Juba ammusest ajast on inimesed oma tundeid, mõtteid ja kogemusi kehastanud kunsti kaudu. Mõned maalisid kunsti meistriteoseid, mis kujutavad inspiratsiooniobjekte, igapäevaelu, aga ka meeldejäävaid episoode nende enda eluloost. Teised ehitasid mitmesuguseid ehitisi ja monumente, andes neile mingi sümboolse tähenduse. Kõige erakordsemaid neist hakati nimetama maailmaimedeks. Teiste käest tulid üksteise järel välja leheküljed tulevasi luuletusi, romaane, eeposte, kus igaks süžeehetkeks valiti tugev sõna, autori arvates sobiv.
Siiski oli neid, kes leidsid inspiratsiooni helist. Nad lõid spetsiaalsed instrumendid, et väljendada emotsioone, mis neid valdasid. Neid inimesi nimetatakse muusikuteks.
Mis on muusika?
Tänapäeval antakse mõistele "muusika" tohutult palju definitsioone. Aga kui objektiivselt mõelda, siis on see kunstiliik, mille põhiteema on see või teine heli.
On tähelepanuväärne, et paljudes iidsetes keeltes tähendab see sõna "muusade tegevust".
Nõukogude teadlane Arnold Sokhor omakorda uskus, et muusika peegeldab unikaalselt tegelikkust ja avaldab inimesele mõju ka helikõrguses ja ajas tähenduslike ja eriliselt organiseeritud heliridade kaudu, mille põhikomponentideks on toonid.
Lühike muusika ajalugu
Alates iidsetest aegadest on inimesed armastanud muusikat. Vana-Aafrikas püüti erinevate rituaalide osaks olnud laulude abil kontakteeruda vaimude ja jumalatega. Egiptuses kasutati muusikat peamiselt religioossete hümnide jaoks. Žanritega võrdsustatud mõisted nagu "kired" ja "saladus". Egiptuse kuulsaimad teosed olid "Surnute raamat" ja "Püramiiditekstid", mis kirjeldavad Egiptuse jumala Osirise "kirge". Vanad kreeklased olid esimesed inimesed maailmas, kes suutsid saavutada muusika kõrgeima väljenduse oma kultuuris. Siinkohal tasub lisada tõsiasi, et nemad märkasid esimestena matemaatiliste suuruste ja helide vahel omapärase mustri olemasolu.
Aja jooksul on muusika kujunenud ja arenenud. Selles hakkasid silma mitmed põhisuunad.
Klassikalise teooria kohaselt eksisteerisid 9. sajandiks maa peal järgmised muusikažanrid: gregooriuse laul (ehk mitmesugused kirikulaulud, liturgiad), bardilaul ja ilmalik muusika (sellise žanri ilmekas näide on hümn). Inimestevahelise suhtluse käigus segunesid need žanrid järk-järgult üksteisega, moodustades erinevalt eelmistest uusi. Nii ilmus 19. sajandi lõpus džäss, millest sai paljude kaasaegsete žanrite eelkäija.
Millised muusikalised märgid ja sümbolid eksisteerivad?
Kuidas saate helisid salvestada? Noodid on tavapärased graafilised sümbolid, mis asuvad personalil. Nende põhiülesanne on näidata konkreetse heli kõrgust ja suhtelist kestust. Pole saladus, et noodikiri on muusika praktiline alus. Kõigile seda siiski ei anta. Muusikaliste märkide uurimine on üsna töömahukas protsess, mille vilju saavad maitsta vaid kõige kannatlikumad ja püüdlikumad.
Kui nüüd hakata süvenema tänapäevase tähistuse tunnusjoontesse, siis muutub see artikkel pehmelt öeldes väga pikaks. Selleks on vaja kirjutada eraldi, üsna mahukas teos muusikalistest märkidest ja sümbolitest. Üks kuulsamaid sümboleid on muidugi “kolmikvõti”. Oma eksisteerimise jooksul on sellest saanud omamoodi muusikakunsti sümbol.
Mis on muusikariistad ja mis tüüpi need on?
Objekte, mis võimaldavad tekitada erinevaid teose loomiseks vajalikke helisid, nimetatakse muusikariistadeks. Tänapäeval eksisteerivad instrumendid jagunevad vastavalt oma võimetele, otstarbele ja kõlaomadustele mitmeks põhirühmaks: klahvpillid, löökpillid, puhkpillid, keelpillid ja pilliroog.
On palju muid klassifikatsioone (eeskujuks on Hornbostel-Sachsi süsteem).
Peaaegu iga muusikalist heli tekitava instrumendi füüsiline alus (välja arvatud mitmesugused elektriseadmed) on resonaator. See võib olla string, nn võnkeahel, õhusammas (teatud mahus) või mis tahes muu objekt, millel on võime talletada talle vibratsioonina ülekantavat energiat.
Resonantssagedus määrab hetkel tekitatava heli esimese ülemtooni (teisisõnu põhitooni).
Väärib märkimist, et muusikariistal on võime samaaegselt taasesitada kasutatavate resonaatorite arvuga võrdset arvu helisid. Disain võib sisaldada erinevat arvu neid. Heli tootmine algab hetkest, kui energia sisestatakse resonaatorisse. Kui muusik peab heli sunniviisiliselt peatama, võib ta kasutada sellist efekti nagu summutus. Mõne instrumendiga saab resonantssagedusi muuta. Mõned instrumendid, mis tekitavad mittemuusikalisi helisid (nt trummid), seda seadet ei kasuta.
Mis on muusikateosed ja mis need on?
Laiemas mõttes on muusikapala või, nagu seda nimetatakse, oopus, igasugune näidend, improvisatsioon või rahvalaul. Ehk siis peaaegu kõike, mida saab edasi anda läbi helide järjestatud vibratsiooni. Reeglina iseloomustab seda teatav sisemine terviklikkus, materiaalne konsolideerumine (läbi muusikaliste märkide, nootide jne) ja mingi originaalne motivatsioon. Oluline on ka ainulaadsus, mille taga on reeglina autori tunded ja kogemused, mida ta soovis oma loomingu kuulajate ette tuua.
Väärib märkimist, et mõiste “muusikateos” kui väljakujunenud mõiste tekkis kunstiväljal suhteliselt hiljuti (täpne kuupäev pole teada, kuid kuskil 18.-19. sajandil). Kuni selle hetkeni asendati teda igal võimalikul viisil.
Näiteks Wilhelm Humboldt ja Johann Herder kasutasid selle mõiste asemel sõna “tegevus”. Avangardismi ajastul asendati nimi sõnadega "sündmus", "tegevus", "avatud vorm". Praegu on tohutult palju erinevaid muusikateoseid. Teeme ettepaneku kaaluda neist kõige kuulsamaid, huvitavamaid ja ebatavalisemaid.
I. Laul (või laul)
Laul on üks lihtsamaid, kuid levinumaid muusikateoseid, milles poeetilist teksti saadab lihtne, kergesti meeldejääv meloodia.
Väärib märkimist, et laul on selles mõttes üks arenenumaid valdkondi, et hetkel on seal suur hulk erinevaid vorme, žanre jne.
II. sümfoonia
Sümfoonia (kreeka keelest tõlgituna "harmoonia, elegants, kaashäälik") on muusikateos, mis on mõeldud eelkõige orkestri esitamiseks ja mis võib olla vaskpuhkpill, keelpill, kammer või segatud. Mõnel juhul võib simooniasse kaasata vokaal või koor.
Sageli kombineeritakse seda teost teiste žanritega, moodustades seeläbi segavorme (näiteks sümfoonia-süit, sümfoonia-poeem, sümfoonia-fantaasia jne).
III. Prelüüd ja fuuga
Prelüüd (ladina keelest prae - "tulemas" ja ludus - "mäng") on väike teos, millel erinevalt teistest pole ranget vormi.
Peamiselt luuakse prelüüde ja fuugasid pillidele nagu klavessiin, orel, klaver
Algselt olid need teosed mõeldud selleks, et anda muusikutele võimalus enne etenduse peaosa “soojendus”. Hiljem hakati neid aga eristama kui originaalseid iseseisvaid teoseid.
IV. Puudutage
See tüüp on ka üsna huvitav, kuna sellele ei pöörata palju tähelepanu. Touche – (prantsuse "võti", "sissejuhatus") on tervitusmärgiks esitatav muusikapala. Seda terminit kasutati esmakordselt 18. sajandi keskel Saksamaal.
Sellise teose põhieesmärk on tõmmata publiku tähelepanu toimuvale, samuti tutvustada sündmusele sobivat emotsionaalset värvingut (reeglina on need erinevad tseremooniad). Sageli esitab muusikapala tervituse märgiks puhkpilliorkester. Kindlasti on kõik kuulnud karkassi, mida auhindade üleandmisel esitatakse jne.
Meie tänases artiklis vaatlesime, milliseid muusikariistu, märke ja teoseid on olemas. Loodame, et see oli lugejatele kasulik ja informatiivne.
Noodikirja lühend
Kuidas dešifreerida noodilehtedel sageli esinevaid lisamärke?
Noodikirjas kasutatakse erimärke teose noodikirja lühendamiseks. Tänu sellele teeb see lisaks salvestise lühendamisele ka märkmete lugemist lihtsamaks.
Lühendi märgid näitavad erinevaid kordusi: takti piires, mitme takti või mõne teose osa piires.
Kasutatakse lühendatud tähistusi, mis kohustavad esitama kirjutatut üks või kaks oktaavi kõrgemal või madalamal.
Vaatleme mõningaid viise noodikirja lühendamiseks, nimelt:
1. Kordus.
Reprise viitab vajadusele korrata osa teosest või kogu teost. Vaata pilti:
Joonis 1-1. Reprise näide
Pildil näete kahte kordusmärki, need on välja toodud punaste ristkülikutena. Nende märkide vahele jääb osa tööst, mida tuleb korrata. Märgid “vaatavad” täppidega üksteist.
Kui teil on vaja korrata ainult ühte riba (isegi mitu korda), võite kasutada järgmist märki (sarnaselt protsendimärgiga):
Joonis 1-2. Korrake tervet riba
Kuna mõlemas näites käsitleme ühe takti kordamist, mängitakse mõlemat salvestist järgmiselt:
Joonis 1-3. Noodikiri ilma lühendita
need. 2 korda - sama asi. Joonisel 1-1 on kordus antud kordusena, joonisel 1-2 - protsendimärk. Oluline on mõista, et märk “protsent” dubleerib ainult ühte mõõtu ja kordus võib katta meelevaldselt suure osa teosest (kasvõi kogu teosest). Ükski kordusmärk ei saa viidata ühegi riba osa kordamisele – ainult tervele taktile.
Kui kordusele viitab kordus, kuid korduse lõpud on erinevad, siis pange sulud numbritega, mis näitavad, et esimesel kordusel mängige seda takti, teisel, seda jne. Sulgusid nimetatakse "voltideks". Esimene volt, teine jne.
Vaatleme näidet repriisi ja kahe voltiga:
Joonis 1-4. Näide reprise ja voltidega
Kuidas seda näidet mängida? Mõtleme selle nüüd välja. Siin on kõik lihtne. Repriis hõlmab takte 1 ja 2. 2. takti kohal on volta numbriga 1: me mängime selle takti esimesel läbimisel. 3. takti kohal on volta numbriga 2 (see on juba väljaspool repriisi piire, nii peabki olema): seda takti mängime repriisi teisel läbimisel takti 2 asemel (üleval on volta no 1).
Seega mängime takte järgmises järjestuses: takt 1, takt 2, takt 1, takt 3. Kuulake meloodiat. Kuulamise ajal järgige noote.
Tulemused.
Olete tutvunud kahe võimalusega noodikirja lühendamiseks: kordus ja protsendimärk. Repriis võib katta nii suure osa tükist, kui soovite, kuid protsendi sümbol kordab ainult 1 takti.
2. Kordub taktis.
Meloodilise kujundi kordamine.
Kui ühes taktis kasutatakse sama meloodilist kujundit, saab sellise takti kirjutada järgmiselt:
Joonis 2-1. Meloodilise kujundi kordamine
Need. Taba alguses näidatakse meloodilist kujundit ja siis selle kujundi veel 3 korda ümber joonistamise asemel näitavad lipud lihtsalt 3 korda kordamise vajadust. Põhimõtteliselt mängite järgmist:
Joonis 2-2. Meloodilise kujundi teostus
Nõus, lühendatud kirjet on lihtsam lugeda! Pange tähele: meie joonisel on igal noodil kaks lippu (kuueteistkümnendad noodid). Sellepärast kordusmärkides kaks tunnused.
Korda märkust.
Ühe noodi või akordi kordamine on tähistatud sarnaselt. Mõelge sellele näitele:
Joonis 2-3. Korrake ühte märkust
See salvestis kõlab, nagu te ilmselt juba arvasite, järgmiselt:
Joonis 2-4. Täitmine
Tremolo.
Kahe heli kiiret, ühtlast, korduvat kordamist nimetatakse sõnaks tremolo. Joonisel 3-1 on kujutatud tremolo heli, kus vahelduvad kaks nooti: “C” ja “B”:
Joonis 2-5. Tremolo heli näide
Lühidalt, see tremolo näeb välja selline:
Joonis 2-6. Tremolo salvestus
Nagu näha, on põhimõte igal pool sama: märgitud on üks või kaks nooti (nagu tremolo puhul), mille kestus võrdub tegelikult mängitud nootide summaga. Löögid nooditüvel näitavad mängitavate noodilippude arvu.
Meie näidetes kordame ainult ühe noodi heli, kuid võite näha ka selliseid lühendeid:
Joonis 2-7. Ja see on ka tremolo
Tulemused.
Selles üksuses uurisite erinevaid kordusi mõõdu piires.
3. Oktaaviülekande märgid.
Kui väike osa meloodiast on mugavaks kirjutamiseks ja lugemiseks liiga madal või kõrge, toimige järgmiselt: meloodia kirjutatakse nii, et see oleks personali põhiliinidel. Kuid need näitavad, et peate mängima oktaavi võrra kõrgemal (või madalamal). Vaatame piltidelt, kuidas seda tehakse:
Joonis 3-1. 8va kohustab mängima oktaavi võrra kõrgemalt
Pange tähele: nootide kohale on kirjutatud 8va ja osa nootidest on samuti punktiirjoonega esile tõstetud. Kõik punktiirjoone all olevad noodid, alates 8va-st, mängitakse oktaavi võrra kõrgemalt kui kirjutatud. Need. joonisel kujutatut tuleks mängida järgmiselt:
Joonis 3-2. Täitmine
Vaatame nüüd näidet, kus kasutatakse madalaid noote. Vaadake järgmist pilti (grupi "Agatha Christie" meloodia):
Joonis 3-3. Meloodia lisaridadel
See osa meloodiast on kirjutatud lisaridadele allpool. Kasutame tähistust "8vb", märkides punktiirjoonega need noodid, mida tuleb oktaavi võrra madalamale viia (sellisel juhul kirjutatakse muusikalil noodid tegelikust helist oktaavi võrra kõrgemaks):
Joonis 3-4. 8vb nõuab oktaavi võrra madalamat mängimist
Salvestis on muutunud kompaktsemaks ja hõlpsamini loetavaks. Nootide kõla jäi samaks.
Oluline punkt: kui kogu meloodia kõlab madalatel nootidel, siis loomulikult ei tõmba keegi kogu pala alla punktiirjoont. Sel juhul kasutatakse bassivõtit Fa. 8vb ja 8va kasutatakse ainult osa teose salvestamise lühendamiseks.
On veel üks võimalus. 8va ja 8vb asemel saab kirjutada ainult 8. Sellisel juhul asetatakse punktiirjoon nootide kohale, kui on vaja mängida oktaavi võrra kõrgemalt ja nootide alla, kui on vaja mängida oktaavi võrra madalamal.
Tulemused.
Selles peatükis õppisite tundma teist tüüpi noodikirja lühendamist. 8va näitab oktaavi mängimist kirjutatust kõrgemal ja 8vb tähistab kirjutatust allpool olevat oktaavi.
4. Dal Segno, Da Coda.
Sõnu Dal Segno ja Da Coda kasutatakse ka noodikirja lühendamiseks. Need võimaldavad paindlikult korraldada muusikateose osade kordusi. Võime öelda, et need on nagu liiklust korraldavad liiklusmärgid. Lihtsalt mitte teedel, vaid skoori peal.
Dal Segno.
Märk näitab kohta, kust kordamist tuleb alustada. Tähelepanu: märk näitab ainult korduse alguspunkti, kuid korduse enda mängimiseks on veel vara. Ja fraas "Dal Segno", mida sageli lühendatakse "D.S."-ks, sunnib teid alustama kordust. Pärast "D.S." tavaliselt järgneb korduse esitamise juhis. Lisateavet selle kohta allpool.
Teisisõnu: esitad teose, kohtad märki ja ignoreerid seda. Kui olete kohanud fraasi "D.S." - alustage mängimist märgist.
Nagu eespool öeldud, on fraas "D.S." mitte ainult ei kohusta teid alustama korduse sooritamist (minge märgi juurde), vaid näitab ka, kuidas edasi toimida:
- fraas "D.S al Fine" tähendab järgmist: alustage mängimist märgist sõnani "Fine";
- fraas "D.S. al Coda" kohustab teid naasma märgi juurde ja mängima kuni fraasi "Da Coda" juurde ning seejärel liikuma Coda juurde (hakkake mängima märgist).
Coda.
See on muusikateose viimane osa. Seda näitab märk. "Coda" mõiste on üsna lai, see on omaette teema. Osana meie noodikirja uurimisest vajame praegu ainult koodimärki: .
Näide 1: "D.S. al Fine" kasutamine.
Vaatame ribade esinemise järjestust.
Meede 1. Sisaldab Segno () märki. Sellest hetkest hakkame mängima kordust. Siiski ei ole me veel kohanud ühtegi kordamise märki (fraas "D.S...") (see fraas on teises mõõdus), seega ignoreerime märki.
Ka esimeses ribas näeme fraasi “Da Coda”. See tähendab järgmist: kui mängime kordust, peame sellelt fraasilt lülituma koodile (). Samuti ignoreerime seda, kuna kordus ei ole veel alanud.
Juba ammusest ajast on inimesed oma tundeid, mõtteid ja kogemusi kehastanud kunsti kaudu. Mõned maalisid kunsti meistriteoseid, mis kujutavad inspiratsiooniobjekte, igapäevaelu, aga ka meeldejäävaid episoode nende enda eluloost. Teised ehitasid mitmesuguseid ehitisi ja monumente, andes neile mingi sümboolse tähenduse. Kõige erakordsemaid neist hakati nimetama maailmaimedeks. Teiste käest tulid üksteise järel välja leheküljed tulevasi luuletusi, romaane, eeposte, kus igaks süžeehetkeks valiti tugev sõna, autori arvates sobiv.
Siiski oli neid, kes leidsid inspiratsiooni helist. Nad lõid spetsiaalsed instrumendid, et väljendada emotsioone, mis neid valdasid. Neid inimesi nimetatakse muusikuteks.
Tänapäeval antakse mõistele "muusika" tohutult palju definitsioone. Aga kui objektiivselt mõelda, siis on see kunstiliik, mille põhiteema on see või teine heli.
On tähelepanuväärne, et paljudes iidsetes keeltes tähendab see sõna "muusade tegevust".
Nõukogude teadlane Arnold Sokhor omakorda uskus, et muusika peegeldab unikaalselt tegelikkust ja avaldab inimesele mõju ka helikõrguses ja ajas tähenduslike ja eriliselt organiseeritud heliridade kaudu, mille põhikomponentideks on toonid.
Lühike muusika ajalugu
Alates iidsetest aegadest on inimesed armastanud muusikat. Vana-Aafrikas üritati erinevate rituaalide osaks olnud laulude abil kontakteeruda vaimude ja jumalatega. Egiptuses kasutati muusikat peamiselt religioossete hümnide jaoks. Žanritega võrdsustatud mõisted nagu "kired" ja "saladus". Egiptuse kuulsaimad teosed olid "Surnute raamat" ja "Püramiiditekstid", mis kirjeldavad Egiptuse jumala Osirise "kirge". Vanad kreeklased olid esimesed inimesed maailmas, kes suutsid saavutada oma kultuuris kõrgeima taseme. Siia tasub lisada tõsiasi, et nemad märkasid esimestena omapärase mustri olemasolu matemaatiliste suuruste ja helide vahel.
Aja jooksul on muusika kujunenud ja arenenud. Selles hakkasid silma mitmed põhisuunad.
Klassikalise teooria järgi eksisteerisid 9. sajandiks maa peal järgmised muusikažanrid: (st erinevat tüüpi kirikulaul, liturgiad), bardilaul ja ilmalik muusika (sellise žanri ilmekaks näiteks on hümn). Inimestevahelise suhtluse käigus segunesid need žanrid järk-järgult üksteisega, moodustades erinevalt eelmistest uusi. Nii ilmus 19. sajandi lõpus džäss, millest sai paljude kaasaegsete žanrite eelkäija.
Millised muusikalised märgid ja sümbolid eksisteerivad?
Kuidas saate helisid salvestada? Noodimärgid on tavapärased graafilised sümbolid, mis paiknevad pinnal. Nende põhiülesanne on näidata konkreetse heli kõrgust ja suhtelist kestust. Pole saladus, mis on muusika praktiline alus. Kõigile seda siiski ei anta. Muusikaliste märkide uurimine on üsna töömahukas protsess, mille vilju saavad maitsta vaid kõige kannatlikumad ja püüdlikumad.
Kui nüüd hakata süvenema tänapäevase tähistuse tunnusjoontesse, siis muutub see artikkel pehmelt öeldes väga pikaks. Selleks on vaja kirjutada eraldi, üsna mahukas teos muusikalistest märkidest ja sümbolitest. Üks kuulsamaid sümboleid on muidugi “kolmikvõti”. Oma eksisteerimise jooksul on sellest saanud omamoodi muusikakunsti sümbol.
Mis on muusikariistad ja mis tüüpi need on?
Objekte, mis võimaldavad tekitada erinevaid teose loomiseks vajalikke helisid, nimetatakse muusikariistadeks. Tänapäeval eksisteerivad instrumendid jagunevad vastavalt oma võimetele, otstarbele ja kõlaomadustele mitmeks põhirühmaks: klahvpillid, löökpillid, puhkpillid, keelpillid ja pilliroog.
On palju muid klassifikatsioone (eeskujuks on Hornbostel-Sachsi süsteem).
Peaaegu iga muusikalist heli tekitava instrumendi füüsiline alus (välja arvatud mitmesugused elektriseadmed) on resonaator. See võib olla string, nn võnkeahel, õhusammas (teatud mahus) või mis tahes muu objekt, millel on võime talletada talle vibratsioonina ülekantavat energiat.
Resonantssagedus määrab hetkel tekitatava heli esimese ülemtooni (teisisõnu põhitooni).
Väärib märkimist, et muusikariistal on võime samaaegselt taasesitada kasutatavate resonaatorite arvuga võrdset arvu helisid. Disain võib ette näha nende erineva arvu. Heli tootmine algab hetkest, kui energia sisestatakse resonaatorisse. Kui muusik peab heli sunniviisiliselt peatama, võib ta kasutada sellist efekti nagu summutus. Mõne instrumendiga saab resonantssagedusi muuta. Mõned instrumendid, mis tekitavad mittemuusikalisi helisid (nt trummid), seda seadet ei kasuta.
Mis see on ja mis need on?
Laiemas mõttes on muusikapala või, nagu seda nimetatakse, oopus, igasugune näidend, improvisatsioon või rahvalaul. Ehk siis peaaegu kõike, mida saab edasi anda läbi helide järjestatud vibratsiooni. Reeglina iseloomustab seda teatav sisemine terviklikkus, materiaalne konsolideerumine (läbi muusikaliste märkide, nootide jne) ja mingi originaalne motivatsioon. Oluline on ka ainulaadsus, mille taga on reeglina autori tunded ja kogemused, mida ta soovis oma loomingu kuulajate ette tuua.
Väärib märkimist, et mõiste “muusikateos” kui väljakujunenud mõiste tekkis kunstiväljal suhteliselt hiljuti (täpne kuupäev pole teada, kuid kuskil 18.-19. sajandil). Kuni selle hetkeni asendati teda igal võimalikul viisil.
Nii näiteks kasutas Johann Herder selle mõiste asemel sõna “tegevus”. Avangardismi ajastul asendati nimi sõnadega "sündmus", "tegevus", "avatud vorm". Praegu on tohutult palju erinevaid muusikateoseid. Teeme ettepaneku kaaluda neist kõige kuulsamaid, huvitavamaid ja ebatavalisemaid.
I. Laul (või laul)
Laul on üks lihtsamaid, kuid levinumaid muusikateoseid, milles poeetilist teksti saadab lihtne, kergesti meeldejääv meloodia.
Väärib märkimist, et laul on selles mõttes üks arenenumaid valdkondi, et hetkel on seal suur hulk erinevaid vorme, žanre jne.
II. sümfoonia
Sümfoonia (kreeka keelest tõlgituna "harmoonia, elegants, kaashäälik") on muusikateos, mis on mõeldud eelkõige orkestri esitamiseks ja mis võib olla vaskpuhkpill, keelpill, kammer või segatud. Mõnel juhul võib simooniasse kaasata vokaal või koor.
Sageli kombineeritakse seda teost teiste žanritega, moodustades seeläbi segavorme (näiteks sümfoonia-süit, sümfoonia-poeem, sümfoonia-fantaasia jne).
III. Prelüüd ja fuuga
Prelüüd (ladina prae - "tulemine" ja ludus - "mäng") on väike teos, millel erinevalt teistest ei ole ranget vormi.
Peamiselt luuakse prelüüde ja fuugasid pillidele nagu klavessiin, orel, klaver
Algselt olid need teosed mõeldud selleks, et anda muusikutele võimalus enne etenduse peaosa “soojendus”. Hiljem hakati neid aga eristama kui originaalseid iseseisvaid teoseid.
IV. Puudutage
See tüüp on ka üsna huvitav, kuna sellele ei pöörata palju tähelepanu. Touche - (prantsuse "võti", "sissejuhatus") on tervitusmärgina esitatav muusikapala. Seda terminit kasutati esmakordselt 18. sajandi keskel Saksamaal.
Sellise teose põhieesmärk on tõmmata publiku tähelepanu toimuvale, samuti tutvustada sündmusele sobivat emotsionaalset värvingut (reeglina on need erinevad tseremooniad). Sageli esitab muusikapala tervituse märgiks puhkpilliorkester. Kindlasti on kõik kuulnud karkassi, mida auhindade üleandmisel esitatakse jne.
Meie tänases artiklis vaatlesime, milliseid muusikariistu, märke ja teoseid on olemas. Loodame, et see oli lugejatele kasulik ja informatiivne.