lõpuks naasta algse tooni juurde.
Kolmas fraas (ülemine) kõlab mõnevõrra tugevamalt kui kõik teised (klaveri sees).
Muusikalise kujundi areng teises ja kolmandas värsis kulgeb dünaamilise kasvamise teed - klaverist forte'i, tekstuurne keerukus, häälte variantareng, tämbrimuutused, meloodia liikumise iseloom ja sõnade hääldus. Kõik need muudatused järgivad süstimise põhimõtet – järkjärguline ja pidev suurendamine ja laienemine. Öeldu kinnitamiseks võtke arvesse laulu dünaamilist plaani ja tekstuurimuutusi.
Dünaamiline plaan
Esimene salm on pianissimo.
Teine salm on klaver.
Kolmas salm on mezzo fortest kuni fortissimoni.
Dünaamika muutused on tihedalt seotud tekstuurilise keerukusega: esimest salmi laulab üks laulja, teist kaks ja kolmandat salmi alustab kogu koor. Siin ei näe mitte ainult lauljate arvu suurenemist, vaid ka hääleosade arvu suurenemist, aga ka laulja enda meloodiarea varieerumist. (Näide nr 2)
Laul jõuab haripunkti viimases salmis sõnadega: "Sa oled mu lai, sa oled mu lai." Kõik kunstilise väljenduse elemendid selles kohas saavutavad oma kõrgeima taseme. Siin ei eristu koori kõige valjem kõla, meloodia liikumise iseloom (erinevalt eelmistest värssidest ei eristu enam heli pehme ja rahuliku arenguga, vaid heli laialivalguva, ereda, meeldejääva häälduse ja sõna, mis põhineb aktsendi ja helide maksimaalse pikkuse kombinatsioonil), saavutab tekstuur maksimaalse arengu (5 häält, kaja), lõpuks tõuseb meloodia kõrgeima punktini, rõhutades kogu laulu emotsionaalset haripunkti ja lõppu. (Näide nr 3)
Niisiis sai lavastaja kunstilise analüüsi tulemusena aru laulu sisust ja vahenditest, millega helilooja seda paljastab. Kuid töö eeltöö sellega ei piirdu.
Igal kunstiliigil on oma tehnika, see tähendab teatud oskuste kogum, mis on vajalik kunstilise pildi loomiseks. V. koorikunst on struktuur, ansambel, diktsioon, vokaaloskused - hingamine, heli tekitamine ja resonants. Seetõttu on selge, et järgmine samm eeltööd Juht peab analüüsima tööd selle tehniliste raskuste seisukohalt.
Vaatame kooristruktuuri kallal töötamise põhipunkte.
Ilma saateta laulmine seab esinejatele eriti kõrged nõudmised intervallide ja akordide intonatsiooni osas. Laulu väga arenenud meloodiarida, mis on täis laiade intervallidega, tekitab intervallilise intonatsiooni jaoks suuri raskusi. Peate pöörama tähelepanu meloodilistele lõikudele, mida koor saab häälest välja laulda: teise suhte helidele
sama kõrgusega helide jadale, mis sageli põhjustavad intonatsiooni langust ja nõuavad seetõttu iga järgneva heli kõrguse “üles tõmbamist”, pooltoonide intonatsioonini.
Intonatsiooniliselt puhta kõla saavutamiseks peab koorijuht teadma erineva astmega duuride ja duuride intonatsioonimustreid. minoorne skaala vastavalt nende modaalsele tähendusele.
Duuride skaala intonatsioon.
Esimese etapi heli (põhitoon) intoneeritakse ühtlaselt. Teise, kolmanda, viienda, kuuenda ja seitsmenda sammu helid on intoneeritud täiustumissoovist. Kolmanda ja seitsmenda astme helid (toonikolmkõla kolmas ja sissejuhatav toon) on intoneeritud eriti suure sooviga tõusta. Neljanda etapi kõla on intoneeritud kalduvusega langeda.
Tuleb märkida, et vene lauludes tuleb seda sageli ette suur skaala vähendatud seitsmenda etapiga. Sel juhul intoneerub ta sooviga end alandada.
Näide nr 5 näitab duurskaala erineva astme intonatsiooni olemust. Ülespoole suunatud nooled näitavad, et heli tuleks intoneerida kalduvusega tõusma, horisontaalne nool näitab stabiilset intonatsiooni ja alla suunatud nool näitab kalduvusega intonatsiooni
Minoorse skaala intonatsioon (loomulik).
Esimese, teise ja neljanda astme helid on intoneeritud sooviga tõusta.
Kolmanda, kuuenda ja seitsmenda kraadi helid – kalduvusega kahanema.
Harmoonilises ja meloodilises minooris on seitsmenda astme kõla intoneeritud tugeva kalduvusega tõusta. Meloodilises minooris on ka kuuenda astme kõla intoneeritud kalduvusega tõusma.
Näites nr 6 on näidatud “B-moll” skaala helide intonatsiooni olemus, milles on kirjutatud laul “Poljuško Kolhoznoje”.
Täpne intonatsioon sõltub suuresti laulvast hingeõhust. Aeglane hingamine koos õhulekkega põhjustab liiga suure õhurõhuga ülepingutatud hingamise vähenemist, vastupidi, viib jõu ja intonatsiooni suurenemiseni. Heli loid areng (koos lähenemisega) põhjustab ka intonatsiooni ebatäpsust. Kõri ülekoormust põhjustav madal asend toob kaasa heli intonatsiooni languse ja sama tulemuse põhjustab heli kattumine ülemises registris (rahvahäältes juhtub see vaikses laulus). Rindkere resonaatorite ebapiisava kasutamise korral muutub intonatsioon ülespoole.
Eriti soodsalt mõjub intonatsioonile heli “kõrge asend”, mille põhiolemus on suunata heli ülemistesse resonaatoritesse ja leevendada pingeid kõris. Igas registris tuleb saavutada kõrge positsioon.
Selle loo kallal töötades tuleb seda eriti arvesse võtta, kui harjutada teise altudega, kes laulavad väga madalas registris. Hääleharjutused, üksikute fraaside laulmine suletud suuga või silpidel "li" ja "le" on kõrge positsiooniga helide kujundamisel palju kasu.
Seega sõltub intonatsiooniliselt puhas laulmine kooris paljuski kogu vokaaltöö tasemest, mida tuleks läbi viia erinevate lauluoskuste arendamise ja lauljate hääle teatud puuduste (pressitud heli, forss, värisemine, nina varjund) parandamise suunas. jne).
Kõige olulisem vokaaloskus on õige, toetatud hingamine." Sageli öeldakse lauljast, kes on omandanud laulva hingamise, laulda "toetusel" või "toetatud heliga" Toetatud hingamist iseloomustab see, et laulmisel läheb kogu õhk ära täiesti ilma lekketa ja kulub sujuvalt ja ökonoomselt. Sel juhul tekib nn "toetatud heli", millel on palju rikkalikkust, tihedust, elastsust, samal ajal kui toetamata heli on tuhm, lahtised, nõrgad, sifooniga, mis viitab kasutule õhulekkele on võimalik suurem õhu kokkuhoid ja seetõttu laulmine ühe hingetõmbega muusikalised konstruktsioonid. Toetamata heli nõuab sagedast hingamise muutmist ja viib muusikalise fraasi katkemiseni.
Toetatud heli saamiseks on vaja säilitada "sissehingamise seadistus", see tähendab, et laulja ei tohiks lasta rinnal langeda ja kitseneda. Pärast õhu sissevõtmist peate hetkeks hinge kinni hoidma ja seejärel alustama heli tekitamist. See "viivituse" hetk näib hoiatavat kogu lauluaparaati. Peate hingama lihtsalt ja loomulikult, ilma liigse pingeta, peaaegu samamoodi nagu tavalise vestluse ajal. Laulja peab võtma nii palju õhku, kui ta vajab konkreetse ülesande täitmiseks. Sissehingatava õhu maht sõltub muusikalise fraasi suurusest ja registrist, milles see kõlab, samuti heli tugevusest. Kõrges registris laulmine nõuab rohkem õhku. Liiga palju õhku sisse hingates tekivad pingelised helid ja ebatäpne intonatsioon. Sissehingamise kestus sõltub pala tempost ja peaks olema võrdne takti ühe löögi ajaga. Pikkade muusikaliste struktuuride või isegi kogu teose pidevaks esitamiseks kasutatakse nn ahelhingamist. Selle olemus seisneb selles, et koorilauljad vaheldumisi hingamist uuendavad. Näites nr 7 on toodud teise salmi kooripartii, mis esitatakse “ahelhingamisel”.
Iga laulja eraldi ei suuda kogu seda lõiku hinge uuendamata laulda, kuid kooris kõlab lauljate vaheldumisi hingamise uuendamise tulemusena see fraas eristamatult. Ühe laulja tavaline lauluhingus kuivab neljanda ja viienda takti vahetusel kokku, kuid isegi ühel lauljal ei soovita selles kohas hingata. Ahelhingamist tehes on parem hingata mitte kahe muusikalise struktuuri ristumiskohas, vaid enne seda või mõne aja pärast. Laulmisest tuleb end välja lülitada ja sellesse märkamatult uuesti siseneda, hingata lühidalt ja põhiliselt sõna keskel või püsiva heli peale. (Näide nr 7).
Veelkord tuleks rõhutada väljahingamise olemuse tähtsust. See peaks olema ökonoomne ja ühtlane kogu pikkuses. Ainult selline väljahingamine võib luua sujuva, elastse laulu. Ärge laske väljahingamisel kogu õhku ära kasutada. Väga ammendatud õhuga on laulmine kahjulik.
Lauldes on hingamisprotsess tihedalt seotud helitekke ehk rünnaku hetkega. Rünnakuid on kolme tüüpi – kõva, hingeldav ja pehme. Raske rünnaku korral sulguvad sidemed enne õhu juurdevoolu. Seejärel avab õhuvool kerge jõuga sidemed. Tulemuseks on terav heli.
Aspireeritud rünnak on kindla rünnaku vastand. Sellega eelneb heli ilmumisele vaikne väljahingamine, mille järel sidemed rahulikult sulguvad. Sel juhul näib, et täishäälik "A" omandab "xx-a" hääliku, kuid konsonanti "x" ei tohiks kuulda.
Pehme rünnaku korral algab sidemete sulgemine samaaegselt heli algusega.
Kindel rünnak laulmisel on haruldane (helihüüdes, heli valjul arenemisel pärast pausi).
Tugevalt rünnatud harjutustest on palju kasu; need kasvatavad "toetatud" heli tunnet ja on vahend aeglase heli tekitamise vastu, mis põhjustab "õõnestamist". Selliseid harjutusi (näide nr 8) tuleks laulda aeglases tempos vokaalil “A”
Laulmise aluseks on pehme rünnak. Aspireeritud – kasutatakse vaikse ja väga vaikse helina jaoks.
Terava häälega lauljatel on kasulik harjutada laulmist väikeste mürskude või õpitava pala muusikalise fraasi lõikude laulmist täishäälikutele “I”, “E”, “E”, “Yu” või silpidele “LA”, “LE”, “LE”, “BJ”.
Kunstiline pilt vokaalkunstis ilmneb muusika ja sõna ühtsuses. Sõnade hääldusviisist ehk diktsioonist ei sõltu mitte ainult laulu kirjandusliku teksti kuulajani edastamise kvaliteet, vaid ka kogu lauluprotsess. Nagu teate, koosneb sõna vokaalide ja kaashäälikute ühtsusest. Laulmise õige diktsiooni asendamatuks tingimuseks on vokaalide võimalikult pikk heli ja kaashäälikute lühike, aktiivne hääldus, mis põhineb keele, huulte, hammaste ja suulae selgel koostoimel ühtlase ja mitte mingil juhul tõmbleva väljahingamisega. Kasulik on harjutada kaashäälikute häälduse selgust vaiksetel helidel neid kahekordistades. Samal ajal on kaashäälikutele kogu tähelepanu pööramiseks kasulik iga silp lühidalt, kuid mitte järsult maha jätta, arvutades vaimselt püsivate nootide kestuse. (Näide nr 9)
Eriti raskesti hääldatavad on kombinatsioonid mitmest kaashäälikust (riik), kaashäälikust sõna alguses (vastavad, mitte kohtuvad) ja kaashäälikust sõna lõpus (värv, mitte tsve).
Meloodia kõla ülima järjepidevuse säilitamiseks tuleb silbi lõpus olevad konsonandid kombineerida järgmise silbiga.
"U-ro-zha-e-ms l a-v i-tsya."
Selget diktsiooni võrdsustatakse tavaliselt kaashäälikute selge hääldusega, unustades, et ka vokaalidel on tohutu roll sõnade hääldamisel ja koorikõla üldises sidususes.
Täishäälikud on puhtad helid, mis ei sisalda müra. Mõned neist kõlavad eredalt, avatud - "A", teised on kaetud - "O", "U", teised - "sulgevad" - "I". Täishäälikute pingeaste ehk heledus on erinev, see oleneb suu asendist ja vokaali kohast sõnas (rõhustatud vokaalid kõlavad intensiivsemalt, heledamalt kui rõhutud).
Lauldes neutraliseeritakse ühtlase häälerea loomiseks kõik vokaalid, see tähendab, et nendevaheline terav piir kustutatakse. See ilmneb kõigi vokaalide ligikaudu sama suu asendi säilitamise tulemusena. On teada, et sama häälik erinevates suu asendites omandab erineva kõlakvaliteedi: lahtise suu korral kõlab see lahtiselt, eredalt, poolavatud suuga - kaetud, pehmelt, huulenurkadega lauldes naeratus) - see kõlab kergelt, kergelt, "lähedaselt". Seetõttu on täiesti arusaadav, et teatud meeleoluga märgistatud eraldi fraasi või terve teose kõlades peaksid kõik vokaalid kõlama samas emotsionaalses toonis, sama domineeriva suu positsiooniga. Ühtne vokaalide moodustamise viis kooris muutub ülioluliseks, kuna see on häälte tämbriühtsuse aluseks. Täishäälikute ühtse resonantsi arendamiseks on kasulik laulda sama kõrgusega häälikute jada silpidel MI-ME-MA-MO-MU (ründe pehmendamiseks kasutatakse konsonanti “M”. Näide nr 10 ). Sel juhul peate tagama, et kõik vokaalid esitatakse sama suu avanemisastmega.
Vältimaks "ajamist" vokaalide "A", "O", "U", "E", "I" laulmisel mis tahes muule vokaalile või samale vokaalile, eriti kahe sõna ristmikul, on vajalik venitada esimest vokaali nii pikaks kui võimalik ja lülituda koheselt teisele, rünnates heli mõnevõrra tugevamalt. Näiteks: "...polyushko on kuulus oma saagi poolest."
Oleme juba eespool öelnud, et rõhuline täishäälik kõlab tugevamalt ja eredamalt kui rõhutu. Kuid mõnikord ei lange rahvalauludes löögi tugev löök kokku sõna rõhuga. Sellistel juhtudel on vaja takti tugeval taktil kõlavat vokaali esitada vähem silmatorkavamalt kui vokaali, millel rõhk langeb sõnadele (näide 11)
Siin näeme, et sõnas "Minu" vastab rõhutu täishäälik "O" suhteliselt tugevale löögile ja seetõttu moonutab see silma paistes sõna. Et seda ei juhtuks, tuleb silpi “MO” laulda mõnevõrra vaiksemalt kui vokaali “Yo”.
Eriti muutub töö vokaalidega rahvakooris suur väärtus seoses mõne muusikute eksliku nägemusega rahva hääletämbrist. Nad usuvad, et rahvalaulu iseloomustab ainult avatud valge kõla. Arusaamatus rahvalaulu vokaalsest alusest viib selle imelise koorikunsti žanri vale orientatsioonini. Kas vene rahvalaulu žanririkkus vaiksetest, õrnadest refräänidest, teravatest näpunäidetest kuni laiade laululiste lüüriliste laulude ja häälekate kevadlauludeni ei räägi selle kõige laiemast emotsionaalsest haardest?! Kuidas saab kõiki neid laule ühe heliga laulda?! On täiesti selge, et rahvakoori kõla, nagu iga teisegi koori, sõltub laulu sisust, selle emotsionaalsest toonist.
Iga kollektiivi alus muusikaline kunst, sealhulgas koor, on kollektiivi kõigi liikmete ühtsus ja teatav tegevuse koordineerimine. Kõik koorihelilisuse elemendid: struktuur, diktsioon, tugevus, tämber, liikumiskiirus jne eksisteerivad ainult kollektiivses, ansamblivormis. Seetõttu läbib töö ansambli kallal kõiki kooritöö etappe.
Täishäälikute ja kaashäälikute moodustamise ühtsest viisist on juba juttu olnud. Nüüd vaatame rütmilist ja dünaamilist ansamblit. “Kolhoosi Poljuškas” on igal häälel oma iseseisev rütmimuster. Samaaegsel esitamisel on oht rütmilist kooslust lõhkuda. Selle vältimiseks on vaja lauljates kasvatada meloodia pulsatsiooni tunnet. Selleks on hea kasutada laulvaid muusikalisi lõike, kus iga veerand, pool ja terve noot jagatakse valjuhäälselt komponendi kaheksandikku (näide N2 12).
Tänu sellele harjutusele hoiab koor täpselt keerulisi kestusi ja liigub õigeaegselt edasi järgmiste helide juurde. Tavaliselt kaotavad lauljad pikkade helide puhul täpse liikumistaju ja liiguvad järgmiste helide juurde hilja või enne tähtaega.
Koori dünaamiline koosseis põhineb ühe partii häälte tugevuse tasakaalul ja osadevahelisel teataval kooskõlal: kas põhihäält juhtiv ülemine osa kõlab teistest osadest valjemini, siis keskmine või alumine osa. hääl tuleb esiplaanile, siis kõlavad kõik osad võrdse tugevusega . Nii kõlab laulus “Polyushko Kolkhoznoe” algul ülemine hääl valjemini, seejärel hakatakse dünaamiliselt esile tõstma meloodilisi muutusi erinevates häältes ning laulu haripunktis kõlavad kõik hääled võrdse tugevusega.
Enamik vene rahvalaule esitatakse eeslauljatega. Nendel juhtudel on väga oluline eeslaulja ja koori vaheline koosseis, mis võtab esilauljalt üle kogu laulu esituse iseloomu. Seda tuleb selle laulu õppimisel arvestada. Hea koosseisu aluseks kooris on korrektne häälte valik ja nende kvantitatiivne võrdsus igas osas. Tulemuseks on loomulik ansambel. Kuid mõnikord on akordi moodustavatel häältel erinevad tessituuritingimused. Sel juhul saavutatakse helitasakaal kunstlikult, helitugevuse erilise jaotuse tulemusena häälte vahel: kõrgesse registrisse kirjutatud sekundaarne hääl peaks kõlama vaiksemalt ja põhihääl, mis on kirjutatud madalasse registrisse, esitatakse valjemini. Kui antud olukorras esitatakse kõiki hääli võrdse tugevusega, siis sekundaarne hääl uputab peamise välja ja loomulikult ei teki ansamblit.
Kunstiliselt tervikliku ansambli loomiseks on vaja, et iga laulja mitte ainult ei laulaks oma partii täpselt, vaid ka naabreid partiis kuulates sulanduks nendega kokku. Pealegi peab ta kuulama põhihäält ja mõõtma sellega oma hääle tugevust.
Põhja-Vene rahvakoor – Valge mere piirkonna hing
Arhangelski pomoorid on iidsete novgorodlaste järeltulijad, kes asustasid selle piirkonna iidsetel aegadel. Nende kunst on säilinud oma originaalsuses. See ainulaadne kunstimaailm oma seaduste ja ilukontseptsioonidega. Samas avaldub põhjamaa lauludes ja tantsudes selgelt pomooridele omane huumor, entusiasm ja sisemine temperament. Põhjala laulukunst on eriline, seda eristab stiili rangus, puhas puhtus ja vaoshoitus, kõik see on ühendatud julge eepilise ja tahtejõulise printsiibiga.
Põhjakoori nimetatakse õigusega vene kultuuri pärliks. Oma 85-aastase eksisteerimise jooksul pole see kordagi oma rolli muutnud. Iga etendus on eriline kunstimaailm ja särav dünaamiline esitus: suured süžeelavastused, vokaal- ja koreograafilised kompositsioonid, pildid rahvapühadest. Koori laulupolüfoonias kõlavad kõik põhjamaise looduse kõlavarjundid: mõtlik jutt taigast, jõgede sujuv kasinus, ookeani kajav sügavus ja valgete ööde läbipaistev värina.
Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - Riikliku Akadeemilise Põhja-Vene Rahvakoori asutaja ja kunstiline juht (1926 - 1960), RSFSRi rahvakunstnik, RSFSRi austatud kunstnik, NSVL riikliku preemia laureaat
"Kes ei armasta oma kodulaulu, see ei armasta oma põlisrahvast!"(A.Ya. Kolotilova)
Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) sündis 1890. aastal Žilino külas, mitte kaugel. iidne linn Veliki Ustjug.
1909. aastal lõpetas Kolotilova kiitusega Veliki Ustjugi naisgümnaasiumi ja läks õpetama Vologda provintsis Nikolski rajooni Peljaginetsi külas asuvasse maakooli. Just selles külas hakkas Antonina Kolotilova rahvaluule vastu professionaalset huvi tundma. Ta jälgis alati huviga virmalisi rituaale, kuulas laule, õppis hädaldama ja ennast suurendama ning õppis tüdrukute ja naiste liikumismaneeri ümartantsudes, kadrillides ja vibudes.
Põhja-Venemaal sündinud ja kasvanud Kolotilova armastas teda sügavalt kodumaa, eriti üleujutatud niitude avarust kõrreliste õitsemise ajal.
1914. aastal abiellus Antonina Jakovlevna ja kolis Nikolskisse. Seal töötab ta riigikoolis õpetajana ning jätkab kohalike laulude, lugude ja lugude kogumist ja salvestamist. Kaasasündinud kunstianne aitas noorel tüdrukul kergesti omandada esituskultuuri ja stiili.
5 aasta pärast kolisid Kolotilovid Veliky Ustyugisse. Sellest iidsest Venemaa põhjalinnast saab ajalugu alguse Põhjala koor. Siin korraldab Antonina Yakovlevna amatöörnaisteansamblit, mis esineb klubides ja veidi hiljem linnas avatud raadiojaamas. Peab ütlema, et koondise esimesed liikmed olid valdavalt kodutütred. Nad tulid kergesti tema korterisse, korraldasid ühislaulmise seansse ja õppisid neid huvitavaid laule. Kuulajad võtsid noorte kooride kontserdid vastu ning raadioesinemised muutsid rühma väga populaarseks. Kolotilova amatöörkoor koosnes sel ajal umbes 15 inimesest.
“Antonina Jakovlevna vääris täielikult rahvaarmastust ja iseenda au, sest ta andis kogu oma jõu ja mõtted, ammendamatu energia ja hingekire rahvalaulule ja enda loodud koorile... Kui see imeline naine poleks olnud maailmas poleks olnud meie põhjavene rahvakoori!(Nina Konstantinovna Meshko)
Põhjakoori sünd
1922. aastal kohtus Antonina Jakovlevna Moskvas salvestusstuudios Mitrofan Pjatnitskiga. Just see kohtumine sai Kolotilova jaoks oluliseks. Pjatnitski koori loominguga tutvumine andis tõuke tema enda põhjamaiste laulude rahvakoori loomisele. 8. märtsil 1926 esines Haridustööliste Majas esmakordselt väike isetegevusrühm. Sellest päevast sai Põhja-Vene Rahvakoori sünnipäev.
Algul oli koor etnograafiline, kuid siis nõudsid lavaelu tingimused organisatsioonilisi ja loomingulisi ümberkorraldusi: tantsurühm, akordionimängijad. 1952. aastal organiseeriti koori koosseisus orkestrirühm helilooja V.A. Laptev.
Meeskond koosnes siis vaid 12 lauljast. Kostüümid olid emade ja vanaemade rõivad – ehtsad talupoeglikud sundressid ja pluusid. Esimesed akordionistid olid vennad Trjapitsõnid Boriss ja Dmitri, samuti Antonina Jakovlevna noorem vend Valeri Šerstkov. Osasid õpiti proovides kunstilise juhi hääle järgi. Antonina Yakovlevna ei näidanud mitte ainult laulmist, vaid ka seda, kuidas laval õigesti liikuda, kummardada ja käituda.
Vastloodud koor võeti linna ettevõtmistes alati soojalt vastu haridusasutused, ümberkaudsed külad. Amatöörkollektiivi staatus ei takistanud Kolotiloval tõsiselt tööd tegemast, suhtudes põhjamaisesse laulu hoolega ja esitades täpselt selle esitusmaneeri! Ta ei muutnud neid nõudeid tulevikus. Esimestel aastatel esitas koor peamiselt iidseid rahvalaule, mida lauljad - endised taluperenaised, põhjamaa põliselanikud - teadsid lapsepõlvest peale, omasid lisaks esinemisoskusele ka rahvalikku improvisatsioonistiili. Pole asjata, et Põhjakoori peeti aastaid etnograafiliselt kõige usaldusväärsemaks, oma loomingulises liinis järjekindlamaks, põhjamaise laulu traditsioone säilitavaks ning koori lauljaid on alati eristanud oskus tungida sügavamatesse lauludesse. muusikaline pilt ja kehastavad seda ainulaadses ilus.
1931. aastal organiseeris Kolotilova Arhangelskis koori nii osalejate arvult kui ka repertuaari mahult. Kontserdi kavades on laule Pinegast ja Põhja-Pommerist, aga ka erinevaid tantse ja igapäevastseene. Kolotilova kogub kõige rikkalikumat muusikalist materjali ise reisidel Arhangelski oblasti erinevatesse piirkondadesse. Samal ajal osteti kooriliikmetele kostüümid.
1935. aastal kohtus Antonina Jakovlevna Pommeris ringi reisides kuulsa jutuvestja Marfa Semjonovna Krjukovaga. Kolotilova tagas, et Kryukova osales esimesel üleliidulisel raadiofestivalil (1936). Seejärel sõitis Marfa Kryukova koos Põhjakooriga Moskvasse, kus ta koos Antonina Yakovlevnaga töötas esimeste lugude kallal.
Koori kavades olid lisaks eeposele alati rõõmsad, tantsulised, koomilised pättide laulud, mis pärinevad rändmuusikute kunstist, ja venivad lüürilised laulud, mida lauljad esitasid puudutavalt ja hingestatult.
Sõja ajal andis rühm palju kontserte. Liikusime ringi köetavates sõidukites, elasime peost suhu, ei maganud piisavalt ja põgenesime pommirünnakute eest. Käisime Põhjalaevastikus, Murmanskis, Arktikas, Karjala-Soome rindel ja Uuralites. 1944. aastal lahkusime kuueks kuuks Kaug-Itta.
Antonina Kolotilova: "Ma armastan oma kodumaad Põhja ja laulan sellele laule!"
Kuni 1960. aastani jäi rühma kunstiliseks juhiks Antonina Yakovlevna. Kõik Kolotilova tööaastad olid täis väsimatut, rasket tööd ja loomingulist kirge, siirast soovi säilitada ja kaasaegsetele edasi anda Põhjaterritooriumi rahvakunsti originaalsuse ja ilu sügavust ning pidevat uute maaliliste vormide ja esinemise otsimist. tähendab. Kolotilova elu oli tõeline loominguline saavutus ja tema loodud traditsioonid on meeskonnas elus.
Allikas: Vologda prominentsed elanikud: Biograafilised visandid/
Ed. Nõukogu "Vologda entsüklopeedia" - Vologda:
VSPU, kirjastus "Rus", 2005. - 568 lk. - ISBN 5-87822-271-X
1960. aastal andis RSFSRi rahvakunstnik, riikliku preemia laureaat Antonina Jakovlevna Kolotilova meeskonna juhtimise üle Moskva ülikooli lõpetajale. Riiklik Konservatoorium Tšaikovski, kogenud õpetaja ja koorijuhi Nina Konstantinovna Meshko nimeline. Uut perioodi kollektiivi elus iseloomustab professionaalsuse ja lavakultuuri kasv.
Nina Konstantinovna Meshko - NSV Liidu rahvakunstnik, Glinka nimelise RSFSRi riikliku preemia laureaat, Põhja rahvakoori kunstiline juht aastatel 1960–2008, IAU akadeemik, Venemaa Muusikaakadeemia osakonna professor. Gnessiinid
"Inimesed toetuvad oma traditsioonilisele põlisrahvaste kultuurile!"(Nina Meshko)
Nina Meshko sündis 1917. aastal Tveri oblastis Rževski rajoonis Malakhovo külas õpetajate peres, kus nad armastasid laule. Mu emal Aleksandra Vassiljevnal oli imeline hääl ja isa Konstantin Ivanovitš mitte ainult ei juhatanud koolikoori, vaid armastas laulda ka kohalikus kirikus.
Memuaaridest N.K. Mieszko: “Ma ei mäleta, kui vana ma olin, võib-olla isegi alla aasta... Olin mähitud udusalli ja keegi hoidis mind süles. Köögis istusid inimesed suure puulaua ümber ja kõik laulsid. Ja samal ajal kogesin mingit täiesti seletamatut õndsust...”Väike Nina õppis iseseisvalt klaverimängu, õppis muusikateooriat ja solfedžot. Ja ta oli muusikamaailmast nii võlutud, et otsustas: ainult muusika ja ei midagi muud! Ja seetõttu astub Nina Meshko kahtlemata Oktoobrirevolutsiooni järgi nimetatud muusikakooli ja pärast selle lõpetamist Moskva konservatooriumi dirigeerimis- ja kooriosakonda. Seal kuulis Nina Konstantinovna esimest korda põhjakoori. Ta jättis talle väga tugeva mulje.
Ja siis tehti Nina Meshkole ettepanek luua Moskva piirkonna rahvakoor. Pärast seda tööd otsustas Nina Konstantinovna lõpuks: ainult rahvalaul ja ei midagi muud.
Memuaaridest N.K. Mieszko: «Minus puhkes sõna otseses mõttes mingi kinnisidee rahvalikku laulukultuuri taaselustada. Sest ta oli kõige pikem! See on selline oskus! Ülestähendused, eriti põhjapoolsed, räägivad sellest.Pärast Moskva koori töötas Nina Meshko üleliidulise raadio vene rahvalaulukooriga ja seejärel järgnes kutse Põhjakoori juhatama. Põhja vallutas ta ja pani ta temasse armuma.
Memuaaridest N.K. Mieszko: "Inimesed, kes valdavad suurepäraselt laulukultuuri, kellel on ilus, painduv ja vaba hääl, võivad esitada laulu nii, nagu nad seda teevad põhjamaal."Peaaegu 50 aastat juhtis Nina Konstantinovna Meshko Akadeemilist Põhja-Vene rahvakoori, mis on tuntud mitte ainult Venemaal, vaid ka kaugel väljaspool selle piire. Ta võttis selle teatepulga üle oma õpetajalt Antonina Kolotilovalt. Nina Meshko käe all sai koor erinevate rahvusvaheliste konkursside laureaadiks. Meshko oli Gnessini rahvalaulukooli asutaja. Mieszko kool on koolitanud terve galaktika õpetajaid, koorijuhte ja rahvalaulu esitajaid. Nende hulgas on Tatjana Petrova, Nadežda Babkina, Ljudmila Rjumina, Natalja Boriskova, Mihhail Firsov ja paljud teised. Ljudmila Zykina pidas teda oma õpetajaks. Mieszko töötas välja oma kooritehnika, mida kasutavad nüüd paljud tema õpilased.
Memuaaridest N.K. Mieszko: «Laulukunst on kogu vene rahva elu kroonika. See on ainulaadne, ebatavaliselt rikas, nagu vene keel on ületamatult rikas. Ja siis on ta elus, pidevalt arenev, uuenev, tuhast uuesti sündinud... Rahvas toetub oma traditsioonilisele põliskultuurile.
ÜlestunnistusN. MeshkoAndesta mulle, anna mulle andeks, Issand,
Selle eest, mida ma teha ei saanud
Ja päevamurede saginas
Mul ei olnud aega oma võlgu tasuda.
Mul polnud aega anda
Kellegi pilk, kellegi paitus,
Mõned ei leevendanud valu,
Teistele ma seda lugu ei rääkinud.
Omaste ees kurval tunnil
Ei kahetsenud
Ja rohkem kui korra kerjuses kotis
Ta ei andnud almust.
Armastades sõpru, sageli
Tahtmatult solvan ennast,
Ja nähes teiste kurbust,
Ma põgenen kannatuste eest.
Ma torman ahnelt taeva poole,
Aga murekoorem toob mind maa peale.
Ma tahan sulle anda tüki leiba -
Ja ma unustan selle lauale.
Ma tean kõike, mida peaksin
Kuid ta ei täitnud lepingut...
Kas sa annad mulle andeks, Issand,
Kõigele, kõigele, kõigele selle eest?
Irina Lõskova,
Põhjakoori pressisekretär
Repertuaari originaalsus ja tähelepanu piirkonna laulurikkusele
Rühma juhtrühm, naiskoor, köidab kuulajat omapärase tämbri, originaallaulu ilu ja a cappella naishäälte kõla puhtusega. Koor hoiab laulutraditsiooni järjepidevust. Kõrge laulukultuuri ja omanäolise identiteediga eristuv Põhjakoor hoiab esituses järjekindlalt traditsioone ja kõrge vaimsuse prioriteetsust.
Erilist tähelepanu väärivad Põhjakoori kostüümid. Professionaalsete kostüümikunstnike poolt loodud parimate näidiste põhjal Arhangelskis, Moskvas ja Peterburis asuvate muuseumide kogudest esindavad need venelaste kollektiivset kuvandit. rahvarõivas virmalised. Kontserdi jooksul vahetavad artistid mitu korda kostüüme – astudes publiku ette pidulikes, igapäevastes või spetsiaalselt kontserdinumbrite jaoks loodud stiliseeritud kostüümides.
Ansambel koosneb kolmest rühmast - koori-, tantsu- ja vene orkester rahvapillid. Veel 1952. aastal moodustati helilooja V.A. jõupingutustega koori koosseisus orkestrirühm. Laptev. Orkestri vene rahvapillide kõlas on hämmastavat siirust ja soojust. Repertuaari originaalsus ja tähelepanu piirkonna laulurikkusele, kaasaegsus ja esituse kõrge tase toovad koorile väljateenitud edu!
Vaataja tähelepanu juhitakse pidevalt lavale: rõõmsameelsed pätid vahelduvad lüüriliste venivate lauludega, ülemeelikud kadrillid asendavad rahulikke ringtantse, a cappella laulmine vaheldub muusikateostega.
Põhjakoor pöörab erilist tähelepanu oma kuulaja, vaataja harimisele, seetõttu on paljud tema saated pühendatud lastele, teismelistele ja üliõpilaspublikule. Koor jätkab aktiivselt kontserttegevust Venemaal ja välismaal.
1957. aastal sai meeskond Moskva noorte ja üliõpilaste festivali laureaadiks. See sündmus avas koorile tee välismaale. Alustatud uus etapp Kollektiivi tegevuses peab koor välismaal tunnustuse saavutamiseks olema eriline.
Alates 1959. aastast on koor külastanud Poolat, Bulgaariat, Prantsusmaad, Saksamaad, Itaaliat, Hiinat, Indiat, Afganistani, Jaapanit, Tuneesiat ja USA-d. Meeskond käis mitu korda kontsertidega Soomes ning külastas Rootsit ja Norrat. Koostanud Soomes (Rovaniemis) folklooritantsuansambliga “Rimpparemmi” kava “Arctic Rhapsody”. Ta töötas aastatel 2004 ja 2007 Damaskuses (Süüria), kus Venemaa-Süüria keskuses peeti Venemaa päevi. 2005. aastal kutsutakse meeskond muuseumide ühendus Varde (Norra) linna aastapäeva tähistamiseks. 2005. aasta sügisel osaleb meeskond Vene kultuuri ja filmikunsti festivalil Nice'is. "Prantsuse hinge kõige intiimsemaid nurki puudutasid kunstnikud - Venemaa põhjamaalased, kes said võimsa emotsionaalne reaktsioon, ei lasknud publik artistidest tükk aega lahti, aplodeerides pisarsilmil. See on vene rahvusliku rahvakunsti triumf! – nii hindas koori esinemisi Prantsuse meedia. 2007. aastal kutsusid Põhjakoor Süüria Kultuuriministeerium, Rozarubežtsentri esindus Süüria Araabia Vabariigis ja Vene Kultuurikeskus Damaskuses ametlikult Bosras toimuvale rahvafestivalile.
Põhjakoor on regulaarne osaline suurüritustel Venemaal, mistõttu osales meeskond 2004. aasta kevadel Lihavõttepühade festival Moskvas 2005. aastal koos Venemaa austatud kunstniku, N.K. Meshko T. Petrova ja Venemaa Riiklik Akadeemiline Rahvapillide Orkester, mille nimi on N.P. Osipova osales Moskva Riikliku Ülikooli 250. aastapäeva tähistamisel.
Põhjakoor ühendab edukalt kaasaegsete heliloojate originaalmuusika traditsiooniliste rahvaviisidega, saavutades artistide esituses lavalise tõe ja põhjamaise maitse. Koori repertuaaris on lood: Sergei Jesenini, Olga Fokina, Larisa Vassiljeva, Aleksandr Prokofjevi, Viktor Bokovi, Arhangelski poeetide Dmitri Ušakovi ja Nikolai Žuravlevi, Oleg Dumanski luuletuste põhjal.
Põhjakoori auhinnad ja tiitlid
Oma 85-aastase loomingulise elu jooksul on meeskond pälvinud kõrgeid tiitleid ja auhindu.
1940. aasta
Meeskond sai professionaalse riigimeeskonna staatuse.
1944. aastal
I preemia ülevenemaalisel koorikonkursil (Moskva)
1957. aastal
Laureaat ja suur Kuldmedal VI ülemaailmne noorte ja üliõpilaste festival (Moskva).
II üleliidulise muusikateatrite, ansamblite ja kooride festivali (Moskva) laureaat ja 1. järgu diplom (keskharidus).
1967. aastal
Üleliidulise kutseliste kunstikollektiivide ülevaate diplom.
1971. aastal
Tuneesias toimunud VI rahvusvahelise folkloorifestivali laureaat.
1975. aastal
Ülevenemaalise kutseliste vene rahvakooride konkursi laureaat ja I järgu diplom.
1976. aastal
Kultuuriministri korraldusel omistati sellele „Akadeemiline“ tiitel.
1977. aastal
Magdeburgi Nõukogude-Saksa sõpruse festivali laureaat ja kuldmedal.
Vene kunstirühmade konkursi laureaat.
1999. aasta
IV festivali “Folkloorikevad” laureaat ja 1 Ülevenemaaline festival rahvuskultuur.
2001
Saint-Ghislainis (Belgia) toimunud rahvusvahelise folkloorifestivali laureaat.
2002
Rahvusvahelise folkloorifestivali Rovaniemis (Soome) laureaat.
Ülevenemaalise Moskva rahvuskultuuride festivali laureaat.
2003. aasta
Venemaa rahvuskultuuride festivali (Peterburi) laureaat.
Venemaa rahvaste rahvuskultuuride kongressi ja festivali laureaat (Nižni Novgorod).
2007
Bosras (Süüria Araabia Vabariik) toimunud rahvakunstifestivali laureaat.
2010. aasta
I ülevenemaalise rahvalaulukunsti festivali “Igavene päritolu” (Moskva) laureaat.
2011. aastal
8. märtsil tähistati kontsertkavaga “Põhjakoor igaks aastaajaks” Põhjakoori 85. aastapäeva.
Põhjakoor pälvis "Arhangelski piirkonna eriti väärtusliku kultuuripärandi objekti" staatuse.
Rahvusvahelise jõulufestivali Itaalias laureaat. Võistluse raames pälvis võistkond kaks kulddiplomit nominatsioonides “Lavafolkloor” ja “Püha laulmine”.
2012. aasta
Professionaalsete kooride festivali “Slaavi ringtants” (Ryazan) laureaat.
II ülevenemaalise NSV Liidu rahvakunstniku mälestusfestivali korraldaja, rühmituse Nina Konstantinovna Meshko kunstiline juht.
Põhjakoori juhid
Koorijuht: Natalja GeorgievnaAsadchik.
Kunstiline juht: Venemaa austatud kunstnik, Gnessini muusikaakadeemia professor Svetlana Konopyanovna Ignatjeva.
Peadirigent: Venemaa austatud kunstnik Aleksandr Mihhailovitš Kachaev.
Peakoreograaf: Venemaa austatud kunstnik Aleksandr Petrovitš Selivanov.
Põrandapikkustest arafanidest, kokoshnikidest ja laulukunstist. Vene rahvakoorid tiitliga "akadeemiline" - tunnustusena kõrgeima taseme lavaesinemise eest. Loe lähemalt “populistide” teest suurele lavale - Natalja Letnikova.
Kuuba kasakate koor
200 aastat ajalugu. Kasakate laulud on kas hobuste marss või kõndimine vapra vile saatel “Marusya, üks, kaks, kolm...”. 1811. aastal loodi Venemaal esimene koorirühm. Elav ajaloomälestis, mis on kandnud läbi sajandeid Kuuba ajalugu ja kasakate armee laulutraditsioonid. Alguses olid Kubani vaimne koolitaja, ülempreester Kirill Rossinsky ja regent Grigory Grechinsky. Alates 19. sajandi keskpaigast ei osalenud rühm mitte ainult jumalateenistustel, vaid andis ka ilmalikke kontserte hoolimatute kasakate vabameeste ja Yesenini sõnul "rõõmsa melanhoolia" vaimus.
Mitrofan Pjatnitski nimeline koor
Meeskond, kes on end juba sajand uhkusega “talupojaks” nimetanud. Ja las täna esinevad laval professionaalsed artistid, mitte tavalised häälekad suurvene talupojad Rjazanist, Voronežist ja teistest provintsidest, koor esindab. rahvalaul hämmastavas harmoonias ja ilus. Iga etendus tekitab imetlust, nagu sada aastat tagasi. Aadlikogu saalis toimus talurahvakoori esimene kontsert. Publik, sealhulgas Rahmaninov, Chaliapin, Bunin, lahkus etenduselt šokis.
Põhja rahvakoor
Veliki Ustjugis elas lihtne maaõpetaja Antonina Kolotilova. Ta kogus rahvalaulusõpru käsitööks. Ühel veebruariõhtul õmblesime lastekodule pesu: «Erilise hubasuse lõi välgulambist langev ühtlane pehme valgus. Ja akna taga möllas veebruarikuu kehv ilm, tuul vihises korstnas, ragistas katusel laudu, loopis aknale lumehelbeid. See ebakõla hubase toa soojuse ja lumetuisu ulumise vahel tegi hinge veidi kurvaks. Ja järsku hakkas kõlama laul, kurb, veniv...” Nii kõlab virmaliste laul – 90 aastat. Juba lavalt.
Jevgeni Popovi nimeline Rjazani rahvakoor
Yesenini laulud. Vene maa pealaulja kodumaal lauldakse tema luuletusi. Meloodiline, läbistav, põnev. Kus valge kask- kas puu või tüdruk, külmunud Oka kõrgel kaldal. Ja pappel on kindlasti "hõbedane ja särav". Koor loodi Bolšaja Žuravinka küla maarahvaansambli baasil, mis tegutseb 1932. aastast. Rjazani koorõnnelik. Rühma juht Jevgeni Popov kirjutas ise muusika vapustava ilumeelega kaasmaalase luuletustele. Nad laulavad neid laule, nagu räägiksid nad oma elust. Soe ja õrn.
Siberi rahvakoor
Koor, ballett, orkester, lastestuudio. Siberi koor on mitmetahuline ja pakase tuulega kooskõlas. Kontsertkava “Yamshchitsky Tale” põhineb Siberi piirkonna muusika-, laulu- ja koreograafilisel materjalil, nagu ka paljud grupi lavasketšid. Siberlaste loovust on nähtud 50 riigis üle maailma – Saksamaast ja Belgiast Mongoolia ja Koreani. Millest nad elavad, sellest nad laulavad. Kõigepealt Siberis ja seejärel kogu riigis. Mis juhtus Nikolai Kudrini lauluga “Leib on kõige pea”, mille esitas esmalt Siberi koor.
Konstantin Massalinovi nimeline Voroneži vene rahvakoor
Laulud eesliinil neil rasketel päevadel, kui näib, et loovuseks pole üldse aega. Voroneži koor ilmus Anna tööliskülla Suure Isamaasõja haripunktis - 1943. aastal. Esimesena kuulsid uue bändi lugusid väeosades. Esimene suur kontsert – pisarsilmil – toimus sakslastest vabastatud Voronežis. Repertuaaris - lüürilised laulud ja asju, mida inimesed Venemaal teavad ja armastavad. Sealhulgas tänu Voroneži koori kuulsaimale solistile - Maria Mordasovale.
Pjotr Miloslavovi nimeline rahvakoor Volga
"Stepituul kõnnib üle Chatelet teatri lava ja toob meieni omaloominguliste laulude ja tantsude aroomi,"- kirjutas Prantsuse ajaleht L’Umanite 1958. aastal. Samara linn tutvustas prantslastele Volga piirkonna laulupärandit. Esineb rahvakoor Volga, mis loodi RSFSRi valitsuse otsusega 1952. aastal Pjotr Miloslavovi poolt. Rahulik ja hingestatud elu suure Volga kaldal ja laval. Ekaterina Shavrina alustas oma loomingulist karjääri meeskonnas. Laulu “Lumivalgekirss” esitas esmakordselt Volga koor.
Omski rahvakoor
Karu balalaikaga. Kuulsa meeskonna embleem on hästi tuntud nii Venemaal kui ka välismaal. "Armastus ja uhkus Siberi maa üle," nagu ühes kriitikute rühmitus nimetas välisreisid. “Omski rahvakoori ei saa nimetada ainult vanade rahvalaulude taastajaks ja hoidjaks. Ta ise on meie aja rahvakunsti elav kehastus.- kirjutas Briti The Daily Telegraph. Repertuaari aluseks on grupi asutaja Jelena Kalugina pool sajandit tagasi salvestatud Siberi laulud ja helged pildid elust. Näiteks sviit “Winter Siberian Fun”.
Uurali rahvakoor
Esinemised rindel ja haiglates. Uuralid ei varustanud riiki mitte ainult metalliga, vaid tõstsid moraali ka keeristontantsude ja ümartantsudega, mis on Uurali maa rikkalikum folkloorimaterjal. Sverdlovski Filharmoonia alluvuses nad ühinesid isetegevusrühmadümbritsevad Izmodenovo, Pokrovskoje, Katarachi, Laja külad. "Meie žanr on elus", - öeldakse täna meeskonnas. Ja nad kaaluvad selle elu päästmist peamine ülesanne. Nagu kuulus Uurali "Seitse". “Drobushki” ja “barabushki” on laval olnud 70 aastat. Mitte tants, vaid tants. Innukas ja julge.
Orenburgi rahvakoor
Sulesall lavakostüümi osana. Kohev pits põimunud rahvalaulud ja ümartantsus - osana Orenburgi kasakate elust. Meeskond loodi 1958. aastal, et säilitada ainulaadset kultuuri ja rituaale, mis eksisteerivad "suure Venemaa piiril Uurali kallastel". Iga etendus on nagu etendus. Nad esitavad mitte ainult inimeste loodud laule. Isegi tantsudel on kirjanduslik alus. “Kui kasakad nutavad” on koreograafiline kompositsioon, mis põhineb Mihhail Šolohhovi lool külaelanike elust. Igal laulul või tantsul on aga oma lugu.