“Rahvakunst” – saate teada, kuidas teie peres kasvatatakse armastust suulise rahvakunsti vastu. Nii kasvas huvi vene rahvakunsti vastu. Projekti elluviimine. kell 6. Uurimiseesmärgid: Milliseid rahvakunsti liike te oma mängudes kasutate? Tööetapid: Seatakse eesmärgid ja eesmärgid. Kas vene rahvakunsti kasutatakse teie elus, mängudes?
“Vene rahvarõivas” - kui varrukad olid alla lastud, ei saanud tööd teha. Venemaal olid naiste põhirõivad päikesekleit ja tikandiga särk. Rahva hing peegeldub riietes. Sundressid võisid olla erinevat värvi: punased, sinised, pruunid... Tüdrukud võiksid käia lahtise peaga. Roheline – nõges. Riietuse abil saate õppida tundma oma rahva traditsioone ja kombeid.
"Itaalia renessansi kunstnikud" - kõrgrenessansi esindaja. Kadunud poja tagasitulek. Raphael. Madonna ja laps. Velazquez. Suplejad. Saksa renessansi viimane kunstnik. Maalimine. Armukadeduse viljad. Gioconda. Leonardo da Vinci. Madonna konstaabel. Seal on arvukalt kirikumaale ja pühakute kujutisi. Veenus ja Adonis.
“Rahvamuusika” - üleliidulise raadio Pjatnitski vene laulukoor. Kõik vene folkloori žanrid väärivad kollektsionääride ja uurijate võrdset tähelepanu. Vassili Tatištšev. Tõeliselt populaarne. Ansambel "Kuldsõrmus". M. Gorki ütles: "... Sõnakunsti algus on rahvaluules." Omadused: Muusikalised pildid on seotud inimeste eluga, mida on ajaliselt lihvinud.
“Vene rahvapillid” - Muusikariistad lasteaias. Balalaika harmoonia. Sama sarvega torud! Esimesed instrumendid. Kõrguse muutmiseks tehti korpusesse augud. Ta kasvas üles metsas, nutab süles, viidi metsast välja ja hüppab põrandale. Nad voolisid savist. Vene rahvapillid. Ilmus 1870. aastal Tulas. Tundides ja pühadel.
“Rahvapillide orkester” - Orkestri koosseis. Vene domrat on mitut sorti. Domra on rahvapilliorkestri juhtiv pill. Nööp-akordion võlgneb oma välimuse vene meistrile Pjotr Sterligovile. Puhkpillid. Bayan on Venemaal eksisteerinud alates 1907. aastast. Nad on osa rahvapillide orkestrist. Esimesed andmed gusli kohta pärinevad 6. sajandist.
Kultuuriliselt lapitöö Itaalia on andnud maailmale kunstivaldkonnas ületamatud meistrid. Aga Itaalia geniaalsed loojad ise olid mõjutatud rahvakultuurist, sh. meloodilised itaalia laulud. Peaaegu kõigil neil on autorid, mis aga ei takista neid rahvapäraseks nimetamast.
Selle põhjuseks on ilmselt itaallaste loomulik armastus muusika mängimise vastu. See väide kehtib kõigi Itaalia piirkondade kohta Lõuna-Napolist Põhja-Veneetsiani, mida kinnitavad mitmed kogu riigis peetavad laulupeod. Itaalia laul on tuntud ja armastatud kogu maailmas: meie vanemad mäletavad siiani “Bella Ciao” ja “On the Road” - itaalia rahvalaule, mille laulis muslim Magomajev, kes on tunnistatud selle riigi parimaks laulude esitajaks.
Itaalia rahvalaulud iidsetest aegadest
Kui itaalia keel arenes välja 10. sajandiks, siis itaalia rahvalaulude ilmumise põhjuseks peavad teadlased 13. sajandi algust. Need olid laulud, mida laulsid pühade ajal linnaväljakutel rändžonglöörid ja minstrelid. Nende jaoks olid teemaks armastus või perekonnalood. Nende stiil oli mõnevõrra karm, mis on keskajal üsna loomulik.
Tuntuimaks meieni jõudnud lauluks on sitsiillase Ciullo d’Alcamo “Contrasto” (“Armastuse tüli”). See räägib dialoogist tüdruku ja temasse armunud poisi vahel. Lisaks on teada sarnased dialoogilaulud: “Hinge ja keha vaidlus”, “Brüneti ja blondiini vaidlus”, “Kergemeelsete ja tarkade vaidlus”, “Talve ja suve vaidlus” .
Renessansiajal levis Itaalia elanike seas kodus musitseerimise mood. Tavalised linlased kogunesid muusikasõprade ringidesse, kus mängiti erinevaid pille ning komponeeriti sõnu ja meloodiaid. Sellest ajast alates on laulud laialt levinud kõigi elanikkonnarühmade seas ja neid on kuuldud kõikjal Itaalias.
Muusikariistad ja itaalia rahvalaulud
Folkloorist rääkides ei saa mainimata jätta ka pille, mille saatel neid esitati. Siin on mõned neist:
- Viiul, mis sai oma kaasaegse välimuse 15. sajandil. See rahvapärase päritoluga instrument on itaallaste seas väga armastatud.
- Lauto ja selle Pürenee variant vihuela. 14. sajandil kogu Itaalias levinud kitkutud pillid.
- Tamburiin. Tamburiini tüüp, mis tuli Itaaliasse Provence'ist. Tantsija saatis end nendega tarantellat esitades.
- Flööt. See sai laialt levinud 11. sajandil. Väga sageli kasutab esineja koos tamburiiniga.
- Tünniorel on mehaaniline puhkpill, mis sai Itaalias populaarseks 17. sajandil. Ta oli eriti armastatud reisivate muusikute seas, mäletan Papa Carlot.
Itaalia rahvalaul “Santa Lucia” – Napoli muusika sünd
Napoli on Campania piirkonna pealinn, Lõuna-Itaalia kuulsaim linn ja vapustavalt lüürilise Napoli rahvalaulu, kauni "Santa Lucia" koduks.
Selle erakordne looduse ilu, mahe kliima ja mugav asukoht samanimelise lahe kaldal muutis selle linna ja selle lähiümbruse arvukate vallutajate ja lihtsate asunike jaoks äärmiselt atraktiivseks. See linn on rohkem kui 2500 aasta jooksul vastu võtnud ja ümber tõlgendanud paljusid kultuure, mis ei saanud mõjutada piirkonna muusikatraditsioone.
Napoli rahvalaulu sünniks peetakse 13. sajandi algust, mil laul “Päike tõuseb” oli väga populaarne. See on Itaalia renessansi koidik. Itaalia linnade kiire arengu aeg ja inimteadvuse tekke algus pimedast keskajast. Selleks ajaks lakkasid inimesed pidamast tantse ja laule patuseks ning hakkasid endale elu nautima.
XIV-XV sajandil. Rahva seas olid populaarsed humoorikad kupleed, mis olid koostatud päevateemaliselt. 15. sajandi teisel poolel tekkis Napolis villanelle (itaalia külalaul) - mitmehäälsed kupleed, mida esitati lauto saatel.
Meie tuntud napoli rahvalaulu hiilgeaeg jääb aga 19. sajandisse. Just sel perioodil avaldas Teodoro Cottrau kuulsaim itaalia laul “Santa Lucia”. See on kirjutatud barcarolle'i žanris (sõnast barka), mis tähendab "paadimehe laulu" või "laulu vee peal". Laulu lauldi Napoli murdes ja see oli pühendatud rannikulinna Santa Lucia ilule. See on esimene napoli teos, mis on tõlgitud murdest itaalia keelde. Seda esitasid Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti ja paljud teised maailmakuulsad artistid.
Napoli originaaltekst
Comme se fr?cceca la luna chiena…
lo mare ride, ll'aria? serena...
Vuje che facite ‘mmiez’a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!
II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t?nna ? posta pe'f? hind...
e quanno stace la panza chiena, non c’? la m?nema melanconia!
Santa Lucia! Santa Lucia!
P?zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia!…
Klassikaline itaalia tekst (Enrico Cossovich, 1849)
Sul mare luccica l'astro d'Argento.
Sul mare luccica l'astro d'Argento.
Placida? Kas ma olen, prospero? il vento.
Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!
Con questo zeffiro, cos? soave, oh, com'? Bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!
In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? serena,
Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!
Mare s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!
O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!
Või che tardate? Bella? la sera.
Spira un'auretta fresca ja leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!
Venekeelne tekst
Meri hingab veidi
Unises rahus,
Surfi sosin on kuulda kaugelt.
Taevas süttisid suured tähed, Santa Lucia, Santa Lucia!
Oh, milline õhtu - Tähed ja meri!
Jalamilt puhub õrn tuul.
Ta kutsub esile kuldsed unenäod,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Paat nagu luik
Ujub kaugusesse
Tähed taevas
Säravad eredalt.
Imeline laul
ma kuulen öösel
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Õhtu üle mere
Täis närbumist
Vaikselt kajame
Laul on tuttav.
Oh mu Napoli
Sugulased andsid
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Kuuvalgus
Meri särab.
Taganttuul
Puri tõuseb.
Minu paat on kerge
Aerud on suured...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Kardinate taga
Eraldatud paadid
Saab vältida
tagasihoidlikud pilgud.
Kuidas olla lukus
Niimoodi öösel?
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Minu imeline Napoli,
Oh, armas maa,
Kus ta naeratab
Taevavõlv on meie jaoks.
Rõõmustab hinges
Sajab ebamaiselt...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Oleme kerged vahukommid
Kiirustame kaugusesse
Ja hõljume üle vee nagu kajakas.
Ah, ära kaota seda
Kuldne kell...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Meri on rahulik
Kõik imetlevad
Ja häda on meremehed
Nad unustavad koheselt
Nad lihtsalt laulavad
Laulud on hoogsad.
Santa Lucia,
Santa Lucia
Mida sa veel ootad?
Vaikne mere ääres.
Kuu paistab
Sinises avaruses
Minu paat on kerge
Aerud on suured...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
***
Kuulake itaalia rahvalaulu Santa Lucia Anastasia Kozhukhova esituses:
Lisaks on meil kuulus ka teine Napoli laul “Dicitencello vuie”, mis on meie riigis rohkem tuntud kui “Räägi tüdrukutele oma tüdruksõbrale”. Laulu kirjutas 1930. aastal helilooja Rodolfo Falvo Enzo Fusco sõnadega. Venekeelse versiooni esitas enamik kodumaiseid artiste Sergei Lemeševist Valeri Leontjevini. Lisaks vene keelele on seda laulu tõlgitud ka paljudesse teistesse keeltesse.
Napoli laulud on kogu maailmas enneolematult tuntud ja armastatud. Seda tõendab juhtum, mis leidis aset Antwerpeni olümpiamängudel 1920. aastal. Itaalia meeskonna auhinnatseremoonial selgus, et Belgia orkestril puuduvad Itaalia hümni noodid. Ja siis kõlas orkester "O my sun" ("O sole mio"). Juba esimeste meloodia kõlade peale hakkas staadionil viibinud publik laulu sõnadele kaasa laulma.
Napoli ja selle ümbruse laulutraditsioonidest rääkides ei saa mainimata jätta Piedigrotta festivali, mis toimub iga-aastaselt septembri alguses. Piedigrotta on Napoli lähedal asuv grott, mis kunagi oli paganlik pühamu. Selle koha pühitsemiseks püstitati 1200. aastal siia Maarja kirik, mis sai tuntuks kui Piedigrotta, mis tähendab "grotti jalamil".
Neitsi Maarja usuline kummardamine ja tema auks peetud pidustused muutusid aja jooksul lauluvõistluseks-peoks. Sellel muusikafestivalil võistlevad Napoli parimad rahvaluuletajad ja -lauljad. Mõnikord juhtub, et kaks lugu saavad sama palju punkte. Ja siis jaguneb publik kahte leeri, millest igaüks on valmis oma lemmikmeloodiat rusikatega kaitsma. Kui mõlemad laulud on tõesti head, võidab sõprus ja kogu linn ümiseb neid lemmiklugusid.
Itaalia rahvalaul "Õnnelik"
Teos haakub armastuslauludega, kuid teksti sõnades on märgata nooruse reetlikkust ja kergemeelsust. Jutustust jutustatakse tüdruku vaatenurgast, kes justkui pöördub oma sõbra poole, küsides: kas ta teab, mis peidus on kaunitaride flirtivate pilkude taga ballidel? Tüdruk ise pole veel kellessegi armunud ja peab end seetõttu kõige õnnelikumaks ja "võluvamaks kui kõik kuningannad". Noor itaallanna kõnnib karikakrate ja kannikeste vahel, kuulab lindude sirinat ja laulab neile, kui õnnelik ta on ja et ta tahab igavesti armastada ainult neid.
Tõesti, on täpselt märgitud, et seni, kuni teie armastus teise inimese vastu ei muutu valusaks kiindumuseks, on aega nautida elu, loodust ja kõiki, kes teid ümbritsevad. Kus sa võid seda kõike märgata, kui põled kadedusest ja ärevusest?
Kuulake itaalia rahvalaulu “Happy” vene keeles Anastasia Teplyakova esituses:
Huumor itaalia rahvalauludes: laulame “Pastast”
Kerge ja rõõmsameelne itaalia tegelane aitas kaasa humoorikate laulude laialdasele levikule. Selliste teoste hulgas väärib märkimist sellele tõeliselt itaaliapärasele toidule pühendatud laul “Pasta”. Seda laulu lauldes teenisid orvud ja vaeste perede lapsed elatist möödakäijatelt almust kerjades. Olenevalt esineja soost on tekstil mees- ja naisversioonid. Lugu on loodud tarantella-rütmis.
Tarantella on rahvatants, mida on mängitud alates 15. sajandist. Tarantella põhineb reeglina ühel rütmiliselt korduval motiivil. Huvitaval kombel peeti selle viisi järgi tantsimist tervendavaks vahendiks inimestele, keda hammustas tarantel. Alates iidsetest aegadest on muusikud Itaalia teedel ringi liikunud, esitades seda meloodiat just neile, kes kannatavad “tarantismi all”.
Pasta (meeste versioon) M. Ulitsky tõlge
1. Ma elan varemete vahel.
Tihti rõõmsam kui kurb.
Ma elan varemete vahel.
Tihti rõõmsam kui kurb.
Makaronide jaoks annaksin hea meelega laua, voodi ja rõduga maja.
2. See maitsev roog on tavarahva hea sõber.
See maitsev roog on tavainimeste hea sõber.
Aga makarone söövad ka tähtsad inimesed kastmega.
3. Kas sa tahad teada, kuidas surev punane kloun ellu jäi?
Kas soovite teada, kuidas surev punane kloun ellu jäi?
Shutovskaja võttis oma krooni seljast ja vahetas selle pasta vastu.
4. Lauldakse meie Tarantellat, kellega peaksin õhtustama minema?
Lauldakse meie Tarantellat, kellega ma peaksin õhtustama minema?
Ma lihtsalt hüüan: "Pasta!" - Kohe ilmuvad kaaslased.
Pasta (naiste versioon)
Ma olen mustem kui oliiv
Ekslen üksi kodutuna
Ja tamburiini kõlades
Olen valmis terve päeva tantsima
Ma tantsin sulle Tarantellat,
Lihtsalt olge toeks
Anna mulle soldo ja ma ostan selle
Pasta, pasta.
Mu sõber Pulcinello
Ta sai noolega südamesse haavata,
Ainult et ma ei tahtnud Pulcinello naiseks saada.
Ta peaaegu tulistas ennast
Peaaegu viskasin rõdult alla
Aga ma sain kirest terveks,
Lihtsalt pasta neelamine.
Võtsin venna kokku matkama,
Tema armastatud jättis ta maha,
Kuidas ma saan sõdureid teha
Kas kõik jäid vigastamata?
Et relvad ei tulistaks,
Peate kõik kassetid välja võtma,
Kuulide asemel laske neil välja lennata
Pasta, pasta.
Kui sa oled veidi kurb,
Kui haigus sind painab,
Või vahel on kõht tühi,
Pasta on teile hea!
Hüvasti, senoritas,
Head reisi, Signori Donna,
Sa pead olema väga täis
Ja makaronid ootavad mind!
Maccheroni
1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.
2. Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo kulutas vole a fare il testimento.
Ostke avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.
3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Le spalline pe’galloni per un sol piatto di maccheroni.
4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
***
Kuulake itaalia rahvalaulu “Pasta” vene keeles Anna Zhikhalenko esituses:
Veneetsia laulud vee peal
Lisaks Lõuna-Napolile on Itaalia põhjapärlil Veneetsial uhked ja vapustavad laulutraditsioonid. Me räägime ennekõike gondoljeeride lauludest. Need armastusmotiivid kuuluvad barcarolle žanri. Nad on väga meloodilised ja rahulikud.
Gondolieri jõuline ja kaunis hääl näib kajavat aerude aeglaseid lööke vee peal. Kummaline, kuid kuni 18. sajandini ei pälvinud barcarolle professionaalsete muusikute tähelepanu. Kuid järgmisel sajandil oli see tegematajätmine enam kui korvatud. Tšaikovski, Mendelssohn, Chopin, Glinka on vaid väike osa muusikageeniustest, kes olid Veneetsia rahvalaulust vaimustuses ja kaasasid selle motiive oma surematutesse teostesse.
Kahjuks mõjutab modernsus negatiivselt Veneetsia traditsioone, sealhulgas barcarolle. Näiteks laulavad gondoljeerid turistide palvel sageli Napoli laulu “O Sole Mio”, kuigi gondoljeeride ühendus on selle esinemise vastu, kuna see pole veneetsia.
Itaalia partisanide laul "Bella Ciao"
Uskumatult populaarne on ka kuulus partisanilaul “Bella Ciao” (“Hüvasti iludus”). Seda laulsid Teise maailmasõja ajal vastupanu liikmed. Tõsi, see ei olnud levinud kogu Itaalias, vaid ainult riigi põhjaosas, Apenniinides.
Laulusõnad on arvatavasti kirjutanud parameedik või arst. Ja meloodia on selgelt võetud vanast lastelaulust “Unejook”. Kuigi Catania ülikooli moodsa ajaloo professori Luciano Granozzi sõnul esitasid "Bella Ciao" ainult mõned partisanide rühmad Bologna läheduses kuni 1945. aastani.
E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia
E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni aprir."
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte
la suoi mamma la l'ha saatis?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Lascia puhas che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch’l’ha
fatt sett'anni di prigion per me.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
ma? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir
Bella Ciao (üks valikutest)
Täna hommikul mind äratati
Täna hommikul mind äratati
Ja ma nägin vaenlast läbi akna!
Oh, partisanid, võtke mind
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Oh, partisanid, võtke mind,
Ma tunnen, et mu surm on lähedal!
Kui mulle on määratud lahingus surra
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Kui mulle on määratud lahingus surra, siis matke mind.
Matke teid kõrgele mägedesse
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Matke teid kõrgele mägedesse
Punase lille varju all!
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Mööduja läheb mööda ja näeb lille
"Ilus," ütleb ta, "lill!"
See jääb partisani mälestuseks
Oh, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
See jääb partisani mälestuseks
Milline vabadus vapralt kukkuda!
***
Kuulake Itaalia partisanide laulu "Bella, Ciao" Pyatnitski koori esituses:
Kõigi lemmikpartisanilaul oli "Fischia il vento" ("Tuul puhub"), sellel oli selgelt väljendunud kommunistlik iseloom. Seetõttu hakkas Itaalia valitsus pärast sõja lõppu ideoloogilistel eesmärkidel reklaamima laulu “Bella Ciao”. Selle eest peame teda ainult tänama. Igatahes saavutas laul ülemaailmse kuulsuse neljakümnendate lõpus, pärast 1. rahvusvahelist noorte ja üliõpilaste festivali, mis peeti 1947. aasta suvel Prahas. Pärast seda kajastasid seda mitu korda kuulsad ja mitte nii kuulsad lauljad üle kogu maailma.
Itaalia rahvamuusika teema on nii mahukas, et seda on võimatu ühes artiklis edasi anda. See on tingitud asjaolust, et kogu Itaalia ajalugu kajastub rahvalauludes. Uskumatult meloodiline keel, luksuslik loodus ja riigi tormiline arengulugu on andnud maailmale sellise kultuurinähtuse nagu itaalia rahvalaul.
← ←Kas soovite kuulda, kuidas teie sõbrad tänavad teid huvitava ja väärtusliku materjali jagamise eest??
Seejärel klõpsake kohe üht vasakul asuvat sotsiaalmeedia nuppu!
Liituge RSS-iga või saage uusi artikleid meili teel.
Itaalia muusika on tuntud kogu maailmas. Pole ühtegi riiki ega kontinenti, kus sellest midagi kuulda poleks. Itaaliat peetakse muusikakunsti hälliks, riigiks, mis andis maailmale suurima žanri – ooperi. Selles artiklis jagame teiega huvitavat teavet selle päikeselise osariigi muusikakultuuri ajaloost.
Milano La Scala ooperimaja peetakse üheks Itaalia peamiseks sümboliks. Miks võitis ta kogu maailmast sellise tunnustuse ja armastuse? Kõik pole kaugeltki lihtne – teater on kõiges täiuslik. Hämmastavalt ilus hoone, mis on kujundatud ranges stiilis, suurepärane akustika, hoolikalt läbimõeldud istekohtade paigutus luksuslikult kaunistatud auditooriumis, alati kõige andekamad esinejad ja näitlejad, säravad dirigendid ja veelgi säravam muusika... Noh, ja mis kõige tähtsam, arvatakse, et teater ehitati sellise ruumi jaoks ideaalsesse kohta. Ja kõik sellepärast, et territooriumi ehitamiseks kaevates avastasid ehitajad tohutu marmoritüki, millele oli nikerdatud Vana-Rooma kuulsaim näitleja, miim Pylades. Sellist leidu peeti tõeliseks märgiks ülalt, mis kinnitas kohavaliku õigsust – aga kuidas saaks teisiti, kui sellele viitas isiklikult üks antiikaja suurimaid traagikaid?
Ilusa laulu ohvrid
Seda päikeselist maad peetakse ka bel canto sünnikohaks – virtuoosne ja elegantne laulustiil, mis on vallutanud kogu maailma, ilma milleta pole barokkmuusika Itaalias mõeldav. Ja tõesti, kuidas saab jääda ükskõikseks, kui kõik selle stiili lauljad valdavad oma häält peaaegu täiuslikult? Ebatavaliselt lai hääleulatus, mis hõlmab väga kõrgeid helisid, säravat koloratuuri, keerulisi lõike ja lihtsalt kujuteldamatut hingamise kestust. Kõik oleks hästi, aga valdavalt valdasid seda kunsti mehed.
Ilusa laulu kunsti õpetamiseks valiti välja andekad poisikesed, kes saadeti eriõppeasutustesse. Seal õpetati noortele lauljatele mitu aastat iga päev vokaali. Kui lapsel tuvastati silmapaistvad lauluoskused, kastreeriti ta, et pärast nn hääle "murdmist" ei muutuks tema laulu kvaliteet. Sellistest lastest kasvasid üles fenomenaalse häälega lauljad. Üks kuulsamaid kastraadilauljaid on Carlo Broschi (Farinelli).
Aga kust tuli see “mood” lastele neid kohutavaid operatsioone teha? Kust, nagu öeldakse, nad seda ei oodanud. Castrati lauljaid on alates 3. sajandist koolitatud jumalateenistustel laulma. Naistel oli katoliiklikus laulus osalemine rangelt keelatud ja nõuti kõrget häält. Bel canto kunst õitses 17. sajandi teisel poolel.
Kui perekonnanimi kohustab
Üks levinumaid perekonnanimesid 15.–16. sajandi lõpu kunstiloojate seas on Allegri. Võib-olla poleks keegi sellele tähelepanu pööranud, kui poleks olnud selle sõna otsest seost muusikaterminiga. Muusikas Allegrot kasutatakse muusikateose tempo, iseloomu ja isegi selle osade tähistamiseks. Seetõttu pole sugugi üllatav, et väljakuulutatud ajastu loojate seas kandsid mitu heliloojat sellist perekonnanime. Kuid me pöördume ainult ühe, kõige kuulsama poole.
Gregorio Allegri pühendas suurema osa oma elust tööle Vatikanis Sixtuse kabelis, kus ta pühendus täielikult kirikumuusikale. Tema kuulsaim teos kannab nime "Miserere". Teose pealkiri on antud selle teksti esimesest sõnast – “Miserere” ladina keelest tõlgituna tähendab “halasta”. Seda peetakse oma aja standardiks, Itaalia muusika suurimaks meistriteoseks. Ja võib-olla oleks see looming aja jooksul muusikaajalukku unustatud, kui mitte üks asi. Vatikan keelas rangelt selle kopeerimise ja kirikust eemaldamise ning dekreedi rikkumise korral ähvardas see ekskommunikatsiooniga. Nii oli see seni, kuni ühel päeval W. A. Mozart seda teost kuulis. Koju jõudes pani ta selle mälu järgi kirja. Nii nägi maailm Allegri loomingut, kuid 14-aastane geenius ei saanud kunagi karistada.
Muidugi on Itaalia vanamuusikas palju huvitavat, millest võiks veel rääkida. See on maailma kultuuri suurim ja väärtuslikum kiht, mis on mõjutanud kogu maailma muusikakunsti. Ta mängis meie riigi jaoks erilist rolli. Itaallased mitte ainult ei tutvustanud venelastele ooperižanri, vaid õpetasid ka vene heliloojatele seda komponeerima. Kuid see on täiesti erinev, kuid mitte vähem huvitav lugu.
Video: kuulake Itaalia muusikat
Maailmas elab koos palju rahvaid, kes räägivad erinevaid keeli. Kuid inimesed ei rääkinud läbi ajaloo ainult sõnadega. Iidsetel aegadel kasutati laule ja tantse emotsioonide ja mõtete spirituaalseks muutmiseks.
Tantsukunst kultuurilise arengu taustal
Itaalia kultuuril on maailma saavutuste taustal suur tähtsus. Selle kiire kasvu algus langeb kokku uue ajastu - renessansi - sünniga. Tegelikult tekib renessanss just Itaalias ja areneb mõnda aega sisemiselt, teisi riike puudutamata. Tema esimesed õnnestumised sündisid 14.-15. sajandil. Hiljem levisid nad Itaaliast üle Euroopa. 14. sajandil algab ka rahvaluule areng. Värske kunstivaim, teistsugune suhtumine maailma ja ühiskonda, väärtushinnangute muutumine kajastusid otseselt rahvatantsudes.
Renessansi mõju: uued sammud ja pallid
Keskajal esitati itaaliakeelseid liigutusi muusika saatel astmeliselt, sujuvalt ja õõtsudes. Renessanss muutis suhtumist Jumalasse, mis kajastus folklooris. Itaalia tantsud omandasid energiat ja elavaid liigutusi. Niisiis sümboliseerisid “punkti” sammud inimese maist päritolu, tema seost looduse andidega. Ja liikumine "varvastel" või "hüppega" tuvastas inimese iha Jumala ja tema ülistamise järele. Nendele tugineb Itaalia tantsupärand. Nende kombinatsiooni nimetatakse "balli" või "ballo".
Itaalia rahvamuusika instrumendid renessansiajast
Saatel esitati rahvaluule teoseid. Selleks kasutati järgmisi tööriistu:
- Klavessiin (itaalia "chembalo"). Esmamainimine: Itaalia, XIV sajand.
- Tamburiin (teatud tüüpi tamburiin, tänapäevase trummi esivanem). Tantsijad kasutasid seda ka liigutuste ajal.
- Viiul (15. sajandil tekkinud poogenpill). Selle Itaalia sort on vioola.
- Lauto (kitsitud keelpill.)
- Torud, flöödid ja oboed.
Tantsu mitmekesisus
Itaalia muusikamaailm on muutunud mitmekesisemaks. Uute pillide ja meloodiate ilmumine innustas hoogsaid liigutusi rütmile. Tekkisid ja arenesid Itaalia rahvustantsud. Nende nimed moodustati sageli territoriaalsel põhimõttel. Neid oli palju sorte. Peamised tänapäeval tuntud itaalia tantsud on bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella ja pizzica.
Bergamasca: punktide klassika
Bergamasca on 16.-17. sajandil populaarne Itaalia rahvatants, mis läks pärast moest välja, kuid jättis vastava muusikalise pärandi. Põlispiirkond: Põhja-Itaalia, Bergamo provints. Selle tantsu muusika on rõõmsameelne ja rütmiline. Ajamõõtja on kompleksne neljataktiline meeter. Liigutused on lihtsad, sujuvad, paarilised, protsessi käigus on võimalik paaride vahel muudatusi. Algselt armastati rahvatantsu õukonnas renessansiajal.
Selle esimene kirjanduslik mainimine oli William Shakespeare'i näidendis "Suveöö unenägu". 18. sajandi lõpus läks Bergamasca tantsufolkloorilt sujuvalt üle kultuuripärandiks. Seda stiili kasutasid oma teoste kirjutamisel paljud heliloojad: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.
19. sajandi lõpuks ilmus bergamasca teistsugune tõlgendus. Seda iseloomustas keeruline segameeter ja kiirem tempo (A. Piatti, C. Debussy). Tänapäeval on säilinud folkloori bergamaski kajasid, mida püütakse edukalt kehastada balleti- ja teatrilavastustes, kasutades selleks sobivat stiililist muusikasaadet.
Galliard: rõõmsad tantsud
Galliarda on iidne Itaalia tants, üks esimesi rahvatantse. Ilmus 15. sajandil. Tõlkes tähendab see "rõõmsameelne". Tegelikult on ta väga rõõmsameelne, energiline ja rütmikas. See on keeruline kombinatsioon viiest sammust ja hüppest. See on paarisrahvatants, mis kogus populaarsust aristokraatlikel ballidel Itaalias, Prantsusmaal, Inglismaal, Hispaanias ja Saksamaal.
15.-16. sajandil sai galliard moekas oma koomilise vormi ja rõõmsa, spontaanse rütmi tõttu. Kaotas populaarsuse evolutsiooni ja muutumise tõttu tavapäraseks prim courti tantsustiiliks. 17. sajandi lõpus läks ta täielikult muusikale üle.
Primaarset galliardi iseloomustab mõõdukas tempo, meetri pikkune - lihtne kolmesagaraline. Hilisematel perioodidel tehakse neid sobiva rütmiga. Seda galliardi iseloomustas muusikalise meetri keeruline pikkus. Selles stiilis kuulsaid kaasaegseid teoseid eristab aeglasem ja rahulikum tempo. Heliloojad, kes kasutasid oma teostes galliardimuusikat: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird jt.
Saltarella: pulmarõõm
Saltarella (saltarello) on Itaalia vanim tants. See on üsna rõõmsameelne ja rütmiline. Kaasas sammude, hüpete, pöörlemiste ja vibude kombinatsioon. Päritolu: Itaalia keelest saltare – "hüppama". Esimest korda mainiti seda tüüpi rahvakunsti 12. sajandil. Algselt oli see seltskondlik tants muusika saatel lihtsas kahe- või kolmelöögimeetris. Alates 18. sajandist on see järk-järgult degenereerunud paaris saltarellaks keerulises suuruses muusikale. Stiil on säilinud tänapäevani.
19.-20.sajandil muutus see itaalia massiliseks pulmatantsuks, mida tantsiti pulmapidustustel. Muide, tol ajal olid need sageli ajastatud nii, et need langeksid kokku koristamisega. XXI aastal - esines mõnel karnevalil. Selles stiilis muusikat arendati paljude autorite kompositsioonides: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.
Pavan: graatsiline pidulikkus
Pavana on iidne Itaalia peotants, mida esitati ainult õues. Tuntud on ka teine nimi - padovana (nimest Padova; ladina keelest pava - paabulind). See tants on aeglane, graatsiline, pühalik, ehitud. Liigutuste kombinatsioon koosneb lihtsatest ja topeltsammudest, kõverustest ja perioodilistest muutustest partnerite asukohas üksteise suhtes. Seda ei tantsitud mitte ainult ballidel, vaid ka rongkäikude või tseremooniate alguses.
Teiste riikide väljakupallidesse sisenenud Itaalia pavane vahetus. Sellest sai omamoodi tantsu "murre". Seega viis Hispaania mõju "pavanilla" ja prantsuse mõju "passamezzo" tekkeni. Muusika, mille saatel samme esitati, oli aeglane, kahetaktiline. rõhutada kompositsiooni rütmi ja olulisi hetki. Tants läks järk-järgult moest välja, säilitades muusikapärandi (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).
Tarantella: itaalia temperamendi kehastus
Tarantella on Itaalia rahvatants, mis on säilinud tänapäevani. Ta on kirglik, energiline, rütmiline, lõbus, väsimatu. Itaalia tarantella tants on kohalike tunnus. See koosneb hüpete kombinatsioonist (ka küljele) vahelduvate jalgade visketega ette ja taha. See sai nime Taranto linna järgi. On ka teine versioon. Nad ütlesid, et hammustada saanud inimesed puutusid kokku haigusega – tarantismiga. See haigus sarnanes väga marutaudiga, mida nad püüdsid ravida pidevate kiirete liigutustega.
Muusikat esitatakse lihtsas kolmelöögis või keerulises taktis. Ta on kiire ja lõbus. Omadused:
- Põhipillide (ka klahvpillide) kombinatsioon lisapillidega, mis on tantsijate käes (tamburiinid ja kastanjetid).
- Tavalise muusika puudumine.
- Muusikariistade improviseerimine teadaolevas rütmis.
Liikumisele omast rütmilisust kasutasid oma kompositsioonides F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tšaikovski. Tarantella on tänapäevalgi värvikas rahvatants, mille põhitõdesid teab iga patrioot. Ja 21. sajandil tantsitakse seda massiliselt rõõmsatel perekondlikel pidustustel ja suurepärastel pulmadel.
Pizzica: kaasakiskuv tantsuvõitlus
Pizzica on kiire itaalia tants, mis on tuletatud tarantellast. Sellest sai Itaalia folkloori tantsusuund tänu oma eripärade esilekerkimisele. Kui tarantella on eelkõige massitants, siis pizzicast on saanud eranditult paaritants. Veelgi elavam ja energilisem, sai see sõjakaid noote. Kahe tantsija liigutused meenutavad duelli, milles võitlevad rõõmsameelsed rivaalid.
Sageli esitavad seda daamid koos mitme härrasmehega kordamööda. Samas väljendas noor daam energiliste liigutuste sooritamisega oma originaalsust, iseseisvust ja jõulist naiselikkust, mille tulemusena tõrjus neist igaühe. Härrad alistusid survele, demonstreerides oma imetlust naise vastu. Selline individuaalne, eriline iseloom on pitsale ainulaadne. Mõneti iseloomustab see kirglikku itaalia olemust. 18. sajandil populaarsust kogunud pizzica pole seda kaotanud tänapäevani. Seda esitatakse jätkuvalt laatadel ja karnevalidel, perekondlikel pidustustel ning teatri- ja balletietendustel.
Millegi uue tekkimine viis sobiva muusikalise saate loomiseni. Ilmub “Pizzicato” - viis teoste esitamiseks poognapillidel, kuid mitte poogna endaga, vaid sõrmede kitkumisega. Selle tulemusena tekivad täiesti erinevad helid ja meloodiad.
Itaalia tantsud maailma koreograafia ajaloos
Rahvakunstina alguse saanud, aristokraatlikesse ballisaalidesse tunginud tantsimine muutus ühiskonnas populaarseks. Tekkis vajadus süstematiseerida ja täpsustada samme amatöör- ja erialakoolituse eesmärgil. Esimesed teoreetilised koreograafid olid itaallased: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Need teosed koos liigutuste ja nende stiliseerimisega olid balleti ülemaailmse arengu aluseks.
Vahepeal olid algul rõõmsad, lihtsad maa- ja linnaelanikud, kes tantsisid saltarellat või tarantellat. Itaallaste temperament on kirglik ja elav. Renessansiajastu on salapärane ja majesteetlik. Need jooned iseloomustavad itaalia tantse. Nende pärand on aluseks tantsukunsti arengule maailmas tervikuna. Nende omadused peegeldavad terve rahva ajalugu, iseloomu, emotsioone ja psühholoogiat läbi paljude sajandite.
Itaalia muusika päritolu ulatub tagasi Vana-Rooma muusikakultuuri (vt Vana-Rooma muusika). Muusika mängis olendeid. roll ühiskonnas, riigis Rooma impeeriumi elu, igapäevaelus mitmesugused. elanikkonna kihid; muusika oli rikkalik ja mitmekesine. tööriistad. Vana-Rooma muusika näidised pole meieni jõudnud, kuid dep. selle elemendid säilisid keskajal. Kristus hümne ja rahvalaulu muusika traditsioonid. 4. sajandil, kui kristlus kuulutati riigiks. religioonist sai Rooma koos Bütsantsiga üheks liturgilise arengu keskuseks. esiteks laulmine mille aluseks oli psalmodia, mis sai alguse Süüriast ja Palestiinast. Milano peapiiskop Ambrose tugevdas hümnide antifoonilist laulmist (vt Antifon), tuues nende meloodia jutustusele lähemale. päritolu. Tema nimega on seotud eriline lääne kristlik traditsioon. kirik laulmine, mida nimetatakse ambrosiaaniks (vt ambrosiaanlik laulmine). In con. 6. sajandil töötati paavst Gregorius I juhtimisel välja Kristuse kindlad vormid. liturgia ja selle muusika tellitakse. pool. Laulja lõi samal ajal Roomas. kool (“schola cantorum”) kujunes omamoodi kirikulaulu akadeemiaks. kohtuasjad ja kõrgemad seadusandjad. asutus selles valdkonnas. Gregory I-le omistati aluspõhimõtete ühendamine ja fikseerimine. liturgilised laulud. Hilisemad uuringud on aga kindlaks teinud, et see on meloodiline. stiil ja vormid nn Gregoriuse laul võttis lõplikult kuju alles 8.–9. Rooma katoliiklane. kirik, püüdes jumalateenistuse ühtsuse poole, propageeris seda monogoolide stiili. koor lauldes kõigi rahvaste seas, kes pöörduvad Kristuse poole. usk. See protsess lõppes lõpuks. 11. sajand, mil gregooriuse liturgia koos sellele vastava lauluga. määrused kehtestati Kesk- ja Lääne maades. ja Yuzh. Euroopas. Samal ajal peatus ka muutumatuks tardunud gregooriuse laulu edasine areng. vormid.
Lõpust 1. aastatuhandel pKr vaenlase sagedaste sissetungide tõttu Itaalia territooriumile, samuti paavstluse suurenenud rõhumise tagajärjel, mis segas loovuse vaba väljendust. algatusel, tuleb I. m. seisak, lakkab see üldises muusikas märgatavat rolli mängimast. Euroopa areng riigid Olulisemad Euroopas toimunud muutused. 1. ja 2. aastatuhande vahetuse muusika kajastub ajaloolises muusikas nõrgalt ja sageli hilinemisega, samas kui lääne õpetlased-muusikud. ja Loode Euroopa juba 9. sajandil. andis põhjenduse polüfoonia algvormidele, kõige silmapaistvamale itaalia keelele. muusika keskaja teoreetik Guido d'Arezzo (11. sajand) pööras põhitähelepanu ühepäise gregooriuse laulule, puudutades vaid põgusalt organumit. 12. sajandil jõudis mitmehäälne laulmine osade Itaalia kirikute liturgilisse praktikasse, kuid sellest oli vähe teada. näited ei viita Itaalia iseseisvale panusele tolleaegsete polüfooniliste žanrite arengusse feodaalide võimu nõrgenemise ja varajase kapitalistlike suhete kujunemise perioodil Vararenessansi kontseptsioon vastab muusikaajaloos omaks võetud Ars nova definitsioonile, mis on nende sotsiaalses süsteemis ja kultuuris rohkem arenenud kui lõunapoolsetes piirkondades, kus feodaalsed suhted olid endiselt kindlalt säilinud muusikud. Siin tekkisid uued žanrid ja stiilisuunad.
Soov väljendusvõime suurendamise järele avaldus laulusõnades. hümne vabalt tõlgendatud religioonist. Teemaks on laudah, mida lauldi igapäevaelus ja religioonide ajal. rongkäigud. Juba lõpus. 12. sajand Tekkisid "laudistlikud vennaskonnad", mille arv kasvas 13. ja eriti 14. sajandil. Laudasid kasvatati frantsiskaani ordu munkade seas, mis oli opositsiooniline ametlikule riigile. Rooma kirik, mõnikord peegeldasid need sotsiaalse protesti motiive. Lau meloodia on seotud nariga. päritolu, rütm on erinev. selgus, struktuuri selgus, valdav suur värvimine. Mõned neist on iseloomult tantsule lähedased. laulud.
Firenzes tekkisid ilmaliku polügooni uued žanrid. wok koduseks amatööretenduseks mõeldud muusika: madrigal, caccia, ballaat. See oli 2-3-värav. stroofiline meloodilise ülimuslikkusega laulud. ülemine hääl, mida eristas rütm. liikuvus, värviliste käikude rohkus. Madrigal - aristokraatlik. žanr, mida iseloomustab poeetika ja muusika keerukus. hoone. Selles domineeris peen erootika. teemasid, kehastatud ka satiirilisi. motiivid, mõnikord poliitiliselt laetud. Caccia sisu koosnes algselt jahipiltidest (sellest ka nimi ise: caccia – jaht), kuid siis selle teemad laienesid ja hõlmasid erinevaid žanristseene. Ars nova ilmalikest žanritest on populaarseim ballata (sisult madrigaliga sarnane tantsulaul).
Laialdane areng 14. sajandi Itaalias. saab instr. muusika. Põhiline Tollased pillid olid lauto, harf, fidel, flööt, oboe, trompet ja erinevad orelid. tüüp (positiivsed, kaasaskantavad). Neid kasutati laulu saatmiseks ning soolo- või ansamblimänguks.
Itaalia tõus. Ars nova esineb keskel. 14. sajand 40ndatel loovus avaldub. selle silmapaistvamate meistrite - Giovanni Firenzest ja Jacopo Bolognast - tegevus. Eriti kuulsaks sai pime virtuoosne organist ja helilooja. F. Landino on multitalent, luuletaja, muusik ja teadlane, keda Itaalia ringkondades austati. humanistid. Tema töös tihenes side rahvaga. päritolu, omandas meloodia suurema väljendusvabaduse, mõnikord peene rafineerituse, lillelisuse ja rütmi. mitmekesisust.
Kõrgrenessansi ajastul (16. sajand) võttis ajalooline kunst eurooplaste seas juhtiva positsiooni. muusika põllukultuurid Kunstide üldise tõusu õhkkonnas. kultuur, musitseerimine arenes intensiivselt erinevates ühiskonna kihid. Selle keskused olid koos kirikuga. käsitöö kabelid. gildide ühendused, valgustatud kirjanduse ja kunsti armastajate ringid, kes nimetavad end mõnikord antiigi järgi. Akadeemiate eeskujul. Mitmuses iseseisvumisele kaasa aidanud linnades loodi koole. panus ajaloolise kunsti arengusse Suurimad ja mõjukamad neist on Rooma ja Veneetsia koolkonnad. Katoliikluse keskmes - Roomas põrkasid renessansiliikumise poolt ellu äratatud uued kunstivormid sageli kiriku vastupanu. ametiasutused. Kuid vaatamata keeldudele ja denonsseerimistele kogu 15. sajandil. roomakatoliku keeles polügoal oli jumalateenistuses kindlalt kinnistunud. laulmine. Seda soodustas erinevatel aegadel paavsti kabelis teeninud prantsuse-flaami koolkonna esindajate G. Dufay, Josquin Despres ja teiste heliloojate tegevus. Sixtuse kabelis (asutatud 1473) ja kooris. Püha katedraali kabel. Peeter, koondunud kiriku parimad meistrid. ei laula mitte ainult Itaaliast, vaid ka teistest riikidest. Kiriku küsimused erilist tähelepanu pöörati laulmisele. tähelepanu Trento kirikukogul (1545–1563), mille otsustes mõisteti hukka liigne kirg „kujundliku” polüfoonilisuse vastu. muusika, mis raskendas "pühade sõnade" mõistmist ning esitati lihtsuse ja selguse nõue; keelati ilmalike meloodiate sissetoomine liturgikasse. muusika. Kuid vastupidiselt kiriku soovile. autoriteedid, et tõrjuda välja kõik uuendused kultuslaulust ja võimalusel viia see tagasi gregooriuse laulu traditsioonide juurde, lõid rooma koolkonna heliloojad kõrgelt arenenud polüfoonilise. kunst, milles renessansi esteetika vaimus rakendati ja tõlgendati ümber prantsuse-flaami polüfoonia parimaid saavutusi. Tootmises selle koolkonna heliloojad on keeruline jäljendus. tehnikat kombineeriti akordharmooniaga. ladu, mitme peaga tekstuur omandas harmoonilise eufoonia iseloomu, meloodiline algus muutus iseseisvamaks, sageli tõusis esile ülemine hääl. Rooma koolkonna suurim esindaja on Palestrina. Tema täiuslikult tasakaalus, meeleolult valgustatud, harmoonilist kunsti võrreldakse mõnikord Raffaeli loominguga. Koori tipuks olemine. range stiili polüfoonia, sisaldab Palestrina muusika samal ajal arenenud homofoonilise mõtlemise elemente. Horisontaalsete ja vertikaalsete printsiipide vaheline tasakaal oli omane ka teistele sama koolkonna heliloojatele: C. Festale, G. Animuccile (kes seisis St. Peeter aastatel 1555-71), Clemens-mitte-Paavst, Palestrina õpilased ja järgijad - G. Nanino, F. Anerio jt ühinesid ka Rooma koolkonnaga. paavsti kabelis töötanud heliloojad: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (sai hüüdnime “Hispaania Palestrina”).
Veneetsia koolkonna rajaja oli A. Willaert (päritolu poolest hollandlane), kes 1527. aastal juhtis Püha katedraali kabelit. Mark ja oli selle juht 35 aastat. Tema järglased olid C. de Pope ja hispaanlane C. Merulo. See kool saavutas oma suurima õitsengu A. Gabrieli ja tema vennapoja G. Gabrieli loomingus. Vastupidiselt Palestrina ja teiste Rooma koolkonna heliloojate rangele ja vaoshoitud kirjaviisile iseloomustas veneetslaste kunsti lopsakas kõlapalett ja erksate värvide rohkus. mõjusid. Nende jaoks oli eriti oluline polükoorsuse põhimõte. Kahe vastandkoori, arranžeeritud. kiriku eri külgedel, oli dünaamika aluseks. ja värvilised kontrastid. Pidevalt muutuv häälte arv küündis G. Gabrieli kooril 20ni. sonoriteedi täiendasid muudatused instrumentides. tämbrid ning pillid mitte ainult ei dubleerinud koori hääli, vaid tegutsesid ka iseseisvalt. ja ühendavad episoodid. Harmooniline keel oli küllastunud arvukate, tolle aja kohta sageli julgete kromatismidega, mis andsid sellele väljendusrikkamad tunnused.
Uute pillide vormide väljatöötamisel mängis suurt rolli Veneetsia koolkonna meistrite loovus. muusika. 16. sajandil Pillide enda koosseis on oluliselt rikastatud, avardunud on nende väljendus. võimalusi. Suurenenud on nende meloodilise sooja kõlaga poogenpillide tähtsus. Just sel perioodil kujunes klassika. vioola tüüp; viiul, varem laialt levinud. rahvaelus saab prof. muusika tööriist. Soolopillidena olid lauto ja orel jätkuvalt juhtival kohal. Aastatel 1507-09 avaldas muusikakirjastus O. Petrucci. 3 kollektsiooni lutsule, säilinud veel. wok-sõltuvuse tunnused. moteti tüüpi polüfoonia. Tulevikus see sõltuvus nõrgeneb, töötatakse välja spetsiifilised vahendid. esitlustehnikad. Iseloomulik 16. sajandile. žanrid soolopill Muusika - ricercar, fantasia, canzona, capriccio. 1549. aastal ilmus seal org. Richercars Villarta. Teda järgides arendas selle žanri välja G. Gabrieli, mõned ricercars, kelle esitlus on lähedane fuugale. Organisatsioonis Veneetsia meistrite tokatad peegeldavad virtuoossust ja kalduvust vabale kujutlusvõimele. Aastal 1551 ilmus Veneetsias raamatute kogu. klahvpilli tantsupalad iseloomu.
Esimeste iseseisvate riikide tekkimist seostatakse A. ja J. Gabrieli nimedega. kammeransambli ja orkestri näidised. muusika. Nende kompositsioonid erinevatele pillidele. kompositsioonid (3–22 pidu) koondati kogumiks. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate...", ilmus 1615. aastal pärast heliloojate surma). Need näidendid põhinevad erinevate vastandamise põhimõttel. instr. rühmad (mõlemad homogeensed - poogna-, puu-, vask- ja segatud), mis seejärel said järjestikku. kehastus kontserdižanris.
Renessansi ideede kõige täielikum ja eredaim väljendus muusikas oli madrigal, mille uus õitseng saabus 16. sajandil. Paljud inimesed pöörasid sellele renessansiajal ilmaliku muusika tegemise kõige olulisemale žanrile tähelepanu. heliloojad. Madrigalid kirjutasid veneetslased A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli ning rooma koolkonna meistrid C. Festa ja Palestrina. Madrigalistide koolid eksisteerisid Milanos, Firenzes, Ferraras, Bolognas ja Napolis. Madrigal 16. sajand erines Ars nova perioodi madrigalist oma suurema rikkuse ja poeetilise rafineerituse poolest. sisu, kuid põhiline tema sfääriks jäid armastussõnad, sageli pastoraalselt värvitud, kombineerituna entusiastliku looduse ilude tähistamisega. F. Petrarchi luule avaldas suurt mõju madrigali arengule (paljud tema luuletused olid erinevate autorite muusikasse seatud). Madrigalistidest heliloojad pöördusid L. Ariosto, T. Tasso ja teiste renessansiajastu suurte luuletajate loomingu poole. 16. sajandi madrigalites. Domineerisid 4- või 5-väravalised. ladu, mis ühendab polüfoonia ja homofoonia elemente. Juhtiv meloodiamängija Hääl eristus selle väljenduse peenusest. varjundid, poeetiliste detailide paindlik edasiandmine. tekst. Üldine kompositsioon oli vaba ega allunud stroofsetele joontele. põhimõte. 16. sajandi madrigalimeistrite seas. Silma paistis Roomas ja Firenzes töötanud hollandlane J. Arkadelt. Tema 1538-44 ilmunud madrigalid (6 raamatut) trükiti palju kordustrükke ja paljundati erinevates väljaannetes. trükitud ja käsitsi kirjutatud koosolekud. Selle žanri kõrgeim õitseng on seotud loovusega. L. Marenzio, C. Monteverdi ja C. Gesualdo di Venosa tegevust lõpuks. 16 - algus 17. sajandil Kui Marenziot iseloomustab viimistlemise sfäär. lüüriline pilte, siis Gesualdo di Venosas ja Monteverdis on madrigal dramatiseeritud ja varustatud sügava psühholoogilisega. väljendus, nad kasutasid uusi, ebatavalisi vahendeid harmooniliseks. keel, teritatud intonatsioon. woki väljendusrikkus. meloodia. I. m rikas kiht on inimesed. laulud ja tantsud, mida eristab meloodia meloodilisus, elavus ja tulised rütmid. Itaalia jaoks Tantse iseloomustavad meeter 6/8, 12/8 ja kiire, sageli kiire tempo: saltarello (säilinud on 13.-14. sajandi plaadid), seotud lombarda (Lombardia tants) ja forlana (Veneetsia, Friuli tants). ), tarantella (Lõuna-Itaalia tants , mis sai rahvuslikuks). Tarantella kõrval on populaarne sitsiilia (suurus on sama, kuid tempo on mõõdukas, meloodia iseloom on erinev - pastoraalne). Sitsiillastel on lähedal barcarolle (Veneetsia gondoljeeride laul) ja Toscana rispetto (kiituslaul, armastuse ülestunnistus). Lamento laulud (teatud nutulaulud) on laialt tuntud. Meloodia plastilisus ja meloodilisus, särav lüürilisus ja sageli rõhutatud tundlikkus on iseloomulikud Itaalias levinud napoli lauludele.
Nar. muusika mõjutas ka prof. muusika looming. Suurim lihtsus ja rahvalähedus. Frottola ja villanelle žanrid erinesid oma päritolu poolest.
Renessanss andis tõuke muusikateooria arengule. mõtted Itaalias. Vundament on kaasaegne. harmoonia doktriini pani paika G. Zarlino. Kesksajand Ta vastandas režiimide doktriini uuele tonaalsele süsteemile, millel oli kaks põhialust. modaalsed meeleolud – duur ja moll. Oma otsustes tugines Zarlino peamiselt otsesele kuulmistajule, mitte abstraktsetele skolastilistele arvutustele ja numbrilistele tehtetele.
16.-17.sajandi vahetuse suurim sündmus I. m. oli ooperi tekkimine. Olles ilmunud juba renessansi lõpus, on ooper siiski täielikult seotud oma ideede ja kultuuriga. Ooper eraldiseisvana. Žanr kasvas ühelt poolt välja teatrist. 16. sajandi etendused muusika saatel, teiselt poolt - madrigalist. Paljud inimesed lõid teleri jaoks muusikat. 16. sajandi kuulsad heliloojad. Nii kirjutas A. Gabrieli refräänid Sophoklese tragöödiale “Oidipus” (1585, Vicenza). Üks ooperi eelkäijaid oli A. Poliziano näidend "Orpheuse lugu" (1480, Mantova). Madrigal arendas välja paindlikud väljendusvahendid. poeetilise kehastused tekst muusikas. Levinud tava esitada madrigalid ühe laulja poolt koos pillidega. vastupanu lähendas neid wok-tüübile. monodia, mis sai esimese itaalia keele aluseks. oper. In con. 16. sajand tekkis madrigalikomöödia žanr, milles miimika. näitlemist saatis vokk. episoodid madrigali stiilis. Selle žanri tüüpiline näide on O. Vecchi “Amphiparnassus” (1594).
1581. aastal ilmus poleemik. V. Galilei traktaat “Vestlus muinas- ja moodsast muusikast” (“Dialogo della musica antica et délia moderna”), milles skandeeriv hääl. deklamatsioon (vana mudeli järgi) vastandati keskaja “barbaarsusele”. polüfoonia. Katkend Dante "Jumalikust komöödiast", mille ta muusikasse seadis, pidi olema selle kontseptsiooni illustratsiooniks. stiilis. Galilea mõtted leidsid toetust 1580. aastal valgustatud Firenze krahvi G. Bardi (nn Firenze Camerata) algatusel ühinenud poeetide, muusikute ja humanistlike teadlaste rühmas. Selle ringi kujud lõid O. Rinuccini tekstile esimesed ooperid - J. Peri "Daphne" (1597-98) ja "Eurydice" (1600). Solo wok. osad neist ooperitest op. basso continuo säilivad deklamatsioonis. viisil on koorides säilinud madrigali struktuur.
Mitu aastaid hiljem komponeeris laulja ja helilooja muusika "Eurydice'ile" iseseisvalt. G. Caccini, kes oli ka kogumiku autor. soolo kammerlaulud saatega "Uus muusika" ("Le nuove musiche", 1601), peak. sama stilistika järgi. põhimõtteid. Seda kirjutamisstiili nimetati "uueks stiiliks" (Stile nuovo) või "kujundlikuks stiiliks" (Stile rарpresentativo).
Prod. Firenzelased on teatud määral ratsionaalsed, nende tähendus on peamiselt eksperimentaalne. Muusika geniaalsus puhus ooperile tõelise elu sisse. dramaturg, võimsa traagilise andega kunstnik C. Monteverdi. Ooperižanri poole pöördus ta täiskasvanueas, olles juba paljude teoste autor. vaimne op. ja ilmalikud madrigalid. Tema esimesed ooperid "Orpheus" (1607) ja "Ariadne" (1608) olid post. Mantovas. Pärast pikka pausi tegutses Monteverdi taas Veneetsias ooperiheliloojana. Tema ooperiloomingu tipp on “Poppea kroonimine” (1642), prod. tõeliselt Shakespeare’i vägi, mida eristab draama sügavus. ilmed, meisterlik karakterikujundamine, konfliktsituatsioonide teravus ja intensiivsus.
Veneetsias ületas ooper kitsa aristokraatliku piiri. asjatundjate ringi ja sai avalikuks vaatemänguks. 1637. aastal avati siin esimene avalik ooperimaja "San Cassiano" (1637-1800 loodi vähemalt 16 sellist teatrit). Demokraatlikum. Ka publiku koosseis mõjutas teoste iseloomu. Mütoloogiline subjekt andis teed ajaloo domineerivale kohale. lugusid reaalse tegevusega. näod, draamad ja kangelaslik. algus oli põimunud koomilise ja kohati isegi jämedalt farsiga. Wok. meloodia omandas retsitatiivsetes stseenides suurema meloodilisuse, tekkisid lõigud. arious tüüpi episoodid. Neid Monteverdi hilisooperitele iseloomulikke jooni arendati edasi F. Cavalli, 42 ooperi autori loomingus, mille hulgas pälvis suurima populaarsuse ooper Jason (1649).
Omapärase värvingu omandas Rooma ooper siin domineerinud katoliiklaste mõjul. suundumusi. Koos antiigiga mütoloogiline süžeed ("Orpheuse surm" - S. Landi "La morte d"Orfeo", 1619; "Adonise kett" - D. Mazzocchi "La Caténa d"Adone", 1626) sisaldas ooper religioosset. Kristuses tõlgendatud teemad. moraliseeriv plaan. Enamik tähendab. prod. Rooma koolkond - Landi ooper "Püha Aleksei" (1632), mis eristus oma meloodilisuse poolest. muusika rikkust ja dramaatilisust, arenenud koorifaktuuride rohkust. episoodid. Esimesed koomiksiraamatute näited ilmusid Roomas. ooperižanr: V. Mazzocchi ja M. Marazzoli "Las kannataja loodab" ("Che sofre, speri", 1639) ning A. M. Abbatini ja "Igal pilvel on hõbedane vooder" ("Dal male il bene", 1653). Marazzoli.
K ser. 17. sajandil ooper lahkus peaaegu täielikult Firenze Camerata propageeritud renessansi esteetika põhimõtetest. Sellest annavad tunnistust Veneetsia ooperikoolkonnaga seotud M. A. Chesti tööd. Tema kirjutistes on ärevaid draamasid. Retsitatiivile vastandub mahe meloodiline meloodia ning suurenenud on ümarate vokkide roll. numbrid (sageli tegevuse dramaatilise põhjendatuse arvelt). Au ooperist "Kuldõun" ("Il porno d"oro", 1667), mis lavastati uhkelt Viinis keiser Leopold I pulmade puhul, sai tseremoniaalsete õukonnaetenduste prototüüp, mis sai sellest ajast laialt levinud. Euroopas "See "ei ole enam puhtalt itaalia ooper," kirjutab R. Rolland, "see on teatud tüüpi rahvusvaheline õukonnaooper."
Lõpust 17. sajandil juhtiv roll Itaalia arengus. ooper läks Napolisse. Napoli ooperikoolkonna esimene suurem esindaja oli F. Provenzale, kuid selle tegelik juht oli A. Scarlatti. Arvukate ooperiteoste (üle 100) autor lõi itaalia keele tüüpilise struktuuri. Opera seria, säilinud ilma olenditeta. muutub kuni lõpuni 18. sajand Pealik koht seda tüüpi ooperis kuulub aariale, tavaliselt 3-osaline da capo; retsitatiivile antakse teenistusroll, kooride ja ansamblite tähtsus on viidud miinimumini. Aga helge meloodiline. Scarlatti kingitus, polüfooniline oskus. kirjad, kahtlemata dramaatilised. instinkt võimaldas heliloojal kõigist piirangutest hoolimata saavutada tugeva muljetavaldava mõju. Scarlatti arendas ja rikastas nii vokaali kui instrumentaali. ooperivormid. Ta arendas välja tüüpilise itaalia struktuuri. kiirete välimiste lõikude ja aeglase keskmise episoodiga ooperi avamäng (või tolleaegse terminoloogia järgi sümfoonia), millest sai iseseisva sümfoonia prototüüp. konts. töötab.
Tihedas seoses ooperiga kujunes välja uus mitteliturgiline žanr. religioosne kohtuasi - oratoorium. Religioonidest esilekerkimine. ettelugemised, mida saadab hulknurkade laul. laud, ta saavutas iseseisvuse. lõpetanud vorm G. Carissimi loomingus. Oma valdavalt piibliteemadel kirjutatud oratooriumides rikastas ta keskpaigaks välja kujunenud ooperivorme. 17. sajand, koori saavutused. konts. stiilis. Pärast Carissimi seda žanrit arendanud heliloojate seas paistis silma A. Stradella (tema isiksus sai legendaarseks seiklusrikka eluloo tõttu). Ta tõi oratooriumi sisse draama elemente. paatos ja iseloomustus. Peaaegu kõik Napoli koolkonna heliloojad pöörasid tähelepanu oratooriumižanrile, kuigi võrreldes ooperiga oli oratoorium nende loomingus teisejärguline.
Oratooriumiga seotud žanr on kammerkantaat ühele, mõnikord 2-3 häälele koos saatega. basso continuo. Erinevalt oratooriumist domineerisid selles ilmalikud tekstid. Selle žanri silmapaistvamad meistrid on Carissimi ja L. Rossi (üks Rooma ooperikoolkonna esindajatest). Nagu oratoorium, tähendab mängitav kantaat. roll woki arendamisel. vormid, mis on saanud Napoli ooperile omaseks.
Vaimuliku muusika vallas 17. sajandil. domineerib soov välise, uhkeldava suuruse järele, saavutatud ptk. arr. koguste tõttu. mõju. Veneetsia koolkonna meistrite poolt välja töötatud polükoorsuse põhimõte omandas hüperboolsuse. skaala. Mõnes lavastuses. kasutati kuni kaksteist 4-väravat. koorid Hiiglaslik koor. kompositsioone täiendasid arvukad. ja erinevad pillirühmad. See lopsakas barokkstiil töötati välja eriti Roomas, asendades Palestrina ja tema järgijate range, vaoshoitud stiili. Hilise Rooma koolkonna silmapaistvamad esindajad on G. Allegri (kuulsa “Miserere” autor, mille on kuulnud W. A. Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Samas nn “kontserdistiil”, mis on lähedane varajase Italo arioso-retsitatiivsele laulule. oopereid, mille näideteks on A. Banchieri (1595) ja L. Viadana (1602) vaimulikud kontserdid. (Viadana arvati, nagu hiljem selgus, ilma piisava aluseta, digibassi leiutamise eest.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi ja teised heliloojad kirjutasid samal viisil, siirdudes kirik. ooperi või kammerkantaadi muusikaelemendid.
Intensiivne muusika uute vormide ja vahendite otsimine. väljendusrikkus, mille dikteerib soov kehastada rikkalikku ja mitmekülgset humanisti. tööriistade valdkonnas. muusika. Üks suurimaid org. ja Bachi-eelse perioodi klahvpillimuusikaks oli G. Frescobaldi, hiilgava loomingulisusega helilooja. individuaalsus, särav oreli- ja klavessiinvirtuoos, kuulus kodumaal ja mujal Euroopas. riigid. Ta tõi traditsiooni. ricercar vormid, fantaasiad, toccatas, intensiivse väljendusrikkuse ja tundevabaduse tunnused, mis on rikastatud meloodilisusega. ja harmooniline keel, arenenud polüfoonia. arve. Tema prod. klassikaline kristalliseerunud. fuuga tüüp, millel on selgelt määratletud tonaalsed suhted ja üldplaani täielikkus. Frescobaldi loovus on Itaalia tipp. org. kohtuasi Tema uuenduslikud saavutused Itaalias endas silmapaistvaid järgijaid ei leidnud, neid jätkasid ja arendasid teiste riikide heliloojad. itaalia keeles instr. muusika teisest poolest. 17. sajandil Juhtroll läks poognapillidele ja eelkõige viiulile. See oli tingitud viiuli etenduskunstide õitsengust ja pilli enda täiustamisest. 17.-18.sajandil. Itaalias tekkisid kuulsate viiulimeistrite dünastiad (perekonnad Amati, Stradivari, Guarneri), kelle pillid on jäänud ületamatuks tänapäevani. Silmapaistvad viiulivirtuoosid olid oma loomingus enamasti ka heliloojad, kinnistati sooloviiuli esitamise tehnikaid ja töötati välja uusi muusasid. vormid.
16-17 sajandi vahetusel. Veneetsias arenes välja triosonaadi – mitmeosalise teose – žanr. 2 sooloinstrumendile (tavaliselt viiul, kuid neid võiks asendada ka teiste vastava tessituuri pillidega) ja bassile. Seda žanri oli 2 sorti (mõlemad kuulusid ilmaliku kammermuusika valdkonda): “kiriksonaat” (“sonata da chiesa”) - 4-osaline tsükkel, milles vaheldusid aeglased ja kiired osad, ja “kammersonaat” (“sonata da camera”), mis koosneb mitmest. mängib tantsu iseloom, sviidi lähedal. Eriti oluline on see nende žanrite edasiarendamisel. Oma rolli mängis Bolognese koolkond, kes tõi esile hiilgava viiulikunsti meistrite galaktika. Selle kõrgemate esindajate hulgas on M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani. Ajastu viiuli- ja kammeransamblimuusika ajaloos tähistas A. Corelli (Bassani õpilane) looming. Tema tegevuse küps periood oli seotud Roomaga, kus ta lõi oma kooli, mida esindasid sellised nimed nagu P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. Corelli teos lõpetas triosonaadi moodustamise. Ta laiendas ja rikastas täitmist. vibupillide võimalused. Talle kuulub ka sonaatide tsükkel sooloviiulile op. klavessiin See uus žanr, mis tekkis hilja 17. sajand, tähistas lõppu. heakskiit monodich. põhimõte instr. muusika. Corelli lõi koos oma kaasaegse G. Torelliga concerto grosso – kammerorkestrimuusika kõige olulisema vormi kuni 18. sajandi keskpaigani.
K con. 17 - algus 18. sajandil suurenenud rahvusvaheline au ja autoriteet I. mn. välismaa muusikud tormasid Itaaliasse haridusteed lõpetama ja tunnistust saama, mis tagas tunnustuse nende kodumaal. Õpetajana oli ta eriti kuulus tohutu eruditsiooniga muusiku, komp. ja teoreetik J.B. Martini (tuntud kui Padre Martini). Tema nõuandeid kasutasid K. V. Gluck, W. A. Mozart, A. Gretry. Tänu temale Bologna Filharmoonia. Akadeemiast on saanud üks Euroopa suurimaid muusikakeskusi. haridus.
itaalia keel 18. sajandi heliloojad põhilised tähelepanu pöörati ooperile. Vaid vähesed neist jäid eemale ooperiteatrist, mis tõmbas kohale laia publiku kõigilt ühiskonnatasanditelt. Selle sajandi hiiglasliku mahuga ooperilavastuse lõid erinevat tüüpi heliloojad. andekuse skaala, kelle hulgas oli palju andekaid kunstnikke. Ooperi populaarsust soodustas kõrge vokaalesituse tase. kultuur. Lauljad valmistusid. arr. talveaedades - lastekodudes, mis tekkisid juba 16. sajandil. Napolis ja Veneetsias - Itaalia peamised keskused. ooperielu 18. sajandil. oli 4 talveaeda, milles elasid muusad. haridust juhtisid suuremad heliloojad. Laulja ja komp. F. Pistocchi asutas Bolognas spetsiaalse ettevõtte (umbes 1700). laulja kool. Silmapaistev wok. õpetajaks oli Napoli koolkonna üks viljakamaid ooperiheliloojaid N. Porpora. Bel canto kunsti kuulsate meistrite hulgas 18. sajandil. - peamiste abikaasade esinejad. ooperiseerias mängisid rollid kastraatlauljad A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (hüüdnimega Senesino), Farinelli, G. Crescentini, kellel oli virtuoosne vokaalne oskus. tehnika kombineerituna pehme ja kerge hääletämbriga; lauljad F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.
itaalia keel ooper nautis privileege. olukord suuremas osas Euroopast. pealinnad Ta tõmbab ligi. tugevus avaldus ka selles, et paljud Teiste maade heliloojad lõid itaaliakeelseid oopereid. tekstid Napoli koolkonna vaimus ja traditsioonides. Sellega liitusid hispaanlased D. Perez ja D. Terradellas, sakslane I. A. Hasse ja tšehh J. Myslivecek. See tähendab, et see voolas kooskõlas sama koolkonnaga. osa G. F. Händeli ja K. W. Glucki tegevusest. Itaalia jaoks Ooperistseenid kirjutasid venelased. heliloojad - M. S. Berezovski, P. A. Skokov, D. S. Bortnjanski.
Kuid juba Napoli ooperikooli juhi, opera seria looja A. Scarlatti eluajal ilmnesid selle loomupärased kunstilised omadused. vastuolud, mis olid karmi kriitika põhjuseks. tema vastu sõna võtma. Alguses 20ndad 18. sajand ilmus satiirik. muusika voldik teoreetik B. Marcello, kelle puhul naeruvääristati ooperiraamatukoguhoidjate absurdseid konventsioone ja draamaheliloojate põlgust. tegevuse mõte, primadonnade ja kastraatlauljate üleolev ignorantsus. Sügava eetika puudumise pärast sisu ja välismõjude kuritarvitamist kritiseeriti modern. im ooper itaalia. pedagoog F. Algarotti oma “Essee ooperist” (“Saggio sopra l”opera in musica...”, 1754) ja entsüklopedist E. Arteaga teoses “Itaalia muusikateatri revolutsioon” (“Le rivoluzioni del teatro” musicale italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86).
Libretistid poeedid A. Zeno ja P. Metastasio arendasid välja stabiilse ajaloolise ja mütoloogilise struktuuri. Opera seria, kus draamade olemus oli rangelt reguleeritud. intriig, tegelaste arv ja suhted, soolovokkide tüübid. numbrid ja nende asukoht laval. tegevust. Klassitsistliku draama seadusi järgides andsid nad ooperile kompositsiooni ühtsuse ja harmoonia, vabastades selle traagika segadusest. elemendid komöödia ja farsiga. Samas on nende dramaturgide ooperitekstidele iseloomulikud aristokraatlikud jooned. galantne, kirjutatud tehislikus, maneeris, rafineeritud keeles. Opera Seria, hispaania keel lõikamine oli sageli ajastatud tulekuga. pidustused, pidi lõppema kohustuslikult eduka lõpuga, selle kangelaste tunded olid tinglikud ja ebausutavad.
Keskel. 18. sajand On ilmnenud tendents ületada ooperiseeria väljakujunenud klišeesid ning muusika ja draama vahel tihedam seos. tegevust. See tõi kaasa saate retsitatiivi rolli suurenemise ja orki rikastamise. värvid, koori laiendamine ja dramatiseerimine. stseenid Need uuenduslikud tendentsid said kõige eredama väljenduse Glucki ooperireformi osaliselt ette valmistanud N. Jommelli ja T. Traetta loomingus. Ooperis "Iphigenia in Tauris" õnnestus Traettal G. Aberti sõnul "edeneda Glucki muusikalise draama väravateni". Sama teed läksid ka nn heliloojad. "Uus Napoli koolkond" G. Sarti, P. Guglielmi ja teised A. Sacchini ja A. Salieri olid Glucki reformi kindlad pooldajad ja järgijad.
Tugevam vastuseis on tinglikult kangelaslik. Opera Seria koostas uus demokraatlik Opera buffa žanr. Kell 17 ja alguses 18. sajandil koomiline ooper oli esindatud vaid üksikute näidetega. Kuidas nad on iseseisvad. žanr hakkas kujunema koos Napoli koolkonna vanemate meistrite L. Vinci ja L. Leoga. Esimene klassika. Opera buffa näide on Pergolesi “Teenlane-Armuke” (algselt kasutatud vahepalana tema ooperisarja “Uhke vangistus”, 1733) osade vahele. Piltide realistlikkus, muusika elavus ja teravus. omadused aitasid kaasa G.B Pergolesi vahepala suurimale populaarsusele. riikides, eriti Prantsusmaal, kus ta ametikoht asub. 1752. aastal andis tõuke ägeda esteetika tekkeks. poleemikat (vt "Buffonite sõda") ja aitas kaasa prantslaste kujunemisele. rahvuslik omamoodi koomiks oopereid.
Rahvaga sidet kaotamata. juured, itaalia keel Opera buffa arendas hiljem välja arenenumad vormid. Erinevalt ooperiseeriast oli soolovokaal domineeriv. alguses, koomiksis Ooperis on ansamblid muutunud väga oluliseks. Kõige arenenumad koosseisud paigutati elavatesse, kiiresti arenevatesse finaalidesse, mis olid omamoodi koomilise intriigi sõlmpunkt. Seda tüüpi efektsete finaalansamblite loojaks peetakse N. Logroshinot. C. Goldoni, suur itaallane, avaldas viljakat mõju opera buffa arengule. 18. sajandi koomik, kes kajastas oma loomingus haridusrealismi ideid. Ta oli paljude ooperiraamatukoguhoidjate autor, millest enamiku oli kirjutanud muusika üks silmapaistvatest Itaalia meistritest. koomiline veneetslase B. Galuppi ooperid. 60ndatel 18. sajand ooperis ilmnevad buffa sentimentalistlikud tendentsid (näiteks N. Piccinni ooper Goldoni tekstil “Cecchina ehk hea tütar”, 1760, Rooma). Opera buffa läheneb moraali peegeldavale “filistidraama” või “pisaraliku komöödia” tüübile. kolmanda seisu ideaalid suurprantslaste eelõhtul. revolutsioon.
N. Piccinni, G. Paisiello ja D. Cimarosa looming on 18. sajandi opera buffa arengu viimane, kõrgeim etapp. Nende lavastustes on ühendatud koomilised elemendid tundlikkusega. pateetiline, meloodiline. ooperirepertuaaris on säilinud muusika vormirikkus, elavus, graatsilisus ja liikuvus. Need heliloojad lähenesid paljuski Mozartile ja valmistasid ette ühe suurima itaallase teose. järgmise sajandi ooperiheliloojad G. Rossini. Teatud opera buffa jooned võeti kasutusele hilisemas operaserias, mille tulemuseks oli selle vormide suurem paindlikkus, meloodiate lihtsus ja spontaansus. väljendid.
Tähendab. Oma panuse andis itaallane. 18. sajandi heliloojad erinevate arendamisel pilližanrid muusika. Viiulivalmistamise alal oli Corelli järel suurim meister G. Tartini. Jätkates oma eelkäijaid järgides sooloviiuli sonaadi ja triosonaadi žanrite viljelemist, täitis ta need uue ereda ekspressiivsusega, rikastas viiuli esitustehnikaid ja laiendas selle tollal tavapärast kõlapinda. Tartini lõi oma kooli nimega Padua (nimetatud Padova linna järgi, kus ta veetis suurema osa oma elust). Tema õpilased olid P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari. 2. poolajal. 18. sajand meisterlikult lahti rullunud ja ette kantud. ja loominguline suurima itaalia G. Pugnani tegevust. klassikaline viiuldaja ajastu. Selle paljude hulgas. õpilastest sai eriti tuntuks J.B.Viotti, kelle loomingus on kohati tunda romantikat. suundumusi.
Orki žanris. concerto grosso kui julge ja originaalne. uuendusmeelne kunstnik oli A. Vivaldi. Ta dramatiseeris seda vormi, tutvustas seda koos dünaamikaga. vastandades temaatiliselt suuri ja väikeseid pillirühmi (tutti ja kontsertino). osakonnasisesed kontrastid osad, kehtestas 3-osalise tsükli struktuuri, säilitati klassikas. instr. kontsert. (Vivaldi viiulikontserte hindas kõrgelt J. S. Bach, kes seadis mõned neist klaverile ja ka orelile.)
G.B Pergolesi triosonaatides on märgata eelklassikalisi jooni. "galantne" stiil. Nende kerge, läbipaistev tekstuur on peaaegu täielikult homofooniline, meloodiat eristab pehme meloodia ja graatsia. Üks heliloojatest, kes valmistas otseselt ette klassikalise muusika õitsengut. instr. muusika, oli G. Sammartini (78 sümfoonia, paljude sonaatide ja kontsertide autor erinevatele pillidele), kelle loovus oli lähedane Mannheimi ja varajase Viini koolkonna esindajatele. L. Boccherini ühendas oma loomingus galantse tundlikkuse elemente eelromantismiga. erutab paatos ja inimeste lähedus. allikatest. Nad märkavad. tšellist, rikastas ta soolotšellokirjandust, oli üks klassikalise muusika loojaid. vibukvarteti tüüp.
Kunstnik on elav ja rikkalikult loominguline. fantaasiaga laiendas ja uuendas D. Scarlatti klaverimuusika kujundlikku struktuuri ja väljendusvahendeid. Tema sonaadid klavessiinile (autor nimetas neid "harjutusteks" - "Essercizi per gravicembalo"), mis paistavad silma oma karakterite ja esitlustehnikate mitmekesisuses, on omamoodi selle ajastu klaverikunsti entsüklopeedia. Scarlatti selgetes ja sisutihedates sonaatides on temaatilised teemad teravdatud. kontrastid on selgelt määratletud. sonaadiekspositsiooni lõigud. Pärast Scarlattit arenes klahvsonaat B. Galuppi, D. Alberti (kelle nimi seostub Alberti basside definitsiooniga), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa loomingus. M. Clementi, olles omandanud teatud aspektid D. Scarlatti maneerist (mis väljendus eelkõige 12 sonaadi loomises “Scarlatti stiilis”), sai seejärel lähedaseks arenenud klassikalise muusika meistritega. stiilis ja mõnikord jõuab romantilise päritoluni. virtuoossus.
Uue ajastu viiulivalmistamise ajaloos avas N. Paganini. Interpreedina ja heliloojana oli ta tüüpiliselt romantiline kunstnik. ladu Tema mäng jättis vastupandamatu mulje, ühendades tohutu virtuoossuse tulise kujutlusvõime ja kirega. Mn. prod. Paganini ("24 kapriisi" sooloviiulile, kontserdid viiulile ja orkestrile jne) jäävad siiani ületamatuteks näideteks virtuoossest viiulikirjandusest. Need ei mõjutanud mitte ainult viiulimuusika hilisemat arengut 19. sajandil, vaid ka romantilise liikumise suurimate esindajate loomingut. pianism - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.
Paganini oli suurtest itaallastest viimane. tööriistade alal töötavad meistrid. muusika. 19. sajandil heliloojate ja avalikkuse tähelepanu oli peaaegu täielikult keskendunud ooperile. 18.-19. sajandi vahetusel. Ooper Itaalias elas läbi tuntud stagnatsiooniperioodi. Traditsiooniline opera seria ja opera buffa tüübid olid selleks ajaks juba oma võimed ammendanud ega saanud areneda. Suurima itaalia loovus. ooperi helilooja selle aja G. Spontini toimus väljaspool Itaaliat (Prantsusmaal ja Saksamaal). S. Mayri (rahvuselt sakslane) katsed toetada opera seria traditsioone (teatud laenatud elementide külge pookimisega) osutusid eklektilisteks. Opera buffa poole tõmbunud F. Paer ei panustanud sellesse žanrisse Paisiello ja Cimarosa loominguga võrreldes midagi oluliselt uut. (Muusikaajaloos on Paeri nimi säilinud kui J. Bouilly tekstil põhineva ooperi “Leonora ehk abieluarmastus” autorina, mis oli allikaks Beethoveni raamatule “Fidelio”. .)
Itaalia suur õitseng. oopereid 19. sajandil seostati ammendamatu meloodilisusega andekas helilooja G. Rossini tegevusega. leidlikkus, särtsakas, kirev temperament ja eksimatu dramaturgia. instinkt. Tema töö peegeldas Itaalia üldist tõusu. kultuur, mis on põhjustatud isamaalisuse kasvust. rahvuslik vabanemine püüdlused. Sügavalt demokraatlik, inimesed. Rossini ooperilooming oli oma päritolu järgi suunatud laiale kuulajaskonnale. Ta taaselustas rahvusliku tüüpi ooperi buffa ja puhus sellele uue elu sisse, teravdades ja süvendades tegevuse tunnuseid. inimesi, tuues nad reaalsusele lähemale. Tema "Sevilla habemeajaja" (1816) on itaalia keele tipp. koomiline oopereid. Rossini ühendab koomilise alguse satiirilise vabaga. Mõned tema ooperid sisaldavad otseseid vihjeid ühiskondadele. ja poliitiline tolleaegne olukord. Ooperites on kangelasdraamad. tegelaskuju, ületas ta ooperi seria tardunud klišeed, pöörates erilist tähelepanu koorile. algust. Narratiive arendatakse laialdaselt. stseenid Rossini viimases rahvusliku vabanemise ooperis "William Tell" (1829). süžee tõlgendatud romantilises võtmes. plaan.
Romantism saab elava väljenduse. suundumusi V. Bellini ja G. Donizetti loomingus, kelle tegevus sai alguse 30. aastatel. 19. sajand, mil rahvuslik liikumine Renessanss (Risorgimento) Itaalias jõudis ühtsus- ja poliitilise võitluse otsustavasse etappi. riigi iseseisvus. Bellini ooperites "Norma" (1831) ja "Puritaanid" (1835) on rahvuslik vabanemine selgelt kuulda. motiivid, kuigi põhirõhku pani helilooja tegelaste isiklikule draamale. Bellini oli väljendusmeister. romantiline cantilena, mis äratas M. I. Glinka ja F. Chopini imetlust. Donizettil on soov tugevate draamade järele. mõjud ja ägedad olukorrad põhjustasid mõnikord stiili melodraama. Seetõttu tema suur romantilisus. ooperid ("Lucretia Borgia", V. Hugo järgi, 1833; "Luciadi Lammermoor", V. Scotti järgi, 1835) osutusid lavastusest vähem elujõuliseks. komöödiažanr ("Armastuse Elisir", 1832; "Don Pasquale", 1843), milles traditsioonid. Itaalia tüüp Opera buffa omandas uusi jooni: suurenes žanritausta tähtsus, meloodia rikastus igapäevase romantika ja laulu intonatsioonidega.
J. S. Mercadante, G. Pacini ja mõnede teiste sama perioodi heliloojate looming ei erinenud iseseisvalt. individuaalsed jooned, kuid peegeldas üldist tendentsi ooperivormi dramatiseerimisele ja muusikalise väljenduse rikastamisele. rahalised vahendid. Selles suhtes olid nad otsekohesed. G. Verdi eelkäijad - mitte ainult Itaalia, vaid ka maailmamuusika üks suurimaid ooperiteatekirjanikke. t-ra.
Verdi varased ooperid, mis ilmusid lavale 40ndatel. 19. sajand, stiililiselt veel mitte täiesti sõltumatud ("Nabucco", "Lombardid esimeses ristisõjas", "Ernani"), äratasid publiku tulihingelist entusiasmi oma isamaalisusega. paatos, romantiline tunnete elevus, kangelaslikkuse vaim ja vabadusearmastus. Tootmises 50ndad ("Rigoletto", "Il Trovatore", "La Traviata") saavutas ta suurepäraseid psühholoogilisi tulemusi. teravate, intensiivsete vaimsete konfliktide kehastuse kujundite sügavus, tugevus ja tõepärasus. Wok. Verdi kirjutis vabaneb välisest virtuoossusest, lõikude ornamentikast, muutudes meloodia orgaaniliselt lahutamatuks elemendiks. rida, omandatud tahe väljendada. tähenduses. 60-70ndate ooperites. (“Don Carlos”, “Aida”) püüab ta veelgi rohkem tuvastada draama laiemaid kihte. tegevused muusikas, orkestri rolli tugevdamine, muusade rikastamine. keel. Ühes oma viimases ooperis “Othello” (1886) jõudis Verdi täieliku loomiseni. muusika draamad, milles muusika on tegevusega lahutamatult seotud ja annab paindlikult edasi kõiki selle psühholoogilisi aspekte. toonid.
Verdi järgijad, sh. Populaarse ooperi La Gioconda (1876) autor A. Ponchielli ei suutnud oma ooperipõhimõtteid uute olenditega rikastada. saavutusi. Samal ajal tabas Verdi looming Wagnerliku muusikadraama poolehoidjate vastuseisu. reformid. Wagneri juured ei olnud aga Itaalias sügavad, Wagneri mõju oli mõne helilooja puhul tunda mitte niivõrd ooperidraama põhimõtetes, kuivõrd harmooniliste tehnikates. ja ork. kirju. Wagnerlikud tendentsid peegeldusid Boito (1868) ooperis „Mefistofeles“, kes seejärel eemaldus oma Wagneri-kire äärmustest.
In con. 19. sajandil Verism sai Itaalias laialt levinud. Mascagni ooperite "Honor Rusticana" (1890) ja Leoncavallo "Pagliacci" (1892) tohutu edu aitas kaasa selle liikumise kujunemisele Itaalias domineerivaks. ooperlik loovus. Verismi toetasid U. Giordano (tema teoste seas on tuntuim ooper André Chénier, 1896) ja F. Cilea.
Selle trendiga oli seotud ka suurima itaalia töö. ooperihelilooja Verdi järgi – G. Puccini. Tema prod. tavaliselt pühendatud tavainimeste draama, mida näidatakse kireva argipäeva taustal. Samas on Puccini ooperid vabad verismile omasest naturalistlikust olemusest. omadused, eristuvad need suurema psühholoogilise peensusega. analüüs, hingestatud lüürika ja kirjutamise elegants. Olles truu parimatele Itaalia traditsioonidele. bel canto, teravdas Puccini deklamatsiooni. woki väljendusrikkus. meloodikat, püüdles kõnenüansside detailsema reprodutseerimise poole laulmises. Värviline harmooniline ja ork. tema ooperite keel sisaldab teatud impressionismi elemente. Oma esimestes küpsetes lavastustes. ("La Bohème", 1896; "Tosca", 1900) Puccini on samuti seotud Itaaliaga. sajandi ooperitraditsiooni, hiljem muutus tema stiil keerukamaks, väljendusvahendid omandasid suurema teravuse ja kontsentratsiooni. Omapärane nähtus Itaalias. ooperikunst – E. Wolf-Ferrari looming, kes püüdis klassikat moderniseerida. Opera buffa tüüpi, ühendades selle traditsioone. vormib stilistilisega hilisromantismi vahendeid kasutades ("Uudishimulikud naised", 1903; "Neli türanni", 1906, Goldoni juttude põhjal). Peamiselt verismi teed järgiv R. Zandonai sai mõne uue muusaga lähedaseks. 20. sajandi hoovused.
Kõrged saavutused Itaalias. ooperid kell 19 - varakult 20. sajandil olid seotud vokaalesinejate hiilgava õitsenguga. kultuur. Itaalia traditsioonid 19. sajandil arenenud Bel canto areneb edasi mitmete kunstis. põlvkondi lauljaid, kes nautisid ülemaailmset kuulsust. Samal ajal omandab nende esitus uusi jooni, muutudes lüürilisemaks ja dramaatiliselt väljendusrikkamaks. Draama ohverdanud puhtvirtuoosse stiili viimane silmapaistev esindaja. sisu heliilu ja tehnilisuse huvides. hääle liikuvus, oli A. Catalani. Meistrite hulgas on itaallane. wok koolid 1. pool 19. sajand, mis moodustati Rossini, Bellini ja Donizetti ooperiloomingu põhjal – lauljad Giudita ja Giulia Grisi, G. Pasta, lauljad G. Mario, G. B. Rubini. 2. poolajal. 19. sajandil tekkimas on “Verdi” lauljate galaktika, kuhu kuuluvad lauljad A. Bosio, B. ja C. Marchisio, A. Patti, lauljad M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik jt. 20. sajandil. au Itaaliale ooperit toetasid lauljad A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. ja L. Tetrazzini, lauljad G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo jne.
Lõpust 19. sajandil ooperi tähtsus itaalia loomingus. heliloojad nõrgeneb ja tähelepanu keskpunkt kaldub nihutama pillide valdkonda. žanrid. Aktiivse loovuse taaselustamine. huvi tööriistade vastu muusikat edendas G. Sgambati (pälvis Euroopas tunnustuse pianisti ja dirigendina) ja G. Martucci tegevus. Kuid mõlema helilooja F. Liszti ja R. Wagneri mõjul arenenud looming ei olnud piisavalt iseseisev.
Uue esteetika kuulutajana. ideedel ja stiiliprintsiipidel on suur mõju kogu Euroopa arengule. 20. sajandi muusika esitanud F. Busoni, üks oma aja suurimaid pianiste, suur helilooja ja kunstiteoreetik. Ta esitas "uue klassitsismi" kontseptsiooni, mille vastandas ühelt poolt impressionistlikule. kujundite voolavus, varjundite tabamatus, teisalt Schönbergi atonalismi “anarhia” ja “omavoli”. Sinu loovus Busoni rakendas põhimõtteid sellistes teostes nagu "Kontrapunktne fantaasia" (1921), "Improvisatsioon Bachi koraaliteemale" 2 kaadrit. (1916), samuti oopereid “Arlekiin ehk aken”, “Turandot” (mõlemad post. 1917), milles ta loobus arendatud vokist. oma itaallaste stiilis. eelkäijad ja püüdsid jõuda muistsete inimeste tüübile lähemale. komöödia või farss.
Itaalia loovus arenes kooskõlas neoklassitsismiga. heliloojad, mõnikord ühinenud nime all. "1880. aastate rühmad" – I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Nad püüdsid taaselustada suure rahvuse traditsioone. muusika minevik, pöördudes vormide ja stilistika poole. Itaalia tehnikad Barokne ja meloodiline gregooriuse laul. Vanamuusika edendaja ja uurija, Malipiero publ. kogumine C. Monteverdi teosed, instr. prod. A. Vivaldi ja paljude unustatud pärand. itaalia keel 17-18 sajandi heliloojad. Oma loomingus kasutab ta iidse barokse sonaadi, ricercari jm vorme. Tema ooperid, pea. ekspressis. wok deklamatsioon ja orki ihne vahend. kon., peegeldavad seda, mis tuli 20ndatel. reaktsioon verismi vastu. Casella loomingu neoklassikalised tendentsid väljendusid fp-s "Partita". orkestriga (1925), süit "Scarlattiana" (1926), mõni muusikateater. prod. (näiteks kammerooper "Orpheuse lugu", 1932). Samal ajal pöördus ta itaalia poole. rahvaluule (rapsoodia orkestrile "Itaalia", 1909). Selle värviline ork. kiri kujunes suures osas välja vene keele mõjul. ja prantsuse keel koolid (austusavaldus vene muusika kirele oli Balakirevi "Islamey" orkestreerimine). Pizzetti tõi oma ooperitesse religioosseid ja moraliseerivaid elemente ning küllastas muusad. keel gregooriuse laulu intonatsioonidega, rikkumata samal ajal itaalia traditsioone. 19. sajandi ooperikool Mitu Erilisel kohal selles heliloojate grupis on orkimeistri O. Respighi looming. helisalvestus (tema loovuse kujunemist mõjutasid klassid N. A. Rimski-Korsakovi juures). Sümfoonias Respighi luuletused ("Rooma purskkaevud", 1916; "Pineas of Rooma", 1924) annavad elavaid pilte inimestest. elu ja loodus. Neoklassikalised tendentsid kajastusid tema hilisemas loomingus vaid osaliselt. Märkimisväärne roll I. m. 20. sajandil mängis veristliku liikumise silmapaistvaim esindaja F. Alfano (Ooper "Ülestõusmine" L. N. Tolstoi romaani ainetel, 1904), kes seejärel arenes impressionismiks; M. Castelnuovo-Tedesco ja V. Rieti, kes alguses. 2. maailmasõda 1939-45 poliitilise järgi. põhjustel lahkusid kodumaalt ja asusid elama USA-sse.
40ndate vahetusel. 20. sajandil märgatavad stiilinihked esinevad I. m. Neoklassitsismi suundumused asenduvad liikumistega, mis arendavad ühel või teisel kujul välja uue Viini koolkonna põhimõtted. Loominguline loovus on selles osas indikatiivne. G. Petrassi evolutsioon, kes, olles kogenud A. Casella ja I. F. Stravinski mõju, liikus esmalt vaba atonaalsuse ja seejärel range dodekafoonia positsioonile. Selle perioodi suurim helilooja I.M. on L. Dallapiccola, kelle looming pälvis laialdast tähelepanu pärast II maailmasõda. Tema prod. 40ndad ja 50ndad ilmnevad ekspressionismi ja suguluse tunnused. A. Bergi loovus. Parimad neist kehastavad humanismi. protest türannia ja julmuse vastu (kooriline triptühhon "Vangide laulud", 1938-1941; ooper "Vang", 1944-48), mis andis neile teatud antifašistliku suunitluse.
Pärast II maailmasõda esile kerkinud noorema põlvkonna heliloojatest said tuntuks L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero jt. Nende loomingut seostatakse mitmesugustega. avangardismi voolud - post-weberilik serialism, sonorism (vt Seriaalimuusika, Sonorism), aleatorism ja on austusavaldus uute helivahendite formaalsele otsingule. Berio ja Maderna baas. aastal 1954 Milanos "Fonoloogiastuudio", mis viis läbi eksperimente elektroonilise muusika vallas. Samas püüab osa neist heliloojatest ühendada nn. muusika jaoks uued väljendusvahendid. avangard 16-17 sajandi muusika žanrivormide ja tehnikatega.
Eriline koht kaasajal. I. m kuulub kommunistlikule heliloojale, aktiivsele rahu eest võitlejale L. Nono. Oma töös käsitleb ta meie aja kõige pakilisemaid probleeme, püüdes kehastada rahvusvahelise ideid. vendlus ja töötajate solidaarsus, protest imperialismi vastu. rõhumine ja agressioon. Kuid avangardkunsti vahendid, mida Nono kasutab, on sageli vastuolus tema vahetu sooviga. propaganda mõju laiale kuulajaskonnale.
Avangardistidest kõrvale jättes on G.C. Menotti – itaallane. USA-s elav ja töötav helilooja. Tema loomingus, mis on seotud eelkõige ooperiga, omandavad verismi elemendid teatud ekspressionistliku värvingu, samas kui tõese kõne intonatsiooni otsimine viib ta osalisele lähenemisele M. P. Mussorgskiga.
Muusikas Ooper mängib Itaalia elus jätkuvalt olulist rolli. Üks silmapaistvamaid ooperikompaniid maailmas on Milano La Scala, mis eksisteerib aastast 1778. Itaalia vanimate ooperimajade hulka kuuluvad ka San Carlo Napolis (asutatud 1737), Fenice Veneetsias (asutatud 1792). Suur kunst. Tähtsust omandas Rooma ooperiteater (avati 1880. aastal Costanzi teatri nime all; aastast 1946 - Rooma ooper). Üks silmapaistvamaid kaasaegseid itaalia keel ooperiartistid - lauljad G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; lauljad G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.
Suur mõju ooperi ja sümfoonia arengule. Itaalia kultuuri mõjutas 20. sajandi ühe suurima dirigendi A. Toscanini tegevus. Esinevad muusika väljapaistvad esindajad Artistideks on dirigendid P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; pianist A. Benedetti Michelangeli; viiuldaja J. DeVito; tšellist E. Mainardi.
Algusest peale 20. sajandil Muusikauuringud on Itaalias intensiivselt arenenud. ja kriitiline arvasin. Tähendab. panus muusikaõppesse. pärandit aitasid kaasa muusikateadlased G. Barblan (Itaalia Muusikateaduse Seltsi president), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca jt. Zafred ja M. Mila töötavad eelkõige. muusika vallas. kriitikud. Itaalias avaldatakse hulk muusasid. ajakirjad, sh. "Rivista Musicale italiana" (Torino, Milano, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (Milano, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Torino, 1928-40) Rooma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milano, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Torino, 1964-) jne.
Välja on antud hulk entsüklopeediaid, mis on pühendatud. muusika ja t-ru, sh. "Enciclopedia della musica" (s. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (s. 1-9, Roma, 1954-62).
Eriliste hulgas muusika oh. Suurimad asutused on talveaiad: "Santa Cecilia" Roomas (asutatud 1876. aastal muusikalütseumina, aastast 1919 - konservatoorium); G. B. Martini nimi Bolognas (aastast 1942; asutati 1804 muusikalütseumina, aastast 1914 sai konservatooriumi staatuse); neid. Benedetto Marcello Veneetsias (aastast 1940, asutatud 1877 muusikalütseumina, aastast 1916 võrdub kõrgkooliga); Milanskaja (asutatud 1808, 1901 G. Verdi nimeline); neid. L. Cherubini Firenzes (asutatud 1849 muusikainstituudina, seejärel muusikakoolina, muusikaakadeemiana ja aastast 1912 konservatooriumina). Prof. muusikuid koolitavad ka ülikoolide muusikaajaloo instituudid, paavstlik Ambrosia vaimuliku muusika instituut jne. Nendes koolides. asutustes, aga ka Verdi pärandi uurimise instituudis tegeletakse muusikateadusega. Töö. Internatsionaal asutati Veneetsias. Itaalia propagandakeskus muusika, mis korraldab igal aastal iidse itaalia keele õppimise suvekursusi ("Muusikalised puhkused"). muusika. Ambrosiani raamatukogus ja Milano konservatooriumi raamatukogus on ulatuslik noodikogu ja muusikateemalisi raamatuid. Iidsete pillide, nootide ja raamatute hoidlad on laialt tuntud (koondunud Bologna Filharmoonia Akadeemia raamatukogusse, G.B. Martini raamatukogusse ja Bologna San Petronio kabeli arhiivi). Rikkaimad materjalid Itaalia ajaloo kohta. muusikal on rahvus. Marciana raamatukogu, D. Cini fondi raamatukogu ja muusikamuuseum. pillid Veneetsia konservatooriumis.
Itaalias on neid palju. muusika organiseerimine ja teostamine. meeskonnad. Regulaarsed sümfooniad kontserte annavad: La Scala ja Fenice, National orkestrid. Akadeemia "Santa Cecilia", Itaalia. raadio ja televisioon Roomas, seltsi "Afternoon Music Playing" ("Rommerigi musicali") orkester, kes esineb peamiselt. hispaania keelest kaasaegne muusika, kammerorkestrid "Angelicum" ja "Virtuosi of Rome", selts "Ambrosian Polyphony", mis propageerib keskaja, renessansi ja baroki muusikat, samuti Bologna teatri "Comunale" orkester, Bologna kammer Orkester ja teised kollektiivid.
Itaalias korraldatakse palju üritusi. muusika festivalid ja konkursid: Int. kaasaegne festival muusika (aastast 1930, Veneetsia), "Florentine Musical May" (alates 1933), "Kahe maailma festival" Spoletos (alates 1958, asutaja G.C. Menotti), "Uue muusika nädal" (alates 1960, Palermo), klaver nimeline võistlus F. Busoni Bolzanos (alates 1949. aastast igal aastal), nimeline muusika- ja tantsuvõistlus. G. B. Viotti Vercellis (alates 1950. aastast igal aastal), nimeline konkurss. A. Casella Napolis (alates 1952. aastast iga 2 aasta tagant, kuni 1960 osalesid pianistid, aastast 1962 - ka heliloojad), viiulikonkurss. N. Paganini Genovas (alates 1954, igal aastal), orkestrite konkurss. dirigendid Roomas (alates 1956. aastast iga 3 aasta järel, asutatud National Academy "Santa Cecilia" poolt), klaverikonkurss. E. Pozzoli Seregnos (alates 1959, iga 2 aasta järel), noorte dirigentide konkurss. G. Cantelli Novaras (al. 1961, iga 2 aasta järel), vokaalikonkurss "Verdi Voices" Bussetos (al. 1961, igal aastal), koorikonkurss. nimelised kollektiivid Guido d'Arezzo Arezzos (asutatud 1952 riiklikuna, aastast 1953 - rahvusvaheline; igal aastal, tuntud ka kui "Polyfonico"), G. Casado tšellokonkurss Firenzes (alates 1969, iga 2 aasta järel).
Itaallaste seas muusika selts - Uue Muusika korporatsioon (Rahvusvahelise Kaasaegse Muusika Seltsi sektsioon; asutati 1917. aastal kui National Music Society, 1919. aastal muudeti Itaalia Kaasaegse Muusika Seltsiks, aastast 1923 - Corporation), Muusikaliit raamatukogud, Muusikateaduse Selts jne. Itaalias tehakse palju tööd. muusika kirjastus ja kaubandusettevõte "Ricordi and Co" (asutatud 1808), millel on filiaalid mitmel pool. riigid.
Kirjandus: Ivanov-Boretski M.V., Muusikalis-ajalooline antoloogia, kd. 1-2, M., 1933-36; tema, Muusikaajaloo materjalid ja dokumendid, 2. kd, M., 1934; Kuznetsov K. A., Muusikalised ja ajaloolised portreed, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Lääne-Euroopa muusika ajalugu aastani 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Üldine muusikaajalugu, esimene osa, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Lääne-Euroopa ooper. 18. sajandi lõpp - 19. sajandi esimene pool. Essee, M., 1962; Euroopa kunstiajaloo ajalugu: antiigist 18. sajandi lõpuni, M., 1963; Euroopa kunstiajaloo ajalugu. 19. sajandi esimene pool, M., 1965.