Tivadar Kostka sündis 5. juulil 1853 Austriale (praegu Sabinov, Slovakkia) kuulunud Kissebeni mägikülas – iseõppinud ungari kunstnik.
Tema isa Lasli Kostka oli arst ja proviisor. Tulevane kunstnik Lapsepõlvest peale teadsin, et minust saab apteeker. Kuid enne selleks saamist vahetas ta palju ameteid — töötas müügiesindajana, käis mõnda aega õigusteaduskonnas loengutel ja alles siis õppis farmakoloogiat.
Ühel päeval, kui ta oli juba 28-aastane, haaras ta apteegis olles pliiatsi ja joonistas retseptile lihtsa stseeni, mida ta aknast nägi - mööduvat käru, mida tõmbasid pühvlid.Sellest ajast peale või isegi varem kavatses ta kindlalt saada kunstnikuks, selleks püüdis ta kokku panna väikese kapitali, mis andis talle rahalise sõltumatuse.
"Vana kalur"
Enda kohta kirjutas ta järgmist: “Mina, Tivadar Kostka, ütlesin maailma uuendamise nimel lahti oma noorusest. Kui võtsin initsiatsiooni nähtamatust vaimust, oli mul kindel positsioon, ma elasin õitsengus ja mugavuses. Aga lahkusin oma kodumaalt, sest tahtsin seda oma elu lõpus rikka ja kuulsusrikkana näha. Selle saavutamiseks reisisin palju mööda Euroopat, Aasiat ja Aafrikat. Tahtsin leida mulle ennustatud tõe ja muuta selle maaliks.
Näib, et kunstnikuks hakkamise idee kummitas Tivadar Kostkat visalt.
Ühel ilusal päeval läheb ta Rooma, seejärel Pariisi, kus kohtub kuulsa ungari kunstniku Mihaly Munkacsiga.
Ja siis naaseb ta kodumaale ja töötab neliteist aastat apteegis, püüdes saavutada rahalist sõltumatust. Lõpuks on kogunenud väike kapital ja ühel ilusal päeval rendib ta apteegi välja ja lahkub õppima, algul Münchenisse ja seejärel Pariisi.
Järgneb meile nii tuttav põhimõte tundmatu geeniuse saatuse konstrueerimisel.
Ta mõistis, et õpingute käigus omandatavad oskused ei vastanud tema ettekujutusele. Seetõttu jättis ta õpingud pooleli ja läks 1895. aastal Itaaliasse maastikke maalima. Ta reisis ka mööda Kreekat, Põhja-Aafrika ja Lähis-Idas.
1900. aastal muutis ta oma perekonnanime Kostka pseudonüümiks Chontvari.
Paljud kriitikud on seadnud kahtluse alla tema teoste väärtuse. Neid eksponeeriti Euroopas (kuigi ilma suurema eduta), kuid nende kodumaal Ungaris nimetati Csontvaryt lõplikult hulluks. Alles oma elu lõpus tuli ta Budapesti ja tõi sinna oma maalid. Üritasin neid kohalikule muuseumile pärandada, kuid kellelgi polnud neid vaja. 1919. aastal läks Tivadar Kostka Chontvari tõeliselt hulluks ja suri vaena, üksikuna, naeruvääristatuna ja kellelegi kasutuna.
Olles õnnetu mehe matnud, asusid lähedased kaupa jagama. Aga kõik, mis hea oli, olid pildid. Ja nii otsustasid nad pärast “ekspertidega” konsulteerimist lõuendid nagu tavalised lõuendid ära visata ja raha omavahel jagada, et kõik oleks aus.
Sel ajal möödus juhuslikult või üldse mitte juhuslikult (kummaline kokkusattumus siiski!) noor arhitekt Gedeon Gerlotsi. Just tema päästis kunstniku loomingu, makstes selle eest veidi rohkem, kui rämpsumüüja pakkus. Nüüd hoitakse Tivadar Csontvary maale Pecsi linna muuseumis (Ungari).
Ja just hiljuti tekkis ühel muuseumitöötajal Kostka 1902. aastal maalitud maali “Vana kalur” vaadates mõte panna sellele peegel. Ja siis nägi ta, et lõuendil pole mitte üks pilt, vaid vähemalt kaks! Proovige lõuend ise peegliga poolitada ja näete kas rahuliku, võiks öelda, taevase maastiku taustal paadis istuvat jumalat või kuradit ennast, kelle taga möllavad mustad lained. Või äkki teistes Chontvari filmides on see olemas varjatud tähendus? Ju selgub, et Iglo küla endine apteeker polnudki nii lihtne.
Selles, eelmistes ja järgnevates postitustes kasutan materjali Will Gompertzi raamatust “Arusaamatu kunst”, Garaažimuuseumi loengusarjast Irina Kulik, Dmitri Gutovi loenguid, Susie Hodge’i raamatut “Modern Art in Detail”, dokumentaalfilme BBC jne.
PRIMITIVISM, FAUVISM
Eelmises postituses rääkisin Picasso ja Braque kubismist. Üks Picasso inspiratsiooniallikaid oli näitus Aafrika kunst. Puitmaskide lihtsus ja samas ürgne jõud ja majesteetlikkus hämmastas kunstnikku. Ja mitte ainult tema.
Tegelikult jookseb soov selle lihtsuse järele punase niidina läbi ajaloo. kaasaegne kunst. Ühelt poolt püüdsid kunstnikud kopeerida Aafrika, Austraalia ja primitiivsete hõimude tööstiili Lõuna-Ameerika, ja teiselt poolt - laste joonistused.
Üldiselt asendus Prantsusmaal tööstuse kiire arenguga kaasnev rõõmus muutuste ootus kiiresti väsimusega elutempost.
Juba 19. sajandi lõpul levis “päritolu juurde naasmise” liikumine.
Maalikunstis, nagu ma varem kirjutasin, oli selleks Gauguin, tema "tahitialikud" teemad, lamedad kujundid ja rikkalik sümboolika.
Paul Gauguin, Vanad ajad, 1892
Kunsti lihtsustamise liikumine võttis erinevaid vorme. Näiteks kuulsa Austria maalikunstniku ja Viini Secessioni ühiskonna peamise osaleja Gustav Klimti (1862-1918) tööd on palju rafineeritumad ja dekoratiivsemad kui Gauguini omad. Klimt armastas ornamentikat, pronksi- ja kullavärve ning rikkalikult kaunistatud riideid. Samasuguse joonelihtsuse ja pildi kahemõõtmelisusega on Klimti primitivism luksuslik.
Gustav Klimt, Ootused, 1909
Gustav Klimt, Õunapuu, 1912
Gustav Klimt, Tüdruk lehvikuga, 1918
Need, keda peetakse 20. sajandi primitivismi rajajaks, elasid aga Prantsusmaal. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () ja Henri Derain (1880-1954) imetlesid ka Aafrika kunsti. Lisaks jagasid nad kirge rikkalike värvide vastu, nagu ka Van Goghi töödes. Hollandlasega sidus neid ka usk, et emotsioonid pildil on tähtsamad kui kujutatud objekt.
Ühendades hõimukunsti lihtsuse rikkalike, puhaste värvidega, lõid nad uskumatult elava ja rõõmsa töö. Nendes kasutatakse värvi emotsioonide edastamise viisina, mitte reaalse objekti kirjeldamiseks.
Maurice de Vlaminck, Viljapuuaed, 1905
Maurice de Vlaminck, Chatou sild, 1907
André Deurin, Estac, 1905
André Deurin, Charing Cross Bridge, 1906
Henri Matisse, Punane sibul, 1906
Henri Matisse, Harmoonia punases, 1908
"Ma tõlkisin värvide keelde selle, mida nägin instinktiivselt ilma tõe rääkimise meetodita, mitte kunstnikuna, vaid inimesena, kes pigistab lõpuni, lõhub akvamariini ja kinaveri torusid" - nii kirjeldab Maurice de Vlaminck. tema selle perioodi tööd. Tõepoolest, see on värv, mis varsti muutub visiitkaart see kunstnike kolmik. Nad otsustasid esineda 1905. aasta salongis. Nagu ikka, oli kriitika äge. Louis Vassel (tolle aja mõjukas kriitik) ironiseeris, et maalid on maalinud "metsloomad" (prantsuse keeles les fauves).
Ja kuigi ei Matisse, Vlaminck ega Doren ei kavatsenud end ühegi suuna raames siduda, meeldis see sõna neile.
Fovism oli sõna otseses ja ülekantud tähenduses ere sähvatus kunsti silmapiiril. Tegelikult sai see lihtsa vormiga raamitud suurte lahjendamata värvilaikude kasutamise idee loogilise jätku paljude 20. sajandi kunstnike töödes.
Friedensreich Hundertwasser, Tee sinu juurde, 1966
Roy Lichtenstein, Natüürmort kristallvaasiga, 1973
Wilem de Kooning, pealkirjata 5, 1983
1905. aastal polnud aga avalikkus veel neoimpressiinistidest toibunud ja siis saabus Matisse oma kuulsa “Mütsiga naisega”.
Henri Matisse, Naine mütsiga, 1905
Ma ei tea, kas madame Matisse oli sel hetkel rõõmus, et ta kunstnikuga abiellus, sest portree osutus vastuoluliseks. Kollakasroheline nägu on taandatud mõne lihtsa tõmbega ja juuste oranžikas puudutus ei meeldi kõigile. Küll aga meeldis see Leo Steinile, kollektsionäärile ja kaasaegsete kunstnike patroonile. Ta ostis “Mütsiga naise” ja vähem kui aasta hiljem omandas ta “Elurõõmu”, teise kuulsa maali Matisse’i fovisti perioodist.
Henri Matisse, "Elurõõm", 1906
Pastoraalstseenidest inspireerituna maalis Matisse inimrühmi, kes naudivad erinevaid naudinguid: muusikat, tantsu, armastust. Ja jälle on peategelane värv. Inimfiguurid on maalitud hooletult ja kahemõõtmeliselt, kuigi kompositsioon ise on üles ehitatud korralikult ja harmooniliselt.
Süžee ise pole nii uus kui kirjutamisstiil.
Agostino Caracci, Vastastikune armastus, 1602
Kontrast nende kahe teose vahel paljastab, kui palju on muutunud kunstniku taju. Tundub, et Matisse mängib ringi, flirdib vaatajaga. Tema elurõõm ei ole niivõrd süžees, kuivõrd maalis endas: joon, värv.
Matisse unistas enda sõnul, et kunst oleks nagu "hea tugitool lõõgastumiseks". Isegi siis, kui fovism oli minevik, jätkas kunstnik tööd samal põhimõttel. Muide, tema muusa, sõber ja kaaslane oli Tomskist pärit tüdruk - Lydia Deliktorskaja, kes jäi tema juurde kuni elu lõpuni ja kinkis talle siis mitu lõuendit (Matisse jättis talle mugava vanaduspõlve jaoks) Puškini muuseum ja Ermitaaž.
Ma lähen veidi kõrvale: hiljuti lugesin kriitikat 20. sajandi alguse kunsti kohta, mis pani mind Matisse’i maalidele veidi teistmoodi vaatama. Lisaks läbimurretele tehnikavaldkondades jäi ka see aeg sisse sotsiaalsed suhted. Tavalised eluvormid on üsna kulunud. Kunstnik sai kõrini ettekujutusest hästitoidetud frakis kodanlasest, kes oli põhiklient.
Peamiseks edasiviivaks jõuks sai soov murda. Kubistid kehastasid seda põhimõtet muidugi kõige selgemini, purustades sõna otseses mõttes asjade tuttava välimuse.
Kuid teised kunstnikud, kes tabasid toimuvat nagu membraan, peegeldasid oma rahulolematust maalikunstis. Nad muutsid kõike, mis tavainimesele tuttav oli, hävitasid oma lõuendil kodanliku maailma. Tahes või tahtmata protesteeris kunstnik iganenud konventsioonide vastu. Võib-olla pole fauve’de kontrastid olemisrõõmu tõdemus, vaid sarnane väljakutse tegelikkusele?
Sellest ka naiste rohelised näod, hooletu/konventsionaalne disain. Sellest vaatenurgast on Matisse’i maal “Elurõõm” pigem iroonia või satiir Euroopa kodanluse hedonismist, mille kogu elurõõm taandub lihalik armastus, laulud ja tantsud. Selline laadakomme meenutavate figuuridega kommimaailm. Kuid see seisukoht pole eriti populaarne. Siiski tõlgendatakse Matisse’i loomingut sagedamini elurõõmu ja helguse väljendusena.
Kunst kui rõõm silmale ja südamele on põhimõte, mis polnud lähedane mitte ainult Matisse'ile. Ja kui ta pidi vaeva nägema, et lapselikult kergelt joonistada, siis Henri Rousseau (1844-1910) tegi seda seetõttu, et ta lihtsalt ei osanud teisiti.
Henri Rousseau, Autoportree, 1890
Henri Rousseau - tolliametnik, kirjaoskamatu inimene, kes otsustas 40-aastaselt maalimisega tegelema hakata, ilma haridust või koolitust saamata. Koduinimesest, mitte boheemlaslike pidude fännist ja kunstiringkonnast kaugel, sai temast üks enim kuulsad kunstnikud primitivismi stiil. Rousseau oli lihtsameelne ja naiivne, võib-olla seetõttu on tema töödes lastejoonistuste lihtsus. Loomulikult naersid avalikkus ja kriitikud kunstniku üle esialgu.
Henri Rousseau, Karnevali õhtu, 1886
Lihtsuse ja lapsemeelsuse võlu tundus tolleaegsele vaatajale banaalne oskamatus joonistada, ei enamat. Rousseau puuduliku tehnika kompenseerib aga selgus, mis on jällegi iseloomulik Jaapani gravüüridele. Kunstnikuks pürgijat aitas suuresti tema absoluutne puutumatus kriitika suhtes, mis võimaldas tal jätkata sellega, mida ta armastas.
Henri Rousseau
On selge, et tema teoseid ei saa teostuse poolest võrrelda mineviku meistrite ega andekate kaasaegsetega. Rousseau võttis teised. Tema lihtsad süžeed paelusid paljusid tolleaegsest kunstimaailmast. Austajate hulgas oli näiteks Picasso, kes omab kuulus lause: "Ma võin joonistada nagu Raphael, aga mul kulub terve elu, et õppida joonistama nagu laps." Rousseau oli see, kes selle saavutas. Picasso ostis isegi oma maali “Daami portree”, mis hispaanlase sõnul teda lihtsalt võlus.
Henri Rousseau, Naise portree, 1895
Rousseau teostel on nii-öelda üks jalg juba sürrealismis. Nad ei paelu mitte niivõrd oma kunstimatuse, vaid allteksti, mitmetähenduslikkuse ja allegoorilisusega. See on nagu need hetked õudusfilmides, kui tühjal mänguväljakul kiiged veidi kõiguvad, justkui tuulest... Või mitte? Rousseau jätab selle küsimuse vaataja otsustada.
Rousseau viisi imetles mitte ainult Pablo Picasso. Tema fännide hulka kuulus ka Rumeenia skulptor Constantin Brancusi (Brancusi), erinevalt Rousseau’st võttis Pariisi kunstiringkond ta aga pauguga vastu. Brancusi valis lihtkunstniku rolli: paks habe, puukingad ja linane särk. Materjalid, millega skulptor töötas, olid sobivad - puit ja kivi. Marmor meistrile erilist muljet ei avaldanud.
Brancusi oli mõnda aega Rodini töökojas õpipoiss, kuid nende lähenemine tööle osutus täiesti erinevaks.
Auguste Rodin, Suudlus, 1886
Constantin Brancusi, Suudlus, 1912
Pildid räägivad rohkem kui ükski selgitus. Brancusi uskus, et skulptuuris saab hakkama ilma eelneva modelleerimiseta, töötades otse materjaliga. Ta püüdis võimalikult palju säilitada kivimi esialgset kuju, jättes selle tekstuuri. Ei mingeid romantilisi keerdkäike, lihtsaid jooni, ei dekoratiivsed elemendid.. Mulle meeldivad Brancusi skulptuurid just nende lihtsuse ja teostuse originaalsuse pärast. 20. sajandi alguses oli see traditsioonile järjekordne väljakutse.
Talle järgnesid teised primitiivsed skulptorid: Modigliani (ta proovis end ka skulptuuris ja üsna edukalt), Giacometti, Hepworth...
Amadeo Modigliani, juht, 1910
Giacometti, Walking Man 1, 1960
Barbara Hepworth, üksik vorm, 1964
Venemaal on selleks skulptor Vadim Sidur. Minu arust väga lahe.
Vadim Sidur
Vadim Sidur
Muide, Venemaal olid ühed esimesed maalikunsti primitivistid Mihhail Larionov ja Natalja Gontšarova, kes töötasid “laha” tehnikas. Seda graafikat iseloomustab lihtsus ja lame disain. Gontšarova sai inspiratsiooni Vene ikoonidest. Oma töödes kasutas ta iseloomulik element ikonograafia - liugurid - vertikaalsed valged jooned.
Mihhail Larionov, Juudi Veenus, 1912
Natalja Gontšarova, Niidukid, 1911
Nagu näeme, said lihtsus, korrastatus ja struktuur kunstnike põhikontseptsioonideks ja eesmärkideks, alates postimpressionistidest. Nendel näiliselt kahjututel püüdlustel oli aga ka hävitavat potentsiaali. Iga soov maailm mingisse struktuuri sobitada on ju olemas tagakülg- jäiga süsteemi loomine. Ja nagu praktika on näidanud, viivad katsed allutada kõik elusolendid subjektiivsele jäigale loogikale surma ja hävinguni. Edasised üritused 20. sajand on selle selgeks kinnituseks.
Jätkub)
Ja järelsõna.
Imeline ameeriklanna - Granny Moses - amatöörkunstnik, 20. sajandi teise poole primitivismi esindaja võitis lihtsalt mu südame. Ta meenutas mulle millegipärast isegi hollandlasi nende õdusate igapäevaste maaelu stseenidega. Siin näiteks:
Vanaema Moses Varakevad talus, 1945. a
Pieter Bruegel vanem, rahvaloendus, 1566
P.S aitäh kõigile, kes loevad ja kes on huvitatud. Postitan selle postituse hilja – lahkusin ja pidin pausi tegema)
Naiivne kunst (ladina keelest primitivus - esimene, kõige varasem) -
üldnimetus mitteprofessionaalne loovus
kunstnikud XIX lõpp-XX c., ei tunne kunstilist kirjaoskust ega käsitlust
kunstnike vormidele nn. primitiivne kunst- primitiivne, keskaegne,
iidsete mitte-Euroopa tsivilisatsioonide rahvakunst, kunst,
laste loovus.
Kõige kuulsamad primitivistlikud kunstnikud:
Niko Pirosmanishvili,
Ivan Generalich,
Vanaema Mooses
Maria Primatšenko,
Ekaterina Bilokur,
Henry Darger
Nikifor Krynitsky,
Martin Ramirez,
Bunlya Sulilat,
Henri Rousseau.
Pirosmani "Kaelkirjak".
Neoprimitivism
Neoprimitivismi eripära seisneb kunstilise sihilikus lihtsustamises
vahendeid ja vorme suurima väljendusrikkuse, kasutuse saavutamiseks
särav, kohalik värv, moonutatud muster, lihtne kompositsioon
jne. Samas põhineb neoprimitivism primitiivse kunsti kogemusel
(arhailiste kultuuride kunstid,
rahvakunst jne).
Uusprimitivism peegeldus peaaegu kõigi 20. sajandi juhtivate meistrite loomingus.
Saarlaste kultuur inspireeris P. Gauguini, Aafrika rahvaste skulptuuri
mõjutas kubiste jne. Erilist rolli mängis neoprimitivism
Vene avangardi kujunemisel
Kaasaegsed primitivistid
Nikolai Kopeikin
Žlobalistlik kunstnik, eranditult sotsiaalselt kasuliku funktsiooni vastane
kunst ja suurenenud kommertsialiseerimine selles. Oma töös aga
käsitleb teda ümbritseva reaalsuse aktuaalseid küsimusi.
Mitki
Mitki on Peterburi kunstnike rühmitus, mis ühendab endas umbes kahte tosinat
inimesi ja sai nime ühe neist, Dmitri Šagini järgi.
"Mitki" ümber tekkis ainulaadne sotsiaalne ja esteetiline liikumine,
milles osalejad end väljendavad kaunid kunstid, proosa, luule ja stiil
elu. Selle stiili peamised põhimõtted on lahkus, armastus ligimese vastu,
kaastunne, ülim lihtsus kõnes ja riietumismaneeris.
Tingatinga kool
Tingatinga maal tekkis kahekümnenda sajandi 60ndatel ja sai oma nime
suuna asutaja on Eduardo Saidi Tingatinga. Ilma akadeemiliseta
hariduse omandamisel maalis ta põlismotiive - päike, loodus, loomad, linnud,
müüdid ja tantsud – auto maalib kõigele, mis ette tuleb.
Alates 70ndatest on kooli näitused olnud võidukäiguks
peetakse maailma suurimates galeriides ja muuseumides.
Kunstikriitikute hinnangul toimub praegu kultuuris nihe
keskused Euroopast Aasiasse ja Aafrikasse, on kujunemas stabiilne suund
maailma kultuur - särav näide kaasaegne maalimine, põhineb
rahvuslike traditsioonidega, kuid samas uue unikaalse ilmega.
Andrei Samarin
Kunstnik eelistab oma loomingus kõige iidsemaid kunstivorme -
nimelt graafika – musta ja valge kombinatsioon. Nii ihne kasutamine
ekspressiivsed vahendid primitiivsete vahendite kasutamise tõttu
- Värviprogrammid ja arvutihiir. Igas tema teoses esitati koos
tema loomupärane huumorimeel, on peen sissevaade teema olemusest,
mis muudab tema maalid tõeliselt realistlikuks. Igal tegelasel on oma
oma tegelane ja tema meeleolu kandub vaatajani, mis on
vaieldamatu väärikus tõeline toode art.
Ükskõik kui koledad on härra Samarini joonistused, need panevad meid silmitsi
terviklikud pildid, mis on täis draamat, huumorit ja filosoofiat.
Mõiste “primitivism” maalikunstis pole nii lihtne. Esiteks ei ole kunstiajaloolased selle tähenduse dešifreerimises alati ühel meelel. Lisaks koormab kõike sünonüümide olemasolu, mida saab kasutada selle tähistamiseks. Või üldse mitte sünonüümid – olenevalt sellest, millisest vaatenurgast sa kinni pead.
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Lõvi ja päike
Mõistame mõisteid
19. sajandi lõpus ja 20. sajandi alguses hakkasid mõned edumeelsed Euroopa kunstnikud hulluks minema primitiivsete kultuuride artefaktide ekspressiivsuse ja lakoonilisuse pärast. Aafrika rituaalsete maskide ja puidust kujukeste lihtne ja jäme naiivsus näib neile olevat lihtne ja ilmselge vastus akadeemilise maalikunsti kalgikuse ja stagnatsiooni ületamiseks. Impressionism oli selleks ajaks juba kaotanud oma endise värskuse ja skandaalsuse, mistõttu ei saanud ta pretendeerida aluste kõigutaja rollile.
Primitiivsete kultuuride – tänapäevaste primitivistlike meistriteoste esivanemate – teoste hulgas on nii eelajaloolisi kaljumaalinguid või kivijumalaid, kultuuritraditsioonid kaasaegsed hõimurahvad, kes asustavad Aafrikat, Okeaaniat jms. Sellised Aafrika maskid olid 19. sajandi alguses otsustavaks teguriks paljude avangardi liikumiste tekkes.
Foto allikas: newpackfon.ru
Ühes koordinaatsüsteemis arvatakse, et see on loovus professionaalsed kunstnikud Primitivismi kuuluvad need, kellel on akadeemiline kunstiharidus ja kõik vajalikud oskused, kuid kes lähevad teadlikult stilistilisi ja tehnilisi võtteid lihtsustama, et jäljendada primitiivset kunsti. Iseõppinud kunstnike pärand, piltide maalimine kohmakalt, lapselikult, antud juhul nimetatud naiivseks kunstiks.
Teises kunstiajaloo universumis on primitivism ja naiivne kunst täielikud sünonüümid ja vahetatavad mõisted. Sellest vaatenurgast on termin "naiivne kunst" omamoodi eufemism, mida on vaja suurema eufoonia saavutamiseks, erinevalt mõistest "primitivism", millel on paljudes keeltes mõnevõrra halvustav tähendus.
Võtame teist versiooni aksioomina ja peame meeles, et primitivism ja ka naiivne kunst on stiilid, mis hõlmavad mitteprofessionaalsete kunstnike töid, kelle ande suurus katab teatud oskuste, näiteks võime puudumise. perspektiivi õigeks loomiseks või chiaroscuro edastamiseks.
Keerukate meistrite pärandi jaoks, kes lähenevad asjatundlikult ühe või teise primitiivse kunsti liigi stiliseerimisele (näiteks iidne ikoonimaal, etnilised motiivid või populaarsed graafikad), kasutame terminit "neoprimitivism". Täpselt seda tegid ka venelased eelmise sajandi alguses kunstiühendused"Jack of Diamonds" ja "Donkey's Tail".
Kazimir Severinovitš Malevitš. Lapsed
1908, 30,2×23,8 cm
Natalja Sergejevna Gontšarova. Lina pleegitamine. Sarjast "Talupojad"
Avangardistid, nagu Kazimir Malevitš, Mihhail Larionov ja Natalja Gontšarova, ammutasid inspiratsiooni rahvakunst, mis on samuti liigitatud primitiivseks kunstiks. Ja mõistet neoprimitivism kasutati esmakordselt Aleksandr Ševtšenko brošüüris, mille kunstnik avaldas 1913. aastal: “Neoprimitivism. Tema teooria. Selle võimalused. Tema saavutused."
Kui sisse Lääne-Euroopa Kui kunstnikud kasutasid oma töödes vaid osaliselt naiivseid kunstitehnikaid, arendades nende baasil välja selliseid liikumisi nagu fovism, kubism või ekspressionism, siis Venemaal kujunes neoprimitivismist märkimisväärne liikumine, millest lõpuks kasvas ja kujunes välja suprematism. Seetõttu kasutavad lääne kunstikriitikud mõnikord neoprimitivismi mõistet just naiivse kunsti ideaalide vene pooldajate kohta, kes neid usinalt propageerisid ja praktikas rakendasid.
Mihhail Fedorovitš Larionov. Veenus ja Mihhail
1912, 85,5×68 cm
Alexandre Benoisi sõnul “Neoprimitivismi eripära seisnes selles, et selle esindajad ei püüdlenud stiliseerimise, mitte jäljendamise poole. rahvameister, vaid rahvaesteetika olemuslike aspektide väljendamisele. Siin on kõige rohkem illustreeriv näide osutub Larionovi tööks, kes – kooskõlas rahvaesteetikaga – võrdsustab olulise ja ebaolulise, kõrge ja madala, minnes äärmusesse – viljeles aiajoonistamise ja “kasarmumaalimise” põhimõtteid”.
Tagasi põhitõdede juurde
Tee läbi okaste primitivistide tähtedeni puhastasid sellised tunnustatud loojad nagu Gauguin, Picasso ja Matisse. Pärast ravi otsimist raske haigus, mille juurde Gauguin hõlmas tsivilisatsiooni hüvesid, läks kunstnik Tahitile ja sulandus seal igal võimalikul viisil loodusega, rikastades samaaegselt oma stiili eksootilise saare erksate värvide ja kohaliku kultuuri naiivsete piltidega ning teised järgnesid talle.
Paul Gauguin. Tahiti pastoraalid
1898, 87,5×113,7 cm
Okeaania avarustes proovisid õnne ka Saksa ekspressionistid Emil Nolde ja Max Pechstein, kuid nende kamraadid Ernst Ludwig Kirchner ja Erich Heckel rekonstrueerisid primitiivseid maastikke otse oma töökodades. Prantsuse kunstnikud Te ei pidanud inspiratsiooni saamiseks kaugele reisima; te ei pidanud isegi Pariisist lahkuma. Prantsuse kolooniatest Lääne-Aafrikas tõid kaupmehed pealinna kõikvõimalikku etnilist käsitööd, mida seejärel muuseumides ja väikestes poodides laiali jagati.
Will Gompertz raamatus „Arusaamatu kunst. Monet'st Banksyni" räägib, kuidas kunstnik Maurice de Vlaminck saab tahtmatult katalüsaatoriks huvipuhangule primitiivse kunsti vastu ja selle tulemusena sellise liikumise nagu fovism tekkele. 1905. aastal nägi ta ühes Pariisi kohvikus kolme nikerdatud Aafrika maski. Mõjutatuna väljendist "instinktiivne kunst", nagu ta seda nimetas, ostis Vlaminck maskid asutuse omanikult ja kiirustas saaki oma kunstnikest sõpradele näitama.
Henri Matisse. Naine mütsiga
1905, 24×31 cm
Maurice de Vlaminck. Restoran
Andre Derain. Colliouri sadam
1905, 72×91 cm
Henri Matisse ja Andre Derain jagasid Vlamincki lummust Van Goghi ekspressiivse paleti ja Gauguini eksootiliste otsingute vastu. Tema arvutus oli õigustatud: sõbrad pidasid omandatud artefakte mõtlemisvabaduse ilminguks, mis ei ole ummistunud tsivilisatsiooni materialistlike ideaalidega, kuid säilitas lapseliku spontaansuse ja naiivsuse. Kolme kunstniku kohtumise tulemusena jõuti järeldusele, et värvil ja emotsioonidel on lõuendil domineeriv tähendus, vastupidiselt pildi realistlikkusele ja autentsusele.
Selle tulemusena sündisid maalid, millel püüti oma uusi kunstilisi põhimõtteid võimalikult palju ellu äratada. Puhaste, segamata värvikombinatsioonidega värvitud, teravate, eraldiseisvate tõmmetega peale kantud, tolle aja hullud lõuendid olid nii provokatiivsed, et 1905. aasta Salongi korraldajad keeldusid esialgu töid eksponeerimiseks vastu võtmast. Ainult tänu Matisse’i isiklikule autoriteedile õnnestus trio Salongis läbi viia katsed.
Siis tulevad tormilised ja nördinud arvustused kunstikriitikutelt, kellest üks, nagu sageli juhtub (vt impressionism), annab uuele avangardistlikule liikumisele nime - fovism: auväärne kriitik Louis Vaucelle ütleb, et maalid pritsivad värvi maalisid metsloomad - prantsuse keeles "les fauves". Kuid see on veidi erinev lugu.
Kuidas Picasso Rousseau avastas
Ka lootustandva noore hispaanlase maal tegi primitiivse kunsti ja selle pihtijate otsesel mõjul tähelepanuväärse salto. Kui Picasso nägi Matisse’i autorluse viimast kriuksumist – erinevalt kõigest muust toretsevat lõuendit, vaba igasugustest akadeemilistest eelarvamustest, kaotas ta rahu ja une. Kaks korda mõtlemata läheb Picasso selle juurde etnograafiamuuseum, kus hoiti ulatuslikku Aafrika maskide kollektsiooni. Seal läbis ta omamoodi initsiatsiooniriituse. Kes teab, võib-olla sisaldasid need rituaaliobjektid tõesti maagilist jõudu?
"Ma olin täiesti üksi, meenutas kunstnik. - Tahtsin sealt ära joosta. Aga ma jäin. Ma lihtsalt ei saanud lahkuda. Sain aru millestki väga olulisest; minuga juhtus midagi. Vaatasin neid kinnismõtteid ja mulle sai järsku selgeks, et olen ka kõigi vastu. Samuti tunnen, et kõik ümberringi on tundmatu ja vaenulik. Kui ma seisin üksi selles kohutavas muuseumis, ümbritsetuna maskidest, indiaanlastest nukkudest, tolmustest mannekeenidest, siis "Les Demoiselles d’Avignon" pidi mulle ilmuma; mitte, et neid ajendaksid nähtud vormid: sellest pildist sai minu esimene eksortsismikogemus – jah, see on õige!"
Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907
Nii sundisid mitmed hõimuartefaktid Picassot maalima pilti, millest sai kubismi ja selle tulemusena futurismi ja veel kümnekonna muu -ismi eellane. Kuid see oli nende maagilise sekkumise ulatus tol ajal kunstielu Prantsusmaa pealinn ei olnud piiratud. Võlule alistumine primitiivne kunst, Picasso ei saanud mööda vaadata naiivse kunsti tõusva tähe fenomenist ja tal oli märkimisväärne käsi tagamaks, et Pariis võtaks tõsiselt tagasihoidliku tollitöötaja Henri Rousseau ebaprofessionaalset loomingut.
Ilma omamata kunstiharidus Tolliametnikul (nagu teda Pariisi boheemlased hüüdnimeks kutsusid) olid maalimisambitsioonid siiski tõsised. Lapselik spontaansus mängis Rousseau kätesse – muidu oleks ta vaevalt söandanud oma ebamugavaid katsetusi 1986. aasta Sõltumatute Salongi, kus kõik huvilised kunstnikud võisid osaleda, nõudlikule avalikkusele esitleda.
Ime ei juhtunud, kriitikud tegid endast välja, et naeruvääristada pürgivat neljakümneaastast loojat, kellel polnud lineaarset perspektiivi ega põhimõtteid; kompositsiooniline konstruktsioon. Harmoonilise pilakoori hulgast tõusis esile meister Camille Pissarro hääl, mis paistis esile Rousseau maali rikkalikke toone.
Henri Rousseau. Karnevali õhtu
1886
Ebaõnnestumine Sõltumatute Salongis ei suutnud sihikindlat tolliametnikku murda. Vastupidi, ta lahkub töölt, et pühendada täisaeg oma kunstnikukarjäärile. Ka tema peamine austaja Picasso uskus temasse piiritult. Ühel päeval sattus talle provintsipoes Rousseau maal, mida müüdi seal kasutatud lõuendi hinnaga – isegi rämpsumüüja ei julgenud selle eest kõrget hinda küsida. Hispaanlane ostis selle kohe ja hoidis seda oma päevade lõpuni, vastates, et see on tema “Püütud nagu kinnisidee... see on üks tõesemaid psühholoogilised portreed prantsuse maalikunstis".
Henri Rousseau. Jadwiga portree
Veelgi enam, ta korraldas kummalise portree auks õhtusöögi, kuhu kutsus kogu Pariisi eliidi ja sündmuse kangelase enda - naiivse kunsti esimese superstaari. Picasso riputas Tolliametniku maali enda ateljees kõige silmapaistvamasse kohta ja pani selle autori toolile, mis meenutas pigem troonit. Harrastuskunstniku jaoks oli see tõeline triumf, kuigi ilmselt tajus osa avalikkust toimuvat eriti keeruka mõnitamise või praktilise naljana.
Aga mitte Picasso. Ta on öelnud, et ta õppis neli aastat kirjutama nagu Raphael, kuid kogu elu Ta võttis lapsena joonistama õppima. Seetõttu imetles ta Rousseau kingitust, mis võimaldas tal need etapid ohutult vahele jätta ja kohe alustada primitivistlike meistriteoste loomist.
Henri Rousseau. Tiiger troopilises tormis
Millest on tehtud primitivistide maalid?
Millised märgid määravad, et see, mida sa näed, on naiivse kunsti teos, mitte näiteks ekspressionisti, abstraktsionisti või mõne muu avangardistliku liikumise esindaja töö? Muide, abstraktse ekspressionismi vallas tuntuks saanud Mark Rothko otsis inspiratsiooni ja maalioskuse saladust lastejoonistustest ning pühendas sellele isegi terve raamatu – juba enne, kui hakkas ennastsalgavalt värviväljamaali viljelema.
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Karuema oma poegadega
1917, 140×100 cm
Primitivismi näiteid iseloomustavad tõepoolest iseloomulikud vead, mida lapsed joonistades teevad. Kuid pole vaja, et kõik järgnev oleks ühel pildil. Iseõppinud kunstnikud said ikka mõne asjaga hakkama.
1. Puudumine lineaarne perspektiiv: esiplaanil olevad objektid on suuruselt võrdsed taustal olevate objektidega, mis muudab nende suhte ruumis ebaselgeks ja pildi maht väheneb.
2. Taustadetaile käsitletakse sama hoolikalt kui läheduses olevaid objekte. Tagajärjed on samad, mis eelmises lõigus.
Vanaema (Anna Mary) Mooses. Pidu
3. Värvid ei kaota heledust ja küllastust võrdeliselt objektide kaugusega esiserv lõuendid. Pilt muutub tasaseks ja meenutab postkaarti.
4. Valgusallikatest pole märke: isegi kui pildil on päike, on kõik pinnad ühtlaselt valgustatud, inimesed ja esemed ei heida varju, samuti ei leia esiletõsteid.
Camille Bombois. Üllatunud suplejad
1930, 65×81,5 cm
5. Anatoomia rikkumine: proportsioonid inimkeha, vead loomade kujutamisel. Aga kuidas on lood Picasso, Salvador Dali, Francis Baconi ja paljude teistega, kelle teoste põhjal ei saa öelda, et nad on inimkeha ehitusega üldse tuttavad? Kas nad on ka primitivistid? - Ei. Naiivse kunsti esindaja maali vaadates näete, et inimene püüdis nii hästi kui suutis ja just tänu neile pingutustele näevad nende naiivsed katsed jõuda "suurte" kunstnikeni nii liigutavad ja vastupandamatud. võlu. Kuid ülalnimetatud tegelased selliseid eesmärke ei taotlenud ja nende loendis ei olnud kindlasti elementi "et kõigile meeldida".
6. Sarnaselt lastele ei tee primitivistid vahet tegelikkuse ja fantaasia vahel. Nende maalidel saavad inimesed ja ükssarved turvaliselt koos eksisteerida, mitte sürrealistliku fantaasia raames, vaid igapäevase nähtusena. Sellistel maalidel olevad lõvid ei kujuta endast ohtu inimestele ja hirv võib välja näha nagu muinasjutuline olend.
Ivan Generalich. Ükssarvik
7. Ja lõpetuseks põhimõtteline erinevus, mis annab vastuse loomulikult kerkivale küsimusele, mille poolest erinevad modernistide mitteobjektiivsed maalid stiilis “minu-5-aastane-kes-keegi-saab-paremini” omast. primitivistide looming. Mitteprofessionaalsed kunstnikud kujutavad objekte sellise realistlikkuse astmega, mis on neile piiratud teadmiste, oskuste ja võimete tõttu. Ja avangardkunsti esindajad püüavad kõigest väest unustada, mida neile õpetati kunstikoolid või teevad näo, et pole neil üldse käinud. Kuid kompositsiooni harmoonia ja läbimõeldus, üle võlli sümboolika või läbi teeseldud naiivse ja sihilikult saamatu kujundi reetlikult läbi kumava kultuuritaust reedavad ikkagi professionaali. Jah, jah, saate välja logida, me tundsime teid ikkagi ära, seltsimees Chagall ja hr Klee.
Mark Zakharovich Chagall. Prillidega vanamees
1950. aastad
Paul Klee. Nukuteater
1923
Primitivism: petuleht. Kunstnikud, kes töötasid primitivismi stiilis
Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, vanaema Moses, Maria Primatšenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Jekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.
Ikoonilised maalid primitivistidest
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Näitleja Margarita
1909, 94×117 cm
Pirosmani maali ajaloost on saanud legend. Just tema jäädvustas Andrei Voznesenski luules, mille muusikale pani Raymond Pauls, luues laulu “Miljon särbet roosi”. See räägib vaese kunstniku katsetest võita ligipääsmatu süda prantsuse näitlejanna Margarita de Sevres, kes esines 1905. aastal Tiflis, kus Pirosmani kaotas talle pea. Mõnede versioonide kohaselt ei olnud meeleheitel Niko oma kallima hotelli saadetud "lillemere" hulgas mitte ainult roose ja mitte ainult sarlakaid, vaid ka moone, pojenge, liiliaid, sireleid, akaatsiaid ja muid lilli. Gruusia maa kingitused. Kõik, mida kunstnik oma teo eest ära teenis, oli vaid üks Margarita suudlus. Kuid palju aastaid hiljem, kaotades nii fännide hulga kui ka oma endise atraktiivsuse, tuli näitlejanna iga päev Louvre'i, kus Pirosmani maal 1969. aastal eksponeeriti, ja veetis tunde tema portreed piiludes. Nii elas kunst üle lühiajalise armastuse ja kaduva ilu.
Maria Avksentievna Primatšenko. Kalakuningas püüdis vitsa ja on rõõmus
XX sajand
Piiramatu kujutlusvõime, julged värvilahendused, desarmeeriv rahvalik värv on vaid mõned komponendid Ukraina tagamaalt pärit kunstniku näiliselt vähenõudliku kunsti saladuses. Vaid kord, kui olete Maria Primatšenko maale näinud, on ebatõenäoline, et saate neid teise autori töödega segi ajada, need on nii originaalsed ja originaalsed. Neid hinnati ka väljaspool riiki: Maria töid saatis näitustel Pariisis, Varssavis, Prahas ja teistes Euroopa linnades tohutu edu.
Henri Rousseau. Unistus
1910, 298×204 cm
"Unistust" peetakse üheks parimad maalid Rousseau. Autor andis oma hilisemale (ja võib-olla ka viimasele) tööle järgmise kommentaari: “Jadwigal on maagiline unistus. Ta jäi rahulikult magama tundmatu võrgutaja flöödihelina saatel. Kui kuu valgustab lilli ja rohelisi puid, loomi ja isegi kiskjaid, tarduge, kuulates imelisi muusikaheli.". Lõuend avaldab muljet oma tehnilise keerukusega ja paleti rikkus, mida Pissarro märkis Rousseau esimesel maalil, saavutab siin oma haripunkti: see pole nali, ainuüksi rohelist on rohkem kui kaks tosinat tooni! Isegi kõige sööbivamad kriitikud ei suutnud "Unenäo" hüpnotiseerivale mõjule vastu seista ning Rousseau kaasmaalane ja kaasaegne kirjanik Andre Breton ütles, et pilt "neelas kogu meie aja luule ja kõik saladused".
Olete ekspert, kui:
Ärge kartke öelda sõna "primitivism", kui räägite Rogier van der Weydeni või Duccio di Buoninsegni keskaegsetest meistriteostest.
Tõelise primitivist Pirosmani pintsli järgi saab kohe kindlaks teha, kus on puhas kaunitar ja kus on Mihhail Larionovi võlts “naiivne”.
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Ortachaalne ilu. Parem pool diptühhon
Mihhail Fedorovitš Larionov. Juudi Veenus
1912, 147 cm
Olete võhik, kui:
Peate näitlikuks illustratsioonide ja karikatuuride loomiseks vajalikku tahtlikku lihtsustamist, pidades neid lihtsa primitivismi näideteks.
Kas arvate, et primitivism hõlmab kõiki kunstiteoseid, mida on ahvatlev nimetada kritseldusteks? Tegelikult pole primitivism (teadlik, ettekavatsetud ka) mitte ainult saamatu vorm, vaid ka eriline vaade asjade olemusele: puhas, spontaanne, lapsik või isegi primitiivne. Malevitši, Kandinski, Mondriani maalide taga on suured, küpsed teooriad.
) suutis oma ilmekates, laiaulatuslikes töödes säilitada udu läbipaistvuse, purje kerguse ja laeva sujuva õõtsumise lainetel.
Tema maalid hämmastab oma sügavuse, mahu, rikkalikkuse ja tekstuur on selline, et neilt on võimatu pilku pöörata.
Valentin Gubarevi soe lihtsus
Primitivistlik kunstnik Minskist Valentin Gubarev ei jahi kuulsust ja teeb lihtsalt seda, mida armastab. Tema looming on välismaal uskumatult populaarne, kuid kaasmaalastele peaaegu tundmatu. 90ndate keskel armusid prantslased tema igapäevastesse visanditesse ja sõlmisid kunstnikuga 16-aastase lepingu. Maalid, mis näivad olevat arusaadavad vaid meile, “arenenud sotsialismi tagasihoidliku võlu” kandjatele, köitsid Euroopa avalikkust ning näitused algasid Šveitsis, Saksamaal, Suurbritannias ja teistes riikides.
Sergei Maršennikovi sensuaalne realism
Sergei Maršennikov on 41-aastane. Ta elab Peterburis ja töötab klassikalise vene realistliku koolkonna parimate traditsioonide järgi portree maalimine. Tema lõuendi kangelannad on naised, kes on oma poolpaljasuses õrnad ja kaitsetud. Paljudel kõige enam kuulsad maalid kujutab kunstniku muusat ja abikaasat Nataljat.
Philip Barlow lühinägelik maailm
IN moodne ajastu pilte kõrge eraldusvõimega ja hüperrealismi tõus, tõmbab Philip Barlowi looming kohe tähelepanu. Vaatajalt on aga vaja teatavat pingutust, et sundida end vaatama uduseid siluette ja heledaid laike autori lõuenditel. Tõenäoliselt näevad lühinägelikkuse all kannatavad inimesed maailma ilma prillide ja kontaktläätsedeta.
Laurent Parselieri päikeselised jänesed
Laurent Parcelieri maal on hämmastav maailm, milles pole kurbust ega meeleheidet. Temalt ei leia süngeid ja vihmaseid pilte. Tema lõuendites on palju valgust, õhku ja erksaid värve, mida kunstnik rakendab iseloomulike äratuntavate löökidega. See tekitab tunde, et maalid on kootud tuhandest päikesekiirest.
Linnadünaamika Jeremy Manni loomingus
Õli puitpaneelidel Ameerika kunstnik Jeremy Mann maalib kaasaegse metropoli dünaamilisi portreesid. "Abstraktsed kujundid, jooned, heledate ja tumedate laikude kontrastsus - kõik loovad pildi, mis tekitab tunde, mida inimene kogeb rahvamassis ja linnakäras, kuid võib väljendada ka rahulikkust, mis tekib vaikset ilu mõtiskledes." ütleb kunstnik.
Neil Simoni illusoorne maailm
Maalidel Briti kunstnik Neil Simone (Neil Simone) pole kõik nii, nagu esmapilgul paistab. "Minu jaoks on minu ümbritsev maailm habraste ja pidevalt muutuvate kujundite, varjude ja piiride jada," ütleb Simon. Ja tema maalidel on kõik tõeliselt illusoorne ja omavahel seotud. Piirid on hägused ja lood voolavad üksteisesse.
Joseph Lorasso armastusdraama
Sünnilt itaallane, Ameerika kaasaegne kunstnik Joseph Lorusso kannab lõuendile teemasid, mida ta luuras. igapäevaelu tavalised inimesed. Kallistused ja suudlused, kirglikud puhangud, helluse ja iha hetked täidavad tema emotsionaalseid pilte.
Dmitri Levini maaelu
Dmitri Levin on tunnustatud vene maastikumeister, kes on end tõestanud vene realistliku koolkonna andeka esindajana. Tema kunsti olulisim allikas on kiindumus loodusesse, mida ta hellalt ja kirglikult armastab ning mille osaliseks ta end tunneb.
Bright East autor Valeri Blokhin
