Muusikariistu kujutavaid maale on tohutult palju. Kunstnikud pöördusid sarnaste teemade poole erinevatel ajalooperioodidel: iidsetest aegadest tänapäevani.
Bruegel vanem, jaan
KUULUTUJU (fragment). 1618
Muusikariistade kujutiste sage kasutamine kunstiteostes on tingitud muusika ja maalikunsti tihedast seosest.
muusikariistad kunstnike maalidel mitte ainult anna aimu kohta kultuurielu ajastust ja tolleaegsete muusikainstrumentide arengust, aga ka neil on teatud sümboolne tähendus.
Melozzo
jah Forli
Ingel
1484
Pikka aega on arvatud, et armastus ja muusika on lahutamatult seotud. Ja muusikariistu on sajandeid seostatud armastustundega.
Keskaegne astroloogia pidas kõiki muusikuid "Venuse" lasteks, armastuse jumalannaks. Külluses lüürilised stseenid kunstnikelt erinevad ajastud muusikariistad mängivad olulist rolli.
Jan Mens Molenaar
Daam selja taga
17. sajandil
Pikka aega on muusikat seostatud armastusega, millest annab tunnistust 17. sajandi hollandi vanasõna: "Õppige mängima lutsu ja spinetti, sest keelpillidel on jõud südameid varastada."
Andrea Solario
Naine lautoga
Mõnel Vermeeri maalil esineb muusika põhiteema. Muusikariistade esinemist nende maalide objektides tõlgendatakse kui peent vihjet rafineeritud ja romantiline suhe kangelased.
"Muusikatund" (kuninglik kollektsioon, St. Jamesi palee).
Neitsi, klavessiini tüüp, oli koduseks mängimiseks väga populaarne muusikariistana. Kujutise täpsuse põhjal suutsid eksperdid kindlaks teha, et see on valmistatud kogu maailmas kuulsas Antwerpeni Rückersi töökojas. Neitsi kaanel on ladinakeelne kiri: "Muusika on rõõmu kaaslane ja kurbuste ravija."
Muusikat mängivatest inimestest saavad sageli maalide tegelased Prantsuse maalikunstnik, rokokoo stiili asutaja Jean Antoine Watteau.
Watteau teose põhižanriks on "galantsed pidustused": aristokraatlik ühiskond,
asub looduse süles, vestleb, tantsib, mängib muusikat ja flirdib
Sarnane pildiring oli äärmiselt populaarne aastal loomingulised ringid Prantsusmaa. Sellest annab tunnistust tõsiasi, et mõned Watteau maalid kannavad sama pealkirja kui helilooja François Couperini klavessiinipalad, prantsuse helilooja, kunstniku kaasaegne. Tundlikud asjatundjad hindasid mitte ainult Watteau maalilisust, vaid ka musikaalsust. “Watteau kuulub F. Couperini ja C.F.E. sfääri. Bach," nentis suur filosoof Oswald Spengleri kunst (lisa II).
Samuti võib muusikariistu seostada mütoloogiliste tegelastega.
Paljud muusikariistad sümboliseerivad muusasid ja on nende asendamatud atribuudid. Seega on Clio jaoks ajaloo muusad trompet; Euterpe jaoks (muusika, lüürika) - flööt või mõni muu muusikainstrument; Talia jaoks (komöödia, pastoraalne luule) - väike vioola; Melpomene jaoks (tragöödia) - bugle; Terpsichore jaoks (tants ja laul) - viool, lüüra või muu keelpill;
Erato jaoks (lüürika) - tamburiin, lüüra, harvem kolmnurk või viool; Calliope jaoks (eepiline luule) - trompet; Polyhymnia jaoks (kangelashümnid) - kaasaskantav orel, harvem - laut või muu instrument.
Kõigi muusade, välja arvatud Uraania, sümbolite või atribuutide hulgas on muusikariistad. Miks? Seda seletatakse asjaoluga, et iidsetel aegadel lauldi erinevatest žanritest luuletusi, mis sisaldasid ühel või teisel määral muusikalist elementi. Seetõttu oli erinevaid luuležanre patroneerinud muusadel igaühel oma instrument.
Dirk Hals
Muusikud
XVI sajandil
Pillide sümboolne tähendus seostub just nende tegelastega. Näiteks harf sisse Euroopa kultuur Keskaeg ja renessanss olid tugevalt seotud legendaarse psalmide autori, piiblikuninga Taavetiga. Suur kuningas, poliitik, sõdalane oli ja suurim luuletaja ja muusik, Taaveti harfi kümne keele sümboolika kaudu selgitas püha Augustinus kümne piiblikäsu tähendust. Maalidel kujutati Davidit sageli seda pilli mängiva karjasena.
Jan de Bray. David mängib harfi. 1670
See tõlgendus piibli lugu tõi kuningas Taaveti lähemale Orpheusele, kes rahustas loomi lüürat mängides.
(C) Kuldne harf oli keldi jumala Dagda atribuut. Keldid ütlesid, et harf on võimeline tootma kolme püha meloodiat. Esimene meloodia on kurbuse ja helluse meloodia. Teine on und tekitav: seda kuulates täitub hing rahuseisundiga ja vajub unne. Harfi kolmas meloodia on meloodia rõõmust ja kevade tagasitulekust
Pühades saludes pöördusid harfihelina saatel keltide preestrid druiidid jumalate poole, laulsid nende hiilgavaid tegusid ja viisid läbi rituaale. Lahingute ajal ronisid roheliste pärgadega kroonitud väikeste harfidega bardid mäkke ja laulsid sõjalaule, sisendades sõdalastesse julgust.
Kõigist maailma riikidest on ainult Iirimaa vapil kujutatud muusikariista. See on hõbedaste keeltega kuldne harf. Pikka aega oli harf heraldiline sümbol Iirimaa. Alates 1945. aastast on see ka vapp
W. Bosch - "Maiste rõõmude aed" -
selle pilli keeltel on ristilöödud mehe kujutis. See peegeldab ilmselt ideid nööripinge sümboolikast, mis väljendab samaaegselt armastust ja pinget, kannatusi, šokki, mida inimene on oma maise elu jooksul kogenud.
Kristluse levikuga ja selle pühad raamatud Kunstnikud kujutavad ingleid sageli muusikariistadega. Muusikariistu mängivad inglid esinevad 12. sajandi ingliskeelsetes käsikirjades. Tulevikus suureneb selliste piltide arv pidevalt.
Muusikariistade rohkus inglite käes annab aimu nende kujust ja kujundusest, kombinatsioonide iseärasustest ning võimaldab tutvuda ka tol ajal eksisteerinud muusikaliste kooslustega.
Renessansi ajal tuleb " parim tund"inglite jaoks. Maalimeistrid saavad neist täiuslikest ja harmoonilistest olenditest üha enam inspiratsiooni.
Jumalat ülistavad stseenid muudetakse renessansikunstnike loomingus tõelisteks inglikontsertiks, millest saab õppida muusikaline kultuur sellest ajast. Orel, lauto, viiul, flööt, harf, kannel, tromboon,viola da gamba...See ei ole täielik nimekiri pillidest, mida inglid mängivad.
Piero della Francesca.
jõulud. London. Rahvusgalerii. 1475
muusikariistade pilte saab jagada mitmeks rühmaks:
1) lüürilistes süžees kasutatakse muusikainstrumente;
2) muusikariistade kuvandil on seos mütoloogiaga, näiteks muistsega, kus need sümboliseerivad muusasid ja on nende asendamatud atribuudid:
3) kristlusega seotud lugudes isikustavad muusikariistad kõige ülevamaid ideid ja kujundeid ning saadavad piibliloo kulminatsioonihetki;
4) aimu annavad ka tööriistade pildid instrumentaalansamblid ja muusika tegemise tehnikaid,
aastal eksisteeris ajalooline periood pildi loomine;
5) sageli kannab teatud instrumentide kuvand endaga kaasa filosoofilised ideed, nagu näiteks Vanitase-teemalistes natüürmortides;
6) pillide sümboolika võib muutuda sõltuvalt kunstniku kavatsusest ja pildi üldisest sisust (kontekstist), nagu näiteks Boschi maalil “Maiste naudingute aed”.
paeluv oh ja kohati ka kunsti salapärane pool.
Lõppude lõpuks, paljud vanaaegsed pillid, muusikalised ansamblid, mängu võtteid saab nüüd näha vaid maalidelt.
Hendrik van Balen
Apollo ja muusad
Judith Leyster
Noor flötist
1635
Daam harfiga
1818
John Melush Stradwicki vesper
1897
Jean van Biglert
Kontsert
E. Degas
Fagott (fragment)
2. PEATÜKK. Kitarr vallutab Euroopa
17. sajandil jätkas kitarr Euroopa vallutamist.
Üks tolleaegsetest kitarridest kuulub kuninglikule muuseumile muusikakolledž Londonis. Loodud 1581. aastal Lissabonis teatud Melchior Diazi poolt.
Selle kitarri ülesehitusel on jooni, mida muusikariistade meistrid oma teostes kordavad enam kui kahe sajandi jooksul.
Itaalia 17. sajandi battente kitarr Milano Sforza lossi kollektsioonist.
Kõik tolleaegsed kitarrid olid rikkalikult ornamenteeritud. Sellise peene eseme valmistamiseks kasutavad käsitöölised väärtuslikke materjale: haruldasi puiduliike (eriti must - eebenipuu), elevandiluu, kilpkonnakarp. Alumine tekk ja küljed on kaunistatud inkrustatsiooniga. Peamine, vastupidi, jääb lihtsaks ja on valmistatud okaspuust (enamasti kuusest). Et vibratsiooni mitte alla suruda, on puitmosaiikidega trimmitud ainult resonaatori auk ja korpuse servad kogu selle ümbermõõdu ulatuses.
Peamine dekoratiivne element– reljeefsest nahast rosett. See pistikupesa mitte ainult ei konkureeri kogu korpuse kui terviku iluga, vaid pehmendab ka tekitatavaid helisid. On ilmne, et nende luksuslike pillide omanikke ei huvitanud mitte niivõrd tugevus ja võimsus, kuivõrd heli keerukus.
Üks esimesi säilinud näiteid 17. sajandist pärit kitarridest on Pariisi konservatooriumi muusikainstrumentide muuseumi kogus. Sellel on meistri Veneetsia Cristofo Coco nimi ja kuupäev - 1602. Lame korpus on täielikult valmistatud elevandiluust plaatidest, mis on kinnitatud kitsaste pruuni puidust ribadega.
Augustine Quesneli kitarrist 1610
17. sajandil levis Hispaaniast, kus see oli populaarne, pärit razgueado stiil suures osas Euroopas. Kitarr kaotab selle kohe oluline, mida ta kasutas tõsiste muusikute jaoks. Nüüdsest kasutatakse seda ainult saateks, et “laulda, mängida, tantsida, hüpata... tembeldada”, nagu kirjutab Louis de Bricenot oma “Meetodi” (Pariis, 1626) eessõnas.
Ka Bordeaux’ teoreetik Pierre Trichet märgib kahetsusega (umbes 1640): „Kitarr ehk guiterna on laialdaselt kasutatav pill prantslaste ja itaallaste, aga eriti hispaanlaste seas, kes kasutavad seda sama ohjeldamatult kui kõiki teisi rahvusi. Ta teenib muusikaline saatel tantsud, mis tantsivad, "tõmbleb kogu kehaga, žestikuleerib absurdselt ja naljakalt, nii et pillimäng muutub ebaselgeks ja segaseks". Ja nördinud selle üle, mida ta peab jälgima, jätkab Pierre Trichet: „Prantsusmaal püüavad Hispaania moega tuttavad daamid ja kurtisaanid seda jäljendada. Selle poolest sarnanevad nad nendega, kes selle asemel, et hästi süüa oma kodu, läheb naabri juurde pekki, sibulat ja musta leiba sööma.”
David Teniers noorem kitarrist
Mattia Pretty kontsert 1630. aastad
Vaatamata sellele on kitarr Prantsusmaal endiselt populaarne. Kitarri kasutatakse kergesti ballettides. Filmides “Saint-Germaini metsa haldjas” (1625) ja “Rikas lesk” (1626) mängivad suurema tõepärasuse huvides kitarri Hispaania kostüümidesse riietatud muusikud. Esimeses balletis kohandavad chaconne'i mängijad oma kitarri helisid oma jalgade nobedate liigutustega. Teises, mille Tema Majesteet paigutas Suur saal Louvre, entre grenaderid rulluvad lahti ka kitarri saatel. Mercure de France’i teatel saatis selles etenduses kahte sarabandi tantsijat kitarril Louis XIII ise.
Gerrit van Honthorst mängib kitarri 1624
Jan Vermeer kitarrist 1672
Keskel XVII sajand algab uus periood kitarri hiilgeaeg. Ja seekordne uuendus pärineb Prantsusmaalt. Noortele kitarrimängu õpetamise eest Prantsuse kuningale Kuulus õpetaja ja muusik Francesco Corbetta kutsutakse kohtu ette (1656). Julgemata väita (erinevalt mõnest õukondlasest), et 18 kuuga ületas Louis XIV oma õpetaja, ei saa aga kahelda kuninga tõelises pillikires. Tema valitsemisajal sai kitarr taas aristokraatia ja heliloojate lemmikuks. Taas vallutab kitarrimood kogu Euroopa.
Graveering raamatu Pieces for Guitar iidse väljaande kaanelt. 1676
Francisco Goya tants jõe kaldal 1777
Francisco Goya pime kitarrist 1788
Ramon Bayeux Noormees kitarriga. 1789 Prado muuseum. Madrid
Louis XIV (surn. 1715) valitsemisaja lõpupoole saabus kitarri ajaloos pöördepunkt – kuninglik õukond muutus selle suhtes ükskõikseks.
Siiski on see rahva seas endiselt populaarne. Tema tellitud portreel on Mademoiselle de Charolais kujutatud kitarr käes, kitkub kergelt selle keeli. Watteau ja Lancret tutvustavad pilti kitarri armastusstseenid. Ja samas on tegu farsinäitlejate ja rändkoomikute instrument!
Watteau ja Lancreti looming ning kitarr on omaette lehekülg Prantsuse maalikunst, mistõttu otsustasin pühendada nendele kunstnikele selles materjalis eraldi galeriid.
Jean-Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau
Rosalba Carriera Jean-Antoine Watteau portree 1721
Prantsuse maalikunstnik ja joonistaja, rokokoo stiili rajaja ja suurim meister. Aastatel 1698–1701 õppis Watteau kohaliku kunstniku Gerini juures, kelle nõudmisel ta kopeeris Rubensi, Van Dycki ja teiste flaami maalikunstnike töid. Aastal 1702 läks Watteau Pariisi ja leidis peagi õpetaja ja patrooni Claude Gillot' kehastuses. teatrikunstnik ja dekoraator, kes maalis pilte elustseenidega kaasaegne teater. Watteau ületas kiiresti oma õpetaja oskuste ja u. 1708 astus dekoraator Claude Audrani töökotta. 1709. aastal üritas Watteau edutult võita Kunstiakadeemia Grand Prix'd, kuid tema tööd pälvisid mitmete mõjukate inimeste tähelepanu, kelle hulgas olid filantroop ja kunstigurmaan Jean de Julienne, kunstikaupmees Edmond Francois Gersin, pankur ja kollektsionäär Pierre Crozat, kelle majas kunstnik mõnda aega elas jne. 1712. aastal nimetati Watteau akadeemiku tiitlile ja 1717. aastal sai temast Kuningliku Maali- ja Skulptuuriakadeemia liige. Watteau suri Nogent-sur-Marne'is 18. juulil 1721. aastal.
Jean-Antoine Watteau Itaalia komöödia 1714
Jean-Antoine Watteau Vaade läbi puude Pierre Crozati pargis 1714-16
Jean-Antoine Watteau Gilles koos perega 1716
Pierrot' Jean-Antoine Watteau lugu
Jean-Antoine Watteau Armastuse laul 1717
Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19
Nicola Lancret
Nicolas Lancret
Nicolas Lancreti autoportree 1720
Prantsuse kunstnik, sündinud Pariisis. Ta õppis esmalt Pierre Dulini juures ja seejärel umbes 1712. aastast töötas ta mitu aastat Claude Gillot' juhendamisel, kelle kaudu ta tutvus Jean Antoine Watteau'ga, kellel oli tema loomingule tohutu mõju. Lancret pöördus samade teemade poole nagu Watteau: ta kirjutas tegelasi Itaalia komöödia del arte ja "galantsete pidustuste" stseenid. Lisaks illustreeris ta La Fontaine’i muinasjutte ja lõi žanrimaalid. Lancret suri Pariisis 1743. aastal.
Nicolas Lancreti kontsert pargis 1720
Nicola Lancreti aiapidu
Nicola Lancreti kontsert pargis
Nicola Lancret Gallanti vestlus
Kitarri uut tõusu seostatakse Michel Breneti sõnul kahe andeka, salongides esineva laulja esilekerkimisega. Nad esitavad duette, saates iseennast. Need on kuulsad Pierre Geliot ja Pierre de la Garde.
Michel Bartholomew Olivieri kuulus maal “Tee inglise keeles ja kontsert Princesse de Conti majas” annab edasi nende seltskondlike koosviibimiste õhkkonda.
VENE MUUSIKAKIRJANDUS
Vene rahvas laulu loovus
või vene muusikal rahvaluule(inglise keelest) rahvalik- inimesed, loro– teadmised). Selle päritolu ulatub tagasi iidsed ajad, paganlikul ajal. Kõige iidsemad laulud olid seotud religioossete rituaalidega.
Vene žanrid rahvalaulud:
rituaal - a) kalender (laululaulud, Maslenitsa, tedretähnid, külv, Kupala, saak...);
b) perekond ja igapäevaelu (hällilaulud, itkulaulud, pulmad...)
eepiline– eepos, ajalooline
tööjõud
sõjavägi (sõdurid)
ringtantsud, tantsud, mängud
pikutav või lüüriline
koomiline, sealhulgas ditties
Vene rahvalaulude põhižanrid kujunesid välja 17. sajandiks ja elavad jätkuvalt rahva seas.
vene keel muusikaline folkloori levis tänu pätid– rändkunstnikud, muusikud. Laulude ja tantsude saateks kasutasid nad järgmisi pille: harf, torupill, tamburiin, kõristid ja kõristid.
Neil kaugetel aegadel rahvalaulud ei pandud kirja, vaid anti suust suhu edasi, paratamatult muutudes. Autorite nimesid ei salvestatud. Varaseimad vene rahvalaulude noodikirjad on 18. sajandi II poolel.
Professionaali tekkimine muusikaline kunst vene keeles
viitab 10. sajand(hiilgeaeg Kiievi Venemaa) ja on seotud uue religiooni omaksvõtmisega (988) - kristlus kujul õigeusk mis tuli Bütsantsist. Kuni 17. sajandini, Vene keskajal, oli professionaalne muusika Venemaal (ja teistes kunstiliikides). kirikule alluv ja kandis religioosne iseloomu. Erinevalt läänekristlastest oli ja on ainult vokaal, koor. Peamine õigeusu teenistus on liturgia(analoogne läänega massid).
Vene professionaalse muusika põhiliik alates 10. sajandi lõpust. kuni 17. sajandini – znamenny laul (bännerid või konksud– meloodiat tähistavad märgid on Vana vene muusika salvestus).
Omadused znamenny laul:
3) vanakreeka keel
4) monotoonsus, meloodia pingelisus (sujuv progresseeruv liikumine harvaesinevate hüpetega tertsidesse, ühtlane rütm)
16. sajandil esimesed näited kirikust polüfoonia– Znamenni laulude kahe- ja kolmehäälsed seaded.
Kloostrite ja katedraalide juures avati need laulukoolid kes koolitas lauljaid kirikukooridele. Koore juhtisid spetsiaalselt koolitatud inimesed - kodumaised.
Ajaloos on säilinud mõne tolle aja muusikute nimed, näiteks nimi Feodor Talupoeg, Znamenny laulude autor ja esitaja (16. sajand).
Vene muusika areng - 17. sajand.
Parsuna XVII sajand Parsuna XVII sajand Parsuna XVII sajand
Tundmatu Aleksei Mihhailovitš Peeter I
Venemaal oli 17. sajand sotsiaalsete pingete periood: raskuste aeg (poolakate sissetung, kes soovisid saada Venemaa troonile), kirikulõhe, talupoegade mässud ja sõjad (Stepan Razin), rahutused. Kuid samal ajal on käes ka kestva kuningliku võimu kehtestamise aeg – Mihhail Romanovi valimine kuningriiki.
17. sajand vene muusika ajaloos on üleminek keskajast uusaega, Bütsantsi mõjult Lääne-Euroopa mõjudele. Znamenny laulmine on kriisis. Polüfoonia kirikulaulus saab ametlikuks uue muusikasalvestuse heakskiitmisega Venemaal. 5-realine märge(imporditud Lääne-Euroopa). Sellega seoses arenes kiiresti polüfooniline laul - häälte arv üksikisikus kirikulaulud hakkas jõudma 12. Nii keerulise muusika esitamine sai võimalikuks tänu noodikiri, mis asendas primitiivsed konks-bannerid. Kirikukoore hakati jagunema peod- need on kindla tämbri ja kõrgusega häälerühmad ning laulmist kutsutakse partesnoe. Roll kõrged hääled Kooris hakkasid esinema poisilauljad. Ilmunud on näiteks uued žanrid
· pidulik kontsert - polüfoonilist esindav kirikumuusika žanr kooriteos elava ja keeruka muusikakeelega.
Partes laulmine (osades laulmine) – uus stiil kirikumuusikat, mis jõudis Venemaale Poolast läbi Ukraina. Partese laulmine põhineb kolme- või neljahäälsel akordil. Partesi stiilist lähtuvalt kujunesid välja uued žanrid: kontserdid, laululaulud, psalmid.
Parteskontsert (ladina sõnast partis - pidu) sai sellise nime, kuna erinevalt vene ühislaulust lauldi seda osade kaupa.
Tema muusikastiil on polüfoonia elementidega. Häälte arv võiks olla 3 kuni 16. 17. sajandil sai ametlikult kirikukeel kirikuslaavi keel
keel (pärast kirikureformi). 17. sajand – õitsengu algus muusika, kirjandus, maalikunst vene keeles, mida seostatakse kunsti järkjärgulise vabanemisega kiriku võimu alt. Moskvas, tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnas, esimene teater; kuningal oli imeline metsasarveorkester. Moskva kohus viidi minema oreli lõbu- Kremli tahutud kambrisse paigaldati mehaaniline orel. See oli moes mängib klavessiinil muusikat. Paljud neist uutest suundumustest tulid Lääne-Euroopast.
1687. aastal asutati kuulus slaavi-kreeka-ladina akadeemia.
Ajalugu on säilitanud paljude suurepäraste 17. sajandi vene muusikute nimed. Need on N. Diletski, N. Kalašnikov, V. Titov, N. Bavõkin.
Organ
Keeruline muusikainstrument, mis koosneb õhusurvemehhanismist, erineva suurusega puit- ja metalltorude komplektist ning esituspuldist (kõnepuldist), millel asuvad registrinupud, mitmed klaviatuurid ja pedaalid.
Klavessiin
Virginel
Spinet
Spinet on väike ruudu-, ristküliku- või viisnurkse kujuga klavessiin.
Klavitsüteerium
Claviciterium on vertikaalselt asetseva kehaga klavessiin.
Klavikord
Poognad stringid
Barokkviiul
Kontrabass
Suurima ja madalaima kõlaga poogen pill orkester. Nad mängivad seda seistes või kõrgel taburetil istudes.
Kitkutud nöörid
Barokne lauto
16. sajandil oli kõige levinum kuuekeelne lauto (viiekeelseid pille tunti 15. sajandil), üleminekul XVII sajand(hilisbarokk) ulatus keelpillide arv kahekümne neljani. Kõige sagedamini oli seal 11-13 keelpilli (9-11 paarismängu ja 2 üksikmängu). Skaala on d-moll (mõnikord duur).
Theorbo
Theorbo on bassi tüüpi lauto. Keelte arv jäi vahemikku 14–19 (enamasti üksikud, kuid oli ka topeltkeeltega pille).
Quitarrone
Quitarrone on bassisort nn. Itaalia kitarr (erinevalt Hispaania omast ovaalse korpusega pill). Keelte arv on 14 üksikut. Quitarrone ei erine teoorbost praktiliselt, kuid sellel on erinev päritolu.
Archlute
Suuruselt väiksem kui theorb. Enamasti oli sellel 14 keelt, millest esimesed kuus renessansile omases häälestuses - (erinevalt barokklautist, milles esimesed kuus keelt andsid d-moll akordi) olid ehitatud täiuslikuks kvartsiks, välja arvatud 3. ja 4. mis ehitati suures kolmandikus.
Angelica
Mandora
Gallichon
Kannel
Archicitra
Mandoliin
Barokk kitarr
Peamine artikkel: Barokk kitarr
Barokkkitarril oli tavaliselt viis paari (koore) soolestiku stringid. Esimesed barokk- ehk viiekoorilised kitarrid on tuntud juba 16. sajandi lõpust. Siis lisati kitarrile viies koor (varem oli see varustatud nelja paariskeelega). Rasgeado stiil muudab selle pilli äärmiselt populaarseks.
Muud stringid
kiirustav
Hõõrdumise tagajärjel ratta pöörlemisel vibreerivad kuus kuni kaheksa keelt, millest enamik kostab üheaegselt. parem käsi. Üks või kaks eraldi stringi kõlav osa mida vasaku käega varraste abil lühendatakse või pikendatakse, reprodutseerivad meloodiat ning ülejäänud keelpillid kostavad monotoonset suminat.
: 17. sajandi Lääne-Euroopa muusika
Instrumentaalmuusika Ajalooliselt arenes see välja hiljem kui vokaalmuusika ega liikunud kohe muusikažanrite seas iseseisvale kohale. Esiteks säilitas see üsna pikka aega rakenduslikku, see tähendab ametlikku, puhtpraktilist iseloomu, mis saatis inimeste elu erinevaid hetki (tseremoniaalsed ja matuserongkäigud, õukonnaballid, jahiretked jne). Teiseks, pikka aega instrumentaalmuusika. oli otseses sõltuvuses vokaalist, saatelaulust ja sellele kuuletumisest. Näiteks ei olnud katoliku jumalateenistuse ainsal instrumendil - orelil - paljude sajandite jooksul oma "nägu", mis dubleeris koorikirjutamist.
Renessansiajal (XV-XVI sajand) olukord muutus: instrumentaalkunst astus kaugele edasi. Loodi ulatuslik instrumentaalrepertuaar. Enamik tolleaegseid instrumentaalkompositsioone siiski ei olnud teistmoodi vokaalist: pillid lihtsalt vahetati välja vokaalsed hääled võtmata arvesse tämbrite eripära. Nende tükkide peal võiks esitada ükskõik milline pillid, nii kaua kui heliulatus lubab (viiulil sama mis tromboonil). Siiski on instrumentaalmuusika aastate jooksul üha enam püüdnud eemalduda vokaalnäidiste kopeerimisest. Ja lõpuks, 17. sajandil toimus instrumentaalmuusika täielik emantsipatsioon - seda fakti peetakse selle üheks peamiseks saavutuseks. ajalooline ajastu. Instrumentaalmuusikast on saamas iseseisev helilooja loomingu valdkond ja selle sisu ulatus laieneb. Mitte ükski professionaalse muusika žanr ei saa nüüd hakkama ilma muusikariistade osaluseta. Näiteks ooper toetus oma esimestest päevadest peale orkestrihelile.
Tuntakse suurt huvi mitmesugused muusikalised toonid . Heliloojad hakkavad mõistma konkreetse instrumendi kunstilisi ja tehnilisi võimalusi ning komponeerivad viiulile teisiti kui orelile või flöödile.
Erinevad instrumentaalstiilid- , viiul, - nende spetsiifilistega ekspressiivsed vahendid ja esinemistehnikaid.
Mitmekesine rahvus instrumentaalne koolid- Saksa organistid, inglise virginalistid, hispaania vihuelistid, itaalia viiuldajad jne.
Erinevad instrumentaalžanrid oma ainulaadse eripäraga: concerto grosso, soolokontsert, süit, sonaat, polüfoonilised žanrid (mis puudutab varasemate aegade žanre, siis neil polnud selget vahet: nende vahel oli palju ühist, erinevused üksteisest olid väga suhtelised).