Kaasaegne muusikatööstus on üsna kummaline nähtus, mis ei seisa paigal ja areneb pidevalt. Need, kes on muusikalises “köögis” töötanud üle aasta, teavad, et mõnikord võib olla väga raske ennustada, mis meid tulevikus ees ootab. muusikaliselt. Kasumisüsteem on aga alati sama ja kõigil, kes soovivad tõsiselt oma muusikat sularahaks muuta, oleks hea, kui neil oleks vähemalt põhiteadmised muusikaäri toimimisest.
Seetõttu otsustasime kirjutada väikese juhendi julgetele, kes soovivad ja kavatsevad oma muusikat reklaamida ning sellega head raha teenida. See on piisav teave, et anda teile põhiteadmised sellest, mida muusikaäri elab ja hingab, ning panna teid mõtlema, kuidas saaksite sellest osa saada.
Plaadifirmad
"Traditsiooniline" tee muusikatööstuses edu saavutamiseks on lasta oma plaati kuulda tuntud plaadifirmal, kes sõlmib seejärel teie loomingu reklaamimise lepingu. See on veelgi parem, kui olete juba salvestanud mitu kompositsiooni, mida saate lisada oma minialbumisse või täispikasse albumisse või mitu albumit veebis.
Põhimõtteliselt toimib silt investorina, kes investeerib oma raha sinusse ja sinu projekti. See raha läheb stuudio rentimiseks, miksimiseks ja masterdamiseks ning teie ettemakseks, mis makstakse ette, et saaksite elada seni, kuni hakkate saama oma osa müügist, mida tööstuses tuntakse autoritasudena.
Silt tegeleb ka kogu loo/albumi väljaandmiseks vajalike paberitöödega, mis sisaldab autoritasude jagamise jaotust: kui suur protsent igast teenitud mündist läheb teile isiklikult, koostööpartneritele ja kui suur protsent läheb plaadifirmale, et katta selle esialgne osa. investeerida ja saada täiendavat kasumit, mida etikett saaks uuesti teie reklaami investeerida.
Muusikalised tagasilöögid
Autoriõiguste kaitse ühing (MCPS) maksab autoritasu iga teie loo koopia eest. See tähendab, et mida rohkem plaate müüte, seda rohkem saate. Lisaks, kui teie lugu jõuab CD-le või DVD-le või seda kasutatakse muul viisil, saate selle eest ka teatud summa.
Näiteks: kollektsioonis on 20 kompositsiooni ja üks neist on teie oma. See tähendab, et Autoriõiguse Ühing maksab teile 5% kogu müügist.
Teie muusika kauaoodatud väljalase
Muusika välja andmine tähendab loo kasutamist mis tahes kujul ning muusika avaldamisest saadav tulu võib pärineda paljudest ja erinevatest allikatest. Tegelikkuses tuleb raha sisse iga kord, kui lugu mängitakse teles, raadios või kasutatakse filmi heliribana, raha tuleb sisse ka siis, kui lugu mängitakse Topshopi riietusruumides. Loetelu jätkub ja jätkub.
Teoreetiliselt selgub, et raha saate oma raja igasuguse kasutamise eest. See süsteem töötab tänu inkassoagentuuridele, nagu PRS Ühendkuningriigis või ASCAP (Ameerika Heliloojate, Kirjanike ja Kirjastajate Ühing) USA-s. Need organisatsioonid jälgivad kõiki viise, kuidas teie muusikat kasutatakse, seejärel koguvad ja jaotavad raha vastavalt.
TV, filmid ja palju muud
Peamised levikanalid ja kasumiallikad muusikatööstuses on televisioon, filmid ja videomängud ning täpsemalt teie muusika heliriba levitamine nende kanalite kaudu. Fonogrammi eelised on ilmselged: need maksavad teile ainult teie heliloomingu kasutamise eest; selle tulemusena saate uut tulu sellest, et teie laulu kasutatakse filmiprojektides või telesaadetes näiteks heliribana. Muusika kasutamine sel viisil võimaldab teil suurendada teie ja teie töö tuntust, kuna seda kuuleb potentsiaalselt tohutu publik, kes teie muusikaga varem ei olnud tuttav.
Pole lihtne saada lugusid tele- ja filmiprojektidesse, kuid on spetsialiseerunud tootmisettevõtteid, kes tegutsevad teie nimel, et teie muusikat ühes või teises suunas edasi lükata. Seega saate jätkata oma asjadega tegelemist, samal ajal kui sellised agentuurid reklaamivad teie lugusid filmi- ja televisioonivaldkonnaga seotud inimestele.
Vajadus koostada muusikakataloog, mis jääb muusikafirmade muusikakogusse (in viimasel ajal nimetatakse muusikatootmisettevõteteks) on täiesti arusaadav. Lõppude lõpuks on see kataloog, mis on potentsiaalselt kõige tulusam kõigist teie ettevõtmistest. Reeglina võtab selline ettevõte teie muusika reklaamimise eest protsendi. Kuid te ei pea neile teie esindamise eest ette maksma. Tasumine toimub kättesaamisel. Veelgi parem on see, et nad ei saa palka enne, kui teie muusika turule jõuab, mis tähendab, et nad teevad nii palju kui võimalik, et teie kohta sõna levitada.
Mõelge Rembrandti "I'll Be There For You" - Friendsi heliribale - ja sellele, kui paljud inimesed üle maailma teda teavad...
Muud kasumiallikad
Mis siis, kui sa kirjutaksid ega toodaks absoluutselt mitte midagi? Ärge muretsege, muusikaga saate ikkagi raha teenida. PPL voogesitus ei ole laulukirjutajate jaoks tüüpiline levituskanal. See on täiendav litsentsitasude allikas, mida ringhäälinguorganisatsioonid maksavad artistidele nende muusika kasutamise eest. Väikese summa saavad oma töö eest ka kõik loo loomisega seotud (bassistid, taustavokalistid jne).
Levitamine
Levitaja vastutab teie muusika laost poodi jõudmise eest. Selleks tuleb füüsilise sisu loomisel sõlmida levitamisleping.
Nagu me teame, jääb "füüsilise" muusika populaarsuselt digitaalse muusikaga võrreldes maha, mis on hea uudis, kui asutate oma plaadifirma, kuna levitamine ei pea olema nii vaevarikas ega kallis. Digitaalne levitamine tähendab, et teie plaadid on digitaalselt müügil kõigis kohtades, kus teie fännid neid soovivad. Näiteks Amazon, Beatport, iTunes. Teisisõnu, digitaalne levitamine säästab teid igas mõttes tarbetust askeldamisest.
Ja lõpuks
Kõike eelnevat on üsna raske omaks võtta, aga kui tahad oma elu muusikaga siduda, siis pead mõistma sellise tohutu muusikalise masina põhimehhanisme ja olema valmis, kui tahad tõesti nime teha. ennast ja jäta muusikaväljale jälg, võta see asi ette ja mine lõpuni, ükskõik mis.
Ja soovime teile palju õnne!
Kui sageli jõuab muusika meieni kõikjalt. Muusikast saab meie elu helitaust. Kas teate seda tunnet, kui unustasite lihtsalt kõrvaklapid kaasa võtta? Vaikus, ei, isegi tühjus. See on ebatavaline ja teie käed proovivad midagi sisse lülitada. Muusika lõpetab mängimise - sisemine hääl lülitub sisse ja millegipärast ei taha te seda üldse kuulata. Meenutab meile tegemata asju, heidab meile midagi ette ja toob kaasa tõsiseid mõtteid. Ei, varsti algab uus rada. Oleme lihtsalt muusikaga harjunud, oleme harjunud mitte olema kogu aeg üksi, vaid nende lõbusate (või mitte nii lõbusate) muusikarütmidega.
Küllap on kõigil lemmikmeloodiaid, mille kõla toob kusagil sügaval sisimas esile tuttavate lugude read. Samas juhtub sageli, et inimene teab peast laulu sõnu, kuid ta pole kunagi mõelnud mällu jäänud ja isegi sageli öeldud sõnade tähendusele. See juhtub seetõttu, et enamik inimesi on harjunud muusikat kuulama taustal või lõõgastuma, see tähendab lõõgastuma ja mitte millelegi mõtlema, nautima emotsioone või lihtsalt sukelduma kõrvalistesse mõtetesse.
Sellise kuulamise tulemusena täitub inimese maailmapilt tekstide ja tähendustega, mis pole teadvuse tasandil filtreeritud. Ja kuna teavet esitatakse erinevate rütmide ja meloodiate saatel, imendub see väga hästi ja hakkab seejärel alateadvuse tasandilt mõjutama inimese käitumist. Milliseid käitumissaateid kannab massipublikuni kaasaegne levimuusika - selline, mida mängitakse teles ja raadios ning kas seda on võimalik käsitleda alateadlikult ehk selle mõjule mõtlemata? Vaatame mõnda videoülevaadet:
Pärast nende videote vaatamist on paslik meenutada tsitaati vana-Hiina filosoofilt Konfutsiuselt: „Iga riigi hävitamine algab just selle muusika hävitamisest. Rahvas ilma puhta ja helge muusikata on määratud mandumisele.
Palun pange tähele viimane arvustus see ei puudutanud ainult konkreetsete laulude sisu, vaid ka levimuusika teemade üldist suunitlust. See oluline nüanss, millega tuleb arvestada. Lõppkokkuvõttes peaks muusika peegeldama meie elu erinevaid aspekte, mitte tõstma neid ebasobivale suurusele ja tähtsusele.
Inimese loovus, kui see pärineb hingest, peegeldab alati tema sisemaailma, puudutab isikliku arengu küsimusi ja vastuste otsimist pakilisematele küsimustele. Kui loovus asendub äriga ja rahateenimine on esikohal, siis selle sisu täitub automaatselt vastavate tähenduste ja vormidega: primitiivne, stereotüüpne, labane, rumal.
Tänapäeva enamikus raadiojaamades esitatava sisu kuulamine on tõeline protsess, mille käigus programmeeritakse inimesi alateadlikult rakendama oma elus kõiki videotes loetletud käitumismudeleid.
Samas on esitletud videoarvustustes analüüsitud vaid tekstide ja videoklippide sisu, kuid muusika rütm, tonaalsus, meloodia ja helitugevus avaldavad inimesele tohutut mõju. Iga muusika on ju lõpuks vibratsioon, mis võib kas harmoneeruda inimese sisemise seisundiga või mõjuda sõna otseses mõttes hävitavalt.
Muusika mõju ühiskonnale
Dissonants muusikas, äkilised rütmimuutused, vali heli – organism tajub seda kõike stressina, saastava tegurina, mis mõjutab mitte ainult närvi-, vaid ka südame-veresoonkonna ja endokriinsüsteemi. Internetist võib leida paljude katsete tulemusi, mis näitavad, et kui klassikaline või rahvamuusika vaimseid võimeid parandada, siis samadele rütmidele üles ehitatud kaasaegne popmuusika või raske, räbaldunud muusika, vastupidi, pärsib inimese psüühikat, halvendab mälu, abstraktset mõtlemist ja tähelepanelikkust.
Nendel piltidel on selgelt näha muusika mõju:
Need fotod tegi Jaapani maadeavastaja Masaru Emoto. Ta eksponeeris vett erinevatele meloodiatele ja inimkõnele, misjärel ta külmutas selle ja pildistas saadud jäätunud veekristalle suure suurendusega. Nagu slaidilt näha, siis helide mõjul klassikaline muusika destilleeritud vee kristallid võtavad raske muusika või negatiivsete sõnade, emotsioonide mõjul graatsilised sümmeetrilised kujundid, jäätunud vesi moodustab kaootilisi, killustatud struktuure.
Arvestades, et me kõik koosneme enamjaolt veest, siis võite ette kujutada, kui palju muusika meile mõju avaldab. Seetõttu tuleks nende kompositsioonide valik, mida sageli ise kuulate või lastele esitate, teha teadlikult, hinnates muusika mõju ja efekti, mida soovite saavutada.
Muusika mõjutab inimest kolmes aspektis:
- Laulusõnade ja videoklippide sisu
- Muusika vibratsioon (rütm, tonaalsus, meloodia, hääletämber jne)
- Populaarsete esinejate isikuomadused, kelle elud on väljas
Selle slaidi kolmandas punktis tõstsime esile isikliku aspekti, mis on seotud nende esinejate moraaliga, kes saavad kuulsust ja au. Kuna kaasaegne show-äri on üles ehitatud sellele, et see toob avalikkuse ette kogu nn staaride isikliku elu, surudes nad noorematele põlvkondadele peale "edu" kehastavate ebajumalatena, siis hinnates kaasaegsed laulud Arvestada tuleb ka elustiiliga, mida nende esinejad oma eeskujuga edasi annavad.
Tõenäoliselt on kõik kuulnud sellisest populaarsest lääne lauljast nagu. Vaatame, millist ideoloogiat ta oma loovuse ja isikliku eeskujuga propageerib.
Projekti Teach Good raames tehti sarnaseid ülevaateid ka teiste populaarsemate kohta Lääne esinejad: , – ja see on igal pool sama. Nende karjäär areneb justkui mustri järgi: suhteliselt lihtsatest ja tagasihoidlikest tüdrukutest, kes on jõudnud show-ärisse, muutuvad nad tasapisi nendeks, kelle fotosid ja loomingulisi töid on obsessiivse vulgaarsuse ja vulgaarsuse tõttu isegi ebamugav loengus demonstreerida.
Samal ajal jagatakse just neid tähti pidevalt peaauhindadega. muusikaauhinnad, nende videoid esitatakse telekanalites ja raadiojaamades, isegi siin Venemaal mängitakse nende laule regulaarselt. See tähendab, et muusikatööstuses on üles ehitatud sama süsteem, mis põhineb 3 peamisel tööriistal: auhinnainstitutsioonid, rahavood ja kontroll keskmeedia üle.
Kust otsida häid laule?
Headel esinejatel – neil, kes laulavad tõeliselt tähendusrikkaid laule ja püüavad oma loovust inimeste hüvanguks suunata – on sellest barjäärist peaaegu võimatu läbi murda. Olukord hakkab muutuma alles täna, kui Interneti tulekuga on igal inimesel võimalus tegutseda iseseisva meediaväljaandina läbi oma kontode sotsiaalvõrgustikes, blogimise ja veebisaitide loomise kaudu.
Projekti Teach Good ja paljude teiste hoolivate inimeste ühenduste tekkimine on loomulik vana süsteemi hävimise protsess, mis on üles ehitatud rangele kontrollile meediasse lubatud isikute üle. Ja just Internetist leiate lugusid nendelt artistidelt, keda telerist ei kuule, kuid kelle muusikat on tõesti meeldiv ja kasulik kuulata.
Samuti tuuritavad nad linnades, esinevad lavadel ja müüvad maju välja, kuid nende fotosid ei avaldata läikivates ajakirjades ning nende laule ei edastata populaarsetes raadiojaamades ega muusikatelekanalites. Sest tänapäeva muusikatööstuse jaoks ei sobi nende looming sama meedia kaudu laiale auditooriumile määratud ja peale surutud “formaati”, õigemini avalikkuse teadvuse kujundamise ja juhtimise vahenditega.
Näitena tähendusrikkast loovusest toome teie tähelepanu ühele laulule, mille mõtlesid välja ja salvestasid projekti Teach Good lugejad.
Enne kaasaegsete kaasaskantavate heliallikate, digitaalsignaali ja muusika tulekut on heli salvestamise ja taasesitamise protsess jõudnud kaugele. Sees XIX-XX vahetus sajandite jooksul Muusikatööstusel oli kindel süsteem, mis hõlmas: kontsert- ja turneetegevust, noodi- ja pillide müüki. 19. sajandil oli muusikakaupade peamiseks vormiks trükitud muusika. IN XIX lõpus sajandil viis heli salvestamise ja taasesitamise seadmete ilmumine ning selle tulemusena plaadifirmade teke oluline muutus muusikatööstuse struktuur ja sellise nähtuse nagu muusikaäri tekkimine 20. sajandi alguses.
Inimloomus on selline, et ta ei kujuta elu ette ilma helide, harmoonia ja muusikariistad. Juba mitu tuhat aastat on muusikud lihvinud oma oskusi lüüra, juudi harfi, lauto või tsistri mängimisel. Kuid selleks, et kõrgete klientide kõrvu meeldida, oli alati vaja trupi olemasolu professionaalsed muusikud. Nii tekkis vajadus salvestada muusikat koos selle edasise taasesitamise võimalusega ilma inimese sekkumiseta. Lisaks võlgneb muusikaäri oma alguse eelkõige helisalvestuse tulekule.
Arvatakse, et esimene seade heli taasesitamiseks oli Vana-Kreeka leiutaja Ctesibiuse leiutis - "hüdravlos" . Selle kujunduse esimesed kirjeldused on leitud hiliste antiikkirjanike - Aleksandria Heroni, Vitruviuse ja Athenaeuse - käsikirjades. Aastal 875 esitlesid vennad Banu Musa, kes laenasid idee Vana-Kreeka leiutaja käsikirjadest, maailmale oma analoogi helide taasesitamise seadmest - "veeorel" (Joonis 1.2.1.). Selle tööpõhimõte oli ülimalt lihtne: ühtlaselt pöörlev, oskuslikult paigutatud eenditega mehaaniline rull lõi erineva veekogusega anumaid, mis mõjutas helide kõrgust, pannes nii täidetud torud kõlama. Mõned aastad hiljem esitlesid vennad esimest “automaatflööti”, mille töö põhines samuti “veeoreli” põhimõttel. Kuni 19. sajandini olid vendade Banu Musa leiutised ainsad ligipääsetaval viisil programmeeritav helisalvestus.
Riis. 1.2.1. Vendade Banu Musa leiutis - "veeorel"
Alates 15. sajandist. Renessansiajastut kattis mehaaniliste muusikariistade mood. Avaneb vendade Banu Musa tööpõhimõttega muusikariistade paraad - tünniorel. Esimesed muusikalised kellad ilmusid 1598. aastal, 16. sajandi keskel. - muusikakastid. Samuti olid esmased muusika massilise levitamise katsed nö "ballaadid-voldikud" - paberile trükitud luuletused, mille ülaosas on märkmed, mis Euroopas esmakordselt ilmusid 16.–17. Sellist levitamisviisi ei kontrollinud tol ajal keegi. Esimene teadlikult kontrollitud muusika massilise levitamise protsess oli noodimaterjali replikatsioon.
19. sajandi esimesel poolel jätkus mehaaniliste muusikariistade - kastide, nuusktubakate - arendamise suundumus - kõik need seadmed olid väga piiratud meloodiakomplektiga ja suutsid reprodutseerida meistri poolt varem “salvestatud” motiivi. Inimhäält või akustilise instrumendi heli koos edasise taasesitamise võimalusega oli võimalik salvestada alles 1857. aastal.
Maailma esimene helisalvestusseade on - fonautograaf (Joonis 1.2.2.), mille leiutas 1857. aastal Edouard Leon Scott de Martinville. Fonautograafi tööpõhimõte oli helilaine salvestamine, püüdes võnkeid läbi spetsiaalse akustilise sarve, mille otsas asus nõel. Heli mõjul hakkas nõel vibreerima, tõmmates vahelduva laine pöörlevale klaasirullile, mille pind oli kaetud kas paberi või tahmaga.
Riis. 1.2.2.
Kahjuks ei suutnud Edward Scotti leiutis salvestatud fragmenti reprodutseerida. Mõne aasta eest leiti Pariisi arhiivist 10-sekundiline fragment rahvalaulu “Kuuvalgus” salvestisest, mille esitas leiutaja ise 9. aprillil 1860. aastal. Seejärel võeti fonautograafi kujundus aluseks muude heli salvestamise ja taasesitamise seadmete loomisel.
1877. aastal lõpetas hõõglambi looja Thomas Edison töö täiesti uue helisalvestusseadme kallal - fonograaf (Joonis 1.2.3.), mille aasta hiljem patenteeris ta USA vastavas osakonnas. Fonograafi tööpõhimõte meenutas Scotti fonautograafi: helikandjana toimis vahaga kaetud rull, mille salvestamiseks kasutati membraani – mikrofoni eellase – külge ühendatud nõela. Püüdes heli läbi spetsiaalse sarve, aktiveeris membraan nõela, mis jättis vaharullile süvendid.
Riis. 1.2.3.
Esmakordselt sai salvestatud heli taasesitada sama seadmega, millega salvestus ise tehti. Kuid mehaanilisest energiast ei piisanud nominaalse helitugevuse taseme saavutamiseks. Thomas Edisoni fonograaf pööras sel ajal kogu maailma pea peale: sajad leiutajad hakkasid katsetama erinevaid materjale kanduri silindri katmiseks ja 1906. aastal toimus esimene avalik esinemiskontsert. Edisoni fonograafi aplodeeris rahvast täis saal. Aastal 1912 nägi maailm plaadiga fonograaf , milles tavapärase vaharulli asemel kasutati ketast, mis oluliselt lihtsustas disaini. Plaadifonograafi välimus, kuigi see pakkus avalikku huvi, oli helisalvestuse arengu seisukohalt praktiline rakendus ei leidnud seda kunagi.
Seejärel, alates aastast 1887, töötas leiutaja Emil Berliner aktiivselt välja oma nägemuse helisalvestusest, kasutades oma seadet - grammofon (Joonis 1.2.4.). Alternatiivina vahatrumlile eelistas Emil Berliner vastupidavamat tselluloidi. Salvestuspõhimõte jäi samaks: sarv, heli, nõelavõnked ja plaadi ühtlane pöörlemine.
Riis. 1.2.4.
Salvestatud plaadi pöörlemiskiirustega tehtud katsed võimaldasid suurendada plaadi ühe poole salvestusaega 2-2,5 minutini pöörlemiskiirusel 78 pööret minutis. Salvestatud kettaplaadid asetati spetsiaalsetesse pappkaantesse (harvemini nahast), mistõttu said need hiljem nimeks "albumid" - välimuselt meenutasid need väga linnavaatlustega fotoalbumeid, mida müüakse kõikjal Euroopas.
Tülikas grammofon asendati seadmega, mida täiustas ja muutis 1907. aastal Guillon Kemmler - grammofon (Joonis 1.2.5.).
Riis. 1.2.5.
Selle seadme korpusesse oli sisse ehitatud väike sarv, millel oli võimalus paigutada kogu seade ühte kompaktsesse kohvrisse, mis viis grammofoni kiire populariseerimiseni. 1940. aastatel Ilmus seadme kompaktsem versioon - minigrammofon, mis sai sõdurite seas eriti populaarseks.
Plaadide ilmumine laiendas muusikaturgu märkimisväärselt, kuna erinevalt noodidest võis neid osta absoluutselt iga kuulaja. Aastaid olid grammofoniplaadid peamiseks salvestusmeediumiks ja peamiseks muusikatooteks. Gramofoniplaat andis teistele muusikalise materjali kandjatele teed alles 1980. aastatel. Alates 1990ndate algusest. ja tänaseni moodustab helitoodete kogukäibest plaadimüük mõne protsendi või isegi murdosa. Kuid isegi pärast sellist müügilangust ei kadunud plaadid kuhugi ning on tänaseni säilitanud oma tähtsusetu ja väikese kuulajaskonna muusikasõprade ja kollektsionääride seas.
Elektri tulek tähistas helisalvestuse arengu uue etapi algust. Algus 1925 - "elektrilise salvestuse ajastu" kasutades plaadi pööramiseks mikrofoni ja elektrimootorit (vedrumehhanismi asemel). Nii heli salvestamist kui ka selle edasist taasesitamist võimaldavate seadmete arsenal on täienenud grammofoni muudetud versiooniga - elektrofon (Joonis 1.2.6.).
Riis. 1.2.6.
Võimendi tulek võimaldas viia helisalvestuse uuele tasemele: elektroakustilised süsteemid said kõlarid ning vajadus heli läbi sarve suruda jäi minevikku. Kõiki inimese füüsilisi pingutusi hakati tegema elektrienergiaga. Kõik need ja muud muudatused parandasid akustilisi võimeid ning suurendasid ka produtsendi rolli salvestusprotsessis, mis muutis radikaalselt olukorda muusikaturul.
Paralleelselt salvestustööstusega hakkas arenema ka raadio. Regulaarne raadiosaade algas 1920. aastatel. Alguses kutsuti näitlejaid, lauljaid ja orkestreid raadios uusi tehnoloogiaid populariseerima ning see aitas kaasa tohutu nõudluse tekkimisele raadiote järele. Raadio sai tohutu vaatajaskonna jaoks hädavajalikuks ja fonograafitööstuse konkurendiks. Peagi avastati aga otsene sõltuvus plaatide kõlast eetris ja nende plaatide müügi kasvust kauplustes. Suurenenud oli vajadus muusikakommentaatorite ehk nn diskorite järele, kes mitte lihtsalt ei pannud mängijasse plaate, vaid aitasid uusi salvestusi muusikaturul reklaamida.
20. sajandi esimesel poolel tegi muusikatööstuse põhimudel läbi olulisi muutusi. Helisalvestus, raadio ja muud teaduse ja tehnika arengu edusammud on oluliselt laiendanud muusikaäri algset kuulajaskonda ning aidanud kaasa uute muusikastiilide ja -suundade, nagu elektrooniline muusika, tekkele ja levikule. Nad pakkusid avalikkusele atraktiivsemat toodet ja sobitusid orgaaniliselt 19. sajandil levinud vormidesse.
Üks peamisi probleeme tolleaegsete helisalvestusseadmetega oli helisalvestuse kestus, mille esimesena lahendas nõukogude leiutaja Aleksandr Šorin. 1930. aastal pakkus ta välja filmi kasutamise operatiivsalvestusena, mis läbib püsiva kiirusega elektrilist salvestusseadet. Seade sai nime šorinofon , kuid salvestuse kvaliteet jäi sobivaks vaid edasiseks hääle taasesitamiseks, 20-meetrisele filmile sai panna juba umbes 1 tunni salvestust;
Elektromehaanilise salvestuse viimane kaja oli niinimetatud "rääkiv paber", mille pakkus välja 1931. aastal Nõukogude insener B.P. Skvortsov. Helivõnked salvestati tavalisele paberile, kasutades musta tindiga pliiatsijoonistust. Sellist paberit saab hõlpsasti kopeerida ja teisaldada. Salvestatu taasesitamiseks kasutati võimsat lampi ja fotosilma. 1940. aastatel eelmisel sajandil vallutas juba uus helisalvestuse meetod – magnetiline.
Magnetilise helisalvestuse arengulugu kulges peaaegu kogu aeg paralleelselt mehaaniliste salvestusmeetoditega, kuid jäi varju kuni 1932. aastani. Ameerika insener Oberlin Smith uuris 19. sajandi lõpus Thomas Edisoni leiutisest inspireerituna helisalvestuse küsimust. 1888. aastal avaldati artikkel, mis oli pühendatud magnetismi fenomeni kasutamisele helisalvestuses. Taani insener Waldemar Poulsen sai pärast kümneaastast katsetamist 1898. aastal patendi terastraadi kasutamiseks helikandjana. Nii ilmus esimene helisalvestusseade, mis põhines magnetismi põhimõttel - telegraaf . 1924. aastal täiustas leiutaja Kurt Stille Waldemar Poulseni vaimusünnitust ja lõi esimese magnetlindil põhineva diktofoni. Ettevõte AEG sekkus magnetilise helisalvestuse edasisse arengusse, andes välja seadme 1932. aasta keskel. Magnetofon-K 1 (Joonis 1.2.7.) .
Riis. 1.2.7.
Kasutades kilekattena raudoksiidi, tootis BASF tõeline revolutsioon salvestusmaailmas. Vahelduvvoolu nihket kasutades saavutasid insenerid täiesti uue helikvaliteeti. Aastatel 1930–1970 esindasid maailmaturgu väga erinevate vormiteguritega ja väga erinevate võimalustega rull-rullile magnetofonid. Magnetlint avas loomingulised uksed tuhandetele produtsentidele, inseneridele ja heliloojatele, kes said katsetada helisalvestust mitte tööstuslikus mastaabis, vaid otse oma korteris.
Selliseid katseid hõlbustas veelgi nende ilmumine 1950. aastate keskel. mitme rajaga magnetofonid. Sai võimalikuks ühele magnetlindile salvestada mitu heliallikat korraga. 1963. aastal ilmus 16-rajaline magnetofon, 1974. aastal 24-rajaline magnetofon ja 8 aastat hiljem pakkus Sony välja täiustatud digitaalse salvestusskeemi DASH-vormingu jaoks 24-rajalisel magnetofonil.
1963. aastal tutvustas Philips esimest kompaktne kassett (Joonis 1.2.8.), millest sai hiljem heli taasesituse peamine massformaat. 1964. aastal alustati Hannoveris kompaktsete kassettide masstootmist. 1965. aastal algatas Philips muusikakassettide tootmise ja 1966. aasta septembris jõudsid USA-s müügile ettevõtte kaks aastat kestnud tööstuskatsete esimesed tooted. Disaini ebausaldusväärsus ja muusika salvestamisel tekkinud raskused ajendasid tootjaid täiendavalt otsima võrdlusandmekandjat. Need otsingud said viljakaks korporatsioonile Advent, kes 1971. aastal võttis kasutusele magnetlindil põhineva kasseti, mille valmistamisel kasutati kroomoksiidi.
Riis. 1.2.8.
Lisaks andis magnetlindi tulek helisalvestusmeediumiks kasutajatele võimaluse salvestusi iseseisvalt paljundada. Kasseti sisu sai üle kanda teisele rullile või kassetile, saades seeläbi mitte 100% täpse, kuid kuulamiseks üsna sobiva koopia. Esimest korda ajaloos lakkas meedium ja selle sisu olemast ühtne ja jagamatu toode. Võimalus salvestusi kodus paljundada on muutnud muusika tajumist ja levikut lõppkasutajate seas, kuid muutused pole olnud radikaalsed. Inimesed ostsid ikka kassette, sest see oli palju mugavam ja mitte palju kallim kui koopiate tegemine. 1980. aastatel plaate müüdi 3-4 korda rohkem kui kassette, kuid juba 1983. aastal jagasid need turu võrdselt. Kompaktkassettide müük saavutas haripunkti 1980. aastate keskel ja müügi märgatav langus algas alles 1990. aastate alguses. .
Seejärel viisid helisalvestuse ideed, mille 19. sajandi lõpus püstitas Thomas Edison, 20. sajandi teisel poolel laserkiire kasutamiseni. Seega asendati magnetlint "laser-optilise helisalvestuse ajastu" . Optiline helisalvestus põhineb kompaktplaadil spiraalsete radade moodustamise põhimõttel, mis koosneb siledatest aladest ja süvenditest. Laseriajastu võimaldas esitada helilaine nullide (siledad alad) ja ühtede (süvendid) keerukaks kombinatsiooniks.
1979. aasta märtsis demonstreeris Philips esimest kompaktplaadi prototüüpi ning nädal hiljem sõlmis Hollandi kontsern Jaapani firmaga Sony lepingu, millega kiideti heaks 1981. aastal tootmisse pandud heliplaatide uus standard. CD oli optiline andmekandja plastketta kujul, mille keskel oli auk. CD sisaldas 72 minutit kvaliteetset heli ja oli ka oluliselt väiksem vinüülplaadid, selle läbimõõt oli vaid 12 cm versus 30 cm vinüülist, mis on peaaegu kaks korda suurem. Kahtlemata muutis see selle kasutamise mugavamaks.
1982. aastal esitles Philips esimest CD-mängijat, mis edestas taasesituse kvaliteedi poolest kõiki varem esitletud meediume. Esimene uuele digitaalsele andmekandjale salvestatud kommertsalbum oli ABBA legendaarne "The Visitors", mis kuulutati välja 20. juunil 1982. Ja 1984. aastal andis Sony välja esimene kaasaskantav CD-mängija - Sony Discman D-50 (Joonis 1.2.9.), mille maksumus oli tol ajal 350 dollarit.
Riis. 1.2.9.
Juba 1987. aastal ületas CD-de müük grammofoniplaatide müüki ja 1991. aastal olid CD-plaadid juba kompaktkassette turult oluliselt välja tõrjunud. Algstaadiumis säilitas CD muusikaturu arengu peamise suundumuse - helisalvestise ja kandja vahele oli võimalik panna võrdusmärk. Muusikat sai kuulata ainult tehases salvestatud plaadilt. Kuid see monopol ei olnud määratud kaua kestma.
Laser-optiliste CD-de ajastu edasine areng viis 1998. aastal DVD-Audio standardi tekkimiseni, mis sisenes heliturule erineva helikanalite arvuga (monost viie kanaliga). Alates 1998. aastast reklaamisid Philips ja Sony alternatiivset kompaktplaadivormingut Super Audio CD. Kahe kanaliga plaat võimaldas salvestada kuni 74 minutit heli nii stereo- kui ka mitme kanaliga formaadis. 74-minutilise mahu määras ooperilaulja, dirigent ja helilooja Noria Oga, kes oli sel ajal ka Sony Corporationi asepresident. Paralleelselt CD-de arenguga arenes järjekindlalt ka käsitöötootmine – kopeerimiskandjad. Esmakordselt hakkasid plaadifirmad mõtlema digitaalse andmekaitse vajalikkusele krüptimist ja vesimärke kasutades.
Vaatamata CD-de mitmekülgsusele ja kasutusmugavusele oli neil muljetavaldav puuduste loetelu. Üks peamisi oli liigne haprus ja vajadus hoolika käsitsemise järele. Ka CD-kandjate salvestusaeg oli oluliselt piiratud ning salvestustööstus otsis intensiivselt alternatiivset võimalust. Magnetoptilise miniplaadi turule ilmumine jäi tavalistele muusikasõpradele märkamatuks. Mini-ketas(Joonis 1.2.10.)- Sony poolt juba 1992. aastal välja töötatud, on jäänud helitehnikute, interpreetide ja lavategevusega otseselt seotud inimeste omandisse.
Riis. 1.2.10.
Miniplaadi salvestamisel kasutati magneto-optilist pead ja laserkiirt, mis lõikasid kõrgel temperatuuril läbi magneto-optilise kihiga alad. Miniplaadi peamine eelis traditsiooniliste CD-de ees oli parem turvalisus ja pikem kasutusiga. 1992. aastal tutvustas Sony esimest mini-plaadi meediavormingu pleieri. Mängijamudel saavutas erilise populaarsuse Jaapanis, kuid väljaspool riiki ei aktsepteeritud nii esmasündinu Sony MZ1 mängijat kui ka selle täiustatud järeltulijaid. Nii või teisiti sobis CD või miniplaadi kuulamine pigem eranditult statsionaarseks kasutamiseks.
20. sajandi lõpus saabus "ajastu kõrgtehnoloogia" . Personaalarvutite ja globaalse Interneti tulek avas täiesti uusi võimalusi ja muutis oluliselt olukorda muusikaturul. 1995. aastal töötas Fraunhoferi instituut välja revolutsioonilise heli tihendamise vormingu - MPEG 1 helikiht 3 , mis lühendati MP3-ks. 1990. aastate alguse põhiprobleem. digitaalse meedia valdkonnas oli piisava kettaruumi puudumine digitaalse kompositsiooni jaoks. Tolle aja kõige keerukama personaalarvuti kõvaketta keskmine suurus ületas vaevalt mitukümmend megabaiti.
1997. aastal tuli turule esimene tarkvaramängija - "Winamp" , mille töötas välja Nullsoft. Mp3-kodeki ilmumine ja selle edasine toetus CD-mängijate tootjatelt tõi kaasa CD-de müügi järkjärgulise languse. Valides helikvaliteeti (mida koges tegelikult vaid väike protsent tarbijatest) ja maksimaalse võimaliku ühele CD-le salvestatavate lugude arvu vahel (erinevus oli keskmiselt umbes 6-7 korda), valis kuulaja viimase.
Mitme aasta jooksul on olukord dramaatiliselt muutunud. 1999. aastal lõi 18-aastane Sean Fanning spetsiaalse teenuse nimega - "Napster" , mis saatis lööklaineid läbi kogu muusikaäri ajastu. Selle teenuse abil on saanud võimalikuks muusika, salvestiste ja muu digitaalse sisu vahetamine otse Interneti kaudu. Kaks aastat hiljem suleti see teenus muusikatööstuse autoriõiguste rikkumise tõttu, kuid mehhanism käivitati ja digitaalse muusika ajastu arenes edasi kontrollimatult: sadu peer-to-peer võrke, mille toimimist oli väga raske kiiresti kiiresti käivitada. reguleerida.
Muusika vastuvõtmise ja kuulamise viisis toimus radikaalne muutus, kui ühinesid kolm komponenti: personaalarvuti, Internet ja kaasaskantavad flash-mängijad (kaasaskantavad seadmed, mis on võimelised esitama sisseehitatud kõvakettale või välkmällu salvestatud muusikapalasid). 2001. aasta oktoobris ilmus Apple muusikaturule, tutvustades maailmale täiesti uut tüüpi kaasaskantavate meediumipleierite esimest põlvkonda - iPod (Joonis 1.2.11.), mis oli varustatud 5 GB välkmäluga ja toetas ka selliste helivormingute nagu MP3, WAV, AAC ja AIFF taasesitust. Suuruselt oli see võrreldav kahe kompaktse kokkuvolditud kassetiga. Koos uue Flash-mängija kontseptsiooni avaldamisega töötas ettevõtte tegevjuht Steve Jobs välja intrigeeriva loosungi – “1000 songs in your pocket” (inglise keelest tõlgituna – 1000 songs in your pocket). Sel ajal oli see seade tõeliselt revolutsiooniline.
Riis. 1.2.11.
Lisaks pakkus Apple 2003. aastal välja oma nägemuse teoste legaalsete digitaalsete koopiate levitamisest Interneti kaudu oma veebipõhise muusikapoe kaudu - iTunes Store . Sel ajal oli selle veebipoe lugude andmebaasis kokku üle 200 000 loo. Praegu ületab see arv 20 miljonit laulu. Sõlmides lepinguid plaaditööstuse liidritega nagu Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI ja Warner Music Group, on Apple avanud täiesti uue lehekülje salvestuste ajaloos.
Nii on personaalarvutitest saanud helisalvestiste töötlemise ja taasesitamise vahend, flash-mängijad universaalseks kuulamisvahendiks ning internet on toiminud ainulaadse muusika levitamise vahendina. Selle tulemusena said kasutajad täieliku tegevusvabaduse. Seadmetootjad on tarbijaga pooleldi vastu tulnud, pakkudes tuge tihendatud MP3-helivormingu esitamiseks mitte ainult flash-mängijates, vaid kõigis AV-seadmetes, alates muusikakeskustest, kodukinodest ja lõpetades plaadi-CD-mängijate konverteerimisega CD-/MP3-mängijateks. Tänu sellele hakkas muusika tarbimine kasvama uskumatu kiirusega ning autoriõiguste omanike kasumid hakkasid sama järjekindlalt langema. Olukorda ei suutnud muuta uued, täiustatud SACD-plaadivormingud, mis olid mõeldud CD-de asendamiseks. Enamik inimesi eelistas neid uuendusi tihendatud helile ja teistele revolutsioonilistele uuendustele, näiteks iPodi muusikapleierile ja selle paljudele analoogidele.
Kasutades personaalarvutites kõige lihtsamate helisignaalide genereerimise süsteeme, hakati arvutimuusikat looma tohututes kogustes. Internet koos digitehnoloogiaga on võimaldanud produtsentidel oma muusikat luua ja levitada. Artistid kasutasid võrgustikku albumite reklaamimiseks ja müügiks. Kasutajad said kiiresti vastu võtta peaaegu kõigi salvestuste muusikapala ja looge oma muusikakogud kodust lahkumata. Internet on laiendanud turgu, suurendanud muusikalise materjali mitmekesisust ja aidanud kaasa digitaalsete tehnoloogiate aktiivsele kasutuselevõtule muusikaäris.
Kõrgtehnoloogia ajastul on olnud suur mõju muusikaline kultuur, aitas kaasa muusikatööstuse tekkele ja edasisele arengule ning selle tulemusena muusikaäri arengule. Sellest ajast peale on artistidel tekkinud alternatiivsed võimalused muusikaturule sisenemiseks ilma suurte plaadifirmade osaluseta. Vanad toodete levitamise mudelid on ohus. Viimase paari aasta jooksul on 95% Internetis leiduvast muusikast olnud piraat. Üha enam muusikat ei müüda, vaid vahetatakse vabalt internetis. Võitlus piraatlusega on omandamas enneolematud mõõtmed, kuna plaadifirmad kaotavad kasumit. Arvutitööstus toodab rohkem tulu kui muusikatööstus ja see on võimaldanud muusikat kasutada digitaalse müügi edendamise tootena. Muusikalise materjali ja esitajate isikupäratus ja homogeensus on toonud kaasa turu küllastumise ja taustafunktsioonide ülekaalu muusikas.
Olukord sisse XXI algus sajandist, meenutab paljuski 19.-20. sajandi vahetusel muusikatööstuses toimunut, mil uued tehnoloogiad murdsid väljakujunenud traditsioone ning plaadid ja raadio juurdusid aktiivselt muusikaäris. See viis selleni, et sajandi keskpaigaks oli muusikatööstus moodustanud peaaegu uue põhistruktuuri, millele 20. ja 21. sajandi vahetusel kujunes “kõrgtehnoloogia ajastu”. avaldas kahjulikku mõju.
Seega tuleks järeldada, et kogu heliandmekandjate arengulugu põhineb eelmiste etappide saavutuste pärilikkusel. 150 aasta jooksul on muusikatööstuse tehnoloogia areng läbinud pika arengu ja ümberkujundamise tee. Sel perioodil ilmusid korduvalt uued täiustatud helisalvestus- ja taasesitusseadmed, alates fonautograafist kuni kompaktplaatideni. Esimesed optiliste CD-plaatide salvestuste võrsed ja HDD-draivide kiire areng 1980. aastate lõpus. Vaid ühe kümnendiga on nad purustanud paljude analoogsalvestusvormingute konkurentsi. Vaatamata sellele, et esimesed optilised muusikaplaadid ei erinenud kvalitatiivselt vinüülplaatidest, on nende kompaktsus, mitmekülgsus ja edasiarendus Digisuund lõpetas eeldatavasti massikasutuseks mõeldud analoogvormingute ajastu. Uus kõrgtehnoloogia ajastu muudab oluliselt ja kiiresti muusikaäri maailma.
20. sajandi algust iseloomustab muusika- ja meelelahutustööstuse kiire areng. Suurt rolli kontserttegevuse arengus mängisid Peterburi Filharmoonia Selts, Moskva Filharmoonia, Vene Muusikali Selts, Vene Muusikaring ja 1918. aastani eksisteerinud kontsertmuusikaorganisatsioon “Laulumaja”. Muusikalava oli sel perioodil peamiselt eraettevõtete käes.
Eriti kiiresti areneb salvestustööstus. Esimene plaaditehas Venemaal avati Riias 1902. aastal. Ja 1907. aastal korraldas plaatide tootmise firma Pathé, kes importis maatrikseid välismaalt (alates 1922. aastast - “Oktoobri 5. aastapäeva järgi nime saanud tehas”). Alates 1910. aastast alustas Metropol-Recordi tehas Moskva lähedal Aprelevka jaamas plaatide tootmist. 1911. aastal pandi tööle Sirena-Recordi partnerluse tehas, mis trükkis aastaga 2,5 miljonit plaati.
Riigiduuma võttis vastu autoriõiguse seaduse, mis võttis esimest korda arvesse plaadifirmade huve. Asutati Vene autorite muusikaliste õiguste agentuur (AMPRA). Aastane brutotoodang Venemaal oli 18 miljonit rekordit ja turul tegutses umbes 20 ettevõtet. Aprelevsky tehas suurendas oma võimsust 300 tuhande rekordini aastas. Suurte välismaiste tootjate vastu võitlemiseks loodi "Ühindatud tehaste sündikaat". Pärast Esimese maailmasõja puhkemist Venemaal nende arv aga vähenes.
1915. aastal alustas tööd tehas “Kirjutav Cupid Moskvas”. Enne revolutsiooni oli Venemaal kuus tehast, mis tootsid 20 miljonit plaati aastas; lisaks toodeti importmaatriksite abil 5-6 miljonit. Enamik tehaseid asutati isiklikul Vene kapitalil - "Rebikovi ja Co partnerlus?" ja teised.
Kuid samal ajal seisab turg silmitsi esimeste negatiivsete nähtustega muusikatööstuses, mis on iseloomulikud ka kaasaegsele show-ärile. Ilmusid esimesed piraatplaadid, mille tootsid firma Neographon ja Ameerika firma Melodifon Peterburi filiaal. Ettevõtja D. Finkelstein jõudis kõige kaugemale – tema partnerlus Orthenon tootis eranditult piraatplaate.
Sarnased nähtused esinesid muusikakirjastustes. 20. sajandi alguses jõudis muusika kirjastamine Venemaal kõrgele arengutasemele, mis ei jäänud trükitehniliselt alla välismaistele muusikaväljaannetele. Venemaa muusikakirjastused nagu Jurgenson's on pälvinud ülemaailmset tunnustust.
20. sajandi esimestel kümnenditel tegutses arvukalt muusikapoode - perifeeria firmasid (Jaroslavl, Doni-äärne Rostov, Jekaterinburg, Saratov ja teised linnad), mis tegelesid muusika kirjastamisega. Venemaa muusikakirjastused ja muusikapoed andsid välja oma välja antud noodikatalooge, mis on tänaseni väärtuslikud õppeallikad. muusikalised maitsed ajastu.
Dramaatilised muutused muusikakunstis toimusid pärast 1917. aasta revolutsiooni. Kirjastusäri läheb riigi kätte (Rahvakomissaride Nõukogu dekreet 19.12.1918). 1921. aastal ühinesid muusikakirjastused ja nooditrükikojad ühtseks muusikakirjastuseks, mis 1922. aastal läks muusikasektorina Gosizdati koosseisu. 1930. aastal reorganiseeriti muusikasektor Riiklikuks Muusikakirjastuseks "Muzgiz" filiaaliga Leningradis, millest sai suurim muusikakirjastusettevõte.
Neil samadel aastatel tegutses veel hulk muusikakirjastusi, eelkõige kooperatiiv “Tritron” (1925-1935). Nad andsid välja noote ja muusikateemalisi raamatuid. Noodide aeg-ajalt väljaandmisega on seotud mitmed ühiskondlikud organisatsioonid ja osakonnad: Moskva Draamakirjanike ja Heliloojate Selts (MOPIK, 1917-1930), üleliiduline autoriõiguste kaitse direktoraat.
1939. aastal loodi Heliloojate Liidu juurde NSVL Muusikafond, mille ülesannete hulka kuulus nõukogude heliloojate teoste väljaandmine. 1964. aastal ühinesid “Muzgiz” ja “Soviet Composer” üheks kirjastuseks “Muusika”, kuid 1967. aastal läksid nad uuesti lahku. Need kirjastused annavad välja ajakirju “Nõukogude Muusika” ja “Muusikaelu”.
Plaaditööstuses oli samuti toimumas dramaatiliste muutuste periood. See tööstus natsionaliseeriti. Ja üks esimesi nõukogude võimu ajal välja antud grammofoniplaate oli V.I. kõne salvestis. Lenin "Pöördumine Punaarmee poole". Aastatel 1919-1920 Tsentropechati nõukogude plaadiosakond tootis üle 500 tuhande grammofoniplaadi. Need olid peamiselt kõnesalvestised – silmapaistvate partei- ja ühiskonnategelaste kõned.
20ndatel taastati tootmine vanades ettevõtetes ja 30ndatel alustas Moskvas tööd Üleliiduline salvestusmaja. 1957. aastal asutati üleliiduline helisalvestusstuudio. 1964. aastal loodi üleliiduline ettevõte Melodiya, mis ühendas kodumaiseid tehaseid, maju ja salvestusstuudioid ning kujunes paljudeks aastateks helisalvestuse monopolistiks.
Suured muutused on toimunud ka kontserttegevuses. Kogu tööstuse korraldus ja juhtimine läksid riigi kätte, millel oli suur mõju esinejate loovuse ideoloogilisele orientatsioonile. Eriti on see märgatavaks muutunud popkunsti vallas. Loodi spetsiaalsed valitsusasutused, mis korraldasid kõigi žanrite, sealhulgas popkunstnike kontserte.
Sellesse Kultuuriministeeriumi egiidi all olevasse süsteemi kuulusid “Riiklik kontsert”, “Sojuzconcert”, “Rosconcert”, vabariiklikud, piirkondlikud ja linnade filharmooniaseltsid, kontserdiühingud, mis juhtisid kogu meie riigi keerulist kontserdielu. Vaba ettevõtlus oli seadusega karistatav kui ebaseaduslik tegevus. Üheskoos kerkib sel perioodil esiplaanile muusika-, haridus- ja kultuuritöö.
Kontserdid ei toimu ainult suurlinnade kontserdisaalides, vaid ka väikestes klubides, kultuurikeskustes, tehaste, tehaste, sovhooside, kolhooside töökodades, punanurkades ja taludes. Samal ajal maksti artistidele rangelt kehtestatud tariifide järgi - 4,5–11,5 rubla kontserdi kohta.
Turumajanduse tekkimisega hakkavad ametlikul laval arenema alternatiivsed suundumused. Probleemid tekivad seoses selle tegevuse ümberkorraldamisega. On ilmnenud põhiline vastuolu: talendi isikliku olemuse ja riigi praktika vahel oma tööjõudu omastada. Varem ju puudus õigus esinejale nõudmise alusel tasuda. Arvukate varieteetööstuses töötavate firmade ja ettevõtete esilekerkimisest on saanud tänapäeva objektiivne vastus nii tarbijate kui ka ettevõtjate suurenenud huvile varieteetööstuse ja selle suundade vastu üldiselt.
Moskvas tegutseb praegu üle seitsmekümne kontserditegevuse korraldamisega tegeleva avalik-õigusliku ja eraühingu, firma, ettevõtte ja ühingu. Ilma ebaseaduslikke registreerimata ühinguid arvestamata saavad sellist mitmekülgset tegevust juhtida vaid kõrgelt professionaalsed spetsialistid juhid, kes peavad mitte ainult ja mitte niivõrd rahuldama avalikkuse kasvavaid nõudmisi, vaid ka neid ette nägema, aidates selgelt turutingimusi ja jälgides konkurentide tegevust, võttes arvesse muid tegureid nende töös sellel turul, näiteks elanikkonna maksevõimet jne.
Konkurents show-äris on viinud muusikatööstuse turunduse esilekerkimiseni. Kui helikunstist sai ettevõtlusvaldkond, vajas ta oma toodete reklaamimiseks tööriistu. Muusikaturundus põhineb traditsioonilistel strateegiatel ja meetoditel, kuid sellel on loomulikult palju spetsiifilisi jooni ja omadusi.
Turunduskontseptsioon
Tootmise konsolideerumine ja üha kvaliteetsemate kaupade tootmine toob kaasa asjaolu, et tarbijate aktiivsuse stimuleerimiseks on vaja teha erilisi jõupingutusi. Tootlikkuse kasvades tekivad esimesed. Algselt oli see suunatud kaupade ja tootmise täiustamisele, kuid järk-järgult kujunevad välja kaasaegsed ideed edendamisest kui eritegevusest, mille eesmärk on rahuldada vajadusi vahetuse kaudu. Tänapäeval peetakse turunduse all silmas erilist suhtlust tootja ja ostja vahel, mis viib vajaduste rahuldamiseni. See on loodud selleks, et aidata ostjal ja müüjal oma eesmärke saavutada. Selles mõttes on muusikatööstuse turundus ka spetsiifiline suhtlus tootja ja tarbija vahel. Tootja pakub audioturul toodet, mis võimaldab kuulajal tema vajadusi rahuldada.
Muusikaturunduse tekkimine
Muusikaturunduse tekkimist seostatakse meelelahutus- ja vabaajatööstuse kujunemisega. Kui tekib show-äri, valdkond, kus inimesed teenivad raha meelelahutusteenuste pakkumisega, on vaja ka turu vajadused võimalikult täielikult rahuldada. Mida rohkem konkurents kasvas, seda tugevamini tunti vajadust erilise pingutuse järele loodava toote müümiseks. Muusikaturunduse alguse võib leida aastal iidsed ajad. Näiteks Mozarti isa täitis sisuliselt muusiku produtsendi funktsiooni: valis kontsertide korraldamiseks repertuaari ja viis läbi propagandategevust. Helilooja ja esitaja oli vahend kasumi teenimiseks ja avalikkuse meelelahutusvajaduste rahuldamiseks. Kuid selle sõna täies tähenduses ilmub muusikaturundus alles meelelahutustööstuse kõrge arengu staadiumis. Ainult turu üleküllastumisega ja suurepärane võistlus Muusikatoote läbimõeldud reklaamimise järele on vaja.
Muusikatööstuse kujunemine
Showäri hõlmab mitmeid tööstusharusid: kino, teater ja meelelahutus, muusika. Helitööstus on maailmamajanduse haru, mis teenib kasumit muusikatoote või -teenuse müügist. Inimene on iidsetest aegadest tundnud vajadust muusikat kuulata, selle mõju psüühikale pole täielikult uuritud. Siiski on ilmne, et see on tihedalt seotud emotsioonidega, mis on sügav inimlik kogemus. Just nendega seostub muusika tähtsus inimese elus. Kuna nõudlus on olemas, siis loomulikult on ka pakkumine. Muusikatööstus tekib koos helitoodete massilise levitamise võimalustega, see tähendab koos tehnika arenguga. Show-äri ilmub koos avalike vaatemängudega. Aga kuna esimesed avalike saadete korraldamist reguleerivad õigusaktid ilmusid alles 19. sajandi keskpaigas, siis traditsiooniliselt toimubki siin loendus. Muusikatööstus tekkis grammofonisalvestuse tulekuga, mis hakkas muusikatoodet massidele levitama. Järgmised revolutsioonilised etapid on seotud raadio ja televisiooni tekkega. Edaspidi on tööstus ainult hoogu kogumas, helikandjad paranevad, tiraaž ja konkurents kasvavad. Muusikatööstuse turg kasvab igal aastal mitme protsendi võrra, eriti märgatavalt on kasv internetisegmendis. Tänapäeval on ilma edutamiseta võimatu ühtegi realiseerida muusikaprojekt, isegi kõige andekamate esinejatega.
Muusika kui kaup
Kasumi teenimise vahendid on laulud, heliteoste esitused, muusikarühmad ja solistid. Muusika kui reklaamiobjekti eripära on see, et see ühendab samaaegselt toote ja teenuse omadused. Helitoode peab rahuldama kuulaja vajadused, olema teatud kvaliteet ja sellele vastav hind, peab sellel olema prestiiž ja tarbijaväärtus, nagu igal tootel. Lisaks on muusika, nagu teenus, esitajast lahutamatu, immateriaalne ja selle tarbimise tulemust ei ole võimalik ennustada. Samas on helitoode toode, kuna sellel on hind, kvaliteet, see suudab rahuldada vajaduse ja nõuab tootjalt ostjale reklaamimist.
Elukutse: produtsent
Muusikaprodutsendil on muusikatoote loomisel ja reklaamimisel kõige olulisem roll. Ta mõtleb välja toote, valib teostaja ja materjali vastavalt turu vajadustele. Ta mõistab hästi turutrende, suudab mõjutada avalikkuse maitset ja soove ning oskab ette näha kuulajate vajadusi. Muusikaprodutsent tagab ka rahaliselt toote loomise, ta leiab aparatuuri, ostab muusikat, sõnu, maksab esinejate ja saatepersonali töö eest. Ja tootja teine oluline funktsioon on tagada toodete müük, ta planeerib turundusüritusi, korraldab ringreise ja kontserte. Produtsent - keskne kujund muusikatööstuses on ta samal ajal turundus- ja juhtimisspetsialist.
Turunduse eesmärgid ja eesmärgid
Muusikatööstuse turundusel, nagu igal teisel, on kõige rohkem peamine eesmärk- see on müügi kasv. Kuid nõudluse suurendamiseks on vaja lahendada sellega seotud probleemid. Muusikaturunduse oluline eesmärk on levitada teadlikkust tootest ja artistist. Ainult kõrge teadlikkus võib viia ostuni. Turunduse teine eesmärk on luua toode, mis rahuldab kuulajate vajadusi. Seetõttu peab igal esinejal olema mitte ainult ainulaadne kvaliteet, aga ka ainulaadset positsioneerimist. Muusikaturundus peab hoidma pidevat suhtlust kuulaja ja esitaja vahel, võtma arvesse muutusi toote tajumises ning kujundama tarbijas lojaalse suhtumise tootesse.
Reklaamiobjektid
Muusikaturunduses on mitu promotsiooniobjekti. Esiteks on see esineja või rühmitus. Kui muusikaturule ilmub uus nimi, muutuvad turundusülesanneteks selle teadlikkuse tõstmine sihtrühma. Rühmade ja solistide edendamine algab positsioneerimise arendamisega ning alles seejärel planeeritakse suhtlust, kujundatakse nõudlust ja stimuleeritakse. Esineja vajab ka brändingut, iga muusik püüab saada brändiks, sest see toob kaasa pideva kõrge müügi. Reklaamiobjektiks võib olla ka helitoode. Plaat, kontsert, film – kõik nõuavad läbimõeldud reklaamiplaani, et maksimeerida nõudlust ja kasumit. Muusikahitid on enamasti nutika turundustegevuse tulemus.
Turundusstrateegia
Pikaajalist tootearendusplaani nimetatakse turundusstrateegiaks. Strateegia väljatöötamiseks peate omama head arusaama turu olukorrast ja selle segmendi eripärast, kuhu toodet reklaamitakse. Muusikaturundus kui eritegevus ei saa rakendada kõiki olemasolevaid turundusstrateegiad. See nõuab erilist lähenemist, mis võtab arvesse muusikatoote omadusi. Kõige sobivamad intensiivse kasvu strateegiad on need, mis põhinevad olemasolevatel turgudel tehtud turundustegevuse suurendamisel. Samuti on võimalik rakendada sügavat turule tungimise strateegiat, mille puhul turundusprogrammid stimuleerivad rohkemate kaupade ja teenuste ostmist. Strateegiad peavad soodustama pikaajalist ja jätkusuutlikku nõudlust, mistõttu on artisti kuvand muusikaturul ülimalt oluline, mida tuleb hoolikalt planeerida ja hoida.
Muusikaturunduse sihtrühm
Muusikatööstuse turundus põhineb kontseptsioonil, st konkreetse sihtrühma tuvastamisel, kellele antud toodet arendatakse. Segmendi määratlemine on toote edukaks turundamiseks äärmiselt oluline. Sihtrühma tuvastamine muusikaturul toimub kõige sagedamini järgmiste parameetrite järgi: vanus, sugu ja elustiil. Seal on toode noortele, lastele ja küpsed inimesed, muusika meestele ja naistele. Elustiil, huvid, maitsed on ka sihtrühma tuvastamise kriteeriumid. Näete, et tänapäeval toimub kõigil turgudel, sealhulgas muusikal, demassifitseerimine, tooteid toodetakse üha kitsamale publikule. Jah, armastajatele on muusikat Korea telesari või valmis. See võimaldab müüa rohkem kaupu.
Edendamise meetodid
Turunduses on eesmärkide saavutamiseks neli peamist meetodit: nõudluse stimuleerimine, otsemüük, PR ja reklaam. Kõiki nelja turundusmiksi elementi kasutatakse muusikatoote reklaamimiseks, kuid neid kasutatakse sagedamini kui nõudluse stimuleerimiseks. Laulu reklaamimine ilma reklaami ja suhtekorralduseta on võimatu. Albumite ostmiseks on vaja tekitada teadlikkust ja nõudlust ning selleks kasutatakse selliseid meetodeid nagu otsene meediareklaam - infomaterjalide postitamine meediasse, aga ka BTL vahendid - üritusturundus, suhtlus läbi sotsiaalvõrgustike , Interneti-turundus.
Muusikatoodete reklaamiplaan
Valitud turundusstrateegiast lähtuvalt koostatakse artisti või grupi reklaamiplaan. Esimeses etapis on vaja kindlaks määrata edutamise eesmärgid, see võib olla näiteks teadlikkuse loomine või tuntuse säilitamine. Seejärel kavandatakse tegevused kolmes valdkonnas: promomine (toote paigutamine tele- ja raadiosaadetesse), avalikustamine (toote ümber infomüra tekitamine, legendide ja kuulujuttude lansseerimine, intervjuude andmine, reitingutesse paigutamine, ajakirjanduslike materjalide loomine), esinemine (otsesaadete korraldamine). suhtlemine esineja ja kuulaja vahel, kontsertetenduste korraldamine, autogrammitunnid). Muusikakollektiivid ja solistid peavad olema pidevalt kuuldavad, mistõttu on vaja kasutada erinevaid reklaami- ja suhtekorraldusvahendeid, et tagada esineja pidev kohalolek kuulaja infoväljas.
Brändid muusikas
Turundus sisse muusikaline kunst algselt seotud staaride ehk kaubamärkide loomisega. Selleks, et kuulaja usaldaks esinejat ning tunneks tema vastu kaastunnet ja kiindumust, on vaja pilti hoolikalt kaaluda tulevane täht. Rühmade või solistide reklaamimine algab nime loomisest, mis peaks sisaldama teatud filosoofiat, sõnumit, mille alusel hiljem kuulajatega suhtlemist kavandada. Järgmine samm on isikliku loo loomine. Fännid tahavad oma iidoli kohta kõike teada, seetõttu hakkavad nad otsima teavet tema isikliku elu, mineviku kohta ning tootja peab müügimüüdi eest eelnevalt hoolt kandma. Näiteks megapopulaarse grupi “Tender May” legend oli lugu lastekodulastest, see andis seltskonnale täiendava haletsusaura ja aitas kaasa populaarsusele. Samuti on vaja kaaluda välimus esineja nii, et see vastaks sihtrühma ootustele. Lisaks peaksite sõnastama võtmesõnumi, mida tuleb kuulajate meeles tugevdada. Näiteks Stas Mihhailov on positsioneeritud küpsete, lahutatud naiste lauljana ja see on tema konkurentsieelis. Kui kõik brändielemendid on loodud, on vaja esineja mainet süsteemselt hoida.
Ülemaailmne muusikaturunduse kogemus
Tänapäeval sünnivad muusikalised hitid mitte ainult tänu heliloojate ja interpreetide andekusele, vaid enamasti tänu produtsentide pingutustele. Kaasaegne tööstus on pannud tähtede sünni protsessi käima. Loomulikult on alustamiseks vaja andekat materjali, kuid rohkem on vaja pädevat produtsenti, kes tunneb efekti turundusmeetodid muusikabrändide tootmine. Markantne näide sellisest produtsentide tööst on näiteks Lady Gaga, Justin Bieber või Viagra grupp.