Oleks huvitav teada, kui palju on minu lugejaid, kes tahtsid proovida kirjutamist ja maalimisega tõsiselt tegeleda, kuid ei jätnud pooleli mitte aja- või kujutlusvõime puudumise tõttu, vaid laialt levinud stereotüübi tõttu, et maalikunstis saab edu saavutada ainult saavutatud pärast palju aastaid kunstiharidus?
Paljud inimesed usuvad, et iseõppinud kunstnikud saavad kirjutada ainult hobi korras, kuid nad ei saa loota edule, tunnustusele ja rikkusele.
Paljude inimestega suheldes kuulen seda arvamust kõige rohkem erinevad vormid. Tean isegi paljusid kunstnikke, kes kirjutavad kirglikult ja väga hästi, kuid peavad oma maale lihtsalt lõbusaks vaid seetõttu, et nad ise pole kunstiharidust saanud.
Millegipärast nad seda usuvad Kunstnik on elukutse, mida peavad kindlasti kinnitama diplom ja hinded. Ja kuigi teil pole diplomit, ei saa teist kunstnikku, head maalid te ei saa kirjutada ja isegi kui kirjutate teose "enese jaoks", on keelatud isegi mõelda selle müümisele või avalikkusele eksponeerimisele.
Väidetavalt tunnistavad eksperdid iseõppinud kunstnike maalid kohe ebaprofessionaalseteks ning tekitavad vaid kriitikat ja naeruvääristamist.
Võin julgelt öelda, et see kõik on jama! Mitte sellepärast, et ma olen ainuke, kes nii arvab. Aga sellepärast, et ajalugu tunneb kümneid edukaid iseõppinud kunstnikke, kelle maalid on võtnud maaliajaloos oma väärilise koha!
Pealegi õnnestus mõnel neist kunstnikest oma elu jooksul kuulsaks saada ja nende looming mõjutas kogu maailma maalimine. Pealegi on nende seas nii möödunud sajandite kunstnikke kui ka kaasaegseid iseõppinud kunstnikke.
Näitena räägin teile ainult mõnest neist autodidaktidest.
1. Paul Gauguin / Eugène Henri Paul Gauguin
Võib-olla üks suurimaid iseõppinud kunstnikke. Tema tee maalimaailma sai alguse sellest, et ta maaklerina töötades ja head raha teenides hakkas omandama kaasaegsete kunstnike maale.
See hobi paelus teda, ta õppis maalimisest hästi aru ja hakkas mingil hetkel ka ise maalima proovima. Kunst paelus teda sedavõrd, et ta hakkas üha vähem aega pühendama tööle ja üha rohkem kirjutamisele.
Maali “Naine õmbles” maalis Gauguin, kui ta oli börsimaakler.
Mingil hetkel Gauguin otsustab pühenduda täielikult loovusele, jätab pere maha ja läheb Prantsusmaale mõttekaaslastega suhtlema ja tööd tegema. Siin hakkas ta maalima tõeliselt märkimisväärseid lõuendeid, kuid siit said alguse ka tema rahalised probleemid.
Suhtlemine kunstieliidiga ja koostöö teiste kunstnikega sai tema ainsaks kooliks.
Lõpuks otsustab Gauguin tsivilisatsioonist täielikult murda ja sulanduda loodusega, et luua paradiislikes tingimustes, nagu ta uskus. Selleks sõidab ta Vaikse ookeani saartele, algul Tahitile, seejärel Marquesase saartele.
Siin pettub ta “troopilise paradiisi” lihtsuses ja metsikuses, läheb järk-järgult hulluks ja... maalib oma parimad maalid.
Paul Gauguini maalid
Paraku tuli Gauguinile tunnustus pärast tema surma. Kolm aastat pärast tema surma, 1906. aastal, korraldati Pariisis tema maalide näitus, mis müüdi täielikult välja ja sai hiljem üheks enim kallid kollektsioonid rahu. Tema töö "Millal on pulmad?" kuulus maailma kalleimate maalide edetabelisse.
2. Jack Vettriano (teise nimega Jack Hoggan)
Selle meistri lugu on mõnes mõttes eelmise vastand. Kui Gauguin suri vaesuses, maalides oma maalid äratundmatuse ikke all, siis Hoggan suutis oma elu jooksul teenida miljoneid ja muutuda kunstide patrooniks ainult oma maalide kaudu.
Samal ajal hakkas ta kirjutama 21-aastaselt, kui sõber kinkis talle komplekti akvarellvärvid. Uus äri võlus teda nii väga, et ta hakkas püüdma teoseid kopeerida kuulsad meistrid muuseumides. Ja siis hakkas ta oma teemade põhjal pilte maalima.
Selle tulemusena müüdi tema esimesel näitusel kõik maalid välja ja hiljem sai tema teosest "Laulev ülemteener" kunstimaailmas sensatsioon: see osteti 1,3 miljoni dollari eest Hollywoodi staarid ja vene oligarhid, kuigi enamus kunstikriitikud Nad peavad neid täiesti halva maitsega.
Jack Vettriano maal
Suured sissetulekud võimaldavad Jackil maksta stipendiume madala sissetulekuga andekatele õpilastele ja tegeleda heategevusega. Ja seda kõike – ilma akadeemilise hariduseta- 16-aastaselt asus noor Hoggan tööle kaevurina, pärast seda ei õppinud ta ametlikult kusagil.
3. Henri Rousseau / Henri Julien Félix Rousseau
Üks kõige enam kuulsad esindajad primitivism maalikunstis, Rousseau sündis torumehe perre, pärast kooli lõpetamist teenis sõjaväes, seejärel töötas tollis.
Sel ajal hakkas ta maalima ja just hariduse puudumine võimaldas tal kujundada oma tehnika, milles värvide rikkus, eredad teemad ja lõuendi rikkus on ühendatud pildi enda lihtsuse ja primitiivsusega. .
Henri Rousseau maalid
Isegi kunstniku eluajal hindasid tema maale kõrgelt Guillaume Appoliner ja Gertrude Stein.
4. Maurice Utrillo / Maurice Utrillo
Teine prantsuse autodidakt kunstnik, ilma kunstihariduseta õnnestus temast saada maailmakuulus kuulsus. Tema ema oli kunstitöökodades modell, samuti õpetas ta talle maalimise põhitõdesid.
Hiljem koosnes kõik tema õppetunnid jälgimisest, kuidas suured kunstnikud Montmartre’is maalisid. Pikka aega ei tunnustanud tema maalid tõsised kriitikud ja ta jäi ellu vaid oma teoste aeg-ajalt laiemale avalikkusele müümisega.
Maurice Utrillo maal
Kuid 30-aastaselt hakati tema loomingut tähele panema, neljakümneaastaselt sai ta kuulsaks ja 42-aastaselt saab Prantsusmaa kunstipanuse eest Auleegioni. Pärast seda lõi ta veel 26 aastat ega muretsenud sugugi kunstihariduse diplomi puudumise pärast.
5. Maurice de Vlaminck
Iseõppinud prantsuse kunstnik, kelle kogu formaalne haridus on lõpetatud aastal muusikakool- tema vanemad tahtsid teda tšellistina näha. Teismeeas hakkas ta maalima, 17-aastaselt alustas eneseharimist oma sõbra Henri Rigaloni juures ja 30-aastaselt müüs ta oma esimesed maalid.
Maurice de Vlamincki maal
Kuni selle ajani suutis ta end ja oma naist toetada tšellotundide ja esinemistega muusikalised kollektiivid erinevates restoranides. Kuulsuse tulekuga pühendus ta täielikult maalimisele ja oma Fovisti stiilis maalid mõjutasid tulevikus tõsiselt 20. sajandi impressionistide loomingut.
6. Aimo Katainen /Sihto Katajainen
soome keel kaasaegne kunstnik, kelle teosed kuuluvad žanri " naiivne kunst" Maalidel on palju ultramariinsinist, mis omakorda on väga rahustav... Maalide teemad on rahulikud ja rahulikud.
Aimo Kataäineni maalid
Enne kunstnikuks saamist õppis ta rahandust, töötas alkohoolikute taastusravi kliinikus, kuid maalis kogu selle aja hobi korras, kuni tema maalid hakkasid müüma ja sisse tooma. hea sissetulek, eluks piisav.
7. Ivan Generalić / Ivan Generalić
Horvaatia primitivistlik kunstnik, kes tegi oma nime maalidega maaelu. Kuulsaks sai ta juhuslikult, kui üks Zagrebi Akadeemia üliõpilastest märkas tema maale ja kutsus ta näitust korraldama.
Ivan Generalichi maal
Pärast isikunäitusi Sofias, Pariisis, Baden-Badenis, Sao Paulos ja Brüsselis sai temast üks tuntumaid Horvaatia primitivismi esindajaid.
8. Anna Moses / Anna Mary Robertson Mooses(teise nimega vanaema Moses)
Kuulus Ameerika kunstnik, kes alustas maalimist 67-aastaselt pärast abikaasa surma, põdes juba artriiti. Tal polnud kunstiharidust, kuid New Yorgi kollektsionäär märkas tema maali kogemata tema maja aknal.
Anna Moosese maal
Ta tegi ettepaneku korraldada tema töödest näitus. Vanaema Moosese maalid said kiiresti nii populaarseks, et tema näitusi korraldati paljudes Euroopa riigid, ja seejärel Jaapanis. 89-aastaselt sai vanaema USA presidendilt Harry Trumanilt auhinna. Tähelepanuväärne on, et kunstnik elas 101 aastat!
9. Jekaterina Medvedeva
Venemaa kaasaegse naivismi kuulsaim esindaja, Ekaterina Medvedeva ei saanud kunstiharidust, kuid hakkas kirjutama, kui töötas osalise tööajaga postkontoris. Täna pääses ta 10 000 parima edetabelisse maailma kunstnikud alates 18. sajandist.
Ekaterina Medvedeva maal
10. Kieron Williams / Kieron Williamson
Inglise imelaps autodidakt, kes hakkas 5-aastaselt maalima impressionistlikus stiilis ja kell 8 pani ta oma maalid esimest korda oksjonile. 13-aastaselt müüs ta poole tunniga oksjonil 33 oma maali 235 tuhande dollari eest ja täna (ta on juba 18-aastane) on ta dollarimiljonär.
Kieron Williamsi maalid
Kieron maalib 6 maali nädalas ja tema töödele on alati järjekord. Tal pole lihtsalt aega hariduseks.
11. Paul Ledent / Pol Ledent
Belgia kunstnik on iseõppinud ja loominguline. Sai ära võetud kaunid kunstid vanusele lähemale 40 aastat. Piltide järgi otsustades katsetab ta palju. Õppisin maalimist iseseisvalt...ja rakendasin teadmisi kohe ka praktikas.
Kuigi Paul võttis paar maalitundi, õppis ta suurema osa oma hobist ise. Osalenud näitustel, maalinud eritellimusel maale.
Paul Ledent maalid
Minu tähelepanekute kohaselt loovalt mõtlevad inimesed kirjutavad huvitavalt ja vabalt, kelle pead ei täida akadeemiline kunstiteadmised. Ja muide, kunstinišis saavutavad edu mitte vähem kui professionaalsed kunstnikud. Lihtsalt sellised inimesed ei karda tavalisi asju veidi laiemalt vaadata.
12. Jorge Maciel / JORGE MACIEL
Brasiilia autodidakt, kaasaegne andekas iseõppinud kunstnik. Ta toodab imelisi lilli ja värvilisi natüürmorte.
Jorge Macieli maalid
Seda iseõppinud kunstnike nimekirja võib jätkata väga kaua. Võib öelda, et Van Gogh, üks maailma mõjukamaid kunstnikke, ei saanud ametlikku haridust, õppis juhuslikult erinevate meistrite juures ega õppinud kunagi maalima inimfiguuri (mis, muide, kujundas tema stiili).
Võite meenutada Philip Malyavinit, Niko Pirosmanit, Bill Traylorit ja paljusid teisi nimesid: palju kuulsad kunstnikud olid iseõppijad ehk siis õppisid omal käel!
Kõik need on kinnitus tõsiasjale, et maalimisel õnnestub eriline kunstiharidus Ei ole vaja omada.
Jah, temaga on lihtsam, kuid võite saada hea kunstnik ja ilma selleta. Keegi pole ju eneseharimist ära jätnud... Täpselt nagu ilma andeta - sellest oleme juba rääkinud.. Peaasi, et oleks palav soov ise õppida ja praktikas maalikunsti kõiki helgeid külgi avastada .
Kas kõik maalid on raamitud?
Piet Mondrian. Koostis kollase, punase, sinise, musta ja halliga. 1920. aasta
1 2-stGeorges Seurat. Pühapäeva pärastlõunal La Grande Jatte järvel. 1884
2 2-stTsitaat raamatust
«Tavaliselt pannakse maalid eksponeerimiseks raamidesse. Raamid juhivad maalile tähelepanu ja kaitsevad selle servi. Mõned raamid on ehitud, eriti antiiktööd, mis kunagi mõisates rippusid. Teised raamid on väga lihtsad, need ei tõmba tähelepanu kunstile. Raamide eesmärk on täiendada sees olevaid maale, näidata neid nende parimast küljest.
Piet Mondrian uskus, et raamid on nagu seinad. Mõnikord tundub, et nad seisavad publiku ja kunsti vahel, tekitades justkui takistuse, eraldades maalikunsti muust maailmast. Mondrian soovis, et kõik naudiksid tema tööd ja et keegi ei tunneks end sellest eraldatuna. Ta kirjutas lõuendi servadele. Ja mõnikord isegi külgedelt.
Ta lõhkus need seinad maha!
Georges Seuratile ei meeldinud, et raamid tekitavad maali servadele varje. Ja raami joonistas ta ise. See koosneb tuhandetest pisikestest täppidest enam kui 25 erinevas värvitoonis.
Kas teadsite, et teleriekraanil olev pilt koosneb punktidest, mida nimetatakse piksliteks? See maal on maalitud rohkem kui 50 aastat enne värvitelevisiooni leiutamist!
Kommenteeri
Terve peatüki raamidele pühendamine võib tunduda naeruväärne, veel vähem sellega raamatut praktiliselt alustada. Kuid sellel on põhjused. Esiteks, me ei vaata kunagi pilti tühjuses. Valgus, kõrgus, millel see asub, naabertööd, annotatsioonid - kõik see loob selle ümber ruumi. Kaasaegsest skulptuurist rääkides räägitakse kindlasti seda ümbritsevast “poeetilisest ruumist”: mõne abstraktse skulptuuri tähendus sünnib alles siis, kui vaataja seda vaatab. Teiseks, tõepoolest, raamist saab sageli maali enda süžee – nagu on tõestatud ülaltoodud naljakates näidetes. Lõpuks on raam oluline lüli küsimuste ja vastuste ahelas, mis aitab teost paremini mõista. Kui olete aru saanud, kes on autor ja kas ta mõjutas kunstiajalugu, võite heita kiire pilgu raamile. Muide, 1990. aastal oli New York Metropolitanil omamoodi näitus tagurpidi: muuseumis eksponeeriti palju tühje raame, et juhtida tähelepanu sageli tähelepanuta jäetud reaalsusele.
Miks on kõik tasane?
Nebamon jahib soodes. Nebamoni haud, ca. 1350 eKr e.
1 2-stJean Metzinger. Laud akna ääres. 1917. aastal
2 2-stTsitaat raamatust
“Kõik kunstiobjektid ei näe välja kolmemõõtmelised.
Kahemõõtmelised ehk 2D-kujutised on lamedad, nagu see leht. Kolmemõõtmeline ehk 3D - omab kõrgust, laiust ja sügavust nagu pall.
IN erinevad ajad kunst oli kas sama tasane kui pind, millele kunstnikud maalisid, või kolmemõõtmeline, nagu päris asjad.
palju iidne kunst, nagu Egiptuse seinamaalingud, näevad tasased välja. See näeb välja rohkem nagu diagrammid ja on täiesti erinev elust.
Isegi iidsetel aegadel teadsid kunstnikud, kuidas helitugevust edasi anda, ja maalisid meelega tasaseid pilte.
IN Vana-Egiptus aadlikud inimesed maeti maalitud hauakambritesse koos nende aaretega. Haua seinu kaunistasid joonistused, mis polnud mõeldud elavatele. Nad näitasid jumalatele, mida inimesed oma elu jooksul tegid.
Pilt näib olevat lame, et see jumalatele selgem oleks.
<…>Mis on laual? Kas sa näed lillevaasi, klaasi, mängukaart ja aken selle kõrval?
Jean Metzinger ei järgi perspektiiviseadusi, kuid soovib siiski näidata, et maalil olevad objektid on kolmemõõtmelised. Seetõttu kujutab ta neid üheaegselt erinevate nurkade alt. Seda tehnikat nimetatakse kubismiks."
Kommenteeri
See punkt peegeldab üldist skeptitsismi, et kunstnikud on unustanud, kuidas kolmemõõtmelist reaalsust usaldusväärselt kujutada - jämedalt öeldes "see näeb välja nagu joonistamine". Alasti inimeste autor Susie Hodge kutsub appi iidseid meistreid, abstraktseid kunstnikke ja kubiste. Nende kokku kogumine markeri “tasane” alla on üsna naljakas - kubistid loovad oma maalil vähemalt kolm tasapinda ja mõnikord isegi kujutavad sama objekti erinevatel ajahetkedel, nii et nende tööd ei saa nimetada tasaseks. Sellele lapsikule küsimusele pole aga selget vastust ja iga kord tuleb mõelda, miks kunstnik otsustas kõik tasaseks teha. Hodge unustab kultuurilise eripära: perspektiiv on Euroopa leiutis ja paljude riikide kunstis võib seda põhimõtteliselt mitte leida. Põhjendus, et tasane pilt muutub dekoratiivsemaks ja abstraktsemaks, on üsna mõistlik - nagu ka "lame" ja "iidse" seos. Kuid samas väldib Hodge millegipärast väga lihtsat ja ilmselget järeldust: eemaldades pildilt mõned detailid, keskendub autor teistele. Jämedalt öeldes saab kunstnik pilti lihtsustades (ja lamedamaks) muuta selle väljendusrikkamaks ja paljudel juhtudel on lihtsustamise abil tal lihtsam seda väljendusrikkust kontrollida.
Miks on kunstis nii palju alasti inimesi?
Sandro Botticelli. Veenuse sünd. 1486
1 2-stYves Klein. Antropomeetria ilma nimeta. 1960. aasta
2 2-stTsitaat raamatust
«Maalis, skulptuuris ja fotograafias on alasti inimesed väga levinud.
See kõik pärineb vanadelt kreeklastelt, kes uskusid, et alasti keha on ilus ja väärt uurimist. Ka tänapäeval õpivad kunstnikud joonistama alasti inimesi kehakuju paremaks mõistmiseks. Seda nimetatakse elust joonistamiseks.
Alasti Veenus, Rooma armastuse ja ilu jumalanna, hõljub kesta kestas seistes. Vastavalt iidne legend, Veenus sündis täiskasvanuna ja kolis üle mere. Botticelli maalis oma maali palju aastaid pärast selle legendi tekkimist.
Kunstis tähistab alastus sageli uus elu. Botticelli ajal katsid naised oma keha hoolikalt. Kuid Veenus on alasti, sest ta on jumalanna, mitte tavaline naine!
Paljud kunstnikud usuvad, et naise keha on ilusam kui mehe keha, mistõttu on alasti naised kunstis rohkem levinud kui alasti mehed.
1960. aastal tuli Yves Klein välja uus viis kujutavad naiste kehasid. Ta kattis alasti naised sinise värviga ja asetas nad põrandale hiiglaslikule lõuendile. Need olid "elusad pintslid".
Kommenteeri
Raamatu kõige intrigeerivam peatükk on pealkirjas – mis on üldiselt üsna arusaadav. Kuid ka siin ei leia me küsimusele selget vastust - pakutud võimaluste hulgast on korraga kogutud mitu: keha plastilisuse ja selle ilu uurimine, elu sümbol ja löök näkku avalik arvamus. Siin pole aga mingit müsteeriumi: vähesed asjad maailmas tekitavad inimeses nii tugeva reaktsiooni – huvi ja kohmetust, häbi ja iha, imetlust või, vastupidi, jälestust – nagu alastus. Alasti inimkeha kunstis – ja, poolt erinevatel põhjustel, just naiselik on elu ja surma võimsaim sümbol. Selles mõttes on alasti keha kunstniku tööriist, mida ta saab kas maalil kujutada või elus näidata. Viimasel juhul räägime jõudlusest. Alasti esinemine on põnevam, mõnikord habras, mõnikord ebameeldiv. Lisaks on alasti keha ka kohustuslik siiruse sümbol, mida Lucian Freudile meeldis kasutada, näidates inimese abitust. Samal ajal on alasti keha Euroopa traditsioonis nii tihedalt seotud ilu ideega, et liiga ebameeldiva keha demonstreerimine, nagu Freud armastas, ei ole vähem šokeeriv ja paneb mõtlema vananemise ja tuhmumise üle. . Argumendiga alasti naiste ülekaalu üle meeste üle pole samuti kõik nii lihtne: näiteks Tsaari-Venemaal oli võimalik joonistada ainult alasti meessoost olemust ja naiskunstnikud traditsiooniliselt läks Itaaliasse.
Kas peate teadma maalide süžeed?
John Everett Millais. Ophelia. 1851–1852
1 2-stCornelia Parker. Külm tumeaine: häirete jälgimine. 1991. aasta
2 2-stTsitaat raamatust
“Lugusid räägitakse kõigis kunstiliikides – maalist ja skulptuurist kuni kinoni.
Kunstiteos on aken teise inimese kujutlusvõimesse. Me näeme fakte ja lugusid läbi kellegi teise silmade.
Umbes 160 aastat tagasi oli liikumine nimega Prerafaeliitide vennaskond. Selle liikumise kunstnikud maalisid sageli ajaloost ammutatud teemasid. Nende maale nimetati mõnikord "raamitud romaanideks". Millais oli prerafaeliit.
<…>Kaunis Ophelia uppus ennast ja kunstnik kujutab ette, kuidas see juhtuda võis. Pildi huvitavamaks muutmiseks kaunistab ta selle arvukate sümbolitega. Näiteks punased moonid ja sinised unustajad tähistavad mälestust või surnute mäletamist.
See on tuntud teema ja inimesed kogunesid Londoni Kuninglikku Akadeemiasse, kus maali esmakordselt eksponeeriti 1852. aastal.
Selle kunstiteose taga on lugu. Cornelia Parker tahtis luua meeleolu, atmosfääri, panna meid mõtlema oma elu ja selle üle, mida me endast maha jätame.
Aiakurist me eriti ei mõtle. Hoidame sinna mittevajalikke asju, mille unustame kiiresti. Parker otsustas selle õhku lasta!
Seejärel kogus ta kokku söestunud puidu- ja metallitükke ning riputas need õngenööriga lakke. Ta asetas keskele lambi, et heita seintele kurjakuulutavaid varje.
Kommenteeri
Selles peatükis teeb autor kavala käigu ja püüab pildi tekkelugu samastada selle süžeega. Miks see vajalik on? 20. sajandil muutus kunst suures osas süžeevabaks ja kui varem oli kunstist võimatu aru saada ilma ajalugu mõistmata (näiteks lugeda klassikalisi ikoonimaali süžeesid – ja tänu sellele mõista, kas kunstnik tegi või ei teinud revolutsiooni konkreetses teoses), nüüd on nad omandanud palju suurema tähtsuse kunstniku ajalugu ja konkreetse maali loomise ajalugu. Autori eluloo jälgimine on muutunud sama põnevaks kui pikkade teleseriaalide hooaegade vaatamine: ta kolis Euroopasse, hakkas rohkem migrantidest hoolima, kuid seetõttu muutus ta ühtäkki vähem huvitavaks või näiteks Cai Guoqiangiks – ta õppis ümber suurte tehnoloogiliste ilutulestike meister ja kaotas kõik, mis tal kontseptuaalne võlu oli. Kuid Richard Long: kogu oma elu tallas radu kõikjal maailmas, ei reetnud oma ideid, mille jaoks ta kanti kõigisse maakunsti õpikutesse.
Kes kõik need inimesed on?
Edward Hopper. Haki suey. 1929. aastal
1 2-stMark Quinn. Y. 2006
2 2-stTsitaat raamatust
“Paljud maalid on inimestega täidetud, aga kes nad on?
Varem, isegi enne fotograafia leiutamist, tellisid aadlikud inimesed oma portreesid. Kunstnikud pidid näitama, kui võimsad, kaunid ja rikkad olid kliendid. Sageli poseerisid kunstnikule grupiportreed terved pered.
<…>Edward Hopperi portreel on kaks moekat naist restoranilauas. Erinevalt mineviku portreedest pole need naised olulised inimesed. Need on kõige tavalisemad ega erine juhuslikest külastajatest. Rahva hulgas näeme palju meile tundmatuid inimesi ja just neid tahtis Hopper kujutada.
Ja kuigi ta näitab kahte võõrast inimest, olid mõlemad tehtud Hopperi naise eeskujul!
<…>Marc Quinn kasutas pea valamiseks oma verd. Skulptuuri hoitakse külmas, muidu see sulab.
See on meeldetuletus, kui habras elu on, ütles Quinn. Iga viie aasta tagant teeb skulptor uue pea, et saaksite näha, kuidas ta vananeb.
Kommenteeri
Tõepoolest, mõeldes sellele, keda pildil kujutatakse, peate kõigepealt mõtlema inimesele, kes töö tellis. Kirjutamise aega ja peategelast kõrvutades võib püstitada isegi hüpoteesi, kui edukas kunstnik oli. Piibli lood Sageli kirjutati need kiriku korraldusel, kuigi loomulikult oli ka eratellimusi. Enne impressioniste maaliti portreesid peamiselt rikaste inimeste tellimusel, nii et prantsuse kunstnikud tegid revolutsiooni, kui hakkasid maalima tavalisi inimesi – siis tuli aga mõelda, kuidas kõiki neid maale maha müüa. Ja Marc Quinni loomingust on lihtne järeldada, et kunstnik ei nälgi ega koge impressionistide probleeme: tema töö ei nõua mitte niivõrd julgust, kuivõrd kindlaid eelarveid.
Miks on maalidel puuviljad?
Paul Cezanne. Õunad ja apelsinid. 1899
1 3-stJan van Kessel. Natüürmort "Vanitas". 1665–1670
2/3John Lorbeer. Tarzan / seisev jalg. 2002
3 3-stTsitaat raamatust
“Kunstnikud maalivad sageli õunu ja apelsine, aga miks?
Esiteks on puuvili usaldusväärne. Erinevalt inimmudelitest ei pilguta nad silmi, ei tõmble ega nõua teed.
Puuviljade kujutamine aitab kunstnikel uurida looduse kujusid, värve ja toone.
Selliseid maale nimetatakse natüürmortideks. Enne fotograafia leiutamist demonstreerisid kunstnikud oma andeid, luues realistlikke natüürmorte. Siis aga muutus kõik...
Paul Cézanne maalis selle pildi pärast kaamera leiutamist ja ta ei tundnud, et tema ülesanne on kopeerida tegelikkust. Seda võiks teha ka fotograaf!
Ta kirjutas ümarad viljad tasasel lõuendil, kuid uudsel viisil. Vilja kujude näitamiseks kujutas ta iga õuna korraga mitme nurga alt, erinevatest vaatenurkadest. Tundub, et õunad kukuvad laualt maha.
<…>Sellel pildil on kahekordne tähendus. Lillede kõrval kujutas Jan van Kessel kolju – surma sümbolit. See on hoiatus, mis tuletab meile meelde elu nõrkust. Me ei tohi unustada, et me sureme lõpuks!
Natüürmort on prantsusekeelne sõna, mis tähendab "surnud loodust". Lõuendil näevad lilled välja nagu elusad, kuid sees päris elu nad muutuvad mädaseks.
<…>John Lorbeer on optiline illusionist, kes on kuulus oma külmunud figuuride poolest.
Siin on kõik üsna segane. See on sama objekt nagu natüürmorti jäädvustatud vili, kuid samas on see elus ja maalimata. Aeg läheb, aga ta jääb liikumatuks ja ripub seinal nagu maal.
Kommenteeri
Hea vastus küsimusele, kuid üks oluline punkt on puudu. Natüürmort on eelkõige puhta vormi uurimine. Ja kui kunstnik maalib natüürmorti harva – nagu näiteks paljud impressionistid –, tähendab see, et teda ei huvita pildi vormilised omadused, vaid hetketunne, mida see edasi annab. Natüürmordid annavad tõepoolest edasi ideed eksistentsi haprusest – aga seda ei saa võtta absoluutsena: paljud portreede kangelased on ju ka surelikud. Mõte, et esitustükk võib mõnikord osutuda natüürmortiks, on samuti üsna lõbus – kuid tuleb meeles pidada, et seda juhtub väga harva.
Loomeinimeste elu ümbritseb alati ühel või teisel viisil mitte ainult salapära, vaid ka mitmesugused kuulujutud. Milline neist on tõsi ja milline on sajandeid kultiveeritud väljamõeldis?
Müüt 1. Kõik artistid on joodikud
Miks mitte kokad, müüjad, matemaatikaõpetajad või korrapidajad? Jah, sest mõned inimesed peavad "inspiratsiooni saamiseks" tankima. Pole kahtlust, et mõned maalijad kutsuvad tõesti muusat neljakümnekraadiseid meetodeid või isegi narkootikume kasutades. Rohelisest maost ei kohkunud eemale paljud suured inimesed: Modigliani, Savrasov (ja siin on kaks stereotüüpi korraga: ta pole mitte ainult kunstnik, vaid ka venelane!), Van Gogh, Gauguin jt. Mis siis? Kas tõesti ei olnud teiste tegevusalade esindajate hulgas piisavalt joojaid? Jeltsinit, Stalinit, Peeter Suurt, Aleksander Suurt maalikirest ei märgatud, kuid kirg alkoholi vastu on teretulnud.
Müüt 2. Kõik kunstnikud on vaesed
Müüt 3. Kõik kunstnikud on rikkad
Ja jälle ei! Tundub, et ajalugu teab vähem selliseid näiteid. Statistika räägib portreemaalijate kasuks, kes eelistasid realismi või kaunistasid kujutatut. Rikaste portreed (aadlikest keisrini) on lahedamad kui kullakaevandus. Katariina II lemmikud suitsetavad närviliselt kõrvalt. Ja ometi toovad näited eelmisest lõigust tänapäeva unistajad kunstnikud roosade elevantide maailmast tagasi maa peale. Kuidas müüa oma tööd õige hinnaga me räägime minu artiklis “Kui palju müüa maale? »
Müüt 4. Kunstnikud säästavad kingituste pealt
Ta andis maali ja kõik oli korras. Ma ei räägi alternatiivkuludest (st ajast, mille maalikunstnik oleks võinud kulutada maali müümiseks). Räägime teema materiaalsest küljest. Värvid, pintslid ja muud kulumaterjalid maksavad, eriti kanderaamidel olevad lõuendid on kallid: lihtsa 40x50 lõuendi hind on keskmiselt 500-700 rubla. Nüüd lisage kohandatud baguette, mis maksab mitu tuhat rubla, ja matt, kui me räägime akvarellidest! “Isetehtud” maksab mulle mitu korda rohkem kui ostetud kingitus.
Müüt 5. Kõik suured kunstnikud on mehed
Oh ei, ma pole üldse feminist, pigem vastupidi. Kuid siiski kinnitan tõsiasja: naistel ei lubatud sajandeid eriti loominguga tegeleda. Ja niipea, kui luba anti, tõusid Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalja Gontšarova, Mary Cassette ja Berthe Morisot maalilisele Olümposele. Nad kirjutasid meestega võrdselt, mitte halvemini! Minge nüüd suvalisse kunstistuudiosse - publik on nagu juuksurisalongis (iga kümne tüdruku kohta on kaks kutti). Loe kuulsate artistide kohta lähemalt artiklist “
Loomingulised inimesed on andekad inimesed, kes armastavad olla kasulikud ja teha teistele head. Neile meeldib vabadus, seega tajuvad nad kõiki piiranguid õiguste rikkumisena. Paljud inimesed usuvad, et loomeinimesed on üksikud, õnnetud ja ei ela kaua. Õnneks pole see alati nii. Talent on inimesele Jumala poolt antud, tuleb lihtsalt hetkest kinni haarata ja oma võimeid õigel ajal arendama hakata.
Väärib märkimist, et imelaste seas on tõepoolest palju õnnetuid inimesi, kuna nende loovus pole alati teistele arusaadav. Tavainimese ajutegevus toimub reeglina teatud piirides ning kõike, mis nendest piiridest välja läheb, tajutakse millegi ebaloomuliku ja ebanormaalsena. Sel põhjusel on loomeinimestel väga raske ellu jääda selles julmas maailmas, kus on nii palju püsivaid stereotüüpe ja vastumeelsus areneda.
Neuroteadus kinnitab, et andekad inimesed mõtlevad ja tegutsevad erinevalt. Loominguliste inimeste meel on sõna otseses mõttes loodud mõtlema ainulaadselt, teistmoodi kui enamik. Selline looduse kingitus võib aga elu oluliselt keerulisemaks muuta ja suhteid teistega pingestada. Kui tead loomingulist inimest, siis on sul ilmselt rohkem kui korra tekkinud mõte, et ta elab mingis hoopis teises maailmas. Enamasti on sellise isiksuse mõistmine sama mõttetu kui katse seda muuta. Selleks, et sellise inimesega kohaneda, tuleb õppida maailma vaatama läbi tema silmade.
Pidev ajutegevus
Loov meel on lakkamatu masin, mida toidab liigne uudishimu. Puudub spetsiaalne nupp, mis võiks pausi teha ja mõtteid rahulikule suunale suunata. Loomingulised inimesed tulevad pidevalt välja erinevate ideedega, mis võivad paljudele tunduda ebareaalsed. Andekas inimene ammutab oma meeletus elutempos aina rohkem jõudu naljakate ja kohati pööraste ideede elluviimiseks.
Valetaja talent
Tuleb märkida, et loomingulised inimesed on suurepärased valetajad. Mitmed katsed on näidanud, et sellised isikud kalduvad keerulisematele ja keerukamatele valedele. Lisaks saavad nad ise petturi hõlpsalt tuvastada. Loovuse üheks ilminguks on olemasolevate mustrite vastuvõetamatus ja väljakujunenud stereotüüpide murdmine. Andekad inimesed tajuvad kergesti oma käitumise ebaeetilisust ja suhtuvad rahulikult ka teiste sarnaste tegudega.
Kõrge usaldamatuse määr
Andekas inimene ei kipu isegi lähedasi inimesi usaldama. Kuigi ta tunneb valesid kiiresti ära, on ka teiste suhtes kahtlustav eristav omadus talent. Ja see pole üllatav, sest uue avastuse tegemiseks tuleb õppida elementaarseid asju teise nurga alt vaatama. Seetõttu seab andekas inimene kõik kahtluse alla, sest palju lihtsam on nullist uut luua.
Julmus
Erinevate katsete käigus selgus, et tagasihoidlikkus pole andekate inimeste asi. Paljud neist on reeglina uhked oma võimete üle ja kasutavad neid oskuslikult, mis võimaldab neil määrata endale meeletult kõrge hinna. Lisaks soovib andekas inimene väga näidata, kui muljetavaldav ta on ja kui palju ta oskab muretseda. 
Depressioon
Sageli andekad inimesed langeda depressiooni. Paljudel sellistel geeniustel on erinevad foobiad: mõned kardavad haigestuda mõnda ravimatusse haigusse, teised kardavad noorelt surra, teised minestavad isegi ämblikku või prussakat nähes. Paljude riikide psühholoogid on püüdnud välja selgitada, kas depressioon on tõesti seotud andekusega. Pärast psühhiaatriakliinikutelt saadud andmete uurimist leidsid nad, et loomingulistel isikutel on suurem tõenäosus haigestuda rasketesse vaimuhaiguste vormidesse. Lisaks on tõestatud, et mitte ainult andekus, vaid ka sarnased häired võivad olla päritud.
Raske on endasse uskuda
Isegi kui inimene on oma võimetes kindel, hakkab ta aja jooksul küsimusi esitama: “Kas ma olen piisavalt hea? Kas ma teen kõike õigesti? Loomingulised inimesed võrdlevad oma töid pidevalt teiste meistrite loominguga ega märka enda sära, mis võib kõigile teistelegi silma jääda. Sellega seoses täheldatakse sageli loomingulist stagnatsiooni, kui inimene lihtsalt loobub, arvates, et kõik tema varasemad ideed olid asjatud ja mõttetud. Sellisel hetkel on väga oluline, et läheduses oleks ustav sõber, kes aitaks meistril selle raske perioodi üle elada.
Aeg unistada
Loomingulised inimesed on unistajad, see aitab neid nende töös. Paljud meist on seda kõige rohkem märganud parimad ideed tulevad meie juurde, kui oleme vaimselt reaalsusest kaugel. Neuroteadlased on tõestanud, et kujutlusvõime aktiveerib ajuprotsesse, mis on tihedalt seotud loovuse ja fantaasiaga.
Ajast sõltuv
Enamik suuri meistreid tunnistab, et lõi oma parimad tööd kas öösel või koidikul. Näiteks V. Nabokov võttis oma pastaka kätte kell 6 hommikul kohe, kui ärkas, ja Frank Lloyd Wrightil oli kombeks alustada tööd kell 3 öösel ja minna mõne tunni pärast uuesti magama. Reeglina on inimesed suurepärase loominguline potentsiaal harva kinni tavalisest igapäevarutiinist.
Privaatsus
Et olla loovusele võimalikult avatud, peate õppima, kuidas üksindust konstruktiivselt kasutada. Selle saavutamiseks saavad paljud andekad inimesed üle oma hirmust üksinduse ees. Inimesed tajuvad loovisikuid ja kunstnikke sageli üksikisikutena, kuigi tegelikult nad seda ei ole. See üksinduse soov võib olla oluline punkt parima teose loomisel.
Elu takistuste ületamine
Paljud kultusteosed ilmusid seetõttu, et nende looja koges südantlõhestavat valu ja tugevaid emotsioone. Sageli saavad erinevad probleemid katalüsaatoriks, mis aitab luua ainulaadseid ja silmapaistvaid meistriteoseid. Psühholoogia on andnud sellele nähtusele teadusliku nimetuse – posttraumaatiline kasv. Teadlased on avastanud, et sageli aitab tugev šokk inimesel mingis kindlas tegevuses edu saavutada, aga ka avastada endas uusi võimalusi. 
Otsige uusi kogemusi
Paljud loomeinimesed otsivad pidevalt uusi emotsioone ja muljeid. Kahjuks kasutavad mõned neist selle efekti saavutamiseks alkoholi ja narkootikume. Tuleb märkida, et andekas inimene on alati avatud uutele teadmistele, ta on üsna intelligentne ja uudishimulik. Üleminek ühest emotsionaalsest seisundist teise on omamoodi mootor kahe sisemise ja välise maailma uurimiseks ja mõistmiseks.
Ilu päästab maailma!
Loomingulistel inimestel on reeglina suurepärane maitse, nii et nad püüavad end pidevalt kaunite asjadega ümbritseda. Need võivad olla mitte ainult rõivaesemed, vaid ka sisustuselemendid, maalid, raamatud, ehted. Mõned uuringud on leidnud, et lauljad ja muusikud näitavad üles suurenenud vastuvõtlikkust ja tundlikkust kunstilise ilu suhtes.
Punktide ühendamine
Loomingulised inimesed suudavad leida võimalusi seal, kus teised seda lihtsalt ei märka. Paljud kuulsad kirjanikud ja kunstnikud usuvad, et loovus on võime ühendada punktid, mis tavaline inimene Ma ei oleks mõelnudki neid sellises järjekorras kokku panna. Kui küsida geeniuselt, kuidas ta need asjad kokku pani, tunneb ta end kohmetult, sest tal pole sellele küsimusele vastust. Mis on teistele raske, on raske ka teistele loominguline inimene ei ole raske.
Loomeinimeste seas juhtub sageli, et roosat taevalaotust varjavad äikesepilved. Toimuvad konfliktid, negatiivne, isegi vaenulik suhtumine üksteisesse, kadedus ja solvumine. Ja kui tegemist on negatiivsusega, siis see on lihtsalt edetabelitest väljas. Üks levinumaid põhjendusi, kus sellised tunded ja lugupidamatu suhtumine kolleegidele poes – ajavaim ja planeedi ülerahvastatus kunstnike poolt. Nad ütlevad, et iga tõusik ilma hariduseta, ilma perekonnata, ilma hõimuta peab end võimete ja annetega varustatud, võttes tõelistelt loojatelt leiva ära. Aga kas see on tõsi? Kas meid on tõesti nii palju ja kõik on nii halvasti?
Kunstnikud on alati olnud silmitsi väga polaarse suhtumisega iseendasse ja oma loomingusse. Nii väljastpoolt kui ka kitsa suhtlusringi sees. Võtame näiteks Emile Zola romaani ( fr. Emile Zola, 1840-1902) "Loomine" ( fr. L'Œuvre, 1886) – 14. romaan Rougon-Macquarti sarjast. Räägitakse, millest muust, loomepiinadest ja kunstnike elust, aga ka pleeniride ja visandlike kirjutamisstiilide tekkeloost maalikunstis. Julgen väita, et kuigi Zola kohta kirjutatakse sageli, et ta on prantsuse kirjanik ja kunstnik, ei olnud ta siiski see viimane. Ta pälvis oma kuulsuse üsna skandaalse ja andeka romaanide autorina. Ja üha enam hindas ta kunstniku elu välisvaatlejana ja kunstnikest sõprade seas pidevalt kunstiteemalistes aruteludes osalejana.
Ikka 2016. aasta filmist "Cézanne et moi" prantsuse kirjanik, filmirežissöör ja stsenarist Danielle Thompson (*1942). Film kirjanik Emile Zola (prillekandja) ja kunstnik Paul Cézanne’i sõprusest.
Zola pidas kirjandust "teaduseks, mille abil saab inimest ja ühiskonda uurida sama täpsusega, nagu loodusteadlased uurivad loodust". Seetõttu on tema romaani sündmused tihedalt seotud tõelised sündmused tolle aja kohta ja peategelased põhinevad päris inimestel. Muudeti vaid mõningaid fakte ja loomulikult pidi ka kirjaniku fantaasia vahepeal lendama.
Niisiis olid Emile Zola romaani kangelaste prototüübid kriitiku ja kunstniku Louis Leroy ettepanekul tõelised kunstnikud, kes viibisid sel ajal Pariisis ( fr. Louis Leroy; 1812-1885) hakati nimetama impressionistideks. Muide, ärge uskuge seda, kui nad ütlevad, et just tema võttis selle nimetuse kasutusele. Sest impressionistid ise tutvustasid seda, kuigi alguses olid nad väga solvunud. Sest Leroy kasutas sõna "mulje" esimest korda äärmiselt negatiivsel viisil. Üks Claude Monet maalidest esimesel pleen Airi kunstnike ühisnäitusel kandis nime "Impression, soleil levant" ( tõlgitud prantsuse keelest Mulje, tõusev päike). Pärast näituse külastamist teatas Louis Leroy järjekordses laastavas artiklis, et selle maalikooli kunstnike tööd unustati lihtsalt kirjutada ja lõpetada. Lõppude lõpuks pole need valmis lõuendid, vaid lihtsalt kiired visandid, see on täpselt see, mida mulje- kerge jälg, põgus mulje ja mitte kindel maal.
Claude Monet, mulje. Tõusev päike." 1872, 48 × 63 cm, Marmottan-Monet muuseum, Pariis
Claude Monet, mulje. Tõusev päike." 1872, 48×63 cm, Marmottan-Monet' muuseum, Pariis. Foto siit.
Tegelikult on Louis Leroyst lihtne aru saada. Esiteks oli ta ise graafik, kes esines regulaarselt Pariisi salongis ja teadis, millist verd see näitus on antud ja kui palju tööd selleks vaja on. Ma ei leidnud ühtegi pilti Leroyst endast kiire lahendus võrgus. Paljud allikad pole aga enam teadlikud, et ta kirjutas rohkem kui lihtsalt kriitilisi märkmeid. Olgu kuidas on, aga allolevast tööst saate ette kujutada, kui palju inimesi soovis “Pariisi salongis” osaleda ja miks Zola kirjutas oma romaanis, et oli tulusaid ja vähem tulusaid kohti - näiteks lae all.
Edouard Joseph Dantan, "Salongi nurk", 1880 Reproduktsioon siit.
Romaanis "Loovus" on episood, mil kangelased valmistuvad just näituseks "Tõrjutute salong" ( fr. Salon des Refuuses) - ametliku prantsuse omaga paralleelne näitus, mis esitles Pariisi salongi žürii poolt 1860.–1870. aastatel tagasi lükatud maale ja skulptuure ( fr. Pariisi salong). "Salong" oli üks prestiižsemaid kunstinäitused Prantsusmaa, aga ka Pariisi ja praeguse Akadeemia ametlik regulaarne näitus kaunid kunstid (fr. Académie des beaux-arts). See oli mõeldud ametliku keiserliku maitse propagandaks. Sinna jõudmine ja eksponeerimine oli kunstniku jaoks prestiiži ja müüdavuse küsimus.
Kujutage ette, et neil päevil leiutasid nad lihtsalt torud õlivärv, ning kunstnikud hakkasid lahkuma oma ateljeed vabas õhus ja maalima kohe rohkem elust, selle asemel, et töötada väikeste visanditega, mis põhinesid reisidel. Muidugi oli see, mida impressionistid tegid, paljude jaoks tõeliselt metsik. Elegantne, akadeemiliselt realistlik maal nägi välja selline.
Adolphe William Bouguereau, "Imetlus". 1897, San Antonio kunstimuuseum (Texas)
Adolphe William Bouguereau, "Laine". 1896, erakogu
Ja nüüd võrdluseks Edouard Manet’ maal, mis on romaani “Loomine” esirinnas (ainult Zola ütleb, et selle peakangelane Claude kirjutas) ja mille Salongi žürii üksmeelselt ja nördinult tagasi lükkas. Mida? Alasti tädi kahe mehe seltsis? Missugune lollus? Ja miks ta vaatajale nii häbematult otsa vaatab? Ja me teame, kes see on! Jah, jah – tundsime selle kodukakutaja ära! Ja mis keskpärane kirjastiil see selgelt proportsioonide rikkumisega on. "Maali stiil katkeb akadeemilised traditsioonid sellest ajast. Karm "fotograafiline" valgus kõrvaldab pooltoonid. Pintslitõmmet Manet varjata ei püüdnud ja seetõttu tundub maal kohati lõpetamata. Alastus "Lõunasöögil murul" on väga erinev akadeemilise maalikoolkonna kunstnike pehmetest ja veatutest kujunditest.
Edouard Manet, "Lõunasöök murul". 1863 Orsay muuseum, Pariis
Muidugi, võrreldes akadeemiliste kunstnike töödega, nägi impressionistide teosed välja, nagu oleks visandid avalikkusele näidatud. Lõppude lõpuks ei osanud keegi tollal isegi ette kujutada, milline tohutu potentsiaal peitub pleenirkooli vapustava maalistiili, emotsionaalse maali taga.
Olen juba korduvalt juhtinud teie tähelepanu tõsiasjale, et peate selgelt aru saama, kui ekslik on idee, et kunstis asendus üks suund järk-järgult teisega, kuigi õpikutes on need nii antud - igavalt ja ükshaaval. Sageli tekkisid uued kunstisuunad paralleelselt aktsepteeritud või moodsa kujutamisviisiga. Uute suundade loomeinimesed on alati olnud sunnitud võitlema koha eest päikese käes, sest see, mida nad tegid, oli lihtsalt ebatavaline. Kuidas suhtume uue ja arusaamatusse? Aitäh, kui me ei tapa nagu kurjad tulnukad, kes on tunginud meie sooja pessa.
John Singer Sargent, Claude Monet maalid metsa serval, 1885, Tate Gallery
Sama oli ka impressionismiga. See emotsionaalsema maalikunsti uus liikumine tekkis paralleelselt akadeemilise kirjutamisega – ülalmainitud akadeemilisus. Ka aastaid hiljem ei jätnud paljud impressionistide ringi kunstnikud lootust pääseda “Salongi” ja teha seal revolutsioon, mitte kuskil külje peal vaikses rabas. Ja see juhtus.
Aga tuleme tagasi romaani "Loovus" ja selle ümber keerlevate skandaalide juurde. Paljud impressionistid, kelle ringi Zola kuulus, tundsid end kohe "Loovuses" ära. Zola noorte sõber - kunstnik Paul Cezanne ( fr. Paul Cézanne, 1839-1906) - lihtsalt katkestas suhted autoriga. Zola kasutas romaani jaoks tõelisi juhtumeid ja fakte Cezanne'i elust, kuid kaunistas selle lisaks oma detailidega ja pööras süžeed nii, et juhtida lugeja tähelepanu peategelase Claude Lantier' ebatäiuslikkusele ja ebaõnnestumisele. Claude oli Zola sõnul läbikukkunud kunstnik, kuid kirjelduste järgi otsustades sarnanes ta väga tõelise kunstniku Paul Cézanne'iga. Lisaks kõigele ei näe Zola oma kangelasele väljapääsu ja lihtsalt “poob” ta oma töökotta - tapab ta. Võite ette kujutada, mida Paul koges, kui ta romaanis end ära tundis ning enda, tema kaaslaste ja tema arvamust mõistis. parim sõber ja teie ümber olevad inimesed? Kuid avalikkust rõõmustas Zola julge naturalism.
Vasakul on Paul Cézanne, paremal Emile Zola oma algusaastatel.
Siin on lühike väljavõte D. L. Bykovi ümberjutustusest, et saaksite aru, millised kired seal möllasid: „Claude külastab vanu sõpru: Magudo jääb publiku maitsele alla, kuid tal on siiski annet ja jõudu, apteeker on endiselt koos teda ja on muutunud veelgi koledamaks, Zhori teenib raha mitte niivõrd kriitikast, kuivõrd sotsiaalkroonikast ja on endaga üsna rahul, iga nädal armukest vahetav Fagerol ja iga nädal armukesi vahetavad; teine aeg-ajalt, sest pole midagi tugevamat kui kahe egoisti ja küüniku kiindumus, Claude’i vanem sõber, tunnustatud meister, kes mässas akadeemia vastu mitu kuud järjest, ei suuda sügavast kriisist välja tulla, ei näe. uusi teid, räägib kunstniku valusast hirmust iga uue plaani elluviimise ees ja oma masenduses näeb Claude õudusega märku omaenda piinadest.
Ja lõpus: "... Ajastu õhk on mürgitatud, ütleb Bongran Sandoz geeniuse matustel, kellest ei jää midagi alles. Me kõik oleme usu kaotanud inimesed ja sajandi lõpp selle mädanikuga kõdunemine, kõigi teede ummiktee on kõiges süüdi Kunst on allakäigus, ümberringi on anarhia alla surutud ning selguse ja ratsionalismiga alanud sajand lõpeb uue obskurantismi lainega surma, peaks iga tõeline kunstnik käituma nagu Claude...” See on välisvaatleja kummaline arvamus selle kohta, mida ja kellele kunstnik võlgneb.
Nagu näete, on vähe muutunud. Ja see on tegelikult hea. Sest see on märk sellest, et anded ja soov luua ilusat ja igavest pole veel ammendunud. Kuid kunstnikel on olnud ja tuleb olema väga sarnaseid probleeme. Eelkõige seetõttu, et kunstimaailmal oli ja on ka praegu oma “Mozarts ja Salieris”. Aga ma asun seisukohale, et paljud arvavad ainult, et kõik on kadunud, just nagu see ainult Sandozile (kelle prototüüp oli Zola ise) tundus. Lõppude lõpuks, isegi kui vaadata lähemalt lemmikmetafoori Mozartist ja Salierist – kadedusest ja tõelisest andest, siis see lõhkeb nagu seebimull. Sest selles sisalduv väljamõeldis ja kired on kauged.
Vasakul on Johann Georg Edlingeri viimane eluaegne portree Mozartist (1790), paremal Salieri portree. Saksa kunstnik ja helilooja Josef Willibrord Mehler umbes samast perioodist
Teavad ju vähesed, et eelmainitud inimeste rivaalitsemine ja vaen on vaid kirjanduslik väljamõeldis. Puškini näidend Mozartist ja Salierist põhineb vaid ühel kurjadel kuulujuttudel, mille genereeris varajane surm W. A. Mozart ( saksa keel Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791). Aleksander Sergejevitš haaras kõige vastuolulisema, teatraalsema ja skandaalseima versiooni. Ja kõik sellepärast, et Antonio Salieri ( seda. Antonio Salieri, 1750-1825) oli üks tolle aja silmapaistvamaid ja silmapaistvamaid heliloojaid. Nad ei klammerdunud mõne Joseph Haydni külge ( saksa keel Franz Joseph Haydn 1732-1809) süüdistustega – temagi hängis seal ringi ja oli isegi Salierist vanem. Kaasaegsete sõnul polnud toona 40-aastasel Salieril isegi samasuguseid ambitsioone kui Mozartil. Ta tuli pärit vaene perekond ja tegi kõvasti tööd, et saavutatud positsioon välja teenida. Salieril polnud mõtet selliseid riske võtta. Ja tema temperament ei olnud sama. Lõpuks ilus sõna kuulus luuletaja viis Salieri osalemise müüdi laialdasele levikule ja juurdumiseni massiteadvuses. traagiline surm Mozart. Ja nüüd on isegi nimest Salieri Venemaal levinud nimi. Tegelikult oli Salieri andekas, väga kogenud ja edukas helilooja ja õpetaja. Just tema oli õpetaja tervele põlvkonnale teistele heliloojatele, kelle hulgas olid ühe allika järgi Beethoven, Schubert ja Liszt. Lisaks teavad vähesed, et pärast Mozarti surma sai Salierist lahkunu noorima poja Franz Xaveri mentor. Pealegi tegi ta seda Wolfgang Amadeuse naise Constance Mozarti palvel. Kui isegi Mozarti lähedasel inimesel polnud Salieri suhtes kahtlusi ja isegi aastaid hiljem vaid lugupidav suhtumine, siis millest me siin räägime? Missugune must ebaõiglus? Mis vastik müüt see on, mis nii visalt meeles püsib? Kaasaegsete tunnistuste kohaselt austas Salieri Mozartit ja tema kingitust väga. Mozart ise ei maininud üheski kirjavahetuses sõnagi halb tuju Salieri või mõned rünnakud tema suunas. Salzburgi Mozarti muuseum (maja, kus Mozart sündis) läks isegi nii kaugele, et korraldas oma seinte vahel Salierile pühendatud näituse, et puhastada selle andeka mehe nimi, kelleta oleksime kaotanud mitmed teised. andekad heliloojad.
Kuid millegipärast oleme me, loovad inimesed, nii loodud, et kired pulbitsevad meis isegi siis, kui kurtmine on patt. Võtame näiteks 2012. aasta mängufilmi, mille lavastas Gilles Bourdot ( fr. Gilles Bourdos,* 1963) O viimastel aastatel Prantsuse impressionist Pierre-Auguste Renoir ( fr. Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919) Cagnes-sur-Meris Esimese maailmasõja ajal – "Renoir. Viimane armastus" ( fr. Renoir). Ühes episoodis toimub kunstniku ja modelli vahel järgmine dialoog. Noor modell küsib maalimise ajal liikumisluba. Sel ajal oli Renoir juba meister, tunnustatud geenius. Kõik kikitasid tema ümber. Meister lubab tüdrukul meelsasti püsti tõusta ja asendeid vahetada, öeldes, et kui ta tahaks kive joonistada, ei kutsuks ta teda poseerima. Ja siis toob ta näite ühest Aix-en-Provence'i kunstnikust, kellele meeldib surnuid maalida. Pealegi põgeneb ta väidetavalt oma modellide eest, lukustab end oma isa majja ja värvib oma aprikoose. Miks sa nurised nagu kaupmees, vana Renoir, ah? Mis sulle huvitab teiste inimeste aprikoosid? Sinu ees diivanil lebab kaunis neiu. Joonista juba! Aga ei. Ta saab vihaseks, et kellelgi on elus teised prioriteedid.
Ikka filmist "Renoir. Viimane armastus", 2012
Kui te ei saanud kiiresti aru modellide ja aprikooside eest põgenemisest - ja see oli kivi Cezanne'i aias, kes elas aastaid erakuna Jas de Bouffanti perekonna mõisas ( fr. Jas de Bouffan, nimi tähendab sõna-sõnalt "tuulte pelgupaik") Aix-en-Provence'is.
Ausalt öeldes ei tea ma tõeliselt andekaid kerge ja lihtsa iseloomuga inimesi. Paraku seda ei juhtu. Talent saab ja antakse inimestele sündides. Kuid need, kes seda tõeliselt viljelevad, pingutavad ja oma eesmärkide poole liiguvad, pole lõpuks tavalised inimesed. Veelgi enam, nagu ütleb üks mu sõber, kunstnik peab töötama halva tegelase kallal, et ta jääks üksi ja lastakse luua. Ilmselt paistis Cezanne eriliselt silma kõigil rindel, nii et inimesed loopisid teda kivide ja aprikoosidega kaua pärast tema surma.
Paul Cezanne, "Natüürmort õunte ja apelsinidega", 1895-1900, asub Pariisis Musée d'Orsay's
See aga ei takistanud Pariisist pärit tuttavaid kunstnikke külastamast Cézanne’i ja maalimast oma teoseid müügiks Pauli ideede ja arenduste põhjal, nagu Zola kirjeldas oma romaanis “Loovus”. Näiteks uskusin alati, et Picasso arlekiinid on tema tugevaim külg. Paar aastat tagasi sattusin Saksamaal Essenis Folkwangi muuseumis näitusele “Cézanne - Aufbruch in die Moderne”. Seal nägin Picasso, Matisse’i ja Cezanne’i tööde otsest võrdlust. Selgus, et Picasso arlekiinid “kukkusid” aastaid hiljem just Cezanne’i õhutusel. Matisse töötas mõnikord lihtsalt Cezani mastaabis, kopeerides süžeed.
Vasakul on Matisse'i teos "Natüürmort apelsinidega" 1898, paremal Cezanne'i töö "Korv õuntega" 1893
Eelpool mainitud näitusel oli üle 100 töö. Muide, osa töid olid pärit Puškini muuseum. Folkwangi muuseumi toonane direktor oli Hubertus Gassner ( Hubertus Gaßner) ütles väga diplomaatiliselt, et näitus sisaldab võrdlusi Matisse’i töödega ( Henri Matisse, 1869-1954) ja Picasso ( Pablo Picasso, 1881-1973), et teha selgeks, kuivõrd eksistentsiaalsed olid Cezanne’i teosed modernismiajastu ja 20. sajandi kunsti jaoks üldiselt.
Vasakul on Cezanne'i teos "Pierrot ja Harlequin" muusikast. neid. Puškin 1888, paremal Picasso "Arlekiinide perekond" 1905
Muidugi eksistentsiaalselt. Cezanne elas erinevalt Picassost erakuna. Puudus internet ega televiisor, mis võimaldaks vaatajal näha, kust tema jalad kasvasid. Aga kuidas saaksime nautida kauneid arlekiine, kui looduses ei eksisteeriks Cézanne'i ja Picasso geeniust, isegi kui nad oleksid üksteisest inspireeritud?
Ja kui minna tagasi algse teema juurde, et väidetavalt on kunstnikke lihtsalt liiga palju - siit ka kõik tragöödiad kadeduse ja halastamisega tõelise talendi üle, siis mulle isiklikult jääb silma see tühisena näiv detail.
Kujutage ette, et meid, planeedi elanikke, on juba peaaegu 7,5 miljardit ja see trend kasvab. Kui paljud neist miljarditest on teie arvates haritud, kultuursed, intelligentsed, andekad inimesed? Kas on jämedaid ideid? Kui ei, siis vastan teile Abraham Lincolni sõnadega: „Nähti, et Jumal armastab tavalised inimesed, kuna ta lõi neid nii palju." Ja see pole snobism, vaid faktiväide.
Foto