Mood ja teater: kuidas luuakse kostüüme ja teatri riietumisstiili. Mida teatrisse selga panna? Mis pole seda väärt?

Eelmisel nädalal esitlesid seltskond TheaterALL, Muzeon Arts Park ja kunstiühendus CoolConnections Muzeonis TheaterALL nädalat, teatrikunstnik Vera Martynova ning stilist, kuvanditegija ja moevaatleja Anna Baštovaja võtsid osa moest ja teatrist. Selle ürituse põhiidee oli soov näidata teatrikultuuri muutusi viimastel aastatel, rääkida raskustest, millega vaataja riietust valides kokku puutub. Seoses avamisega suur kogus kaasaegsed teatrid, on suhtumine neisse muutunud lihtsamaks, aina enam rohkem inimesi lavastuseks valmistudes püüavad nad oma “suurejoonelisusega” mitte üle pingutada välimus. Loomulikult suhtutakse teatritesse nagu Bolshoi endiselt aupaklikult, kuid isegi seal võib näha teksades ja dressipluusis vaatajaid. Teatrinädala kangelased otsustasid sellest ja paljust muust rääkida.

Alguse ajaks oli väike kooliruum täiesti täis, kõik istusid kokkupandavatel toolidel ja valmistusid kuulama. Külaliste seas oli erinevate põlvkondade ja elukutsete esindajaid, sealhulgas Bulgakovi muuseum-teatri esindajaid.

Vera Martõnova loeng teatrikostüümist

Mis on vormiriietus?

Vera Martynova astus publiku ette mustas lühikeste varrukatega kleidis. Seda kleiti nimetatakse tema sõnul mundriks. Vormiriietus on midagi, millega saab mängida. Lihtsalt lisa mõni särav aksessuaar või kääri varrukad üles ja üldilme sädeleb hoopis teistsugustes värvides. Martõnova maksab suurt tähelepanuümberkujundamine, see ei kehti mitte ainult kostüümi enda, vaid ka näitleja kohta, kellele see tehti. Eriline oskus avaldub siis, kui kangelane saab otse laval muutuda, säilitades samas oma isikliku võlu.

Mingil hetkel liigub vestlus monoloogilt sõbraliku vestlusvormingusse, külalised hakkavad küsimusi esitama. Üks meestest üritab kangelannat ootamatult tabada, väljendades oma ebakindlust kunstniku töö põhimõtete selgitamisel - selle või selle silueti, pildi, detaili valikul. Vera Martõnova vastab talle aga kergelt ja ärritamata, selgitades, et pilte kogutakse mõtlemise käigus ning mis tahes detaili selgitab süžee ja kunstniku nägemus. Nad püüavad meest tagumistest ridadest toetada, kuid peagi saavad nende küsimused otsa, publik rahuneb ja vestlus võtab taas soovitud vormi.

Kust ülikond algab?

Iga kostüüm on omamoodi kunstiteos, pole võimalik välja mõelda midagi universaalset, mis sobiks mitmeks etenduseks. Teatrikunstniku jaoks on kõige keerulisem panna lõikur „mitte mõõtu” õmblema. Suurel ekraanil näidatakse külalistele visandeid – on üllatav, et need meenutavad rohkem jooniseid, ei mingeid märke õmbluste või noolemängu kohta. Martõnova selgitab, et kunstnikul pole mõtet detailselt joonistada, tema ülesanne on vaid näidata, kuidas see välja peaks nägema, ülejäänu on teise meistri töö. Kangelanna saadab visandid õmblemiseks ja siis hakatakse talle kogu aeg helistama, et täpsustada - kõik vajavad elavat suhtlust, ainult nii saab kostüümile omapära anda, sellele elu sisse puhuda. See on üks põhjusi, miks ta leiab palju oma tükke kirbuturgudelt või vintage-poodidest. Viimastest on tema sõnul Moskvas vaid kaks ja Berliini on odavam lennata. Vera Martõnova ostab sellistest poodidest endale palju asju, need on mitme omaniku läbi elanud ja ülikonnaks saanud riided.

"Unista sisse suveöö» Dmitri Krymov, lavakunstnik Vera Martõnova

Ilma milleta on loomisprotsess poolik...

Teatrikunstniku jaoks on kontakt asjadega, näitlejatega, lavastajaga väga oluline. Sa ei saa lihtsalt tulla tema juurde ja öelda: "Ma tahan, et see näeks välja selline." Enne lavastajaga etenduse tegemist peab Martõnova teda tundma õppima. Ta ütleb, et kõigepealt joovad, jalutavad, vaatavad filmi, siis läheb ta joonistama ja siis räägivad uuesti, arutavad ja seda juhtub alati. Mõnikord arvab Vera Martõnova, et tal on nii vedanud ja ta elab ideaalses maailmas.

Kontrastide mäng

Nagu igal teisel erialal, on teatrikunstnikul vahel ideede puudus, siis tuleb silmad pärani lahti teha ja vaadata, sest inspiratsioon on meie ümber pidevalt. Seejärel muudetakse kõik nähtu joonisteks ja kehastatakse kostüümidesse. Martõnova jutustab, kuidas nad kõndisid sõbrannaga kergetes suveriietes paljajalu mööda randa ja vaatasid ootamatut tegevust: järsku avanevad Monaco ühe lossi uksed, kust naised välja tulevad. balli hommikumantlid, mille kaelal ja randmetel sädelevad teemandid ning smokingis mehed. Siis rabas see kontrast teda nii tugevalt, et see sai hiljem ühe lavastuse aluseks. Kuid see ei juhtu alati, mõnikord pole kunstnikul selge, mida ta tahab näha, ja siis tehakse visandid prügist ja alles arutelu käigus saavad need kuju.

Kokkuvõtteks rääkis Martõnova loo, kuidas ta sketšide kaustaga Horvaatiasse sattus. Tal oli väga lühikesed juuksed, ja ta kartis, et teda ei võeta tõsiselt, kuid tema töö võeti vastu. Seega, kui unistate saada kunstnikuks, ärge kartke riskida, proovige, kõik saab kindlasti korda, sest see on väga huvitav elukutse.

Anna Baštova loeng teatri riietuskoodist

Moskva teater

Teine kõneleja oli Sasha Podielskaja, kuid ajakavaga seotud konfliktide tõttu ei saanud ta kohale tulla, tema asemel võttis sõna Anna Baštovaja. Tahaksin märkida, et tüdruk keeldus kohe mikrofonist, mis pani kõik kohalviibijad õigesse tuju. Alexandra alustas oma kõnet Lanvini loovjuhi Alber Elbazi tsitaadiga, et Moskva on ainulaadne teatrilinn. Ainult siin kannavad nad teatris oma parimaid riideid, teevad meigi ja soenguid. Ta nägi erilist ilu ja võlu selles, kuidas mitmed kaunid, imeliselt riietatud, kuid ilmselgelt vaesed daamid võileibu ja küpsiseid kotist välja võtsid ning neid sööma hakkasid. Nende naiste jaoks ei olnud probleem kanda oma parimaid riideid, kulutada tunde ettevalmistustele ja ikka süüa kaasa võtta. Ainult Moskvas võis ta seda näha. Ja mul oli selle üle uskumatult hea meel.

Venemaa on teatrimaa, jätkab Baštovaja, meil on seljataga Tšehhov. Aga viimasel ajal Meile hakkas tunduma, et kui me nutikalt riietume, siis pingutame üle. Me paneme kleidid selga ja mehed kannavad ülikondi, samas inglise keeles kaasaegne teater müüa õlut ja siidrit. Kõik istuvad ja joovad – ja see on normaalne, hoolimata sellest, et laval mängivad hiiglased, kõik kuulsad näitlejad. See ei tundu seal imelik, kuid Sasha Bashtova jaoks oli see šokk. Venemaal säilib ikka suhtumine teatrisse kui millessegi kõrgesse. See on hea, sest sellega avaldame austust teoste autoritele. Eriti tasub seda teha esilinastustel, kui kõik lavastuses osalejad on pööraselt närvis ja lavastaja vaatab lava tagant välja, kuidas publik reageerib ja kuidas see välja näeb.

Mida teatrisse selga panna? Mis pole seda väärt?

Üldiselt pole sellist asja nagu teatri riietus. Kõik oleneb teatrist ja lavastusest. Kui tahad riietuda nutikalt, aga kardad liiale minna, pööra tähelepanu näitlejate kostüümidele, et saaksid välja mõelda huvitav pilt. Näiteks kui kõigil näitlejatel on seljas valge, siis sobiks selga panna valge kleit või valge särk. Peamine asi selles küsimuses ei ole häbelik. Ärge kartke, et paistate silma, isegi kui olete ainus kleidis tüdruk. Tänapäeval on moes “Diori” siluett täisseelikuga – ja miskipärast oli tüdrukutel varem piinlik seda kanda. Kui teil on enne teatrit veel palju tegemist, võite julgelt kanda pikka kleiti ja tosse. Moskva ei ole kontsakingade koht, lihtsalt sellepärast, et see on ebamugav. Kui soovite siiski teatris stilettosid kanda, on parem panna need kotti ja vahetada kingad sissepääsu lähedal. Siiski on asju, mis üheski teatris vastuvõetavad ei näeks. Nende hulka kuuluvad katkised teksad, säärised ja dressid. Need tuleks jätta tänavale ja sörkimiseks.

Mõnikord juhtub, et pärast tööd kutsutakse teatrisse. Kui teil on range riietumisstiil, siis on mõttekas kaasa võtta mõni särav ese - sall, ehe või pluus ja riideid vahetada. See võimaldab teil vastavalt ülesandele oma riietust muuta.

Pildile tuleb läheneda kui mängule, peaasi, et sellega mitte üle pingutada. Inglismaal võib isegi ringi käia, pann peas ja kotis, aga Venemaal tuleb jälgida mõõdukust.

Tekst: Daria Stepanova

Unikaalse kunstipaiga avamise eelõhtul rääkis kunstnik ja Rahvuste Teatri Uue Ruumi kuraator Vera Martõnov Time Outile, kuidas muuta Moskvat nii, et see ei kurvaks.

Mis linnas sa sündisid? Ja millal te Moskvasse kolisite?

Formaalselt Habarovskis. Kolisin aastal 2001, tundub raske meenutada...

Milliseks te Moskvat enne siia kolimist ette kujutasite?

Punaste Kremli seintega, nagu nõukogude õpikutes. Ja uudiste põhjal otsustades on ta alati külm ja energiline!

Milline idee Moskvast osutus valeks?

Sellegipoolest on Moskvas mõnusaid sooje päikesepaistelisi päevi. Ja nad on ilusad!

Mida oli lihtsam teha, kui arvasite?

Kõik osutus oodatust keerulisemaks...

Kas see on keerulisem?

Väga raske on uinuda, rahuneda ja meeles pidada, mida teha tahan.

Mis teid Moskvas üllatas?

Iga päev üllatab millegagi. Moskva on kombinatsioon näiliselt kokkusobimatutest asjadest.

Millega sa veel harjuda ei suuda?

Halvale, autode heitgaasidest üleküllastunud õhule ja pidevale puude langetamisele.

Kus sa praegu elad? Ja mis teile selle ala juures meeldib?

Prechistenka. Mulle meeldib, et see on välibasseini lähedal. Mulle meeldib, et see on ööklubideta piirkond. Ja seal on ka palju ilusaid vanu häärbereid.

Kust teid Moskvas kõige sagedamini leida võib?

Maria Tregubova

Kes see on: Lõpetanud Moskva Riikliku Kunstiakadeemia, seejärel Dmitri Krymovi kursuse GITISes, kus ta nüüd õpetab. Töötas koolis palju draamakunstid"väljastades koos Krõmoviga lavakujundajana näiteks Tšehhovi ainetel valminud absurdi moeetenduse "Tararabumbia" ja Šostakovitšist (koos Vera Martõnovaga) rääkiva mustvalge papi "Opus nr 7". Viimastel hooaegadel on ta regulaarselt kirjutanud muljetavaldavaid teoseid kunstilised lahendused Moskva ja Peterburi peamised esietendused: psühhedeelne antiik „Alice“ Suures Draamateatris. Tovstonogov; Tim Burtoni vaimus “Joobnud” ja lummavate kardinatega “Mefisto” Moskva Kunstiteatris. Tšehhov; "Manon Lescaut" hiiglasliku nukuga Bolshoi teater; kolmemõõtmeliste tähtede, peeglitoa ja hanedega etendus “Must venelane”, mida mängitakse Spiridonovi maja mitmes saalis; töötab kutse alusel Budapesti ja Düsseldorfi teatrites. Loetelu jätkub: Maria Tregubova on ka tootlikkuse rekordiomanik.

"Alice" nimelises Bolshoi Draamateatris. Tovstonogov

1/3

“Dreamworks* Unistus saab teoks” Moskva Kunstiteatris. Tšehhov

2/3

“Must venelane” Spiridonovi majas

3 3-st

Maria Tregubova:“Usun, et teatrikunstnikul peab olema väga eriline mõtlemine. Üldse liigub teater kuhugi, nagu kõik muugi, ja ametitevahelised piirid lähevad järjest hägusemaks. Kunstnik peab mõtlema mitte ainult piltides, vaid ka tegevuses, draamas, muusikas, rütmis jne. Millal toimub uute üliõpilaste vastuvõtmine Krymovi kursusele (Dmitri Krymovi töötoas GITISes. - Märkus muuda.), siis püüame kogu inimeste voolu hulgast välja valida just need, kelle mõtteviis tundub selle ameti jaoks sobivat. Neid tuleb väga tihti kõige andekamad kunstnikud kellel on näiteks maalikunstniku anne, aga peas pole seda kummalist teatripööret. Ja keegi võib-olla ei oska joonistada, kuid tema kõigis ilmingutes on midagi, mis paljastab teatrimeelse kunstniku. Nüüd olen huvitatud ja tahan proovida väga erinevaid asju: erialal ja elus. Seda ma teen."

Galja Solodovnikova

Kes see on: Rahvuste teatris, Aleksandrinski teatris, Permi ooperi- ja balletiteatris ning veel kümmekonnal riigi olulisel etapil esinenud tegelased kannavad Galja Solodovnikova futuristlikke rõivaid. Lavastuskujundajana pakub teatri anglitsismi lavakunstnik Solodovnikovale end sagedamini kui teised kolleegid. Selle perfektsionistlikud ühtlased toonid ja siledad pinnad muudavad esinemiskohad eluruumiks. arvutigraafika, elulähedasest radikaalselt kaugel. Need on Solodovnikova koostööd Philip Grigorjaniga (“Täiskuu”, “Agatha naaseb koju”, “Põld”), Maxim Didenkoga (“Maa”, “Tšapajev ja tühjus”) ja Kirill Serebrennikoviga (“Kuldne kukk”). Omades kahte eriharidust (Kosygini tekstiiliülikool, seejärel Londoni St. Martini kunsti- ja disainikolledž) ja hullumeelset nõudlust, õpetab ta Briti stsenograafia kursust. kõrgkool disain.

"Tšapajev ja tühjus" "Praktikas"

1/3

"Abielu" Rahvuste Teatris

2/3

"Hoffmanni lood" aastal Permi teater ooper ja ballett

3 3-st

Galya Solodovnikova:«Õpetame Polina Bahtinaga Briti Kõrgemas Disainikoolis lavakujunduse kursust. Kursusele registreerus 22 inimest, neist neli olid noored. Siis kukkusid kaks maha. Oleme selle olukorra pärast mures! Kuhu poisid lähevad? Miks nad ei lähe teatrikunstnikud? Lõppude lõpuks oli see alles hiljuti meeste elukutse ja selles polnud üldse naisi. Hiljuti kutsusime oma kursust juhendama Vladimir Arefjevi (teatrilavastuse disainer) ja tema esimene küsimus oli: "Mitu poissi teil on?" Ja siis me rääkisime temaga sellel teemal pikalt. Lavastaja on ju vana kooli järgi mees, kes mõistab kõike õigesti kokku panna ja kes vajadusel oskab ise kõik kokku panna. Kuid see pole enam nii. Tänapäeval on see elukutse tõenäolisem naissoost. Ja me teeme minu arvates head tööd.

Näidendi kallal töötades, režii valikul määravad minu jaoks kõik kaks tegurit: žanr ja lavastaja. Ma võin luua ülirealistliku maailma, kus kõik on tõeline, või vastupidi, ma võin minna absoluutselt fantaasiasse, väga abstraktsesse maailma. Reaalsusesse, mis on täiesti erinev sellest, mida me teame ja tunneme.

Armastan luua totaalset ruumi, millesse sukeldumine tekitab tunde, et lahkuksite kastist. Sellele aitab kaasa näiteks silmaringi laiendamine – see tekitab lõpmatuse tunde. Ja kõik, mida me laval näeme, muutub aknaks teise reaalsusesse.

Ksenia Peretruhhina

Kes see on: Demonstratiivne artist, kes kutsub vaatajat tasakaalust välja viima. IN teatrimaailm pärit kaasaegne kunst. Esimese haridusega oli ta filmiekspert ja lõpetas järjest kaks kaasaegse kunsti kooli: esmalt Venemaa Riikliku Humanitaarülikooli, seejärel Sorose Fondi. Esmakordselt märgati teda dekoraatorina Praktikas, Teatr.docis ning Draama- ja Lavastajakeskuses, töötades koos Marat Gatsalovi, Georg Geno ja Mihhail Ugaroviga. 2010. aastatel sai temast minimalisti Dmitri Volkostrelovi etenduste alaline kaasautor, kes teostas totaalseid installatsioone, mis on täiesti erinevad sellest, mida tavaliselt nimetatakse dekoratsiooniks. See võib olla ka ümbritsev publik kasesalu(“Vene romaan” Rahvaste Teatris), ja fikusiaed hiiglaslikus keldris (“Kolm, neli” Föderatsioonitorni keldris) ja lõuenditelk istmetega sees (“Kolm päeva põrgus” kl. Rahvuste teater). Eksperimentaalsete etteastete sarja eest sai 2013. aastal Kuldse Maski žürii eripreemia tandem Volkostrelov ja Peretruhhina.

"Vene romanss" Rahvuste Teatris

1/3

"Hingus" Rahvuste Teatris

2/3

"Cantos" Permi ooperi- ja balletiteatris

3 3-st

Ksenia Peretrukhina:«See, kas vaataja kõnnib või istub, ei oma tähtsust. On oluline, et ta kogeks transformatsiooni. Ja ümberkujundamine on täpselt see, millega ma saan töötada. See tähendab, et ma loon teatud ruumilise olukorra, mida vaataja ajas kogeb. Võib öelda, et mulle läheb korda mittestaatiline stsenograafia. Minu jaoks on oluline, et lavastuses poleks ainsatki staatilist punkti. Erich Frommil on selline raamat “Olla või olla”, kus vastandatakse kaks olukorda: olemine ja omamine. Valdus on mingi laud, siin see seisab, see on meil olemas ja see on staatiline. Kuid olemasolu ei ole staatiline, see juhtub kogu aeg, see on pidurdamatu. Ja see hetk huvitab mind praegu teatrikunstnikuna. Sest mulle tundub, et nii protsessuaalsus kui ka osalusteater on seotud dünaamiliste protsessidega. Tundub oluline anda vaatajale see mõistmise kogemus, et elu pole punkt, vaid dünaamiline protsess.

Larisa Lomakina

Kes see on: Kõige vaenulikuma ja väga viljakama režissööri Konstantin Bogomolovi alaline ja püsiv kunstnik-kaasautor. Teatri vastu tekkis huvi Moskva Arhitektuuriinstituudis kursuseprojekti kallal töötades ja lõpuks otsustas ta elukutse kasuks pärast kohtumist Anatoli Vassiljevi kõigi põhilavastuste kujundaja Igor Popoviga. Lomakina stsenograafiat ei saa millegagi segi ajada - see on alati mõne ametliku ruumi kinnine paviljon, mille seintest pääsevad kenasti välja plasmaekraanid ning kõik esemed ja mööbel on laenatud otse tuntud reaalsusest.

“Karamazovid” Moskva Kunstiteatris. Tšehhov

1/3

"Gargantua ja Pantagruel" Rahvuste Teatris

2/3

"Reisija" jaotises " Uus ooper»

3 3-st

Larisa Lomakina:«Teatris on kõik kõigega seotud. Ja kui laval on midagi, mida publik ei näe, aga artistid näevad, siis mõjutab see ka publikut.

Rahvuste teatri lavastuses “Gargantua ja Pantagruel” on näiteks episood, kus kangelased satuvad Vorstisaarele. Sel hetkel tuuakse kandikul lavale viilutatud vorst. Palju erinevaid sorte. Ja loomulikult see kõik lõhnab, kuigi publik ei pruugi seda tunda – saal on ikka suur. Tähtis oli, et artistid seda tunnetasid, sest see lõhn ja reaktsioon sellele saab nende rollide lahutamatuks osaks. Hiljuti aga otsustas teater, et otstarbekam on kasutada võltsvorsti ja minu kahjuks ei haise laval enam. Ja lavastuses “Sündmus” (Tšehhovi Moskva Kunstiteatris. - Märkus toim.) Igor Vernikul on jope külge kinnitatud üks erimärk. See ikoon on hästi nähtav kõigile laval olevatele näitlejatele, kuid mitte publikule. Ma ei ütle, missugune märk see on."

Olga Nikitina

Kes see on: Dmitri Krymovi töökoja lõpetanud GITISes. Koos klassikaaslastega osales ta alates kolmandast kursusest Povarskaja stuudios ja Draamakunstikoolis töötubades. Pärast kooli lõpetamist hakkas ta keskusesse regulaarselt kutseid saama. Meyerhold, kus tänapäeval mängitakse Nikitina maastikel näiteks Viktor Rõžakovi näidendeid “Saša, vii prügi välja” ja “ Aegunud kontsert" Esimesel juhul on tegemist sõna otseses mõttes installatsiooniga Natalia Vorožbiti sõjateemalisest köögidialoogist, teisel juhul steriilse disainipaviljoniga “July Ensemble” meeskonna kavaesinemiseks. Nikitina kandideeris Kuldsele Maskile 2017 kunstnikutöö eest Tveri Noorsooteatri etenduses “Tühjus”. IN hetkel töötamas ooperi “Madama Butterfly” esietendusel Klaipedas ooperimaja(Leedu).

"Sasha, vii prügi välja" keskuses. Meyerhold

1/3

“Ebakaasaegne kontsert” keskuses. Meyerhold

2/3

"Tühjus" Tveri Noorsooteatris

3 3-st

Olga Nikitina:„Sõltumata projektist, mille kallal töötan, olen ma harjunud mõtlema väljaspool mis tahes kasti. See tähendab, et pakkuge esmalt välja etendus oma peas, ilma end milleski piiramata, ja seejärel otsige viise, kuidas kohandada kõike, mis teile ette tuleb, konkreetse koha konkreetsete võimalustega. Ja mulle tundub, et see on kõige olulisem asi, mida Krymoviga õppimine andis (Dmitri Krymovi kursusel GITISes. - Märkus muuda.).

Näiteks pärast näidendi “Sasha, vii prügi välja” lugemist sain kohe aru, et see tuleks lavastada vastu seina. Ja esietendus ei toimunudki laval, Keskmuuseumi fuajees. Kõik muu tuli sellest ideest – asukoht kui installatsioon, tegelased kui kaasaegse kunsti objektid. Lõpuks viidi see kõik suurele lavale, kus näitlejad jäeti seinast sõna otseses mõttes kolmekümne sentimeetri kaugusele. Tulemuseks oli lame papist teater.
Alati, kui pidin panustama ühele või teisele suur lava, iga kord oli eelarvega probleeme. Ja iga kord pidime töö käigus loobuma 60% esialgsest plaanist. Seega, kui me räägime minu unistuste teatrist, mingist ideaalsest protsessist, siis loomulikult olin ma alati huvitatud sellega töötamisest. suur vorm. Et saaksite töötada ilma lae kõrgust ja objekti tehnilisi võimalusi vaatamata. Ja mulle meeldiks väga töötada uue tsirkuse ja ooperiga – žanritega, milles saab julgelt fantaseerida ja olla võimalikult vaba.

Jekaterina Džagarova

Kes see on: Saanud Moskva Arhitektuuriinstituudist (Jevgeni Assa töökoda) arhitektuuridiplomi, astus ta stsenaristide ja režissööride kõrgematele kursustele. Seal kohtus ta lavastaja Lera Surkovaga ja 2013. aastal debüteerisid mõlemad teatris Teatr.doc ülimalt sotsiaalse lavastusega “Pagans”. Tänaseks on juba selge, et ilma Dzhagarovata oma minimalistlike lahendustega nagu Kedahis läbipaistev ekraan poleks Praktika sama, nagu me seda teame: minimalistlik, korralik ja modernsus.

“Tossud” Praktika teatris

1/3

Rahvaste teatri “Puutsutavad”.

2/3

"Paganad" jaotises "Theatre.doc"

3 3-st

Jekaterina Dzhagarova:«Arhitektuuriharidusest saadav kasu teatris on tohutu. Näiteks olen ma alati väga sõbralik tehnilised direktorid. Vähemalt sellepärast, et saan hästi aru, mida, kuidas ja millest teha tuleks.

Hiljuti “The Thunderstorm” kallal töötades Volkovski teater(Denis Azarovi etendus in Jaroslavli teater nimelised draamad Volkova. - Märkus toim.) vastutasin esimest korda ka kostüümide eest. On väga huvitav, kuidas ülikond ulatub visanditest rätsepatööni koos kõigi detailidega. Galja Solodovnikova andis mulle siis nõu, ostsin igasuguseid raamatuid, õppisin palju uut.

Nüüd on mul sõna otseses mõttes unistuste projekt - see on näidend Andrei Rodionovi näidendi "Nurofeni eskadron" ainetel. Meie (koos režissöör Ruslan Malikoviga. - Märkus toim.) on selle näidendi põhjal juba teinud sketši Polüteatri sulgemiseks. Siis kestis töö vaid 10 päeva ja tulemus erutab mind siiani. Kahju, et see materjal on nüüd tsensuuri all (kunsti roppuste keelu tõttu. - Märkus toim.). Aga ikkagi on lootust, et kunagi teeme seda uuesti. Ma ei mõelnud tüdrukute rohkusele sellel erialal. Minu arvates on neid andekad inimesed või mitte andekad, ja pole vahet, kas nad on mehed või naised.

Polina Bahtina

Kes see on: 2003. aastal sai ta Moskva Trükiülikooli diplomi graafiku erialal. Teatrisse jõudis ta kino kaudu, olles töötanud näiteks Valeria Gai Germanikaga. Praktikas debüteeris ta lavakujundajana Aleksandr Vartanovi näidendiga “Toode”. Seejärel lavastas ta seal näidendiraamatu “Juuksur” (lavastaja Ruslan Malikov). Edasi tuli Gondry vaimus papist kassahitt “Cops on Fire”, millest sai alguse koosloomise lugu Juri Kvjatkovskiga. Viimasest - futuristlik muusikal “Luik” Keskuses. Meyerhold ja hip-hopper Noise MC “Orpheus ja Eurydice” Tesla 4000-s. Lisaks õpetab Polina Bahtina koos Galja Solodovnikovaga kõrgkoolis “teatridisaini” kursust. Briti kool disain. Ja 2015. aastal sain kuldmedal sisse rahvusvaheline näitus stsenograafia Praha kvadriennaalil, kus ta esindas Venemaad installatsiooniga “Meyerholdi unistus” (meeskonnas Jan Kalnberziniga).