1 24-st
Ettekanne teemal:
Slaid nr 1
Slaidi kirjeldus:
Slaid nr 2
Slaidi kirjeldus:
Slaid nr 3
Slaidi kirjeldus:
Antonio Vavaldi (1678-1741) Antonio Vivaldi – itaalia helilooja, viiuldaja, õpetaja, dirigent. Ta õppis viiulit oma isa Giovanni Battista Vivaldi juures. Üks tuntumaid teoseid on neljast viiulikontserdist koosnev tsükkel “Aastaajad” – varajane kavanäide sümfooniline muusika. Vivaldi panus instrumentatsiooni arendamisse oli märkimisväärne (tema oli esimene, kes kasutas oboesid, metsasarvi, fagotti ja muid instrumente iseseisvate, mitte dubleerivate instrumentidena). Antonio Vivaldi – itaalia helilooja, viiuldaja, õpetaja, dirigent. Ta õppis viiulit oma isa Giovanni Battista Vivaldi juures. Üks tuntumaid teoseid on neljast viiulikontserdist koosnev tsükkel “Aastaajad” – programmilise sümfoonilise muusika varane näide. Vivaldi panus instrumentatsiooni arendamisse oli märkimisväärne (tema oli esimene, kes kasutas oboesid, metsasarvi, fagotti ja muid instrumente iseseisvate, mitte dubleerivate instrumentidena).
Slaid nr 4
Slaidi kirjeldus:
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Johann Sebastian Bach oli saksa helilooja ja organist, barokiajastu esindaja. Tema nime mainitakse regulaarselt maailma kuulsaimate heliloojate nimekirjades. Oma elu jooksul kirjutas Bach üle 1000 teose. Tema looming esindab kõiki tolle aja märkimisväärseid žanre, välja arvatud ooper; ta võttis kokku barokiajastu muusikakunsti saavutused. Bach on polüfoonia meister. Pärast Bachi surma läks tema muusika moest välja, kuid 19. sajandil tänu Mendelssohnile see taasavastati. Tema töö on olnud tugev mõju järgnevate heliloojate, sealhulgas 20. sajandi heliloojate muusikale.
Slaid nr 5
Slaidi kirjeldus:
Franz Joseph Haydn (1732-1809) Franz Joseph Haydn - suur Austria helilooja, Viini klassikalise koolkonna esindaja, üks selliste muusikažanride nagu sümfoonia ja keelpillikvartett rajajaid. Haydni kui helilooja suurus väljendus enim tema kahes lõputeoses: suurtes oratooriumides “Maailma loomine” (1798) ja “Aastaajad” (1801). Oratoorium "Aastaajad" võib olla muusikalise klassitsismi eeskujulik etalon. Oma elu lõpupoole nautis Haydn tohutut populaarsust.
Slaid nr 6
Slaidi kirjeldus:
Antonio Salieri (1750-1825) Antonio Salieri oli itaalia helilooja, dirigent ja õpetaja. Ta oli pärit jõukast kaupmeeste perest ning õppis kodus viiulit ja harfi mängima. Salieri kirjutas üle 40 ooperi, millest “Danaides”, “Tarare” ja “Falstaff” on kuulsad tänapäevani. Spetsiaalselt La Scala teatri avamiseks kirjutas ta ooperi “Tunnustatud Euroopa”, mida sellel laval mängitakse siiani. Salieri kirjutas ka palju orkestri-, kammer- ja vaimulikku muusikat, sh. "Reekviem", mis on kirjutatud 1804. aastal, kuid esitati esmakordselt tema matustel.
Slaid nr 7
Slaidi kirjeldus:
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Wolfgang Amadeus Mozart on Viini klassikalise kompositsioonikoolkonna silmapaistev esindaja. Ta oli ka virtuoosne viiuldaja, klavessinist, organist ja dirigent. Kaasaegsete sõnul oli tal fenomenaalne muusikakõrv, mälu ja improviseerimisvõime. Mozart kirjutas 68 vaimulikku teost, 23 teost teatrile, 22 sonaati klavessiinile, 45 sonaati ja variatsioone viiulile ja klavessiinile, 32 keelpillikvartetti, 49 sümfooniat, 55 kontserti jne, kokku 626 teost.
Slaid nr 8
Slaidi kirjeldus:
Ludwin van Beethoven (1770-1827) Ludwig van Beethoven oli suurepärane saksa helilooja, dirigent ja pianist. Beethoven on paljude teoste autor, mis hämmastasid tema kaasaegseid dramaatilisuse ja muusikalise keele uudsusega. Nende hulgas: klaverisonaadid nr 8 (“Pathetique”), 14 (“Moonlight”), sonaat nr 21 (“Aurora”).
Slaid nr 9
Slaidi kirjeldus:
Niccolò Paganini (1782-1840) Niccolò Paganini oli itaalia viiuldaja ning virtuoosne kitarrist ja helilooja. Üks kõige enam eredad isiksused muusikaline ajalugu XVIII-XIX sajandite jooksul. Maailma muusikakunsti tunnustatud geenius. Alates kuuendast eluaastast mängis Paganini viiulit ja üheksa-aastaselt esines ta Genovas kontserdiga, mis saatis tohutult edu. Poisipõlves kirjutas ta viiulile mitmeid teoseid, mis olid nii rasked, et keegi peale tema enda ei jõudnud neid esitada.
Slaid nr 10
Slaidi kirjeldus:
Gioachino Rossini (1792-1868) Gioachino Antonio Rossini on itaalia helilooja, mitmekümne ooperi autor. Alates lapsepõlvest õppis Gioachino laulmist, taldrikut ja viiulit ning muusikateooriat. Hea häälega laulis ta kirikukoorides, tegutses aastal saatja ja koorijuhina. ooperimajad. Esimene ooper “Abiellumisveksel” kirjutati 1810. aastal. Järgnevatel aastatel kirjutas ta regulaarselt oopereid Veneetsia ja Milano teatritele.
Slaid nr 11
Slaidi kirjeldus:
Franz Peter Schubert (1797-1828) Franz Peter Schubert - Austria helilooja, üks suurimad esindajad Viini klassika muusikakool ja üks romantismi rajajaid muusikas. Pärast tema surma jäi alles hulk käsikirju, mis hiljem valgust nägid (6 missa, 7 sümfooniat, 15 ooperit jne). Saksa helilooja Franz Schubert elas vaid 31 aastat, kuid kirjutas rohkem kui 600 laulu, palju kauneid sümfooniaid ja sonaate, suur hulk koorid ja kammermuusika. Ta töötas väga kõvasti.
Slaid nr 12
Slaidi kirjeldus:
Felix Mendelssohn (1809-1847) Felix Mendelssohn - Saksa helilooja ja dirigent, üks suurimaid esindajaid romantiline suund muusikas, kuulsa pulmamarsi autor. Helilooja stiili eristab filigraanne tehnika, ilu ja graatsilisus ning esituse selgus. Muusika särava ja rõõmsameelse iseloomu tõttu nimetas Schumann Mendelssohni "19. sajandi Mozartiks". Suured on ka Mendelssohni teened dirigendina.
Slaid nr 13
Slaidi kirjeldus:
Frederic Chopin (1810-1849) Frederic Chopin oli Poola helilooja ja pianist, kes elas pikka aega Prantsusmaal. Paljude klaveriteoste autor. Ta tõlgendas paljusid žanre uudsel viisil: taaselustas romantilisel alusel prelüüdi, lõi klaveriballaadi, poetiseeris ja dramatiseeris tantse – mazurkat, polonees, valssi; muutis scherzo iseseisev töö. Rikastas harmooniat ja klaveritekstuuri; kombineeris klassikalist vormi meloodiarikkuse ja kujutlusvõimega. Tema klaveriesitus ühendas sügavuse ja tunnete siiruse graatsilisuse ja tehnilise täiuslikkusega.
Slaid nr 14
Slaidi kirjeldus:
Robert Schumann (1810-1856) Robert Schumann oli saksa helilooja ja pianist. Üks kuulsamaid 19. sajandi esimese poole heliloojaid, kes esindab romantismi liikumist. Loominguline edu Schumanni muusika tuli dramaatiline luuletus J. Byroni "Manfred". Schumann andis suure panuse muusikakriitikasse. Reklaamides oma ajakirja lehekülgedel klassikaliste muusikute loomingut, võideldes meie aja kunstivaenulike nähtuste vastu, toetas ta uut Euroopa romantilist koolkonda.
Slaid nr 15
Slaidi kirjeldus:
Franz Liszt (1811-1886) Franz Liszt - helilooja, pianist, õpetaja, dirigent, publitsist, üks juhtivaid esindajaid muusikaline romantism. Lisztist sai 19. sajandi suurim pianist. Tema ajastu oli kontsertpianismi kõrgaeg, Liszt oli selles protsessis esirinnas, omades piiramatuid tehnilisi võimalusi. Tema virtuoossus jääb tänapäeva pianistidele võrdluspunktiks ja tema teosed jäävad klaverivirtuoossuse tipuks.
Slaidi kirjeldus:
Giuseppe Verdi (1813-1901) Giuseppe Fortunino Francesco Verdi - itaalia helilooja, keskne kujund itaalia keel ooperikool. Tema parimaid oopereid (Rigoletto, La Traviata, Aida), mis on tuntud oma rikkaliku meloodia väljendusrikkuse poolest, esitatakse sageli ooperiteatrites üle maailma. Varem kriitikud sageli halvustasid (eest "meeldinud tavalised inimesed", "lihtsustatud polüfoonia" ja "häbitu melodramatiseerimine"), moodustavad Verdi meistriteosed tavalise ooperirepertuaari aluse poolteist sajandit pärast nende kirjutamist.
Slaid nr 18
Slaidi kirjeldus:
Modest Mussorgski 1839-1881 Modest Petrovitš Mussorgski on vene helilooja, kuulsate Venemaa ajalooteemaliste ooperite autor. Kuulsust kogus ta ooperist “Boriss Godunov”, mis lavastati Peterburi Mariinski teatris. aastal 1874 ja mõnes tunnustatud muusikaklubid eeskujulik töö. Moskvas lavastati “Boriss Godunov” esimest korda Suures Teatris 1888. aastal.
Slaid nr 19
Slaidi kirjeldus:
Pjotr Iljitš Tšaikovski 1840-1893 Pjotr Iljitš Tšaikovski - vene helilooja, üks parimaid meloodiste, dirigent, õpetaja, muusikal avaliku elu tegelane. Tšaikovski osales aktiivselt muusikaline elu Moskva, siin avaldati ja esitati tema teoseid ning määrati kindlaks peamised loovuse žanrid. 1868. aasta kohtumise ja loominguliste kontaktide tulemus "" Võimas kamp"oli programmiliste sümfooniliste teoste loomine. Tšaikovski muusika sisu on universaalne: see hõlmab kujundeid elust ja surmast, armastusest, loodusest, lapsepõlvest, igapäevaelust, avab uudsel moel vene ja maailmakirjanduse teoseid – A. S. Puškini ja N. V. Gogoli, Shakespeare’i ja Dante.
Slaid nr 20
Slaidi kirjeldus:
Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) Nikolai Andreevitš Rimski-Korsakov - vene helilooja, õpetaja, dirigent, ühiskonnategelane, muusikakriitik; "Mighty Handful" esindaja, 15 ooperi, 3 sümfoonia, sümfooniliste teoste autor, instrumentaalkontserdid, kantaadid, kammer-instrumentaal-, vokaal- ja vaimulik muusika. Rimski-Korsakovi tippteosed orkestrile on Capriccio Espagnol (1887) ja sümfooniline süit Scheherazade (1888). Märkimisväärne koht loominguline pärand Rimski-Korsakov on hõivatud kammerlaulutekstidega. Kirjutas 79 romanssi, sealhulgas häälesilmused“Kevadel”, “Luuletajale”, “Mere ääres”.
Slaidi kirjeldus:
Sergei Rahmaninov (1873-1943) Sergei Vasilievich Rahmaninov on suurepärane vene helilooja, pianist ja dirigent. 19. sajandi lõpu - 20. sajandi alguse suurim helilooja Rahmaninov sünteesis oma loomingus Peterburi ja Moskva põhimõtted heliloojate koolid(nagu ka traditsioonid Lääne-Euroopa muusika) ja lõi uue rahvusliku stiili, millel oli hiljem oluline mõju nii 20. sajandi vene kui ka maailma muusikale. Maailma suurim pianist Rahmaninov seadis Venemaa pianistikooli ülemaailmse prioriteedi ning selle esteetilised ja kunstilised põhimõtted.
Slaid nr 23
Slaidi kirjeldus:
Dmitri Šostakovitš (1906-1975) Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitš - venelane Nõukogude helilooja, pianist, õpetaja ja ühiskonnategelane, 20. sajandi üks märkimisväärsemaid heliloojaid. Pidevalt klassikalisi ja avangardi traditsioone uurides arendas Šostakovitš välja oma muusikalise keele, mis oli emotsionaalselt laetud ja puudutas muusikute ja muusikasõprade südameid üle kogu maailma. Märkimisväärseimad žanrid Šostakovitši loomingus on sümfooniad ja keelpillikvartetid – igaühes kirjutas ta 15 teost. Populaarsemate sümfooniate hulgas on Viies ja Kaheksas, kvartettidest Kaheksas ja Viieteistkümnes.
Muusikaline interpretatsioon muusikateksti, esitustraditsioonide ja esitaja loomingulise tahte koosmõju tulemusena.
Autori teave julgustab esitajat mõtlema, kujutlema, assotsiatsioone leidma ja tekitab emotsioone. Esinemisinfo mõjutab autori informatsiooni, kitsendab või laiendab seda, täiendab, transformeerib ehk toimub muusikateose ümbermõtestamine, mille tulemusena tekib kunstiline kujund. Autori teabe ümbertõlgendus ei tohiks mingil juhul põhjustada autori kavatsuse moonutamist. Ehtne esituslik ühislooming on võimalik vaid siis, kui autori info leiab esitajas vastastikuseid tundeid.
Muusikapala kallal töötamine on loominguline protsess, mille mitmekesisus on seotud nii kunstilised omadused teoseid ja esitaja erinevate individuaalsete omadustega. Milliste ülesannetega ta silmitsi seisab? Ja mis soodustab arengut loovus esineja, stimuleerib tema muusikalise maitse ja kutseoskuste kujunemist?
Esitada tähendab luua läbi sügava tungimise teose sisusse ja kunstilisel kujundil põhineva muusikalise sisu kehastamisel. Teose sisu taasloomine eeldab truudust autoritekstile, teose ideoloogilise suunitluse mõistmist ja emotsionaalset rikkust (muusikakunst mõjutab inimese taju emotsionaalset sfääri).
Kunstilise pildi loomine on võimatu ilma originaalsust arvesse võtmata ajalooline ajastu milles teos loodi; selle žanri tunnused, rahvuslikud jooned helilooja maailmavaadet, muusika väljendusvahendite kasutamise olemust ehk kõike seda, mida nimetame stiilitunnusteks või joonteks.
Tõlgendamine -(ladina keelest interpretatio - selgitamine, tõlgendamine) - muusikalise teksti helilise teostuse protsess. Tõlgendamine sõltub esteetilised põhimõtted koolkonnad või liikumised, kuhu kunstnik kuulub, lähtudes tema individuaalsetest omadustest ning ideoloogilisest ja kunstilisest kavatsusest. Interpretatsioon eeldab individuaalset lähenemist esitatavale muusikale, aktiivset suhtumist ja esitaja enda loomingulise kontseptsiooni olemasolu autori kavatsuse kehastamiseks. Kuni 19. sajandi alguseni oli interpretatsioonikunst tihedalt seotud heliloojate loominguga: reeglina esitasid heliloojad ise oma teoseid. Interpretatsiooni areng on tingitud kontserttegevuse intensiivistumisest.
Iseseisva kunstina omandas interpretatsioon erilise tähenduse 19. sajandi 20.-30. Esituspraktikas kinnitatakse seda uut tüüpi muusik-tõlk - teiste heliloojate teoste esitaja. Paralleelselt eksisteerivad originaalesinemise traditsioonid. Teiste autorite teoste peened tõlgendajad olid F. Liszt, A. G. Rubinstein, S. V. Alates 19. sajandi teisest poolest on arenenud muusikalise interpretatsiooni teooria (uurib esinemiskoolkondade mitmekesisust, esteetilisi interpretatsiooniprintsiipe, esituse tehnoloogilisi probleeme), millest 20. sajandi alguseks on saanud üks valdkondi. muusikateadusest. Olulise panuse vene tõlgendusteooria arendamisse andsid G.M., Neuhaus, S.Ya.
Objektiivne ja subjektiivne, intuitiivne ja ratsionaalne muusikalises esituses. Esituse loominguline olemus.
Kuulus pianist I. Hoffman kirjutas: "Muusikateose õige tõlgendus tuleneb selle õigest mõistmisest ja see omakorda oleneb peenelt täpsest lugemisest." See tähendab, et esituse õigest olemusest annab tunnistust ennekõike sisukas, rangelt autoritekstile vastav tõlgendus „Muusikatekst on helilooja pärandatud rikkus ja tema esitusjuhised on testamendi saatekiri, ” ütles helilooja ja pianist S. Feinberg. Siin pole aga ainult tekst, vaid ka teose alltekst. Tähelepanuväärne pianist K. Igumnov arvas, et interpreet peaks teksti sisse tooma ka „hea poole“ endast, st lähenema teose sisemisele iseloomule, paljastama selle allteksti. Legendaarne G. Neuhaus tuletas meile pidevalt meelde vajadust pidevalt süveneda esitatava teose meeleolusse, sest just selles meeleolus, mis noodikirjale täielikult ei allu, peitubki kogu kunstilise kujundi olemus. Kõigest eelnevast järeldub, et helilooja teksti täpne teostus ei peaks tähendama selle formaalset reprodutseerimist, vaid salvestusskeemi mõtestatud loomingulist “tõlkimist” tõelisteks helipiltideks.
Mõistmine ja tõlgendamine kui tõlgenduse dialektiliselt omavahel seotud aspektid. Uute tähenduste teke tõlgendamise tulemusena. Täpsemad andmed kunstiline tõlgendus, tõlgendusobjekti intuitiivne mõistmine (kogemus, sünergia).
Semantilise ja esteetiline analüüs teosed tõlke teostamiseks
Tahtlikkus ja tahtmatus muusikalises interpretatsioonis
Märgime, et muusikaline esitus on ennekõike protseduuriline ja dünaamiline hetk. See tähendab, et muusikalise pildi muundumine laval on loomulik, mille käigus toimuvad teatud muutused muusikalise kujundi interpretatsioonis. Teadlased räägivad muusika taasesituse muutlikkusest ühe esitaja või muutuvate ja muutumatute elementide kombinatsioonist.
Tõlgendusprotsessi saab esitada kahe vastandliku printsiibi - intentsionaalse (tabeli fookusena protsessis) ja tahtmatu (muutuva fookusena protsessis) koosmõjuna. Need kaks suurt ja keerulist kihti moodustavad protsessi struktuuri. Selle struktuuri lahtirullumine ajas, selle elementide tervik ja seos moodustavad liikuva heli terviklikkuse, mis tegelikult on tõlgendusprotsess.
Tahtlik algus on protsessi antud olemuse üldistatud väljendus. Tahtlikud elemendid hõlmavad elemente, mille kvaliteediparameetrid muusik programmeerib enne tegevuste sooritamise algust ja mida ta kavatseb eelseisvas protsessis rakendada. Üheskoos moodustavad need elemendid teadlikult planeeritud osa esinevast tõlgendusest ja moodustavad protsessi kvantitatiivse dominandi. Nende eripäraks on: sisemine motivatsioon, kindlus ja semantiline tähendus. Ühel või teisel määral hõlmab tahtlikkus disainistruktuuri kõiki tasandeid. Tahtlik algus kannab kunstniku individuaalse kunstiteadvuse pitserit ja on märk tema loomingulisest unikaalsusest.
Tõlgendusprotsess ei ole taandatav järjestikku rakendatavale intentsionaalsusele. Tuleb omaette tahtmatu käivitamine, mis on paratamatult olemas objektistamise aktides ja millel on põhimõtteliselt erinev olemus. Tahtmatu algus on protsessi dünaamiline komponent, mille elemendid tekivad spontaanselt, ilmnevad kõrvalekaldumisena esialgse plaaniga määratud kursist ja moodustavad määramatuse “eksistentsiaalse välja”. Sellest loovuse teostamise irratsionaalsest aspektist peegeldavast komponendist saab kujundiplaanis ettearvamatu, isetekitava muutuse võimalikkuse kandja. Tahtmatu käivitamine sisaldab elemente erineva iseloomuga. Kui käsitleda neid sisusemantilises plaanis, siis tekib vajadus jagada tahtmatud elemendid kaheks alatüübiks: semantiliseks ja asemantiliseks.
Semantiline (improvisatsiooniline) vaade ühendab juhuslike elementide rühma, millel on kunstiline ja ekspressiivne tähendus. Olles alateadvuse "vaba" (määratlemata) tegevuse loominguline saadus, intuitsiooni, kujutlusvõime, fantaasia ja tunnete sisemiste liikumiste hetkelise "tegevuse" tulemus, mida tavaliselt nimetatakse kunstiliseks kogemuseks, moodustavad nad kunstilis-produktiivse kihi. tahtmatu algus. Neid iseloomustavad: tahtmatus, uudsus ja semantiline tähenduslikkus ning viimane moodustab aluse improvisatsiooniliste ja intentsionaalsete elementide ühtsusele ja sugulusele, ulatudes tagasi ühe allikani - helipildini. Tahtmatu algus hõlmab improvisatsiooni, kuid ei piirdu sellega.
Asemantiline (kaootiline) vaade ühendab grupi tahtmatuid elemente, mille ilmumist ei põhjusta mitte kunstilised tegurid, vaid tegevuse “ebaõnnestumine”. Nende elementide päritolu on seotud rikkumistega täitmise tehnoloogilises ja regulatiivses sfääris. Need ilmnevad jõudlusvigade, defektide ja protsessi ebakorrapärasuse hetkedena. Asemantilised elemendid kahjustavad kavandatut, ei anna "objektiivset" semantilist tulemust, vaid toovad protsessi ainult rohkem või vähem olulise hävingu ja moodustavad seetõttu tahtmatu alguse kunstiliselt ebaproduktiivse kihi. Arvestades selle komponendi äärmiselt ebasobivat, selgelt destruktiivset toimimise taset, võib seda nimetada "kaootiliseks".
Muusikateose esitusliku tõlgenduse adekvaatsuse küsimus.
Muusik ei pea ainult teksti valdama, tema põhiülesanne on mõista helilooja kavatsust ja see uuesti luua muusikalised pildid, mis on kehastatud muusikapalas, ja vali väljendusvahendid nende kõige täpsemaks edastamiseks.
A. France kirjutas: "Täiusliku kunstiteose mõistmine tähendab üldiselt selle uuesti loomist oma sisemaailmas." K.S Stanislavsky ütles, et ainult „näitleja sügav tungimine autori ideesse, harjumine laval kehastatud kujundiga, kui näitleja elab, tunneb ja mõtleb samamoodi nagu roll, ainult siis saab tema tegevus viia lavalise eduni. ”
Itaalia pianist F. Busoni rääkis sel teemal järgmiselt: "On peaaegu üliinimlik ülesanne visata oma tunded minema, et muutuda kõige erinevamate inimeste tunneteks ja siit edasi uurida nende loomingut." Vene kriitik V.G märkas väga delikaatselt etenduskunsti loomingulist olemust. Belinsky: "Näitleja täiendab autori ideed oma näitlejatööga ja see täiendus seisneb tema loomingulisuses."
A.N. Kuulus vene helilooja ja muusikakriitik Serov kirjutas:"Roll - vähemalt Shakespeare'i näidendist, muusika - vähemalt Beethovenilt endalt, seoses hiilgav esitus, sketch only, sketch; värvid, teose täisväärtuslik elu sünnib vaid esitaja võluva jõu all.
Näiteks populaarseim esimene kontsert klaverile ja orkestrile P.I. Tšaikovski, saavutas laialdase populaarsuse alles 4 aastat pärast esmaettekannet, mil selle hiilgavalt esitas N. Rubinstein. Sama lugu juhtus P. Tšaikovski viiulikontserdiga, mis alles pärast L. Aueri esitust asus viiuldajate kontsertrepertuaaris väärilisele kohale.
Need näited näitavad esitustegevuse loomingulist olemust, milleks ei ole autori teksti lihtne, formaalne tõlkimine helisse, vaid selle loominguline teostus. Psühholoogiline olemus tõlgendusi väljendas väga täpselt A.N. Serov: "Suurepäraste esinejate suur saladus seisneb selles, et nad valgustavad seda, mida nad esitavad, oma talendi jõuga seestpoolt, muudavad selle säravaks ja panevad sellesse kogu oma hingest pärit aistingute maailma."
Suuline tõlge ei piirdu esineja ametialaste teenete ja oskustega. See väljendab isiksuse kõiki aspekte ja on seotud maailmavaatega, ideoloogiline orientatsioon, üldkultuur, mitmekesised teadmised ja mõtteviis, mis moodustavad indiviidi sisemise sisu.
Esineja sotsiaalne, moraalne ja professionaalne vastutus on suurenenud alates 18. 19. keskpaik sajandil, mil etenduskunst eraldus komponeerimisest. Teose saatus sõltus suuresti esitajast.
A. Rubinstein: „Mulle on täiesti arusaamatu, mida üldiselt objektiivse soorituse all mõeldakse. Iga sooritus, kui seda ei tooda mitte masin, vaid inimene, on ise subjektiivne. Objekti (kompositsiooni) tähenduse õige edasiandmine on esitaja jaoks seaduspära, kuid igaüks teeb seda omal moel ehk subjektiivselt; ja kas on teisiti mõeldav? Kui kompositsiooni esitus peab olema objektiivne, siis oleks õige ainult üks viis ja seda peaksid jäljendama kõik esitajad; Millised saaksid esinejatest? Ahvid? Kas Hamleti või Kuningas Leari vms rollis on ainult üks esitus? Nii et muusikas mõistan ma ainult subjektiivset esitust.
Kunsti- ja esinemisideede kujunemine ja elluviimine
Tõlgendamise küsimustes on erakordse tähtsusega kujutlusvõime - vaimne protsess, mille käigus kujundatakse ettekujutus tulevasest tegevusest või luuakse uus üldidee või tegevuse lõpptoote konkreetsema esituse vormis. Kujutlusvõime on alati programmi vaimne konstruktsioon järgnevaks tegevuseks, eespool selle materiaalselt kehastatud vormist. Eristatakse loovat ja loomingulist kujutlusvõimet. Loominguline on uute ideede ja piltide loomine. Taasloomine on muusikalise teksti jms põhjal piltide konstrueerimine. Kujutlusvõime taasloomine - psühholoogiline alus muusikalise esituse tõlgenduse loomine.
Kahte tüüpi esinejaid - emotsionaalne tüüp ("kogemuse kunsti" järgijad) ja intellektuaalset tüüpi kunstnikud ( etenduskunstid, Stanislavsky).
Seal on sünteetilist tüüpi esinejaid. Nende kahe põhimõtte tähelepanuväärne kombinatsioon on S.V. tegevuses. Rahmaninov ning P. Casals, A. Toscanini ja J. Heifitz, D. Oistrakh ja S. Richter, L. Kogan ja E. Gilels, E. Svetlanov ja V. Fedosejev. Neid eristab sügav tungimine muusikateose sisusse, särav sisu ja vormi ühtsus, huvitav, originaalne interpretatsioon ja suurepärane tehniline oskus. Seda tüüpi iseloomustab tasakaal emotsionaalse ja intellektuaalse printsiibi vahel, mis on teadlikult reguleeritud.
Erinevad aspektid tõlgendused: 1. autori kavatsuse tõlgendamine esitaja poolt; 2. ajalooline pärand; 3. kultuuridevahelised ja kultuurisisesed suhted. Autentne esitus, süvenemine ajaloolisse ja kultuurilisse konteksti.
Muusikateose kallal töötamine peaks põhinema selle põhjalikul uurimisel. See võimaldab teil süveneda kujundlikku sfääri, säilitada esitaja huvi teose vastu ja lõpuks mõista autori kavatsust.
Kõige olulisem lähtepunkt sellel suurel ja raske tee on ajastu, mil konkreetne teos loodi. Tundub, et heliloojad räägivad sisse erinevad ajad sisse erinevaid keeli, kehastavad erinevaid ideaale, peegeldavad konkreetsele ajale iseloomulikke elu aspekte, filosoofilisi ja esteetilised vaated, mõisted. Sellest lähtuvalt kasutatakse ekspressiivseid vahendeid. On vaja mõista, miks see konkreetne stiil konkreetsel ajastul tekkis, siduda see helilooja isiksusega, kes on ajastu “toode”, kuulub teatud sotsiaalsesse gruppi, rahvusesse, muusikapala neisse tingimustesse ja teha kindlaks, millises suhtes see on looja ja ajaga.
Võtame epohhi ja liikumise määramise (tempo) suhte. Erinevatel ajastutel tõlgendati tempotähistusi erinevalt. Eelklassikalisel perioodil ei näidanud näiteks tempod “Allegro”, “Andante”, “Adagio” mitte liikumiskiirust, vaid muusika olemust. Scarlatti Allegro on aeglasem (või vaoshoitum) kui klassikute Allegro, Mozarti Allegro aga aeglasem (vaoshoitum) kui Allegro selle tänapäevases tähenduses. Mozarti Andante on liikuvam. Kui me sellest nüüd aru saame. Sama võib öelda ka muusikaajastu suhte kohta dünaamika ja artikulatsiooniga. Muidugi võimaldab kohalolev autoriteet kuskil vaielda dünaamiliste juhistega, tajuda uutmoodi klaverit, pianissimo’t, forte’t, fortissimo’t.
Helisalvestus
Esimesed seadmed heli salvestamiseks ja taasesitamiseks olid mehaanilised muusikariistad. Nad oskasid mängida meloodiaid, kuid ei suutnud salvestada suvalisi helisid, näiteks inimhäält. Muusika automaatne taasesitus on tuntud juba 9. sajandist, kui vennad Banu Musa leiutasid umbes 875. aastal vanima teadaoleva mehaanilise instrumendi – hüdraulilise ehk “veeoreli”, mis mängis automaatselt vahetatavaid silindreid. Silinder, mille pinnal on väljaulatuvad "nukid", jäi peamiseks vahendiks muusika mehaanilisel taasesitamisel kuni 19. sajandi teise pooleni. Loodi renessansiajal terve seeria mitmesugused mehaanilised muusikariistad, esitades õigel hetkel seda või teist meloodiat: tünniorelid, noodikastid, karbid, nuusktubakas.
1857. aastal leiutas de Martinville fonautograaf. Seade koosnes akustilisest koonusest ja nõelaga ühendatud vibreerivast membraanist. Nõel puutus kokku käsitsi pööratava tahmaga kaetud klaassilindri pinnaga. Koonust läbivad helivõnked panid membraani vibreerima, kandes vibratsiooni nõelale, mis jälgis tahmakihis helivõnke kuju. Selle seadme eesmärk oli aga puhtalt eksperimentaalne – see ei suutnud tehtud salvestist taasesitada.
1877. aastal leiutas Thomas Edison fonograafi, mis suutis juba oma salvestust esitada. Heli salvestatakse kandjale pala kujul, mille sügavus on võrdeline heli tugevusega. Fonograafi heliriba on paigutatud silindrilise spiraalina vahetatavale pöörlevale trumlile. Taasesituse ajal piki soont liikuv nõel edastab vibratsiooni elastsele membraanile, mis kiirgab heli.
Edison Thomas Alva (1847-1931), Ameerika leiutaja ja ettevõtja. Enam kui 1000 leiutise autor elektrotehnika ja side valdkonnas. Ta leiutas maailma esimese helisalvestusseadme – fonograafi, täiustas hõõglampi, telegraafi ja telefoni ning ehitas 1882. aastal maailma esimese elektrijaama.
Esimeses fonograafis pöörati vända abil metallrulli, mis liikus veovõlli kruvikeermete tõttu iga pöördega aksiaalselt. Rullile pandi tinafoolium (staniol). Pärgamendimembraaniga ühendatud terasnõel puudutas seda. Membraanile kinnitati metallist koonussarv. Heli salvestamisel ja taasesitamisel tuli rullikut käsitsi pöörata kiirusega 1 pööre minutis. Kui rull heli puudumisel pöörles, ekstrudeeris nõel fooliumi sisse püsiva sügavusega spiraalse soone (või soone). Kui membraan vibreeris, suruti nõel vastavalt tajutavale helile tina sisse, tekitades muutuva sügavusega soone. Nii leiutati "sügava salvestuse" meetod.
Oma aparaadi esimese katsetamise ajal tõmbas Edison fooliumi tihedalt silindri külge, viis nõela silindri pinnale, hakkas ettevaatlikult käepidet pöörama ja laulis lastelaulu "Mary Had a Little Lamb" esimese stroofi sisse. megafon. Seejärel tõmbas ta nõela tagasi, viis silindri käepidemega tagasi algasendisse, torkas nõela tõmmatud soonde ja hakkas silindrit uuesti pöörlema. Ja megafonist kõlas vaikselt, kuid selgelt laste laul.
1885. aastal töötas Ameerika leiutaja Charles Tainter (1854-1940) välja grafofoni – jalaga juhitava fonograafi (nagu jalaga töötav õmblusmasin) – ja asendas rullide plekk-lehed vahapastaga. Edison ostis Tainteri patendi ja fooliumrullikute asemel hakati salvestamiseks kasutama eemaldatavaid vaharulle. Heli soone samm oli umbes 3 mm, mistõttu salvestusaeg rulli kohta oli väga lühike.
Fonograaf eksisteeris peaaegu muutumatul kujul mitu aastakümmet. See lõpetas tootmise muusikateoste salvestamise seadmena 20. sajandi esimese kümnendi lõpus, kuid seda kasutati helisalvestina peaaegu 15 aastat. Selle jaoks mõeldud rulle toodeti kuni 1929. aastani.
Kümme aastat hiljem, 1887. aastal, asendas grammofoni leiutaja E. Berliner rullid ketastega, millest saab teha koopiaid - metallmaatriksiid. Nende abiga pressiti tuttavad grammofoniplaadid (joon. 4 a.). Üks maatriks võimaldas trükkida terve tiraaži – vähemalt 500 kirjet. See oli Berlineri plaatide peamine eelis võrreldes Edisoni vaharullidega, mida polnud võimalik paljundada. Erinevalt Edisoni fonograafist töötas Berliner välja ühe heli salvestamise seadme – maki ja teise heli taasesitamiseks – grammofoni.
Süvasalvestuse asemel kasutati põiksalvestust, s.o. nõel jättis püsiva sügavusega lookleva jälje. Seejärel asendati membraan ülitundlike mikrofonidega, mis muudavad helivibratsiooni elektrivibratsiooniks, ja elektrooniliste võimenditega. 1888 on aasta, mil Berlinger leiutas grammofoniplaadi ja -salvestuse.
Kuni 1896. aastani tuli ketast käsitsi pöörata ja see oli peamine takistus laialt levinud grammofonid. Emil Berliner kuulutas välja vedrumootori konkursi – odav, tehnoloogiliselt arenenud, töökindel ja võimas. Ja sellise mootori kujundas mehaanik Eldridge Johnson, kes tuli Berlineri ettevõttesse. Aastatel 1896–1900 Neid mootoreid toodeti umbes 25 000. Alles siis sai Berlineri grammofon laialt levinud.
Esimesed plaadid olid ühepoolsed. 1903. aastal lasti esmakordselt välja 12-tolline plaat, mille kahel küljel oli salvestus.
1898. aastal leiutas Taani insener Woldemar Paulsen (1869-1942) aparaadi heli magnetiliseks salvestamiseks terastraadile. Seejärel leiutas Paulsen pöörlevale teraskettale magnetilise salvestamise meetodi, kus liikuva magnetpea abil salvestati teave spiraalina. 1927. aastal töötas F. Pfleimer välja tehnoloogia magnetlindi tootmiseks mittemagnetilisel alusel. Sellest arengust lähtuvalt demonstreerisid Saksa elektrotehnikafirma AEG ja keemiafirma IG Farbenindustri 1935. aastal Saksamaa raadionäitusel rauapulbriga kaetud plastalusel magnetlinti. Tööstuslikus tootmises meisterdatud, maksis see 5 korda vähem kui teras, oli palju kergem ja mis kõige tähtsam, võimaldas tükke lihtsa liimimise teel ühendada. Uue magnetlindi kasutamiseks töötati välja uus helisalvestusseade, mis sai kaubamärgi "Magnetofon". Magnetlint sobib korduvaks helisalvestuseks. Selliste kirjete arv on praktiliselt piiramatu. Selle määrab ainult uue infokandja - magnetlindi - mehaaniline tugevus. Esimese kaherajalise magnetofoni andis välja Saksa firma AEG 1957. aastal ja 1959. aastal andis see firma välja esimese neljarajalise magnetofoni.
Siin on nimekiri 10 heliloojast, mida peaksite teadma. Neist igaühe kohta võib kindlalt väita, et tegemist on kõigi aegade suurima heliloojaga, kuigi tegelikult on võimatu ja isegi võimatu võrrelda mitme sajandi jooksul kirjutatud muusikat. Kõik need heliloojad paistavad aga oma kaasaegsete seas silma muusikat loonud heliloojatena kõrgeim tase ja püüdis nihutada klassikalise muusika piire uutele piiridele. Loend ei sisalda järjekorda, näiteks tähtsust või isiklikke eelistusi. Vaid 10 suurepärast heliloojat, mida peaksite teadma.
Iga heliloojaga on kaasas tsiteeritav tõsiasi tema elust, mida meenutades näed välja nagu asjatundja. Ja perekonnanime lingil klõpsates tunnete ta ära täielik elulugu. Ja loomulikult saate kuulata iga meistri üht märkimisväärset teost.
Tähtsaim tegelane maailma klassikalises muusikas. Üks enim esinenud ja hinnatumaid heliloojaid maailmas. Ta lõi kõigis omal ajal eksisteerinud žanrites, sealhulgas ooperis, balletis, draamalavastuste muusikas ja kooriteostes. Peetakse tema pärandi kõige olulisemateks instrumentaalteosed: klaveri-, viiuli- ja tšellosonaadid, kontserdid klaverile, viiulile, kvartetid, avamängud, sümfooniad. Romantilise perioodi rajaja klassikalises muusikas.
Huvitav fakt.
Beethoven tahtis kõigepealt pühendada oma kolmanda sümfoonia (1804) Napoleonile. Heliloojat köitis selle mehe isiksus, kes tundus paljudele oma valitsemisaja alguses tõelise kangelasena. Aga kui Napoleon kuulutas end keisriks, kriipsutas Beethoven maha oma pühendumuse tiitelleht ja kirjutas ainult ühe sõna - "kangelaslik".
"Kuuvalguse sonaat"L. Beethoven, kuulake:
2. (1685-1750)
Saksa helilooja ja organist, barokiajastu esindaja. Üks suurimaid heliloojaid muusikaajaloos. Oma elu jooksul kirjutas Bach üle 1000 teose. Tema looming esindab kõiki tolle aja märkimisväärseid žanre, välja arvatud ooper; ta võttis kokku barokiajastu muusikakunsti saavutused. Kuulsaima muusikalise dünastia asutaja.
Huvitav fakt.
Oma eluajal oli Bach nii alahinnatud, et tema teoseid avaldati vähem kui tosin.
J. S. Bachi tokaata ja fuuga d-moll, kuulake:
3. (1756-1791)
Austria suur helilooja, instrumentalist ja dirigent, Viini klassikalise koolkonna esindaja, virtuoosne viiuldaja, klavessinist, organist, dirigent, tal oli fenomenaalne muusikakõrv, mälu ja improviseerimisvõime. Igas žanris silma paistnud heliloojana peetakse teda õigusega üheks suurimaks heliloojaks klassikalise muusika ajaloos.
Huvitav fakt.
Veel lapsena õppis Mozart pähe ja salvestas itaallase Gregorio Allegri Miserere’i (kat. laulu 50. Taaveti psalmi tekstile), olles seda vaid korra kuulanud.
W.A. Mozarti "Väike ööserenaad"., kuulake:
4. (1813-1883)
Saksa helilooja, dirigent, näitekirjanik, filosoof. Mõjus oluliselt Euroopa kultuur XIX-XX vahetus sajandid, eriti modernism. Wagneri ooperid on vapustavad oma suurejoonelises mastaabis ja igavestes inimlikes väärtustes.
Huvitav fakt.
Wagner osales Saksamaal aastatel 1848–1849 läbikukkunud revolutsioonis ja oli sunnitud Franz Liszti poolt arreteerimise eest varjama.
"Valküüride sõit" R. Wagneri ooperist "Walkyrie", kuulake
5. (1840-1893)
Itaalia helilooja, Itaalia ooperikoolkonna keskne tegelane. Verdil oli lavatunnetus, temperament ja laitmatu oskus. Ta ei eitanud ooperitraditsioonid(erinevalt Wagnerist), kuid vastupidi arendas neid (Itaalia ooperi traditsioone), muutis ta itaalia ooperit, täitis selle realismiga ja andis sellele terviku ühtsuse.
Huvitav fakt.
Verdi oli Itaalia natsionalist ja valiti 1860. aastal pärast Itaalia iseseisvuse väljakuulutamist Austriast esimesse Itaalia parlamenti.
Avamäng D. Verdi ooperile "Traviata", kuulake:
7. Igor Fedorovitš Stravinski (1882-1971)
Vene (ameerika – pärast emigreerumist) helilooja, dirigent, pianist. Üks kõige enam olulised heliloojad kahekümnendal sajandil. Stravinski looming on järjepidev kogu tema karjääri jooksul, kuigi aastal erinevad perioodid Tema tööde stiil oli erinev, kuid säilisid tuumik ja vene juured, mis ilmnesid kõigis tema töödes, teda peetakse üheks 20. sajandi juhtivaks uuendajaks. Tema uuenduslik rütmi- ja harmooniakasutus on inspireerinud ja inspireerib ka edaspidi paljusid muusikuid, mitte ainult klassikalises muusikas.
Huvitav fakt.
Esimese maailmasõja ajal konfiskeerisid Rooma tolliametnikud Pablo Picasso portree Stravinskist, kui helilooja oli Itaaliast lahkumas. Portree oli maalitud futuristlikult ja tolliametnikud pidasid neid ringe ja jooni mingisuguseks krüpteeritud salamaterjaliks.
Süit I. F. Stravinski balletist. Tulelind",
kuulake:
8. Johann Strauss (1825-1899)
Austria kergemuusika helilooja, dirigent ja viiuldaja. "Valsside kuningas", lõi ta tantsumuusika ja opereti žanris. Tema muusikapärandisse kuulub üle 500 valsi, polka, kadrilli ja muud tantsumuusikat, aga ka mitmeid operette ja ballette. Tänu temale sai valss 19. sajandil Viinis ülipopulaarseks.
Huvitav fakt.
Ka Johann Straussi isa on Johann ja samuti kuulus muusik, nii et "Valssikuningat" kutsutakse noorimaks ehk pojaks, tema vennad Joseph ja Eduard olid samuti kuulsad heliloojad.
J. Straussi valss "Ilusal sinisel Doonaul", kuulake:
9. Sergei Vasilievitš Rahmaninov (1873-1943)
Austria helilooja, Viini klassikalise muusikakooli üks silmapaistvamaid esindajaid ja üks romantismi rajajaid muusikas. Oma lühikese elu jooksul andis Schubert märkimisväärse panuse orkestri-, kammer- ja klaverimuusikat, mis mõjutas tervet põlvkonda heliloojaid. Tema kõige silmatorkavam panus oli aga saksa romansside arendamisel, millest ta lõi üle 600.
Huvitav fakt.
Schuberti sõbrad ja kaasmuusikud tulevad kokku ja esitavad Schuberti muusikat. Neid kohtumisi nimetati "schubertiaadideks". Mingi esimene fänniklubi!
F.P.Schuberti "Ave Maria"., kuulake:
Jätkates suurepäraste heliloojate teemat, mida peaksite teadma, uus materjal.
Sellele küsimusele on raske kindlat vastust anda. Võib olla põhjust eelistada interpreteeriva helilooja esitust puhtalt esinemisandega artisti esitustele. Kuid ma ei väida kategooriliselt, et see on alati nii ja mitte teisiti, hoolimata tõsiasjast, et kaks ajaloo suurimat pianisti – Liszt ja Rubinstein – olid mõlemad heliloojad. Enda osas tunnen, et kui minu enda teoste esitus erineb teiste inimeste teoste esitusest, siis ainult sellepärast, et tunnen oma muusikat paremini.
Heliloojana olen sellele juba nii palju mõelnud, et sellest on saanud justkui osa minust. Pianistina lähenen sellele seestpoolt, mõistes seda sügavamalt, kui ükski teine interpreet seda mõista suudab. Lõppude lõpuks uurite alati teiste inimeste töid kui midagi uut, mis asub väljaspool teid. Sa ei saa kunagi olla kindel, et oma esitusega mõistad õigesti teise helilooja kavatsust. Jõudsin teiste pianistidega oma teoseid praktiseerides veendumusele, et heliloojal võib olla väga raske avaldada oma arusaama teosest, selgitada esitajale, kuidas teost tuleb mängida.
Heliloojale on omased kaks elulist omadust, mida esinejalt samal määral ei nõuta. Esimene on kujutlusvõime. Ma ei taha väita, et esineja ei oleks fantaasiarikas. Kuid on põhjust arvata, et heliloojal on suurem anne, sest ta peab enne loomist ette kujutama. Kujutada ette sellise jõuga, et tema mõtetesse ilmub selge pilt tulevasest tööst enne, kui ükski noot on kirjutatud. Tema valminud töö on katse kehastada selle pildi olemust muusikas. Sellest järeldub, et kui helilooja tõlgendab oma teost, tekib see pilt selgelt tema meeles, samas kui iga muusik, kes esitab kellegi teise teost, peab seda täielikult ette kujutama. uus pilt. Tõlgenduse õnnestumine ja elujõud oleneb suurel määral tema kujutlusvõime tugevusest ja särtsakust. Ja selles mõttes tundub mulle, et heliloojal-tõlgil, kelle kujutlusvõime on loomult nii kõrgelt arenenud, võib öelda, et tal on kunstniku ees eelis - ainult interpreteerija.
Ja veelgi olulisem kingitus, mis eristab heliloojat kõigist teistest muusikutest, on peenelt arenenud muusikaline värvitaju. Nad ütlevad, et Anton Rubinstein teadis, nagu ükski teine pianist, eraldada klaverist hämmastavat rikkust ja mitmekesisust puhtalt. muusikalised värvid. Need, kes kuulasid Rubinsteini mängu, kujutasid mõnikord ette, et tema käes on kõik suure orkestri ressursid, sest olles ka suurepärane helilooja, oli Rubinsteinil intensiivne muusikaline värvitaju, mis laienes nii tema esinemisele kui ka tema esinemisele. loominguline tegevus. Isiklikult usun, et terav muusikaline värvitaju on helilooja suurim eelis. Ükskõik kui suurepärane muusik üks interpreet ka poleks, arvan, et ta ei suuda kunagi saavutada aistingu sügavust ja muusikaliste värvide täielikku taasesitamist, mis on helilooja talendi lahutamatu omadus.
Heliloojale, kes on ka dirigent, võib see terav värvitaju olla takistuseks teiste inimeste teoste tõlgendamisel, sest ta võib tuua esitusesse helilooja poolt kavandatust erinevaid värve.
Helilooja on alati ideaalne dirigent – oma kompositsioonide interpretaator. Mul oli võimalus kuulda kolme suurepärast loomingulist kunstnikku – Rimski-Korsakovit, Tšaikovskit ja Rubinsteini – nende teoseid dirigeerimas ning tulemus oli tõeliselt kahetsusväärne. Kõigist muusikakutsetest eristub dirigeerimine – see on individuaalne anne, mida ei saa omandada. Olla hea dirigent, peab muusik olema tohutu enesekontrolliga. Ta peab suutma jääda rahulikuks. Kuid rahulikkus ei tähenda rahulikkust ja ükskõiksust. Muusikalise tunnetuse kõrge intensiivsus on vajalik, kuid see peab põhinema ideaalsel mõtte tasakaalul ja täielikul enesekontrollil. Dirigeerides kogen midagi lähedast sellele, mida tunnen oma autoga sõites – sisemist rahu, mis annab mulle täieliku kontrolli enda ja nende jõudude – muusikaliste või mehaaniliste – üle, mis mulle alluvad.
Teisalt on esineja jaoks emotsioonide valdamise probleem isiklikum. Ma tean hästi, et minu mäng on päevade lõikes erinev. Pianist on akustika ori. Alles pärast esimese pala mängimist, saali akustikat kogedes ja üldist õhkkonda tunnetades tean, mis meeleolus terve kontserdi veedan. Mõnes mõttes ei ole see minu jaoks hea, kuid võib-olla on artistil parem mitte kunagi oma esituses ette kindel olla, kui saavutada mingi konstantne soorituse tase, mis võib kergesti muutuda mehaaniliseks rutiiniks.
Kas kunstniku elu mõjutab tema loomingut halvasti?
Palju sõltub kunstniku individuaalsusest. Näiteks on Strauss tegev helilooja ja dirigendina. Rubinstein töötas igal hommikul kella seitsmest kaheteistkümneni muusika loomise kallal, veetes ülejäänud päeva klaveri taga. Isiklikult pean sellist topeltelu võimatuks. Kui ma mängin, ei saa ma komponeerida, kui ma komponeerin, siis ma ei taha mängida. Võib-olla sellepärast, et ma olen laisk; Võib-olla võtab lakkamatu klaveri harjutamine ja kontsertartisti eluga kaasnev igavene sagimine minult liiga palju energiat. Võib-olla sellepärast, et ma tunnen, et selline muusika, mida ma teha tahaksin, ei ole tänapäeval vastuvõetav. Või võib-olla on tegelik põhjus, et ma olen viimastel aastatel eelistanud etenduskunstniku elu helilooja elule, hoopis teine. Pärast Venemaalt lahkumist kadus komponeerimissoov. Olles kaotanud kodumaa, kaotasin ma iseenda. Muusikalised juured, traditsioonid ja põlise pinnase kaotanud pagulasel pole loomishimu, ei jää muud lohutust peale häirimatute mälestuste hävimatu vaikuse.
“Kindlaim ja kõrgeim abinõu
teenimine suurepärastele heliloojatele
seisneb nende täielikus viimises
kunstniku siirus"
(Alfred Cortot).
Teatud noodisüsteemis salvestatud muusikateose ilmumisest alates on loomingulised suhted muusika peamiste kandjate – heliloojate ja esitajate – vahel olnud pidevas muutumises. Selles kogukonnas võitlevad kaks tendentsi – sulandumise soov eneseväljenduse sooviga. Alates 19. sajandi keskpaigast on vene pianismist saanud üks edumeelsemaid rühmitusi maailmas. Venemaal mõistsid nad varem kui kusagil mujal autoriteksti hoolika uurimise vajadust koos loomingulise suhtumisega sellesse. 20. sajandi neli esimest kümnendit on autoriteksti suhtumise küsimuse kõige harmoonilisema lahendamise aeg; pianistid hakkasid palju sügavamalt mõistma teose olemust ja selle looja stiili. Nõukogude muusikud andsid Bahianit esitades maailmale väärilise panuse. M.V. Yudina kummardas Bachi kogu oma elu loominguline elu. Sellest annab tunnistust pianisti mängitud tema teoste arv (umbes kaheksakümmend), mis on tema põlvkonna kunstnike jaoks peaaegu ainulaadne. Bachi repertuaaris loobus ta paljudest ekspressiivsetest romantilistest vahenditest, sealhulgas konkreetselt klaveritest; seda iseloomustas romantikute tõlgendustega võrreldes ajaloolisem Bachi lugemine. Yudina oli üks esimesi, kes mõistis, et Bachi looming ja kaasaegne klaver kuuluvad eri ajastutesse elava kunstilise reaalsusena, mis valmistab tõlgendajale raskusi. Yudina stiili uuenduslikke jooni saab hinnata tema kromaatilise fantaasia ja fuuga esituse järgi, mida eristavad lineaarsed figuratsioonid, askeetlik koloriit ja energiline klavessiinilaadne artikulatsiooni tükeldamine. Tähelepanu väärivad nii vanas klahvpilli vaimus, orelihõnguline “registreerimine”, kui ka aeglane, “suveräänne” tempo ja range agoogia. Pianisti stiiliiha ei muutunud kunagi muuseumilikuks "kuivaks" esituseks. Yudina tõlgendustes hakkas Bachi teoste juurde tagasi jõudma oskus väljendada pikaajalist süvenemist ühte emotsionaalsesse seisundisse, mis oli kadunud romantilistesse lugemistesse: klahvpilli-oreli registreerimise põhimõtete taaselustamine; diminuendo kadumine lõputaktides; fuugade helitugevuse järkjärgulise suurendamise traditsiooni tagasilükkamine algusest lõpuni, impulsiivse rubato puudumine. Väärib märkimist Yudina esinemisotsuste juures veel üks "klaverim" - artikulatsiooni tähtsuse suurenemine.
Nõukogude muusikute seas sai Svjatoslav Teofilovich Richterist pianismi ajaloo postromantilise etapi klassik, kunstnik, kelle loomingusse koondati uue esinemisajastu juhtivad suundumused. Ta lõi tõlgendusi, ilma milleta pole Bachi muusika esituslugu mõeldav. Lõhkudes otsustavalt selle helilooja loomingu romantiseeriva tõlgendamise tendentsid, kustutas Richter oma saadetest transkriptsioonid. Richteri Bachi diskograafias peamist kohta hõivavates HTC prelüüdides ja fuugades vastandab ta romantilise vabaduse ja tõlgenduste subjektiivsuse maksimaalse objektiivsuse ihale ning justkui “läheb varju”, soovides lasta “ muusika ise” heli. Need tõlgendused on läbi imbunud ettevaatlikust, puhtast suhtumisest autorisse. Enese neeldumine domineerib siin täielikult tunnete väliste ilmingute üle; emotsionaalne intensiivsus on märgatav ainult tohutus intellektuaalses pinges. Tema ainulaadne oskus peegeldub tema nähtamatuses, pianistlike vahendite lakoonilisuses ja askeesis. Richteris kuuleme oreli-, vokaali-, orkestri-, orkestri-koori- ja klavessiiniheli ning kellaheli võimalikkust. «Olen veendunud, et Bachi saab hästi mängida erineval viisil, erineva liigenduse ja erineva dünaamikaga. Kuni säilib tervik, kuni ei moonutata stiili rangeid piirjooni, kuni teostus on piisavalt veenev” (S.T. Richter).
Richterile on omane sügav ja kõikehõlmav, tõeliselt kunstiline lähenemine HTC tsüklile. Richteri esitust kuulates pole temas raske tuvastada kahte põhilist tendentsi, mis vahel ka omavahel võitlevad. Ühest küljest näib tema esitus olevat Bachi-aegse klaverikunsti eripärade poolt ette määratud piirides. Teisest küljest käsitleb see alati nähtusi, mis väljuvad nendest piiridest. „Selles on justkui kokku joodetud Bachi klavessiini, klavikordi ja oreli sümpaatia ning tema säravad tulevikunägemused” (Ja. Milshtein). See ühendab ekspressiivsed, konstruktiivsed ja lineaarsed elemendid üheks tervikuks. Seetõttu toob Richter teistes prelüüdides ja fuugades esiplaanile intellektuaalse, konstruktiiv-polüfoonilise printsiibi ja seob sellega nende kujundliku struktuuri; teistes rõhutab see Bachi muusika filosoofilist sügavust ja sellega seotud kõigi väljendusvahendite orgaanilist tasakaalu. Mõnikord köidab teda sujuvalt voolavate meloodialiinide väljendus (koherentne legato-artikulatsioon), mõnikord vastupidi, rütmi teravus ja selgus, artikulatsiooni tükeldamine. Kohati püüdleb ta romantilise mängupehmuse ja plastilisuse poole, kohati teravalt rõhutatud dünaamiliste kontrastide poole. Kuid teda muidugi ei iseloomusta fraaside "tundlikud" ümardamised, väikesed dünaamilised toonid, põhjendamatud kõrvalekalded põhitempost. Äärmiselt võõras on ka Bachi üliekspressiivne, impulsiivne tõlgendus, asümmeetrilised aktsendid, üksikute nootide ja motiivide terav rõhutamine, äkiline “spasmiline” tempokiirendus jne. Tema HTC teostus on ühtlane, suure plaaniga, orgaaniline ja sujuv. “Tema suurim õnn on lahustuda valitud helilooja tahtes” (Ja. Milshtein).
Glen Gouldi tähelepanuväärsete, maailma vallutanud tõlgenduste peamiseks tõukejõuks on hämmastav intuitsioon, tema sees elavate muusikaliste emotsioonide vastupandamatu jõud. Gouldi Bach on 20. sajandi teise poole etenduskunsti suurim tipp. Gouldi pianismi klavessiinipalett, tema melismaatika ja palju muud annavad tunnistust intellektist ja sügavaimast tungimisest Bachi-aegsesse kultuuri. Gouldi tõlgendustest Bachi leiutistest, partiitadest, Goldbergi variatsioonidest ja muudest teostest kujunes kunstiline aare, mida meie kaasaegsed tajusid etenduskunsti meistriteostena, kõigist kuhjunud kihtidest puhastatud stiilistandardina. Kuid meistri loominguline dominant ei olnud kunagi Bachi jäljendamine. Ta kuuletub oma intuitsioonile, kuid ei kõhkle muutmast Bachi “valge” teksti otseandmeid. Gould esitab Bachi teoseid erineva kunstilise veendumusega. Kõiki HTC I köite fuugasid ei esitata Gouldi tavapärases stiilis kunstiline tase. Meistrimängus esineb sageli otseseid kõrvalekaldeid tekstist, selle rütmi- ja kõrgusvariatsioonidest.
Gouldi mäng hämmastab oma originaalse ja ülimalt väljendusrikka melismaatilise kvaliteediga. Nende asukoht on samuti originaalne – palju on lisatud, teisi ei teostata. Ilma nendeta oleksid kunstniku Bachi tõlgendused palju kaotanud. Kunstnik kasutab sageli teksti rütmilisi variatsioone. Aga kui meistri mängu eelmainitud jooned ei too teoste iseloomus ja tähenduses kaugeleulatuvaid muutusi, siis Gouldi muud transformatsioonid tungivad teoste olemusse. Kanada meistri tõlgendused hõlmavad rikkalikku kujundlikku spektrit. Ta mängib paljusid asju sügava lüürilisuse, Bachi jaoks ebatavalise rütmilise vabaduse ja lühikese fraseeringuga. Tema mäng hämmastab oma hääle täiuslikkuse ja esiletõstmisega. Kogu muusika kangas on "ühe pilguga" selge. Muusikat näib rikastavat kõigi häälte väljendusrikas intonatsioon.
Mängu meistrite joonemaaling on väga arenenud, mitmekesine ja viimistletud. Tema puudutused annavad Bachi meloodiate motiivilisele struktuurile kõige mitmekesisema ilme. Erilist huvi pakub ebatavaline samade meloodiate löökide varieerimise tehnika, sealhulgas fuugade, leiutiste ja muude teoste teemad, mis avab uusi esitusprobleeme. Bachi orkestriteoste uurimine, milles on teatud arv autoriliigasid – lööke, näitab sellise näite võimalikkust. Suur helilooja ise varieeris oma lööke ja mitte nii harva. Kanada vabamõtleja lõi meie aja kõige mõjuvama Bachi. Ta on teistsugune Bach: mitte see, kes oli oma eluajal, ega see, kes muutudes erinevatele põlvkondadele paistis, vaid ta tundub Gouldi kaasaegsetele kõige ehtsama Bachina.
Instrumentaalmuusika vallas avas J. S. Bachi looming terviku uus ajastu, mille viljakas mõju ulatub tänapäevani ja ei kuiva kunagi. Religioosse teksti luustunud dogmast piiramata muusika on laias laastus orienteeritud tulevikule ja on vahetult lähedal tegelikule elule. See on tihedalt seotud ilmaliku kunsti ja muusika tegemise traditsioonide ja tehnikatega.
Bachi instrumentaalmuusika kõlamaailma iseloomustab selle ainulaadne originaalsus. Bachi teosed on meie teadvuses kindlalt kinnistunud ja muutunud lahutamatuks esteetiliseks vajaduseks, kuigi neid mängitakse tolleaegsetest pillidel.
Instrumentaalmuusika, eriti Köthen, oli Bachi "eksperimentaalne väli" tema tervikliku kompositsioonitehnika täiustamisel ja lihvimisel. Nendel teostel on püsiv kunstiline väärtus, mis on vajalik lüli Bachi üldises loomingulises arengus. Klavier sai Bachi jaoks igapäevaseks muusikaliseks eksperimenteerimiseks struktuuri, harmoonia ja vormiloome vallas ning laiemalt ühendas Bachi loomingu erinevaid žanrivaldkondi. Bach laiendas klaveri kujundlikku ja ekspressiivset sfääri ning arendas selle jaoks välja palju laiema, sünteetilise stiili, mis hõlmas oreli-, orkestri- ja vokaalkirjandusest – saksa, itaalia, prantsuse – õpitud väljendusvahendeid, tehnikaid ja temaatikat. Kogu kujundliku sisu mitmekülgsusega, mis nõuab teistsugust esitusviisi, eristavad Bachi klaviatuuristiili mõned üldised omadused: energiline ja majesteetlik, sisukas ja tasakaalustatud emotsionaalne struktuur, rikkus ja tekstuuri mitmekesisus. Klahvpilli meloodia kontuur on ilmekalt meloodiline, nõudes kõlavat mängustiili. See põhimõte on suuresti seotud Bachi sõrmede ja käte asetusega. Stiili üheks iseloomulikuks jooneks on esitusrikkus harmooniliste figuratsioonidega. Selle tehnika abil püüdis helilooja "kõrvale pinnale tõsta" nende suurejooneliste harmooniate sügavaid kihte, mis tolleaegses klaveris sulanud faktuuris ei suutnud neis sisalduvaid värvi- ja väljendusrikkusi täielikult paljastada.
Bachi teosed ei pane mitte ainult hämmastama ja vastupandamatult köitma: nende mõju muutub tugevamaks, mida sagedamini neid kuuleme, seda rohkem me nendega tuttavaks saame. Tänu tohutule ideerikkusele avastame nendes alati midagi uut, mis tekitab imetlust. Bach ühendas esindusliku ja üleva stiili peeneima viimistlusega, äärmise hoolikusega kompositsioonilise terviku detailide valikul, sest ta oli veendunud, et „tervik ei saa olla täiuslik, kui selle terviku detailid ei ole piisavalt täpselt üksteisega „sobitatud”. ” (I. Forkel).