Eile, 15. aprillil 2003, panin teleka käima ja nägin taas Edward Radzinskit. Ta pole peaaegu muutunud pärast eelmise sajandi lõppu, mil ta oma lugusid ekraanil jutustama hakkas. Välja arvatud see, et mu juuksed läksid valgeks.
Siis minevikus oli esimese hetke mulje eemaletõukav – kõhn, murtud hääl, käte vehkimine, ebamäärane naeratus. "Mingi eunuhh," mõtlesin ma. Äratundmisprotsess ei kestnud õnneks kaua – maksimaalselt pool minutit. Ja siis uppusin Platoni ja Seneca maailma, möödunud aegade kirgedesse ja jutustaja võluvasse välimusse. Ajalugu vaatas mind pilkavate silmadega, tema käte liigutused võlusid mind.
Radzinsky on kahtlemata kõige säravama kingitusega mees. Objektiivsuse huvides oleks vaja otsida puudusi, aga minul, kes ma olen tema töösse armunud, on seda raske teha. Naudin pilte maailmast, mida see paljastab. Tema lugu ühendab kooliteadmiste jääke, raamatute süžeed ja isiklik kogemus. Hakkan mõistma sündmuste loogikat ja tegude motiive.
Ta muutub koheselt. Nüüd kuningaks, nüüd luuletajaks, nüüd ametnikuks, nüüd rahvaks. Tema lugu on parem kui ükski film. Ta ise on nagu lõputu ajalooline film. Ja teine keel. Peaaegu unustatud igapäevaste klišeede ja prügi nagu “lahe”, “lahe”, “vau” hulka. Puhas, elav, mahukas ja täpne vene keel, mida ma jumaldan ja mida ahnelt ammutasin Gontšarovi, Kuprini, Tšehhovi raamatutest. Tema kõne on puhas ja vaba. Kuulan, nagu jooksin vett jahedast helisevast allikast.
Kord ütles keegi akadeemiliste ringkondade lähedane kerge põlguse ja pühendumuse varjundiga, et Radzinsky ei meeldi teadusmaailmas. Ta ajab faktid segamini ja leiutab palju. Ja et tõeline ajalooline tõde asub hoopis teises kohas. "Ilmselt ajalooteaduse tunnustamata geeniuste töödes ja noorte dissertantide sule esirinnas," mõtlesin. Võib-olla nii. Jääb üle oodata, kuni nad on väärt mulle oma tõde edastama.
Eile rääkis ta Aleksandrist II , Vabastaja. Programm lõppes ja mulle meenus äkki, et minu elus on sama andekas inimene. Mees Suurte Tõlkide galaktikast.
Tema nimi oli Roman Iljitš Kruglikov. Tema laborisse sattusin 1981. aastal. Ta oli siis üle viiekümne. Ta oli raske ja lonkas halva jala tõttu üsna palju. Kuuldavasti olevat ta sõjaväemeedikuna töötades laagris jalga vigastanud. Kuid keegi ei teadnud tegelikult tema minevikust. Oli teada, et ta oli juut, arstiteaduste doktor, labori juhataja ja instituudi parteibüroo esimees.
Lihtsamalt öeldes otsisime "mälumolekuli". Loogika oli aga üsna lihtne. Kui kohtute näiteks inimesega, mäletate tema nägu, kõnnakut ja kõnet. Järgmisel kohtumisel tunned ta ära, sest sinu sees on midagi muutunud, midagi uut on ilmunud. Kust seda uut asja otsida? Ilmselgelt ajus. Sealt me seda otsisimegi.
Tasapisi õppisime üksteist tundma. Tööplaanide, katsete, tulemuste arutamine. Aga eriti huvitav oli teda kuulata teadusnõukogudel. Bioloogiateadus, nagu iga teinegi, on spetsiifiline ja segane. Olen sadu kordi kokku puutunud olukorraga, kus teadlane ettekannet andes ei osanud oma kolleegidele midagi selgitada. Tegelikult juhtus see enamikul juhtudel. Kõneleja puistas termineid ja numbreid, osutas tabelitele ja graafikutele, näitas kogu oma välimusega, et on suure avastuse lävel... ja publik vaikis. Elu kontekstist välja rebituna ei öelnud pilt midagi.
Siis astus poodiumile Roman Iljitš, seisis minuti, langetas pea, justkui valmistaks publikut tähelepanelikult kuulama, ja hakkas küljele vaadates vaiksel häälel rääkima.
Erinevalt paljudest oli tal juba läbimõeldud, struktureeritud ruum, kuhu oli vaja lisada veel üks osa. Ja ma vaatasin mõnuga, kuidas ta lõuendit visandas, sellele põhikontuurid, milles polnud kahtlustki, ja siis justkui avalikkusega nõu pidades otsis uue elemendi jaoks sobivaimat kohta. Tal see õnnestus. Kõik leidis oma koha. See võiks olla vaid üks maailma ülesehituse variantidest, aga variant on sidus, mugav edasiarenduseks.
Siis sain teada, et Roman Iljitšil on veel üks anne. Kaks päeva enne müüri kokkuvarisemist jalutasime Ida-Berliinis ringi ning ta luges Majakovskit ja Pasternakit mälu järgi. Ta mäletas kõiki nende luuletusi! Ja ta luges ette suure tundega.
Meie viimane kohtumine oli kurb. Naasin aastaselt ärireisilt osariikidest, et peagi jälle lahkuda. Leidsin Roman Iljitši kliinikust, kus tal depressiooni raviti. See oli endogeense depressiooni raske vorm, mida ei olnud veel ravitud. "Siin ma olen," tervitas ta süüdlaslikult. Olime vait. Rääkisin lühidalt oma saavutustest, kuid ta ei kuulanud. Lahkudes vaatasin tagasi ja noogutasin. Diivanil istus hallis haiglamantlis vanamees.
Nädal hiljem ta oli läinud. Suur Tõlk, mees, kes mõistis ja lõi maailma, oli kadunud. Suures kohordis inimesi, kes oskavad mõelda, rääkida ja oma teadmisi teistele edastada, on üks vähem.
Õnnistatud mälestus teile, Roman Iljitš.
Palju aastaid teile, härra Radzinsky.
Kas piisava esinemisvõimega helilooja peaks olema oma muusika parim interpreteerija?
Sellele küsimusele on mul raske kindlat vastust anda. Võib olla põhjust eelistada interpreteeriva helilooja esitust puhtalt esinemisvõimega artisti esitustele. Kuid ma ei väida kategooriliselt, et see on alati nii ja mitte teisiti, hoolimata tõsiasjast, et kaks ajaloo suurimat pianisti – Liszt ja Rubinstein – olid mõlemad heliloojad. Enda osas tunnen, et kui minu enda teoste esitus erineb teiste inimeste teoste esitusest, siis ainult sellepärast, et tunnen oma muusikat paremini.
Heliloojana olen sellele juba nii palju mõelnud, et sellest on saanud justkui osa minust. Pianistina lähenen sellele seestpoolt, mõistes seda sügavamalt, kui ükski teine interpreet seda mõista suudab. Lõppude lõpuks uurite alati teiste inimeste töid kui midagi uut, mis asub väljaspool teid. Sa ei saa kunagi olla kindel, et oma esitusega mõistad õigesti teise helilooja kavatsust. Jõudsin teiste pianistidega oma teoseid praktiseerides veendumusele, et heliloojal võib olla väga raske avaldada oma arusaama teosest, selgitada esitajale, kuidas teost tuleb mängida.
Minu arvates on neid kaks üliolulist olulised omadused, heliloojale omased, mis ei ole esinevale artistile samas ulatuses kohustuslikud. Esimene on kujutlusvõime. Ma ei taha väita, et esineja ei oleks fantaasiarikas. Kuid on põhjust arvata, et heliloojal on suur anne, sest enne loomist peab ta ette kujutama. Kujutada ette sellise jõuga, et tema mõtetesse ilmub selge pilt tulevasest tööst, enne kui ükski noot on kirjutatud. Tema valminud töö on katse kehastada selle pildi olemust muusikas. Sellest järeldub, et kui helilooja tõlgendab oma loomingut, tekib see pilt selgelt tema meeles, samas kui iga muusik, kes esitab kellegi teise loomingut, peab ette kujutama täiesti uut pilti. Tõlgenduse õnnestumine ja elujõud oleneb suurel määral tema kujutlusvõime tugevusest ja särtsakust. Ja selles mõttes tundub mulle, et heliloojal-tõlgil, kelle kujutlusvõime on loomult nii kõrgelt arenenud, võib öelda, et tal on kunstniku ees eelis - ainult interpreteerija.
Teine ja veelgi olulisem kingitus, mis eristab heliloojat kõigist teistest muusikutest, on peenelt arenenud muusikaline värvitaju. Nad ütlevad, et Anton Rubinstein teadis, nagu ükski teine pianist, eraldada klaverist hämmastavat rikkust ja mitmekesisust puhtalt. muusikalised värvid. Need, kes kuulasid Rubinsteini mängu, kujutasid mõnikord ette, et tema käes on kõik suure orkestri ressursid, sest olles ka suurepärane helilooja, oli Rubinsteinil intensiivne muusikaline värvitaju, mis laienes nii tema esinemisele kui ka tema esinemisele. loominguline tegevus. Isiklikult usun, et terav muusikaline värvitaju on helilooja suurim eelis. Ükskõik kui suurepärane muusik üks interpreet ka poleks, arvan, et ta ei suuda kunagi saavutada aistingu sügavust ja muusikaliste värvide täielikku taasesitamist, mis on helilooja talendi lahutamatu omadus.
Heliloojale, kes on ka dirigent, võib see terav värvitaju olla takistuseks teiste inimeste teoste tõlgendamisel, sest ta,
võib-olla toob ta lavastusse sisse värve, mis erinevad helilooja kavandatust.
Helilooja ei ole alati oma teoste ideaalne dirigent ja interpretaator. Mul oli võimalus kuulda kolme suurepärast loomingulist kunstnikku – Rimski-Korsakovit, Tšaikovskit ja Rubinsteini – nende teoseid dirigeerimas ning tulemus oli tõeliselt kahetsusväärne. Kõigist muusikakutsetest eristub dirigeerimine – see on individuaalne anne, mida ei saa omandada. Et olla hea dirigent, peab muusik olema tohutu enesekontrolliga. Ta peab suutma jääda rahulikuks. Kuid rahulikkus ei tähenda rahulikkust ja ükskõiksust. Muusikalise tunnetuse kõrge intensiivsus on vajalik, kuid see peab põhinema ideaalsel mõtte tasakaalul ja täielikul enesekontrollil. Dirigeerides kogen midagi lähedast sellele, mida tunnen oma autoga sõites – sisemist rahu, mis annab mulle täieliku kontrolli enda ja nende jõudude – muusikaliste või mehaaniliste – üle, mis mulle alluvad.
Teisalt on esineja jaoks emotsioonide valdamise probleem isiklikum. Ma tean hästi, et minu mäng on päevade lõikes erinev. Pianist on akustika ori. Alles pärast esimese pala mängimist, saali akustikat kogedes ja üldist õhkkonda tunnetades tean, mis meeleolus terve kontserdi veedan. Mõnes mõttes ei ole see minu jaoks hea, kuid võib-olla on artistil parem mitte kunagi oma esituses ette kindel olla, kui saavutada mingi konstantne soorituse tase, mis võib kergesti muutuda mehaaniliseks rutiiniks.
Kas kunstnik arvab, et kunstniku elul on tema loomingule kahjulik mõju?
Siin sõltub palju kunstniku individuaalsusest. Näiteks on Strauss tegev helilooja ja dirigendina. Rubinstein töötas igal hommikul kella seitsmest kaheteistkümneni muusika loomise kallal, veetes ülejäänud päeva klaveri taga. Isiklikult pean sellist topeltelu võimatuks. Kui ma mängin, ei saa ma komponeerida, kui ma komponeerin, siis ma ei taha mängida. Võib-olla sellepärast, et ma olen laisk; Võib-olla.
lakkamatu klaveriharjutus ja kontsertartisti eluga kaasnev igavene sagimine võtavad minult liiga palju energiat. Võib-olla sellepärast, et ma tunnen, et selline muusika, mida ma teha tahaksin, ei ole tänapäeval vastuvõetav. Või äkki tegelik põhjus See, et viimastel aastatel olen eelistanud etenduskunstniku elu helilooja elule, on hoopis teine. Pärast Venemaalt lahkumist kadus komponeerimissoov. Olles kaotanud kodumaa, kaotasin ma iseenda. Muusikalised juured, traditsioonid ja põlise pinnase kaotanud pagulasel pole loomishimu, ei jää muud lohutust peale häirimatute mälestuste hävimatu vaikuse.
Muusikaline interpretatsioon noodikirja, esitustraditsioonide ja esitaja loomingulise tahte koosmõju tulemusena.
Autori teave julgustab esitajat mõtlema, kujutlema, assotsiatsioone leidma ja tekitab emotsioone. Esinemisinfo mõjutab autori informatsiooni, kitsendab või laiendab seda, täiendab, transformeerib ehk toimub muusikateose ümbermõtestamine, mille tulemusena tekib kunstiline kujund. Autori teabe ümbertõlgendus ei tohiks mingil juhul põhjustada autori kavatsuse moonutamist. Ehtne esituslik ühislooming on võimalik vaid siis, kui autori info leiab esitajas vastastikuseid tundeid.
Muusikapala kallal töötamine on loominguline protsess, mille mitmekesisus on seotud nii kunstilised omadused teoseid ja esitaja erinevate individuaalsete omadustega. Milliste ülesannetega ta silmitsi seisab? Ja mis soodustab arengut loovus esineja, stimuleerib teket tema muusikaline maitse, professionaalsed oskused?
Esitada tähendab luua sügavalt teose sisusse tungides ja sellel põhinevat muusikalist sisu kehastades kunstiline pilt. Teose sisu taasloomine eeldab truudust autoritekstile, teose ideoloogilise orientatsiooni mõistmist, emotsionaalset rikkust (muusikakunsti mõjud emotsionaalne sfäär inimese taju).
Kunstilise kuvandi loomine on võimatu, võtmata arvesse teose loomise ajaloolise ajastu unikaalsust; tema žanri tunnused, helilooja maailmavaate rahvuslikud eripärad, muusika väljendusvahendite kasutamise olemus ehk kõik, mida me nimetame stiili tunnused või funktsioone.
Tõlgendamine -(ladina keelest interpretatio - selgitamine, tõlgendamine) - muusikalise teksti helilise teostuse protsess. Tõlgendamine sõltub esteetilised põhimõtted koolkonnad või liikumised, kuhu kunstnik kuulub, lähtudes tema individuaalsetest omadustest ning ideoloogilisest ja kunstilisest kavatsusest. Tõlgendamine hõlmab individuaalset lähenemist esitati muusikat, aktiivne suhtumine, esineja enda loomingulise kontseptsiooni olemasolu autori plaani kehastamiseks. Kuni 19. sajandi alguseni oli interpretatsioonikunst tihedalt seotud heliloojate loominguga: reeglina esitasid heliloojad ise oma teoseid. Interpretatsiooni areng on tingitud kontserttegevuse intensiivistumisest.
Iseseisva kunstina omandas interpretatsioon erilise tähenduse 19. sajandi 20.-30. Esituspraktikas kinnitatakse seda uut tüüpi muusik-tõlk - teiste heliloojate teoste esitaja. Paralleelselt eksisteerivad originaalesinemise traditsioonid. Teiste autorite teoste peened tõlgendajad olid F. Liszt, A. G. Rubinstein, S. V. Alates 19. sajandi teisest poolest on arenenud muusikalise interpretatsiooni teooria (uurib esinemiskoolkondade mitmekesisust, esteetilisi interpretatsiooniprintsiipe, esituse tehnoloogilisi probleeme), millest 20. sajandi alguseks on saanud üks valdkondi. muusikateadusest. Olulise panuse vene tõlgenduse teooriasse andsid G.M., Neuhaus, S.Ya.
Objektiivne ja subjektiivne, intuitiivne ja ratsionaalne muusikalises esituses. Esituse loominguline olemus.
Kuulus pianist I. Hoffman kirjutas: "Muusikateose õige tõlgendus tuleneb selle õigest mõistmisest ja see omakorda oleneb peenelt täpsest lugemisest." See tähendab, et esituse õigest olemusest annab tunnistust ennekõike sisukas, rangelt autoritekstile vastav tõlgendus „Muusikatekst on helilooja pärandatud rikkus ja tema esitusjuhised on testamendi saatekiri, ” ütles helilooja ja pianist S. Feinberg. Siin pole aga ainult tekst, vaid ka teose alltekst. Tähelepanuväärne pianist K. Igumnov arvas, et interpreet peaks teksti sisse tooma ka „hea poole“ endast, st lähenema teose sisemisele iseloomule, paljastama selle allteksti. Legendaarne G. Neuhaus tuletas meile pidevalt meelde vajadust pidevalt süveneda esitatava teose meeleolusse, sest just selles meeleolus, mis noodikirjale täielikult ei allu, peitubki kogu kunstilise kujundi olemus. Kõigest eelnevast järeldub, et helilooja teksti täpne teostus ei peaks tähendama selle formaalset reprodutseerimist, vaid salvestusskeemi mõtestatud loomingulist “tõlkimist” tõelisteks helipiltideks.
Mõistmine ja tõlgendamine kui tõlgenduse dialektiliselt omavahel seotud aspektid. Uute tähenduste teke tõlgendamise tulemusena. Kunstilise tõlgenduse spetsiifilisus, tõlgendusobjekti (kogemus, sünergia) intuitiivne mõistmine.
Teose semantilise ja esteetilise analüüsi roll interpretatsiooni teostamisel
Tahtlikkus ja tahtmatus muusikalises interpretatsioonis
Märgime, et muusikaline esitus on ennekõike protseduuriline ja dünaamiline hetk. See tähendab, et muusikalise pildi muundumine laval on loomulik, mille käigus toimuvad teatud muutused muusikalise kujundi interpretatsioonis. Teadlased räägivad muusika taasesituse muutlikkusest ühe esitaja või muutuvate ja muutumatute elementide kombinatsioonist.
Tõlgendusprotsessi saab esitada kahe vastandliku printsiibi - intentsionaalse (tabeli fookusena protsessis) ja tahtmatu (muutuva fookusena protsessis) koosmõjuna. Need kaks suurt ja keerukat kihti moodustavad protsessi struktuuri. Selle struktuuri lahtirullumine ajas, selle elementide tervik ja seos moodustavad liikuva heli terviklikkuse, mis tegelikult on tõlgendusprotsess.
Tahtlik algus on protsessi antud olemuse üldistatud väljendus. Tahtlikud elemendid hõlmavad elemente, mille kvaliteediparameetrid muusik programmeerib enne tegevuste sooritamise algust ja mida ta kavatseb eelseisvas protsessis rakendada. Üheskoos moodustavad need elemendid teadlikult planeeritud osa esinevast tõlgendusest ja moodustavad protsessi kvantitatiivse dominandi. Nende eripäraks on: sisemine motivatsioon, kindlus ja semantiline tähendus. Ühel või teisel määral hõlmab tahtlikkus disainistruktuuri kõiki tasandeid. Tahtlik algus kannab kunstniku individuaalse kunstiteadvuse pitserit ja on märk tema loomingulisest unikaalsusest.
Tõlgendusprotsess ei ole taandatav järjestikku rakendatavale intentsionaalsusele. Tuleb omaette tahtmatu käivitamine, mis on paratamatult esinev objektistamise aktides ja millel on põhimõtteliselt erinev olemus. Tahtmatu algus on protsessi dünaamiline komponent, mille elemendid tekivad spontaanselt, ilmnevad kõrvalekaldumisena esialgse plaaniga määratud kursist ja moodustavad määramatuse “eksistentsiaalse välja”. Sellest loovuse teostamise irratsionaalsest aspektist peegeldavast komponendist saab kujundiplaanis ettearvamatu, isetekitava muutuse võimalikkuse kandja. Tahtmatu käivitamine sisaldab elemente erineva iseloomuga. Kui käsitleda neid sisusemantilises plaanis, siis tekib vajadus jagada tahtmatud elemendid kaheks alatüübiks: semantiliseks ja asemantiliseks.
Semantiline (improvisatsiooniline) vaade ühendab juhuslike elementide rühma, millel on kunstiline ja ekspressiivne tähendus. Olles alateadvuse "vaba" (määratlemata) tegevuse loominguline saadus, intuitsiooni, kujutlusvõime, fantaasia ja tunnete sisemiste liikumiste hetkelise "tegevuse" tulemus, mida tavaliselt nimetatakse kunstiliseks kogemuseks, moodustavad nad kunstilis-produktiivse kihi. tahtmatu algus. Neid iseloomustavad: tahtmatus, uudsus ja semantiline tähenduslikkus ning viimane moodustab aluse improvisatsiooniliste ja intentsionaalsete elementide ühtsusele ja sugulusele, ulatudes tagasi ühe allikani - helipildini. Tahtmatu algus hõlmab improvisatsiooni, kuid ei piirdu sellega.
Asemantiline (kaootiline) vaade ühendab grupi tahtmatuid elemente, mille ilmumist ei põhjusta mitte kunstilised tegurid, vaid tegevuse “ebaõnnestumine”. Nende elementide päritolu on seotud rikkumistega täitmise tehnoloogilistes ja regulatiivsetes valdkondades. Need ilmnevad jõudlusvigade, defektide ja protsessi ebakorrapärasuse hetkedena. Asemantilised elemendid kahjustavad kavandatut, ei anna "objektiivset" semantilist tulemust, vaid toovad protsessi ainult rohkem või vähem olulise hävingu ja moodustavad seetõttu tahtmatu alguse kunstiliselt ebaproduktiivse kihi. Arvestades selle komponendi äärmiselt ebasobivat, selgelt destruktiivset toimimise taset, võib seda nimetada "kaootiliseks".
Muusikateose esitusliku tõlgenduse adekvaatsuse küsimus.
Muusik ei pea valdama ainult teksti, vaid ka peamine ülesanne- mõista helilooja kavatsust ja luua see uuesti muusikalised pildid, mis on kehastatud muusikapalas, ja vali ekspressiivsed vahendid nende kõige täpsemaks edastamiseks.
A. France kirjutas: „Täiusliku kunstiteose mõistmine tähendab üldiselt selle uuesti loomist endas sisemaailm" K.S Stanislavsky ütles, et ainult „näitleja sügav tungimine autori ideesse, harjumine laval kehastatud kujundiga, kui näitleja elab, tunneb ja mõtleb samamoodi nagu roll, ainult siis saab tema tegevus viia lavalise eduni. ”
Itaalia pianist F. Busoni rääkis sellest järgmiselt: "On peaaegu üliinimlik ülesanne heita kõrvale oma tunded, et transformeeruda kõige erinevamate inimeste tunneteks ja siit edasi uurida nende loomingut." Väga peenelt märgati loomingulist olemust etenduskunstid Vene kriitik V.G. Belinsky: "Näitleja täiendab autori ideed oma näitlejatööga ja see täiendus seisneb tema loomingulisuses."
A.N. Kuulus vene helilooja ja muusikakriitik Serov kirjutas:“Roll – vähemalt Shakespeare’i näidendist, muusika – vähemalt Beethovenilt endalt, seoses geniaalse esitusega, ainult sketš, essee; värvid, täisväärtuslikku elu teosed sünnivad vaid esitaja võluva jõu all.»
Näiteks kõige populaarsem esimene kontsert klaverile ja orkestrile P.I. Tšaikovski, saavutas laialdase populaarsuse alles 4 aastat pärast esmaettekannet, mil selle hiilgavalt esitas N. Rubinstein. Sama lugu juhtus P. Tšaikovski viiulikontserdiga, mis alles pärast L. Aueri esitust asus viiuldajate kontsertrepertuaaris väärilisele kohale.
Need näited näitavad esitustegevuse loomingulist olemust, milleks ei ole autori teksti lihtne, formaalne tõlkimine helisse, vaid selle loominguline teostus. Psühholoogiline olemus tõlgendusi väljendas väga täpselt A.N. Serov: "Suurepäraste esinejate suur saladus on see, et nad valgustavad seda, mida nad esitavad, oma ande jõuga seestpoolt, muudavad selle säravaks, panevad selle sinna kogu maailm aistingud teie enda hingest."
Suuline tõlge ei piirdu esineja ametialaste saavutuste ja oskustega. See väljendab isiksuse kõiki aspekte ja on seotud maailmavaatega, ideoloogiline orientatsioon, ühine kultuur, mitmekülgsed teadmised ja mõtteviis, mis moodustavad indiviidi sisemise sisu.
Esineja sotsiaalne, moraalne ja professionaalne vastutus on suurenenud alates 18. 19. keskpaik sajandil, mil etenduskunst eraldus komponeerimisest. Teose saatus sõltus suuresti esitajast.
A. Rubinstein: „Mulle on täiesti arusaamatu, mida üldiselt objektiivse soorituse all mõeldakse. Igasugune sooritus, kui seda ei tooda mitte masin, vaid inimene, on iseenesest subjektiivne. Objekti (kompositsiooni) tähenduse õige edasiandmine on esitaja jaoks seaduspära, kuid igaüks teeb seda omal moel ehk subjektiivselt; ja kas on teisiti mõeldav? Kui kompositsiooni esitus peab olema objektiivne, siis oleks õige ainult üks viis ja seda peaksid jäljendama kõik esitajad; Millised saaksid esinejatest? Ahvid? Kas Hamleti või Kuningas Leari vms rollis on ainult üks esitus? Nii et muusikas mõistan ma ainult subjektiivset esitust.
Kunsti- ja esinemisideede kujunemine ja elluviimine
Tõlgendamise küsimustes on erakordse tähtsusega kujutlusvõime - vaimne protsess, mille käigus kujundatakse ettekujutus tulevasest tegevusest või luuakse uus üldidee või tegevuse lõpptoote konkreetsema esituse vormis. Kujutlusvõime on alati programmi vaimne konstruktsioon järgnevaks tegevuseks, eespool selle materiaalselt kehastatud vormist. Seal on meelelahutus- ja loominguline kujutlusvõime. Loominguline on uute ideede ja kujundite loomine. Taasloomine on muusikalise teksti jms põhjal piltide konstrueerimine. Kujutlusvõime taasloomine on muusikalise esituse tõlgenduse loomise psühholoogiline alus.
Kaks tüüpi esinejaid - emotsionaalne tüüp ("kogemuse kunsti" järgijad) ja intellektuaalset tüüpi kunstnikud (teatrikunst, Stanislavsky).
Seal on sünteetilist tüüpi esinejaid. Nende kahe põhimõtte tähelepanuväärne kombinatsioon on S.V. tegevuses. Rahmaninov ning P. Casals, A. Toscanini ja J. Heifitz, D. Oistrakh ja S. Richter, L. Kogan ja E. Gilels, E. Svetlanov ja V. Fedosejev. Neid eristab sügav tungimine muusikateose sisusse, särav sisu ja vormi ühtsus, huvitav, originaalne interpretatsioon ja suurepärane tehniline oskus. Seda tüüpi iseloomustab tasakaal emotsionaalse ja intellektuaalse printsiibi vahel, mis on teadlikult reguleeritud.
Tõlgendamise erinevad aspektid: 1. autori kavatsuse tõlgendamine esitaja poolt; 2. ajalooline pärand; 3. kultuuridevahelised ja kultuurisisesed suhted. Autentne esitus, süvenemine ajaloolisse ja kultuurilisse konteksti.
Muusikateose kallal töötamine peaks põhinema selle põhjalikul uurimisel. See võimaldab teil süveneda kujundlikku sfääri, säilitada esitaja huvi teose vastu ja lõpuks mõista autori kavatsust.
Kõige olulisem lähtepunkt sellel suurel ja raske tee on ajastu, mil konkreetne teos loodi. Tundub, et heliloojad räägivad sisse erinevad ajad erinevates keeltes, kehastavad erinevaid ideaale, kajastavad konkreetsele ajale iseloomulikke elu aspekte, filosoofilisi ja esteetilised vaated, mõisted. Sellest lähtuvalt kasutatakse ekspressiivseid vahendeid. On vaja mõista, miks see konkreetne stiil tekkis konkreetsel ajastul, siduda see helilooja isiksusega, kes on ajastu "toode", kuulub teatud ajastusse. sotsiaalne rühm, rahvusest, panna muusikapala nendesse tingimustesse ning kehtestada selle suhe looja ja ajaga.
Võtame epohhi ja liikumise määramise (tempo) suhte. Erinevatel ajastutel tõlgendati temponimetusi erinevalt. Eelklassikalisel perioodil ei näidanud näiteks tempod “Allegro”, “Andante”, “Adagio” mitte liikumiskiirust, vaid muusika olemust. Scarlatti Allegro on aeglasem (või vaoshoitum) kui klassikute Allegro, Mozarti Allegro aga aeglasem (vaoshoitum) kui Allegro selle tänapäevases tähenduses. Mozarti Andante on liikuvam. Kui me sellest nüüd aru saame. Sama võib öelda ka suhte kohta muusikaline ajastu dünaamika ja artikulatsiooniga. Muidugi võimaldab kohalolev autoriteet kuskil vaielda dünaamiliste juhistega, tajuda uutmoodi klaverit, pianissimo’t, forte’t, fortissimo’t.
Helisalvestus
Esimesed heli salvestamise ja taasesitamise seadmed olid mehaanilised muusikariistad. Nad oskasid mängida meloodiaid, kuid ei suutnud salvestada suvalisi helisid, näiteks inimhäält. Muusika automaatne taasesitus on tuntud juba 9. sajandist, kui vennad Banu Musa leiutasid umbes 875. aastal vanima teadaoleva mehaanilise instrumendi – hüdraulilise ehk “veeoreli”, mis mängis automaatselt vahetatavaid silindreid. Pinnal väljaulatuvate "nukkidega" silinder jäi peamiseks vahendiks muusika mehaanilisel taasesitamisel kuni teise sajandini. 19. sajandi pool sajandil. Renessansiajal loodi mitmeid erinevaid mehaanilisi muusikainstrumente, mis esitasid õigel hetkel teatud meloodia: orelid, noodikastid, karbid, nuusktubakas.
1857. aastal leiutas de Martinville fonautograaf. Seade koosnes akustilisest koonusest ja nõelaga ühendatud vibreerivast membraanist. Nõel puutus kokku käsitsi pööratava tahmaga kaetud klaassilindri pinnaga. Koonust läbivad helivõnked panid membraani vibreerima, kandes vibratsiooni nõelale, mis jälgis tahmakihis helivõnke kuju. Selle seadme eesmärk oli aga puhtalt eksperimentaalne – see ei suutnud tehtud salvestist taasesitada.
1877. aastal leiutas Thomas Edison fonograafi, mis suutis juba oma salvestust esitada. Heli salvestatakse kandjale pala kujul, mille sügavus on võrdeline heli tugevusega. Fonograafi heliriba asetatakse silindrilise spiraalina vahetatavale pöörlevale trumlile. Taasesituse ajal piki soont liikuv nõel edastab vibratsiooni elastsele membraanile, mis kiirgab heli.
Edison Thomas Alva (1847-1931), Ameerika leiutaja ja ettevõtja. Enam kui 1000 leiutise autor elektrotehnika ja side valdkonnas. Ta leiutas maailma esimese helisalvestusseadme – fonograafi, täiustas hõõglampi, telegraafi ja telefoni ning ehitas 1882. aastal maailma esimese elektrijaama.
Esimeses fonograafis pöörati vända abil metallrulli, mis liikus veovõlli kruvikeermete tõttu iga pöördega aksiaalselt. Rullile pandi tinafoolium (staniol). Pärgamendimembraaniga ühendatud terasnõel puudutas seda. Membraanile kinnitati metallist koonussarv. Heli salvestamisel ja taasesitamisel tuli rullikut käsitsi pöörata kiirusega 1 pööre minutis. Kui rull heli puudumisel pöörles, ekstrudeeris nõel fooliumi sisse püsiva sügavusega spiraalse soone (või soone). Kui membraan vibreeris, suruti nõel vastavalt tajutavale helile tina sisse, tekitades muutuva sügavusega soone. Nii leiutati "sügava salvestuse" meetod.
Oma aparaadi esimese katsetamise ajal tõmbas Edison fooliumi tihedalt silindri külge, viis nõela silindri pinnale, hakkas ettevaatlikult käepidet pöörama ja laulis lastelaulu "Mary Had a Little Lamb" esimese stroofi sisse. megafon. Seejärel tõmbas ta nõela tagasi, viis silindri käepidemega tagasi algasendisse, torkas nõela tõmmatud soonde ja hakkas silindrit uuesti pöörlema. Ja megafonist kõlas vaikselt, kuid selgelt laste laul.
1885. aastal töötas Ameerika leiutaja Charles Tainter (1854-1940) välja grafofoni – jalaga juhitava fonograafi (nagu jalaga töötav õmblusmasin) – ja asendas rullide plekk-lehed vahapastaga. Edison ostis Tainteri patendi ja fooliumrullikute asemel hakati salvestamiseks kasutama eemaldatavaid vaharulle. Heli soone samm oli umbes 3 mm, mistõttu salvestusaeg rulli kohta oli väga lühike.
Fonograaf eksisteeris peaaegu muutumatul kujul mitu aastakümmet. See lõpetas tootmise muusikateoste salvestamise seadmena 20. sajandi esimese kümnendi lõpus, kuid seda kasutati helisalvestina peaaegu 15 aastat. Selle jaoks mõeldud rulle toodeti kuni 1929. aastani.
Kümme aastat hiljem, 1887. aastal, asendas grammofoni leiutaja E. Berliner rullid ketastega, millest saab teha koopiaid - metallmaatriksiid. Nende abiga pressiti tuttavad grammofoniplaadid (joon. 4 a.). Üks maatriks võimaldas trükkida terve tiraaži – vähemalt 500 kirjet. See oli Berlineri plaatide peamine eelis võrreldes Edisoni vaharullidega, mida polnud võimalik paljundada. Erinevalt Edisoni fonograafist töötas Berliner välja ühe heli salvestamise seadme – maki ja teise heli taasesitamiseks – grammofoni.
Süvasalvestuse asemel kasutati põiksalvestust, s.o. nõel jättis püsiva sügavusega lookleva jälje. Seejärel asendati membraan ülitundlike mikrofonidega, mis muudavad helivibratsiooni elektrivibratsiooniks, ja elektrooniliste võimenditega. 1888 on aasta, mil Berlinger leiutas grammofoniplaadi ja -salvestuse.
Kuni 1896. aastani tuli ketast käsitsi pöörata ja see oli peamine takistus laialt levinud grammofonid. Emil Berliner kuulutas välja vedrumootori konkursi – odav, tehnoloogiliselt arenenud, töökindel ja võimas. Ja sellise mootori kujundas mehaanik Eldridge Johnson, kes tuli Berlineri ettevõttesse. Aastatel 1896–1900 Neid mootoreid toodeti umbes 25 000. Alles siis sai Berlineri grammofon laialt levinud.
Esimesed plaadid olid ühepoolsed. 1903. aastal lasti esmakordselt välja 12-tolline plaat, mille kahel küljel oli salvestus.
1898. aastal leiutas Taani insener Woldemar Paulsen (1869-1942) aparaadi heli magnetiliseks salvestamiseks terastraadile. Seejärel leiutas Paulsen pöörlevale teraskettale magnetilise salvestamise meetodi, kus liikuva magnetpea abil salvestati teave spiraalina. 1927. aastal töötas F. Pfleimer välja tehnoloogia magnetlindi tootmiseks mittemagnetilisel alusel. Sellest arengust lähtuvalt demonstreerisid Saksa elektrotehnikafirma AEG ja keemiafirma IG Farbenindustri 1935. aastal Saksamaa raadionäitusel rauapulbriga kaetud plastalusel magnetlinti. Tööstuslikus tootmises meisterdatud, maksis see 5 korda vähem kui teras, oli palju kergem ja mis kõige tähtsam, võimaldas tükke lihtsa liimimise teel ühendada. Uue magnetlindi kasutamiseks töötati välja uus helisalvestusseade, mis sai kaubamärgi "Magnetofon". Magnetlint sobib korduvaks helisalvestuseks. Selliste kirjete arv on praktiliselt piiramatu. Selle määrab ainult uue infokandja - magnetlindi - mehaaniline tugevus. Esimese kaherajalise magnetofoni andis välja Saksa firma AEG 1957. aastal ja 1959. aastal andis see firma välja esimese neljarajalise magnetofoni.
Kuulsad muusikud
Adan Adolph Charles(1803–1856) - prantsuse helilooja, romantik, ballettide “Giselle”, “Korsair” autor.
Aznavour Charles (Aznauryan Varenag)(s. 1924) – prantsuse šansonnieer, helilooja, filminäitleja, paljude laulude autor ja esitaja; avaldas tohutut mõju Prantsusmaa ja kogu Euroopa muusikalisele massikultuurile.
Aleksander Aleksandrovitš Aljabjev(1787–1851) - vene helilooja, paljude laulude ja romansside (“Ööbik”, “Kerjusnaine” jne), aga ka ooperite, ballettide, kammer- ja instrumentaalteoste autor.
Armstrong Louis(1901–1971) - trompetist, vokalist, sageli kutsutud "Jazzi isaks". Louis Armstrong on 20. sajandi muusikakunsti üks populaarsemaid isiksusi, kellega avalikkus samastab traditsioonilist jazzi.
Balakirev Mili Aleksejevitš(1836 (1837)-1910) - vene helilooja, pianist, dirigent, juht ja üks 1850ndate lõpus - 1860ndate alguses moodustatud vene heliloojate loomingulise kogukonna "Mighty Handful" juht ja üks asutajatest.
Balanchine George (Balanchivadze Georgi Melitonovich)(1904–1963) – Ameerika koreograaf, kuulsa balletitrupi New York City Ballet asutaja.
Bartok Bela(1881–1945) – ungari helilooja, pianist ja muusikateadlane-folklorist. Ühendades folkloori elemente muusikalise avangardi võtetega (ekspressionism jne), sai temast 20. sajandi muusika üks sügavamaid ja mõjukamaid uuendajaid.
Bach Johann Sebastian(1685–1750) - saksa helilooja, umbes 1000 erineva žanri teose autor, polüfooniameister (prelüüdid ja fuugad, Püha Matteuse passioon jne).
Bašmet Juri Abramovitš(s. 1953) - vene violist, õpetaja. Paljude kaasaegsete heliloojate vioolateoste esmaesitaja.
Berlioz Hector Louis(1803–1869) - Prantsuse uuendusmeelne helilooja, dirigent, Symphony Fantastique autor, uue dirigeerimiskoolkonna looja.
Bernstein Leonard(1918–1990) - Ameerika helilooja ja dirigent, paljude kuulsate muusikalide (West Side Story jne) muusika autor.
Berry Chuck(lk. 1926) - kuulus Ameerika laulja, helilooja, üks rock and roll'i asutajatest.
Beethoven Ludwig van(1770–1827) – saksa helilooja, suur sümfonist. Enamik Beethoveni teoseid kuulub maailmamuusika meistriteoste hulka (Kuuvalgusesonaat, IX sümfoonia jne).
Bizet Georges (1838–1875) – Prantsuse helilooja, ooperite autor (Carmen jt).
Borodin Aleksander Porfirievitš(1833–1887) - vene helilooja ja keemik, üks vene klassikaliste sümfooniate ja kvartettide loojaid.
Bortnjanski Dmitri Stepanovitš(1751–1825) - Vene ja Ukraina helilooja, vaimuliku muusika, kooriteoste jm autor.
Brahms Johannes(1833–1897) - saksa helilooja ja dirigent, romantismi esindaja.
Wagner Richard(1813–1883) – saksa helilooja, dirigent, ooperireformaator. Tetraloogia “Nibelungi sõrmus” on kirjutatud oma libreto järgi, lähtudes saksa rahvuslikust mütoloogiast. Wagner on ka ooperite „Tristan ja Isolde“, „Parsifal“ jt autor.
Verdi Giuseppe(1813–1901) - Itaalia helilooja, kelle loovus on arengu tipp Itaalia ooper ja ooperikunsti üle kogu maailma (ooperid “Aida”, “Rigoletto”, “La Traviata” jne).
Vertinski Aleksander Nikolajevitš(1889–1957) - vene luuletaja ja helilooja, oma laulude esitaja, kunstilaulu žanri üks rajajaid.
Vivaldi Antonio(1678–1741) - itaalia helilooja, viiuldaja, dirigent; lõi sooloinstrumentaalkontserdi žanri.
Võssotski Vladimir Semenovitš(1938–1980) - Nõukogude luuletaja, muusik, näitleja, sadade oma luuletuste põhjal kirjutatud laulude autor. Oma laulude autori ja esitajana kitarriga saavutas ta laialdase populaarsuse.
Haydn Franz Joseph(1732–1809) - Austria helilooja, Beethoveni õpetaja. Tema töid iseloomustab harmoonia ja proportsioonide proportsionaalsus.
Händel Georg Friedrich(1685–1759) - Saksa helilooja, paljude ooperite ja oratooriumite autor, milles on ühendatud võimsad koorid ja range arhitektuur.
Gershwin George(1898–1937) – Ameerika helilooja ja pianist. Koos oma venna Iraga komponeeris George Gershwin enam kui kolm tosinat muusikali teatrile ja filmile. Numbri juurde parimad teosed George Gershwini teoste hulka kuuluvad "Rhapsody in Blue" klaverile ja jazzorkestrile ning ooper "Porgy ja Bess", mida paljud kriitikud peavad helilooja loomingu tipuks ja üheks parimaks (kui mitte parimaks) Ameerika ooperiks.
Gillespie John "Dizzy" Burks(1917–1993) - Ameerika džässtrompetivirtuoos, muusikaajaloo ühe tuntuima korraldaja. jazzorkestrid, paljude jazzkompositsioonide autor.
Glinka Mihhail Ivanovitš(1804–1857) - vene helilooja, vene rahvuseepiliste ooperite ja paljude populaarsete romansside looja.
Glier Reingold Moritsevitš(1874–1956) - vene Nõukogude helilooja, dirigent, õpetaja (ballett "Don Quijote").
Gluck Christoph Willibald(1714–1787) - saksa helilooja, klassitsismi esindaja, ooperireformaator.
Grig Edward(1843–1907) - Norra helilooja, pianist, muusikategelane, dirigent.
Gounod Charles(1818–1893) - prantsuse helilooja, 19. sajandi prantsuse ooperi üks suurimaid esindajaid. Loovuse tipp on ooper "Faust".
Dankevitš Konstantin Fedorovitš(1905–1984) - Ukraina helilooja ja muusikateadlane, ooperi “Bogdan Hmelnytski”, balleti “Liley” jne autor.
Dargomõžski Aleksander Sergejevitš(1813–1869) - vene helilooja (ooper “Rusalka” jne). Koos M. I. Glinkaga oli ta vene keele asutaja klassikaline kool muusika.
Dassin Joe(1938–1980) - prantsuse laulja, helilooja, kelle laulud olid 1960. ja 1970. aastatel väga populaarsed.
Dvorak Antonin(1841–1904) - Tšehhi helilooja, dirigent, üks Tšehhi muusikakooli asutajatest klassikaline muusika.
Debussy Claude Achille(1862–1918) - prantsuse helilooja, keda peetakse nn muusikalise impressionismi rajajaks.
Dylan Bob (Robert Allen Zimmerman)(s. 1941) – Ameerika rokkmuusik, kes enamiku kriitikute arvates mõjutas populaarse muusika (ja mitte ainult roki) arengut sõjajärgsel perioodil rohkem kui keegi teine ning tema loomingust sai eeskujuks mitme põlvkonna jaoks. rokkmuusikud muusikud.
Domingo Placido(s. 1941) – Hispaania laulja (tenor) ja dirigent, ooperiajaloo üks silmapaistvamaid lauljaid.
Donizetti Gaetano(1797–1848) - itaalia helilooja (ooperid "Lucia di Lammermoor", "Don Pasquale" jne), bel canto kunsti meister.
Dunaevski Isaac Osipovich(1900–1955) - Nõukogude helilooja, Nõukogude massilaulu ja opereti suurim meister.
Caballe Montserrat(s. 1933) – hispaania laulja (sopran). Üks silmapaistvamaid kaasaegsed lauljad Bel Canto.
Callas Maria (Maria Kalogeropoulos)(1923–1977) - Kreeka laulja, laiaulatusliku häälega, muusikaajaloo üks suurimaid lauljaid, oli maailma suurimate teatrite solist.
Kalman Imre(1882–1953) - Ungari helilooja, klassikalise Viini opereti (“Silva” jne) meister.
Carreras Jose(s. 1947) – hispaania keel ooperilaulja, tenor, on sügav ilusa häälega, koos P. Domingo ja L. Pavarottiga on pikka aega kuulunud meie aja kolme parima tenori hulka.
Caruso Enrico(1873–1921) - Itaalia laulja, ooperiajaloo üks suurimaid tenoreid, bel canto meister.
Clyburn Van (Clyburn Harvey Laban)(s. 1934) – Ameerika pianist nimelise 1. rahvusvahelise konkursi võitja. P.I. Tšaikovski Moskvas (1958).
Kozlovski Ivan Semenovitš(1900–1995) - vene Nõukogude laulja, lüüriline tenor, solist Bolshoi teater(1926–1954), üks parimad esinejad oma ajast.
Leghar Ferenc (Franz)(1870–1948) - helilooja, Viini opereti (“Lõbus lesk”) silmapaistev meister.
Lemešev Sergei Jakovlevitš(1902–1977) - silmapaistev vene ooperilaulja, lüüriline tenor. Kõige õrnema tämbri omanik, jäljendamatu laulude ja romansside esitaja.
Lennon John(1940–1980) – Briti rokkmuusik, laulja, luuletaja, helilooja, kunstnik, kirjanik. The Beatlesi asutaja ja liige, üks 20. sajandi populaarsemaid muusikuid.
Leoncavallo Ruggiero(1857–1919) - itaalia keel ooperi helilooja, kelle teosed olid ja on väga menukad (ooperid “Pagliacci”, “La Bohème” jne).
Leontovitš Nikolai Dmitrijevitš(1877–1921) - Ukraina helilooja, paljude seadete autor rahvaviisid. Ukraina esimese sümfooniaorkestri asutaja.
Liszt Ferenc(1811–1886) - silmapaistev ungari helilooja, dirigent ja pianist. Ta lõi kontsertklaveri esituse kooli.
Lloyd-Webber Andrew(s. 1948) - kuulus Briti helilooja, muusikalide ja rokkooperite autor (“Jesus Christ Superstar”; “The Phantom of the Opera” jne).
Lõssenko Nikolai Vitalievitš(1842–1912) - helilooja, dirigent, Ukraina rahvusliku muusikakooli asutaja, aitas kaasa Ukraina ooperi kujunemisele.
Ljudkevitš Stanislav Filippovitš (Pilipovitš)(1879–1979) - Ukraina helilooja ja muusikateadlane, üks suurimaid Ukraina sümfoniste.
Miles Davis(1926–1991) - Ameerika džässtrompetist, üks silmapaistvamaid jazzmehi muusikaajaloos. Alates 1960. aastate lõpust on ta esinenud jazz-rock stiilis.
McCartney James Paul(s. 1942) – Briti rokkmuusik, laulja ja helilooja, üks The Beatlesi asutajatest.
Mahler Gustav(1860–1911) - Austria helilooja ja dirigent, üks 19. ja 20. sajandi suurimaid sümfoniste. Aastatel 1908–1909 oli ta New Yorgi Metropolitan Opera dirigent ning aastatel 1909–1911 New Yorgi Filharmooniaorkestrit.
Mendelssohn-Bartholdy Jacob Ludwig Felix(1809–1847) - Saksa helilooja, organist, dirigent ja ühiskonnategelane, esimese Saksa konservatooriumi asutaja. “Itaalia”, “Šoti” sümfooniate jne autor.
Mercury Freddie(1956–1991) – Briti laulja ja muusik, legendaarse rokkbändi Queen vokalist. Siiani, palju aastaid pärast tema surma, on ta üks populaarsemaid lauljaid maailmas.
Miller Glenn(1904–1944) – Ameerika tromboonist, arranžeerija, 1930. aastate lõpu – 1940. aastate alguse ühe parima swingorkestri juht.
Morricone Ennio(s. 1928) – itaalia helilooja, arranžeerija, dirigent, üks enim kuulsad heliloojad filmidele muusika komponeerimine.
Mozart Wolfgang Amadeus(1756–1791) - Austria helilooja, üks suurimaid muusikaajaloos. Tal oli silmapaistev meloodiaanne (ooperid “Võluflööt” ja teised “Väike ööserenaad” lõid umbes 600 erinevas žanris teost). Ta lõi muusikat alates viiendast eluaastast ja esines interpreedina alates kuuendast eluaastast.
Mussorgski Modest Petrovitš(1839–1881) - vene helilooja. Ta lõi monumentaalseid rahvamuusikadraamasid (“Boriss Godunov”, “Hovanštšina”), dramaatilisi stseene (“Pildid näitusel”) jne.
Oistrahh David Fedorovitš(1908–1974) - Nõukogude virtuoosviiuldaja, õpetaja, üks 20. sajandi suurimaid muusikuid.
Offenbach Jacques(1819–1880) - prantsuse helilooja, üks klassikalise prantsuse opereti (“Kaunis Helen”, “Pericola” jt) rajajaid.
Pavarotti Luciano(1935–2007) - silmapaistev itaalia laulja, üks silmapaistvamaid tenoreid muusikaajaloos.
Paganini Niccolo(1782–1840) - itaalia virtuoosviiuldaja ja helilooja. 18.–19. sajandi muusikaloo üks silmapaistvamaid isiksusi. Maailma muusikakunsti tunnustatud geenius.
Pauls Raymond(s. 1936) - Läti helilooja, pianist, paljude laulude, muusikalide, filmide partituuride jne autor.
Petrusenko Oksana Andreevna(1900–1940) - Ukraina Nõukogude laulja (lüürilis-dramaatiline sopran), kellel oli ainulaadse tämbri hääl.
Piaf Edith (Gacion)(1915–1963) - prantsuse laulja ja näitleja, üks suurimaid poplauljad rahu.
Presley Elvis(1935–1977) - legendaarne Ameerika rokklaulja ja filminäitleja, "Rock and Rolli kuningas".
Prokofjev Sergei Sergejevitš(1891–1953) - Vene uuendusmeelne helilooja, üks 20. sajandi suurimaid heliloojaid.
Puccini Giacomo (1858-1924) - Itaalia helilooja, kes ühendas oma ooperites (Tosca, La Bohème jt) lüürika kangelaslikkuse ja traagikaga.
Ravel Maurice(1875–1937) – prantsuse helilooja ja pianist. Enamik kuulus teos- "Bolero".
Rahmaninov Sergei Vasilievitš(1873–1943) - vene helilooja, pianist ja dirigent. Klaverit mängis ta alates neljandast eluaastast. Ooperid, romansid, kontserdid jne ühendavad muusikas tormilised, kirglikud impulsid ja poeetilise mõtiskluse. Üks neist suurimad pianistid muusika ajaloos.
Rimski-Korsakov Nikolai Andrejevitš(1844–1908) - vene helilooja, õpetaja, dirigent, ühiskonnategelane, muusikakriitik; "Mighty Handful" liige, 15 ooperi, 3 sümfoonia autor, sümfoonilisi teoseid, instrumentaalkontserdid, kantaadid, kammer-instrumentaal-, vokaal- ja vaimulik muusika.
Richter Svjatoslav Teofilovitš(1915–1997) - Nõukogude pianist, silmapaistev interpreet.
Rossini Gioacchino(1792–1868) - itaalia helilooja. Tema loomingu tipp oli ooper “Sevilla habemeajaja”. Ta lõi ka arvukalt vokaal- ja klaveriminiatuure.
Rostropovitš Mstislav Leopoldovitš(1927–2007) - silmapaistev tšellist, dirigent ja ühiskonnategelane.
Rota Nino(1911–1979) - Itaalia helilooja, paljude Federico Fellini filmide ja Francis Ford Coppola filmi "Ristiisa" muusika autor.
Sviridov Georgi (Juri) Vassiljevitš(1915–1998) - vene Nõukogude helilooja ja pianist. Muusika autor A. S. Puškini, S. A. Yesenini jt teostele, vaimulikule muusikale.
Saint-Saens Charles Camille(1835–1921) – prantsuse helilooja, pianist, dirigent, muusikakriitik ja ühiskonnategelane. Arvukate eri muusikažanrite teoste autor, millest tuntuimad on ooper “Samson ja Delila”, III sümfoonia (oreliga), sümfooniline poeem “Surmatants”, 3. kontsert ning “Sissejuhatus ja Rondo Capriccioso” (1863) viiulile ja orkestrile.
Sibelius jaan(1865–1957) - Soome helilooja, rahvusliku soome romantilise stiili rajaja. Oma loomingus kasutas ta soome folkloori rütmilisi ja harmoonilisi jooni.
Sinatra Francis Albert(1915–1998) - Ameerika laulja, üks populaarsemaid Ameerika popmuusika ajaloos.
Skrjabin Aleksander Nikolajevitš(1872–1915) - vene helilooja ja pianist. Skrjabini müstiline filosoofia peegeldus tema omas muusikaline keel, eriti uuenduslikes harmooniates, mis väljuvad kaugelt traditsioonilise tonaalsuse piiridest. Tema sümfoonilise “Tulepoeemi” (“Prometheus”) partituur sisaldab valgusklaviatuuri: erinevat värvi prožektorite kiired peaksid ekraanil muutuma sünkroonselt teemade, klahvide ja akordide muutumisega.
Smetana Bedřich(1824–1884) - Tšehhi helilooja, dirigent, pianist, ooperite “Vahetatud pruut”, “Libushe” (Zelenogorski käsikirja ja ehtsate Tšehhi legendide põhjal), sümfooniliste poeemide tsükli “Minu riik” autor (teine üks on eriti kuulus - "Vltava").
Spivakov Vladimir Teodorovitš(s. 1944) – vene viiuldaja, dirigent. Alates 1979. aastast on ta olnud Moskva Virtuooside orkestri direktor, mis võitis kiiresti avalikkuse tunnustuse ja armastuse. Paljude rahvusvaheliste konkursside laureaat.
Stravinski Igor Fedorovitš(1882–1971) - Vene ja hilisem Ameerika helilooja ja dirigent. Stravinski ballette (Kevadriitus jm.) demonstreeris S. P. Djagilev edukalt Vene aastaaegadel Pariisis. Ta pöördus iidsete ja piibliteemade poole.
Utesov Leonid Osipovitš(1895–1982) - Vene ja Nõukogude popkunstnik, laulja ja filminäitleja, Rahvakunstnik NSVL. Nõukogude jazzi ja vene šansooni üks rajajaid.
Fitzgerald Ella Jane(1917–1996) - Ameerika jazzlaulja, kes on tunnustatud kui üks suurimaid vokaliste džässiajaloos.
Hatšaturjan Aram Iljitš(1903–1978) - Armeenia helilooja, dirigent, õpetaja. Tema looming ühendas ainulaadselt maailma ja rahvusliku muusikakunsti traditsioonid (balletid “Gayane”, “Spartacus” jne).
Tšaikovski Pjotr Iljitš(1840–1893) - vene helilooja, üks parimaid meloodiste, dirigent, õpetaja, muusika- ja ühiskonnategelane.
Šaljapin Fjodor Ivanovitš(1873–1938) - suurepärane vene ooperilaulja, bass, üks kuulsamaid lauljaid maailmas.
Schnittke Alfred Garrievitš(1934–1998) - vene helilooja, pianist, muusikateoreetik ja õpetaja (vene ja nõukogude heliloojaid käsitlevate artiklite autor), üks olulisemaid muusikalised kujundid 20. sajandi lõpp
Chopin Frederic(1810–1849) - Poola helilooja (etüüdid, nokturnid, valsid, poloneesid, klaverikontserdid jne), virtuoosne pianist. Paljude klaveriteoste autor.
Šostakovitš Dmitri Dmitrijevitš(1906–1975) - Vene Nõukogude helilooja, pianist, õpetaja ja ühiskonnategelane, üks 20. sajandi märkimisväärsemaid heliloojaid, kes on andnud oma panuse ja jätkab loominguline mõju heliloojate kohta.
Strauss Johann(1825–1899) - Austria helilooja, Viini valsi ja Viini opereti “Valsikuningas” suurim meister. Ta lõi tohutul hulgal teoseid: 168 valsi, 117 polkat, 73 kadrilli, 43 marssi, 31 mazurkat, 16 operetti, koomilist ooperit ja balletti.
Strauss Richard(1864–1949) - saksa helilooja ja dirigent, paljude sümfooniliste poeemide ja ooperite autor.
Schubert Franz(1797–1828) - Austria helilooja. Valsid, fantaasiad, eksprompt, sümfooniad jne. Loonud üle 600 laulu. Esiteks peamine esindaja muusikaline romantism, üks suurimaid meloodiaid.
Schumann Robert(1810–1856) – saksa helilooja, romantik. Tema looming kasvatas kõrget muusikakultuuri, ilu ja inimlike tunnete tugevust (sümfooniad, oratoorium “Paradiis ja Peri” jne).
Raamatust Pettus Venemaal autor Romanov Sergei AleksandrovitšMuusikud No kui keegi on kunagi mõnda pilli mängima õppinud, siis on kõik kaardid käes. Kinkijad ei andesta täiskasvanud küsiva muusiku häkkimist. Kuid laps, kes mängib lapse suupillil, trompetil või kitarril valet nooti, saab tasu
Raamatust Muse and Grace. Aforismid autor Dušenko Konstantin VassiljevitšMUUSIKUD Muusikud tahavad, et me oleksime tummad just siis, kui me kõige rohkem tahame olla kurdid Oscar Wilde (1854–1900), inglise kirjanik* * *Te küsite, kuidas see virtuoos mängis? Tema näidendis oli midagi inimlikku: ta eksis Stanisław Jerzy Lec (1909–1966), poola luuletaja ja
Raamatust Big Nõukogude entsüklopeedia(BA). TSBBach (saksa muusikud, J. S. Bachi pojad) Bach (Bach), saksa muusikud, J. S. Bachi pojad. Wilhelm Friedemann B. (22.11.1710, Weimar, - 01.07.1784, Berliin), helilooja ja organist. J. S. Bachi vanim poeg. Kõigist poegadest iseloomult talle kõige lähedasem
Raamatust Kuulsad tapjad, kuulsad ohvrid autor Mazurin OlegOleg Mazurin KUULUSED MAPJAD, KUULSAID OHVRID Kaks mõrvarit jahivad ümber sissepääsu ja ootavad klienti. Üks neist on silmanähtavalt mures. Teine, vaadates, kui närviline on tema partner, küsib temalt muigega: "Mis sa oled, vennas, kas sa oled mures?" - Jah, klient võttis kaua aega
Raamatust Uusim raamat faktid. 2. köide [Mütoloogia. Religioon] autor Kondrašov Anatoli Pavlovitš Raamatust Ristsõna juhend autor Kolosova SvetlanaSuured klassikalised muusikud ja heliloojad 3 Ars, Nikolai Andreevitš - 19. sajandi lõpu - 20. sajandi alguse vene helilooja, Johann Sebastian - 18. sajandi saksa helilooja 4 Bizet, Georges - prantsuse keel helilooja XIX sajand, pianist Liszt, Ferenc - 19. sajandi ungari helilooja,
Raamatust Entsüklopeediline sõnaraamat tiivulised sõnad ja väljendeid autor Serov Vadim VasilievitšPopulaarne välismaa muusikud ja 20. sajandi esinejad 2 Rea, Chris - iiri helilooja, laulja.3 Bush, Kate - inglise laulja, helilooja, Ronnie James - Ameerika laulja, Moore, Gary - iiri laulja. helilooja,
Raamatust 100 Kolmanda Reichi suurt saladust autor Vedenejev Vassili Vladimirovitš20. sajandi populaarsed vene muusikud ja esinejad 3 Mon, AlisaTsoi, Victor5 Apina, AlenaVarum, AnzhelikaGubin, AndreyLindaMetov, KaiSerov, AlexanderChaika, VictorShturm, Natalja6 Agutin, LeonidGlyzin, AlexeyDolina, LarisaKobzontieva, Ios
Raamatust Millal saab aplodeerida? Juhend klassikalise muusika austajatele autor Hope DanielJa teie, sõbrad, kuidas istud, / I. A. Krylovi (1769-1844) muinasjutust “Kvartett” (1769-1844) ei sobi. et see faabula on kirjutatud satiirilise vastusena riiginõukogu reformile, mis 1810. aastal keiser Aleksander I tahtel jagati.
Raamatust 100 suurt müstilist saladust autor Bernatski AnatoliÜkskõik, kuidas te maha istute, / te ei kõlba ikka muusikuks ja teie, sõbrad, ükskõik, kuidas te maha istute / muusikuks te ikka ei kõlba
Raamatust Riigid ja rahvad. Küsimused ja vastused autor Kukanova Yu.“Bremeni muusikud” 20. sajandi 30. aastate keskel, kui kuulus “vaikiv kolonel” Walter Nicolai asus Kolmanda Reichi sõjaväeluure juhi toolile, hakkas ta usinasti jaapanlastega kurameerima, püüdes sepistada. tugev "Berliin-Tokyo" telg. See telg
Raamatust Disasters of the Body [Tähtede mõju, kolju deformatsioon, hiiglased, kääbused, paksud mehed, karvased mehed, friigid...] autor Kudrjašov Viktor JevgenievitšNAISMUUSIKUD Naiste seisukohalt on kõige hullem olukord Viini Filharmooniaorkestris, mis kuni 1997. aastani oli ainult meesansambel, kuid allus lõpuks raske südamega avalikule arvamusele. Sellest ajast peale on naised seal kohal, aga ikka sees
Raamatust I Explore the World. Putukad autor Ljahov Peter Autori raamatustMillises riigis Bremeni muusikud elasid? Saksamaa kui riik ilmus maailmakaardile alles 19. sajandi keskpaigast. Kuni selle ajani eksisteeris selle territooriumil mitu väikest vürstiriiki, mille hulgas oli "vabu linnu". Sellest ajast peale on Baieri riigi kaardil püsinud,
Autori raamatustKäetumata muusikud Kuulsate käeta kunstnike seas oli neid, kes polnud muusikutena vähem tuntud. Nende hulgas on Jean de Ono Brüsselist, kes oli osav mandoliinimängija ja valdas suurepäraselt pintslit, hoides seda varvastes: Ja Gottfried Dietze, hea
Autori raamatustVäsimatud muusikud – rohutirtsud Kes poleks rohutirtsudega tuttav! Neid võib leida kõikjal: metsas, põllul või heinamaalt. Neid teatakse kui väsimatuid muusikuid, kes oma rõõmsa säutsuga terve suve loodust elavdavad, ja ka suurepäraste hüppajatena. Rohutirtsud on võimelised hüppama
“Kindlaim ja kõrgeim abinõu
teenimine suurepärastele heliloojatele
seisneb nende täielikus viimises
kunstniku siirus"
(Alfred Cortot).
Teatud noodisüsteemis salvestatud muusikateose ilmumisest alates on loomingulised suhted muusika peamiste kandjate – heliloojate ja esitajate – vahel olnud pidevas muutumises. Selles kogukonnas võitlevad kaks tendentsi – sulandumise soov eneseväljenduse sooviga. Alates 19. sajandi keskpaigast on vene pianismist saanud üks edumeelsemaid rühmitusi maailmas. Venemaal mõistsid nad varem kui kusagil mujal autoriteksti hoolika uurimise vajadust koos loomingulise suhtumisega sellesse. 20. sajandi neli esimest kümnendit on autoriteksti suhtumise küsimuse kõige harmoonilisema lahendamise aeg; pianistid hakkasid palju sügavamalt mõistma teose olemust ja selle looja stiili. Nõukogude muusikud andsid Bahianit esitades maailmale väärilise panuse. M.V. Yudina kummardas Bachi kogu oma elu loominguline elu. Sellest annab tunnistust pianisti mängitud tema teoste arv (umbes kaheksakümmend), mis on tema põlvkonna artistide jaoks peaaegu ainulaadne. Bachi repertuaaris loobus ta paljudest ekspressiivsetest romantilistest vahenditest, sealhulgas konkreetselt klaveritest; seda iseloomustas romantikute tõlgendustega võrreldes ajaloolisem Bachi lugemine. Yudina oli üks esimesi, kes taipas, et Bachi looming ja kaasaegne klaver kuuluvad erinevad ajastud kui elav kunstiline reaalsus, mis seab tõlgendaja raskustesse. Yudina stiili uuenduslikke jooni saab hinnata tema kromaatilise fantaasia ja fuuga esituse järgi, mida eristavad lineaarsed figuratsioonid, askeetlik koloriit ja energiline klavessiinilaadne artikulatsiooni tükeldamine. Tähelepanu väärivad nii vanas klahvpilli vaimus, orelihõnguline “registreerimine”, kui ka aeglane, “suveräänne” tempo ja range agoogia. Pianisti stiiliiha ei muutunud kunagi muuseumilikuks "kuivaks" esituseks. Yudina tõlgendustes hakkas Bachi teoste juurde tagasi jõudma oskus väljendada pikaajalist süvenemist ühte emotsionaalsesse seisundisse, mis oli kadunud romantilistesse lugemistesse: klahvpilli-oreli registreerimise põhimõtete taaselustamine; diminuendo kadumine lõputaktides; fuugade helitugevuse järkjärgulise suurendamise traditsiooni tagasilükkamine algusest lõpuni, impulsiivse rubato puudumine. Märkimist väärib Yudina esinemisotsuste juures veel üks “klaverim” – artikulatsiooni tähtsuse tõus.
Nõukogude muusikute seas sai Svjatoslav Teofilovich Richterist pianismi ajaloo postromantilise etapi klassik, kunstnik, kelle loomingusse koondati uue esinemisajastu juhtivad suundumused. Ta lõi tõlgendusi, ilma milleta pole Bachi muusika esituslugu mõeldav. Lõhkudes otsustavalt selle helilooja loomingu romantiseeriva tõlgenduse tendentsid, kriipsutas Richter oma saadetest maha transkriptsioonid. Richteri Bachi diskograafias peamist kohta hõivavates HTC prelüüdides ja fuugades vastandab ta romantilise vabaduse ja tõlgenduste subjektiivsuse maksimaalse objektiivsuse ihale ning justkui “läheb varju”, soovides lasta “ muusika ise” heli. Need tõlgendused on läbi imbunud ettevaatlikust, puhtast suhtumisest autorisse. Enese neeldumine domineerib siin täielikult tunnete väliste ilmingute üle; emotsionaalne intensiivsus on märgatav ainult tohutus intellektuaalses pinges. Tema ainulaadne oskus peegeldub tema nähtamatuses, pianistlike vahendite lakoonilisuses ja askeesis. Richteris kuuleme oreli-, vokaali-, orkestri-, orkestri-koori- ja klavessiiniheli ning kellaheli võimalikkust. «Olen veendunud, et Bachi saab hästi mängida erineval viisil, erineva liigenduse ja erineva dünaamikaga. Kuni säilib tervik, kuni ei moonutata stiili rangeid piirjooni, kuni teostus on piisavalt veenev” (S.T. Richter).
Richterile on omane sügav ja kõikehõlmav, tõeliselt kunstiline lähenemine HTC tsüklile. Richteri esitust kuulates pole temas raske tuvastada kahte põhilist tendentsi, mis vahel ka omavahel võitlevad. Ühest küljest näib tema esitus olevat Bachi-aegse klaverikunsti eripärade poolt ette määratud piirides. Teisest küljest käsitleb see alati nähtusi, mis väljuvad nendest piiridest. „Selles on justkui kokku joodetud Bachi klavessiini, klavikordi ja oreli sümpaatia ning tema säravad tulevikunägemused” (Ja. Milshtein). See ühendab ekspressiivsed, konstruktiivsed ja lineaarsed elemendid üheks tervikuks. Seetõttu toob Richter teistes prelüüdides ja fuugades esiplaanile intellektuaalse, konstruktiiv-polüfoonilise printsiibi ja seob sellega nende kujundliku struktuuri; teistes rõhutab see Bachi muusika filosoofilist sügavust ja sellega seotud kõigi väljendusvahendite orgaanilist tasakaalu. Mõnikord köidab teda sujuvalt voolavate meloodialiinide väljendus (koherentne legato-artikulatsioon), mõnikord vastupidi, rütmi teravus ja selgus, artikulatsiooni tükeldamine. Kohati püüdleb ta romantilise mängupehmuse ja plastilisuse poole, kohati teravalt rõhutatud dünaamiliste kontrastide poole. Aga teda ei iseloomusta muidugi “tundlikud” fraaside ümardamised, väikesed dünaamilised nüansid ega põhjendamatud kõrvalekalded põhitempost. Äärmiselt võõras on ka Bachi üliekspressiivne, impulsiivne tõlgendus, asümmeetrilised aktsendid, üksikute nootide ja motiivide terav rõhutamine, äkiline “spasmiline” tempokiirendus jne. Tema HTC teostus on ühtlane, suure plaaniga, orgaaniline ja sujuv. "Tema suurim õnn on lahustuda valitud helilooja tahtes" (Ja. Milshtein).
Glen Gouldi tähelepanuväärsete, maailma vallutanud tõlgenduste peamiseks tõukejõuks on hämmastav intuitsioon, tema sees elavate muusikaliste emotsioonide vastupandamatu jõud. Gouldi Bach on 20. sajandi teise poole etenduskunsti suurim tipp. Gouldi pianismi klavessiinipalett, tema melismaatika ja palju muud annavad tunnistust intellektist ja sügavaimast tungimisest Bachi-aegsesse kultuuri. Gouldi tõlgendustest Bachi leiutistest, partiitadest, Goldbergi variatsioonidest ja muudest teostest kujunes kunstiline aare, mida meie kaasaegsed tajusid etenduskunsti meistriteostena, kõigist kuhjunud kihtidest puhastatud stiilistandardina. Kuid meistri loominguline dominant ei olnud kunagi Bachi jäljendamine. Ta kuuletub oma intuitsioonile, kuid ei kõhkle muutmast Bachi “valge” teksti otseandmeid. Gould esitab Bachi teoseid erineva kunstilise veendumusega. Kõiki HTC I köite fuugasid ei esitata Gouldi tavapärasel kunstilisel tasemel. Meistrimängus esineb sageli otseseid kõrvalekaldeid tekstist, selle rütmi- ja kõrgusvariatsioonidest.
Gouldi mäng hämmastab oma originaalse ja ülimalt väljendusrikka melismaatilise kvaliteediga. Nende asukoht on samuti originaalne – palju on lisatud, teisi ei teostata. Ilma nendeta oleksid kunstniku Bachi tõlgendused palju kaotanud. Kunstnik kasutab sageli teksti rütmilisi variatsioone. Aga kui meistri mängu eelmainitud jooned ei too teoste iseloomus ja tähenduses kaugeleulatuvaid muutusi, siis Gouldi muud transformatsioonid tungivad teoste olemusse. Kanada meistri tõlgendused hõlmavad rikkalikku kujundlikku spektrit. Ta mängib paljusid asju sügava lüürilisuse, Bachi jaoks ebatavalise rütmilise vabaduse ja lühikese fraseeringuga. Tema mäng hämmastab tema hääle täiuslikkuse ja esiletõstmisega. Kogu muusika kangas on "ühe pilguga" selge. Muusikat näib rikastavat kõigi häälte väljendusrikas intonatsioon.
Mängu meistrite joonemaaling on väga arenenud, mitmekesine ja viimistletud. Tema puudutused annavad Bachi meloodiate motiivilisele struktuurile kõige mitmekesisema ilme. Erilist huvi pakub ebatavaline samade meloodiate löökide varieerimise tehnika, sealhulgas fuugade, leiutiste ja muude teoste teemad, mis avab uusi esitusprobleeme. Õppimine orkestriteosed Bach, milles on teatud arv autoriliigasid – lööke, näitab sellise näite võimalikkust. mina ise suurepärane helilooja erinevaid lööke ja mitte nii harva. Kanada vabamõtleja lõi meie aja kõige mõjuvama Bachi. Ta on teistsugune Bach: mitte see, kes oli oma eluajal, ega see, kes muutudes erinevatele põlvkondadele paistis, vaid ta tundub Gouldi kaasaegsetele kõige ehtsama Bachina.
Instrumentaalmuusika vallas avas J. S. Bachi looming täiesti uue ajastu, mille viljakas mõju ulatub tänapäevani ega kuiva kunagi. Religioosse teksti luustunud dogmast ohjeldamata muusika on laias laastus orienteeritud tulevikule ja on vahetult lähedal tegelikule elule. See on tihedalt seotud ilmaliku kunsti ja muusika tegemise traditsioonide ja tehnikatega.
Bachi instrumentaalmuusika kõlamaailma iseloomustab selle ainulaadne originaalsus. Bachi teosed on meie teadvuses kindlalt kinnistunud ja muutunud lahutamatuks esteetiliseks vajaduseks, kuigi neid mängitakse tolleaegsetest pillidel.
Instrumentaalmuusika, eriti Köthen, pakkus Bachile "eksperimentaalset välja" tema tervikliku kompositsioonitehnika täiustamiseks ja lihvimiseks. Nendel teostel on püsiv kunstiline väärtus, mis on vajalik lüli Bachi üldises loomingulises arengus. Klavier sai Bachi jaoks igapäevaseks muusikaliseks eksperimenteerimiseks struktuuri, harmoonia ja vormiloome vallas ning laiemalt ühendas Bachi loomingu erinevaid žanrivaldkondi. Bach laiendas klaveri kujundlikku ja ekspressiivset sfääri ning arendas selle jaoks välja palju laiema, sünteetilise stiili, mis hõlmas oreli-, orkestri- ja vokaalkirjandusest – saksa, itaalia, prantsuse – õpitud väljendusvahendeid, tehnikaid ja temaatikat. Vaatamata kogu kujundliku sisu mitmekülgsusele, mis nõuab teistsugust esitusviisi, eristavad Bachi klaveristiili mõned ühised tunnused: energiline ja majesteetlik, sisu ja tasakaalustatud emotsionaalne struktuur, rikkus ja faktuuririkkus. Klahvpillimeloodia kontuur on ilmekalt meloodiline, nõudes kõlavat mängustiili. See põhimõte on suuresti seotud Bachi sõrmede ja käte asetusega. Stiili üheks iseloomulikuks jooneks on esitusrikkus harmooniliste figuratsioonidega. Selle tehnika abil püüdis helilooja "kõrvale pinnale tõsta" nende suurejooneliste harmooniate sügavaid kihte, mis tolleaegses klaveris sulanud faktuuris ei suutnud neis sisalduvaid värvi- ja väljendusrikkusi täielikult paljastada.
Bachi teosed ei pane mitte ainult hämmastama ja vastupandamatult köitma: nende mõju muutub tugevamaks, mida sagedamini neid kuuleme, seda rohkem me nendega tuttavaks saame. Tänu tohutule ideerikkusele avastame nendes alati midagi uut, mis tekitab imetlust. Bach ühendas esindusliku ja üleva stiili peeneima viimistlusega, äärmise hoolikusega kompositsioonilise terviku detailide valikul, sest ta oli veendunud, et „tervik ei saa olla täiuslik, kui selle terviku detailid ei ole piisavalt täpselt üksteisega „sobitatud”. ” (I. Forkel).