La Scala teater – Teatro alla Scala (MILAAN)
Maailma muusikakultuuri pärl. Raske on ette kujutada hiilgavama ajalooga teatrit kui kuulus La Scala. Enam kui 300-aastase eksisteerimise jooksul on need seinad palju näinud, kuid suutnud säilitada teatri jaoks võib-olla kõige olulisema - selle ainulaadse võlu ja salapära. La Scala kontserdihooaeg kestab detsembrist juunini (sügisel toimuvad selle laval kontserdid sümfooniakontserdid). Hooaja avamine on eriti pidulik. Alati on 7. detsember – Milano kaitsepühaku Püha Ambroseuse päev. Kahjuks müüakse mõnikord piletid kuus kuud ette, seega broneerige aeg ette. Ligikaudne pileti maksumus - ooper/ballett: kioskid 260/150; amfiteater 80-260/125; rõdu 40-105/30-80 eurot
Amfiteater – Arena di Verona(VERONA)
Vana-Rooma amfiteater on kuulus seal peetavate ooperi- ja kontsertetenduste poolest. Ehitatud 1. sajandil eKr. Roosast Verona kivist ehitatud hoone on oma suuruselt Rooma Colosseumi järel teisel kohal. Iidsetel aegadel peeti sellel gladiaatorite võitlusi ja keskajal rüütliturniire. 16. ja 17. sajandil. pealtvaatajate tribüünid ehitati täielikult ümber ja praegune Arena on grandioosne 25 tuhande istekohaga auditoorium, mille laval antakse lummavaid ooperietendusi vabas õhus. Omab erakordset ehitusakustikat. Tänapäeval toimub igal aastal juunist augustini tavaliselt neli erinevat lavastust. Juuli keskel antakse etendusi peaaegu iga päev. Talvekuudel esinevad Akadeemilises Filharmoonias ooper ja ballett.
Filharmoonia esietenduste piletite orienteeruv maksumus: ooperi/balleti kioskid - 90/60 eurot; amfiteater ooper/ballett - 70/50; Benoir boksiooper/ballett - 60/35; rõduooper/ballett -55/40. Korduvate etenduste piletite maksumus on ligikaudu miinus 10 eurot. Areeni piletihinnad: esimene korrus 220 eurot, amfiteater 95, rõdu 40. Alla 4-aastaseid lapsi ei lubata.
San Carlo – Teatro di San Carlo(NAPLES)
Napoli ooperimaja ehitati Charles III käsul lagunenud Teatro San Bartolomeo asemele. 1737. aastal avatud teatrisaal mahutas toona kuni 3300 pealtvaatajat, muutes teatri maailma kõige avaramaks.
Esietenduste piletite orienteeruv maksumus: ooperi/balleti kioskites - 170/130 eurot; amfiteater ooper/ballett - 110/100; Benoir kasti ooper/ballett - 90/50; rõduooper/ballett -60/40. Korduvate etenduste piletite maksumus on ligikaudu miinus 10 eurot. .
La Fenice teater(VENETSIA)
Veneetsia muusikaelu süda. Ebatavaline teater veekai ja elegantse promenaadiga. 1792. aastal ehitatud teater elas üle kaks tulekahju ja iga kord, oma nime õigustades, nagu Fööniksi lind, taassündis tuhast. Pärast viimast õõvastavat leekide embust, mis teatri peaaegu täielikult hävitas, avas uus, taastatud La Fenice oma uksed 14. detsembril 2003. aastal.
Esietenduste piletite orienteeruv maksumus: ooperi/balleti kioskites - 190/140 eurot; amfiteater ooper/ballett - 160/100; Benoir boksiooper/ballett - 110/90; rõduooper/ballett -70/50. Korduvate etenduste piletite maksumus on ligikaudu miinus 10 eurot.
Ooperimaja – Teatro dell’Opera di Roma(ROOMA)
Üks Euroopa suurimaid ooperiteatreid, mis mahutab kuni kaks tuhat kakssada muusikasõpra. Siin lavastatakse maailmatähtede lavastatud ooperi- ja balletietendusi. Just Rooma ooperis toimus Puccini “Tosca” ja mitmete Mascagni ooperite, sealhulgas “Honor Rusticana”, “Iris”, “Masques” maailmaesiettekanne. Selle laval laulis eelmise sajandi alguse kuulsaima koloratuursopran omanik Amelita Galli-Curci, tenorid Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.
Suvel toimuvad ooperietendused väljas Caracalla vannides. Kunagi tunti neid kui kaheksandat maailmaime. 1990. aasta suvel asus Caracalla termide varemetel a legendaarne kontsert kolm tenorit - Placido Domingo, Jose Carreras ja Luciano Pavarotti.
Esietenduste piletite orienteeruv maksumus: ooperi/balleti kioskites - 160/90 eurot; amfiteater ooper/ballett - 130/80; Benoir boksiooper/ballett - 60/35; rõduooper/ballett - 35/30. Korduvate etenduste piletite maksumus on orienteeruvalt miinus 20 eurot.
Artikli sisu
ITAALIA TEATER. Itaalia teatrikunst pärineb ajast rahvapärased rituaalid ning loodusringe ja maatööga seotud mängud, karnevalid, vaimulikud laulud ja tantsud. Maimängud olid laulu- ja draamarikkad. , toimub lõõmava lõkke ümber, mis sümboliseerib päikest. Alates 13. sajandi keskpaigast. Lauda ilmub Umbriasse (lauda) , unikaalne avalik vaatemäng, -religioossed ülistuslaulud, mis järk-järgult omandasid dialoogilise vormi. Nende etenduste teemadeks olid valdavalt evangeeliumi stseenid - kuulutus, Kristuse sünd, Kristuse teod... Laudade kirjutajatest paistis silma Toscana munk Jacopone da Todi (1230–1306). Tema kuulsaim töö Madonna itk. Laudad olid aluseks pühade esituste (sacre rappresentazioni) tekkele, mis kujunesid välja 14. ja 15. sajandil. (algselt ka Kesk-Itaalias), müsteeriumilähedane žanr, levinud Põhja-Euroopa maades. Pühade etenduste sisu põhines Vana ja Uue Testamendi süžeedel, millele lisandus muinasjutulisi ja realistlikke motiive. Etendused toimusid linnaväljakule paigaldatud poodiumil. Lava ehitati vastavalt aktsepteeritud kaanonile - all on “põrgu” (draakoni avatud suu), ülaosas “paradiis” ja nende vahel on teised tegevuskohad - “Mägi”, “Kõrb” , "Kuninglik palee" jne. Selle žanri üks kuulsamaid autoreid oli Feo Belkari - Aabrahami ja Iisaki mõiste (1449), Püha Johannes kõrbes(1470) jne Firenze valitseja Lorenzo Medici komponeeris ka sakraallavastusi.
Aastal 1480 kirjutas noor õukonnaluuletaja ja antiikajatundja Angelo Poliziano (1454–1494) kardinal Francesco Gonzaga tellimusel pastoraalse draama, mis põhines Vana-Kreeka müüdil. Orpheuse lugu. See oli esimene näide iidse maailma piltide poole pöördumisest. Helgest, rõõmsast tundest läbi imbunud Poliziano näidendiga sai alguse huvi mütoloogiliste näidendite vastu ja üldine antiigivaimustus.
Itaalia kirjandusdraama, millega algab renessansiajastu Lääne-Euroopa draama ajalugu, põhines oma esteetikas antiikdraama kogemusel. Plautuse ja Terence'i komöödiad määrasid itaalia humanistidest näitekirjanikele nende teoste teemad, tegelaste koosseisu ja kompositsiooniline struktuur. Suurepärane väärtus Ladinakeelseid komöödiaid esitasid kooliõpilased ja üliõpilased, eriti Roomas 1470. aastatel Pomponio Leto juhtimisel. Traditsiooniliste süžeede abil tutvustasid nad oma töödesse uusi tegelasi, kaasaegseid värve ja hinnanguid. Nad muutsid oma näidendite sisuks päriselust ja kangelasteks kaasaegsed inimesed. Uusaja esimene koomik oli hilise aja suur poeet Itaalia renessanss Ludovico Ariosto. Tema näidendid on täis realistlikke maale ja teravaid satiirilisi visandeid. Temast sai Itaalia rahvusliku komöödia asutaja. Temalt pärineb komöödia areng kahes suunas - puhtalt meelelahutuslik ( Kalandria kardinal Bibiena, 1513) ja satiiriline, keda esindas Pietro Aretino ( Kohtu moraal, 1534, Filosoof, 1546), Giordano Bruno ( Küünlajalg, 1582) ja Niccolò Machiavelli, kes lõi ajastu parima komöödia - Mandrake(1514). Kuid üldiselt olid Itaalia komöödiakirjanike dramaatilised teosed ebatäiuslikud. Pole juhus, et kogu liikumine sai nime "Teaduslik komöödia" (commedia erudita).
Samaaegselt koos kirjanduslik komöödia ilmub tragöödia. Itaalia tragöödia suuri edusamme ei toonud. Koostati palju selle žanri näidendeid, mis sisaldasid kohutavaid lugusid, kriminaalseid kirgi ja uskumatut julmust. Neid nimetati "õudukatragöödiateks". Žanri edukaim teos - Sofonisba G. Trissino, kirjutatud tühivärsis (1515). Trissino kogemust arendati veelgi kaugemale Itaaliast. P. Aretino tragöödial oli ka teatud eeliseid Horatius (1546).
Kolmas - kõige edukam ja elavam - itaalia žanr kirjanduslik draama 16. sajand sai pastoraal, mis levis kiiresti Euroopa õukondades (). Žanr omandas aristokraatliku iseloomu. Tema sünnikoht on Ferrara. Kuulus luuletus G.Sannazzaro Arkaadia(1504), mis ülistas maaelu ja loodust "lõõgastuskohana", tähistas liikumise algust. Kõige rohkem kuulsad teosed pastoraalne žanr Aminta Torquato Tasso (1573), teos täis tõelist poeesiat ja renessansiaegset lihtsust, aga ka Ustav karjane D.-B Guarini (1585), mis eristub nii intriigide kui ka poeetilise keele keerukusest, seetõttu liigitatakse see manerismi alla.
Kirjandusdraama eraldumine publikust ei aidanud kaasa teatri arengule. Väljakul sündis lavakunst - Vana-Rooma miimide pärijate keskaegsete puhmaste (giullari) etteastetes, rõõmsates farsietendustes. Farss (farsa) kujunes lõplikult välja 15. sajandil. ja omandab kõik rahvaesinduse tunnused – efektiivsus, puhitus, igapäevane konkreetsus, satiiriline vabamõtlemine Sündmused päris elu, muutudes farsi teemaks, muutus naljaks. Helgel, grotesksel moel naeruvääristati farss inimeste pahesid ja ühiskond. Farssil oli suur mõju Euroopa teatri arengule ja Itaalias aitas see kaasa selle loomisele eritüüp lavakunst – improviseeritud komöödia.
Kuni 16. sajandi keskpaigani. Itaalias polnud professionaalset teatrit. Veneetsias, mis juhatas kõikvõimalike vaatemängude loomisele, juba 15.–16. sajandi vahetusel. Amatöörteatri kogukondi oli mitu. Neil osalesid käsitöölised ja haritud klasside inimesed. Järk-järgult hakkasid sellest keskkonnast tekkima poolprofessionaalide rühmad. Kutselise teatri sünni olulisim etapp on seotud näitleja ja näitekirjaniku Angelo Beolcoga, hüüdnimega Ruzzante (1500–1542), kelle tegevus valmistas ette commedia dell'arte tekke. Tema näidendid Anconitanka, Moschetta, Dialoogid kuuluvad Itaalia teatri repertuaari tänaseni.
1570. aastaks määrati kindlaks uue teatri peamised kunstilised komponendid: maskid, dialektid, improvisatsioon, puhvritöö. Pandi ka selle nimi commedia dell’arte, mis tähendas professionaalne teater" Nimetus "maskide komöödia" on hilisemat päritolu. Selle teatri tegelased nn. püsitüübid (tipi fissi) või maskid. Kõige populaarsemad maskid olid Pantalone, Veneetsia kaupmees, doktor, Bolognese advokaat, kes kehastas zanni teenijate Brighella, Harlequin ja Pulcinella rolle, samuti kapten, Tartaglia, teenija Servette ja kaks paari armukesi. Igal maskil oli oma traditsiooniline kostüüm ja nad rääkisid oma dialekti, ainult armastajad ei kandnud maske ja rääkisid õiget keelt. itaalia keel. Näitlejad mängisid oma näidendeid stsenaariumi järgi, improviseerides etenduse edenedes teksti. Esinemised sisaldasid alati palju laisklemist ja puhmamist. Tavaliselt mängis commedia dell'arte näitleja terve elu ainult oma maski. Tuntumad trupid on Gelosi (1568), Confidenti (1574) ja Fedeli (1601). Esinejate hulgas oli palju suurepäraseid näitlejaid - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli jt. Maskiteatri kunst oli ülipopulaarne mitte ainult Itaalias, vaid ka välismaal, see imetleti nagu ühiskonna kõrgemates kihtides ja lihtrahvas. Maskide komöödial oli suur mõju rahvusteatrite kujunemisele Euroopas. Commedia dell'arte allakäik algas 17. sajandi teisel poolel ja 18. sajandi lõpuks. see lakkab olemast.
Tragöödia, komöödia ja pastoraali areng nõudis nende teostamiseks spetsiaalset hoonet. Uus tüüp suletud teatrihoone koos boksilavaga, auditoorium ja tasandid loodi Itaalias iidse arhitektuuri uurimise põhjal. Samal ajal 17. sajandi Itaalia teatris. Edukalt viidi läbi otsingud lavakujunduse vallas (eelkõige loodi paljulubavaid maastikke), arendati ja täiustati teatritehnikat. Nii 12. kui 13. sajandil. üle riigi ehitati teatrid, nn. itaalia keel (all"italiana), mis seejärel levis kogu Euroopas ().
Vaatamata oma majanduslikule ja poliitilisele mahajäämusele oli Itaalia rikas ja mitmekesine teatrielu. 18. sajandiks Itaalial oli maailma parim muusikaline teater, milles eristati kahte tüüpi - tõsist ooperit ja koomilist ooperit (opera buffe). Seal tegutses nukuteater ja igal pool tehti commedia dell'arte etendusi. Draamateatri reform on aga käärinud juba pikka aega. Valgustusajastul ei vastanud improviseeritud komöödia enam tolleaegsetele nõuetele. Vaja oli uut, tõsist, kirjanduslikku teatrit. "Maskikomöödia" ei saanud eksisteerida varasemal kujul, kuid selle saavutusi tuli säilitada ja hoolikalt uude teatrisse üle kanda. Seda tegi Carlo Goldoni. Ta viis reformi hoolikalt läbi. Ta hakkas oma näidendites juurutama üksikute rollide ja dialoogide täiskirjutatud ja kirjanduslikke tekste ning Veneetsia avalikkus võttis tema uuenduse entusiastlikult vastu. Esimest korda kasutas ta seda meetodit komöödias Momolo, peo elu(1738). Goldoni lõi tegelaste teatri, loobudes maskidest, stsenaariumist ja improvisatsioonist üldiselt. Tema teatri tegelased kaotasid oma tavapärase sisu ja muutusid elavateks inimesteks – oma ajastu ja oma maa, 18. sajandi Itaalia inimesteks. Goldoni viis oma reformi läbi ägedas võitluses vastastega. 18. sajandi teine pool. astus Itaalia ajalukku kui teatrisõdade aeg. Talle astus vastu keskpärane ja seetõttu kahjutu näitekirjanik abt Chiari, kuid tema peamine vastane, andekuse poolest võrdne, oli Carlo Gozzi. Gozzi kaitses maskide teatrit, seades ülesandeks taaselustada improviseeritud komöödia traditsioon. Ja mingil hetkel tundus, et see tal õnnestus. Ja kuigi Goldoni jättis oma komöödiates ruumi improvisatsioonile ja Gozzi ise pani lõpuks kirja peaaegu kõik oma dramaatilised teosed, oli nende vaidlus julm ja kompromissitu. Sest kahe suure veneetslase vastasseisu põhinärv on nende sotsiaalsete positsioonide sobimatus, erinevad vaated maailmale ja inimesele.
Goldoni oli oma töödes kolmanda seisundi ideede väljendaja, selle ideaalide ja moraali kaitsja. Kogu Goldoni dramaturgia on allutatud mõistliku egoismi ja praktilisuse vaimule – kodanluse moraalsetele väärtustele. Gozzi võttis esimesena sõna selliste vaadete propaganda vastu lavalt. Ta kirjutas teatrile kümme poeetilist juttu, nn. fiaba (fiaba/muinasjutt). Edu teatrimuinasjutud Gozzi oli vapustav. Ja Veneetsia avalikkus kaotas ootamatult kiiresti huvi oma hiljutise lemmiku Goldoni vastu. Võitlusest kurnatud Goldoni tunnistas lüüasaamist ja lahkus Veneetsiast. Kuid see ei muutnud Itaalia lava saatuses midagi – rahvusteatri reform oli selleks ajaks juba lõppenud. Ja seda teed läks ka Itaalia teater.
Alates 18. sajandi lõpust. Itaalias algab Risorgimento ajastu – võitlus riikliku iseseisvuse eest poliitiline ühendamine riigid ja kodanlikud muutused – kestavad peaaegu sajandi. Teatris saab tähtsaimaks žanriks tragöödia. Suurim tragöödiate autor oli Vittorio Alfieri. Tema nimega on seotud Itaalia repertuaaritragöödia sünd. Ta lõi tsiviiltragöödia peaaegu üksi. Kirglik patrioot, kes unistas kodumaa vabastamisest, seisis türannia vastu. Kõik tema tragöödiad on läbi imbunud vabadusvõitluse kangelaslikust paatosest.
Risorgimento ajastu sünnitas uue kunstilise liikumise – romantismi. Formaalselt langes selle ilmumine kokku Austria domineerimise taastamisega. Romantismi pea ja ideoloog oli kirjanik Alessandro Manzoni. Teatriromantismi originaalsus Itaalias seisneb selle poliitilises ja rahvuslik-patriootilises suunitluses. Klassitsismi peeti Austria orientatsiooni väljenduseks, suunaks, mis ei tähendanud mitte ainult konservatiivsust, vaid ka võõrast iket, romantism ühendas opositsiooni. Peaaegu kõik itaalia teatri loojad järgisid oma elus ideaale, mida nad kuulutasid: nad olid selle idee tõelised märtrid - nad võitlesid barrikaadidel, istusid vanglates, kannatasid vaesuses, elasid pikka aega paguluses. Nende hulgas on G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari jt.
Romantismi kangelane on tugev isiksus, võitleja õigluse ja vabaduse eest ning mitte niivõrd isikliku vabaduse kui üleüldise vabaduse – kodumaa vabaduse eest. Tolleaegne ülesanne oli ühendada kõik itaallased võitluseks ühise eesmärgi nimel. Seetõttu jäävad sotsiaalsed probleemid tagaplaanile ja jäävad märkamatuks. Ka tegeliku vormi küsimused huvitasid Itaalia romantikuid palju vähem. Ühelt poolt hülgasid nad klassitsismi ranged reeglid, kuulutades pühendumust vabadele vormidele, teisalt sõltusid romantikud oma loomingus endiselt suuresti klassitsistlikust esteetikast. Romantiliste näitekirjanike peamiseks inspiratsiooniallikaks on ajalugu ja mütoloogia; süžeed tõlgendati vaatenurgast täna, mistõttu esinemised omandasid tavaliselt terava poliitilise varjundi. Parimad tragöödiad on Caius Gracchus V. Monti (1800), Armiinia I. Pindemonte (1804), Ajax U. Foscolo (1811), Carmagnolla krahv(1820) ja Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) ja Arnold Breshiansky(1843) D. B. Nicollini Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Näidendid on loodud paljuski klassitsistlike mudelite järgi, kuid on täis poliitilisi vihjeid ja türannidega võitlevat paatost. Suurima edu saatis Silvio Pellico tragöödia Francesca da Rimini (1815).
Sajandi teisel poolel andis kangelaslik tragöödia teed melodraamale. Koos komöödiaga nautis melodraama vaatajate seas suurt edu. Esimene dramaturg oli Paolo Giacometti (1816–1882), umbes 80 teatriteose autor. Tema parimad näidendid: Elizabeth, Inglismaa kuninganna (1853), Judith(1858) ja üks 19. sajandi repertuaarisemaid melodraamasid. Kodanikusurm(1861). Giacometti dramaturgia on juba täielikult klassitsismist vabanenud, tema näidendites on vabalt kombineeritud komöödia ja tragöödia jooni, neis on realistlikult välja joonistatud karakterid, neil on rollid, nii et teatrid võtsid nad meelsasti lavastusse. Koomikutest paistis silma ka viljakas näitekirjanik ja Carlo Goldoni traditsioonide jätkaja Paolo Ferrari (1822–1889). Tema näidendid lahkusid lavalt alles sajandi lõpus. Tema parim komöödia Goldoni ja kuusteist tema uut komöödiat(1853) esitatakse jätkuvalt Itaalias.
1870. aastatel tekkis võidukas ja ühendatud Itaalias uus kunstiline liikumine verismo. Verismo teoreetikud Luigi Capuana ja Giovanni Verga väitsid, et kunstnik peaks kujutama ainult fakte, näitama elu ilustamata, olema erapooletu ning hoiduma oma hinnangutest ja kommentaaridest. Enamik näitekirjanikke järgis neid reegleid väga rangelt ja võib-olla just see jättis nende loomingu ilma tõelisest elust. Parimad tööd kuuluvad D. Verga (1840–1922) sulest, tema rikkus teistest sagedamini teooria ettekirjutusi. Kaks tema näidendit Maa au(1884) ja Ta-hunt(1896) kuuluvad Itaalia teatrite repertuaari ka tänapäeval. Näidendid on tehtud meisterlikult. Žanr on tragöödia rahvaelust. Neid eristab võimas dramaatiline närv, rangus ja vaoshoitus. ekspressiivsed vahendid. 1889. aastal kirjutas P. Mascagni ooperi Maa au.
19. sajandi lõpus. ilmub näitekirjanik, kelle kuulsus ületab Itaalia piirid. Gabriele D'Annunzio kirjutas kümmekond näidendit, mida ta nimetas tragöödiateks Euroopa keeled. Sajandivahetusel oli D'Annunzio väga populaarne näitekirjanik. Tema draama liigitatakse tavaliselt sümbolismi ja neoromantismi alla, kuigi selles on ka neoklassitsismi jooni.
Üldiselt olid aga dramaturgia saavutused enam kui tagasihoidlikud; Itaalia 19. sajand jäi teatriajalukku kui näitlejasajand. Kõrge tragöödia ei toonud draamas suuri teoseid. Aga traagiline teema sellest hoolimata kõlas teatris, kuuldi ja võeti vastu ülemaailmne tunnustus. See juhtus ooperis (Giuseppe Verdi) ja suurte Itaalia tragöödiate kunstis. Nende ilmumisele eelnes teatrireform.
Klassitsismilähedane näitlejatüüp püsis Itaalia teatris üsna kaua: etenduskunst jäi deklamatsiooni, retoorika, kanooniliste pooside ja žestide kütkesse. Carlo Goldoni reformiga võrdväärse etenduskunstide reformi viis sajandi keskel läbi särav näitleja ja teatrijuht Gustavo Modena (1803–1861). Ta oli paljuski oma ajast ees. Modena tõi lavale mehe kõigi oma näojoonte, loomuliku kõnega, “lakita, ilma võsadeta”. Ta lõi uue mängustiili, mille põhijooned olid lihtsus ja tõepärasus. Tema teatris kuulutati esilinastusele sõda, kalduti eemalduma jäikadest rollidest ning esimest korda kerkis üles küsimus näitlejaansamblist. Gustavo Modena mõju tema kaasaegsetele ja kolleegidele oli tohutu.
Adelaide Ristori (1822–1906) ei olnud Modena õpilane, kuid pidas end oma kooli lähedaseks. Esimene suur traagiline näitlejanna, kelle kunsti tunnustati väljaspool Itaaliat, oli ta oma aja tõeline kangelanna, kes väljendas oma patriootilist revolutsioonilist paatost. Teatri ajaloos jäi ta mitme traagilise rolli esitajaks: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Mürr Alfieri, leedi Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medeia ( Medea Legure), Mary Stuart ( Maria Stuart Schiller). Ristorit köitsid tegelased, kes olid tugevad, lahutamatud, kangelaslikud ja täis suuri kirgi. Näitlejanna nimetas oma stiili realistlikuks, pakkudes välja termini "värviline realism", mis tähendab "itaalia kirglikkust", "kirgede tulist väljendust".
Ristori vastand oli Clementina Cazzola (1832–1868), romantiline näitlejanna, kes lõi kujundeid peenest lüürikast ja psühholoogilisest sügavusest, ta oli võimeline keerulisteks karakteriteks. Ta oli vastu Ristorile, kes tõi alati välja tegelase peamise iseloomujoone. Itaalia teatris peetakse Cazzolat E. Duse eelkäijaks. Tema parimate rollide hulka kuulub Pia ( Pia de Tolomei Marenko, Margarita Gauthier ( Kamelliatega daam Dumas, Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvreur Scribe), samuti Desdemona roll ( Othello Shakespeare), mida ta mängis koos oma abikaasa T. Salviniga, suure traagikuga.
G. Modena ja L. Domeniconi õpilane Tommaso Salvini, lavaklassitsismi üks silmapaistvamaid esindajaid. Näitlejat see ei huvita tavaline inimene, vaid kangelane, kelle elu on antud kõrgele eesmärgile. Ta hindas ilu üle maise tõe. Ta tõstis mehe kuvandi kõrgele. Tema kunst ühendas orgaaniliselt suurt ja tavalist, kangelaslikku ja igapäevast. Ta teadis meisterlikult, kuidas avalikkuse tähelepanu juhtida. Ta oli võimsa temperamendiga näitleja, keda tasakaalustas tugev tahe. Pilt Othellost ( Othello Shakespeare) on Salvini kõrgeim looming, "monument, mälestusmärk, igaviku seadus" (Stanislavski). Ta mängis Othellot kogu oma elu. Näitleja parimate tööde hulka kuuluvad ka pearollid näidendis. Hamlet, Kuningas Lear, Macbeth Shakespeare, samuti Corrado roll näidendis Kodanikusurm Giacometti.
Teise särava tragöödiku Ernesto Rossi (1827–1896) looming esindab Itaalia lavakunsti arengu teistsugust etappi. Ta oli G. Modena armastatuim ja järjekindlam õpilane. Igas tegelases püüdis Rossi näha mitte ideaalset kangelast, vaid lihtsalt inimest. Väga peen psühholoogiline näitleja, oskas ta oskuslikult näidata sisemaailma, annavad edasi tegelase iseloomu vähimaidki nüansse. Shakespeare’i tragöödiad on Rossi repertuaari aluseks, ta pühendas neile 40 aastat oma elust ja mängis neid kuni viimase päevani. Need on näidendite peamised rollid Hamlet, Romeo ja Julia, Macbeth, Kuningas Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Caesar, Veneetsia kaupmees. Ta mängis ka Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille'i näidendites ning mängis Puškini ja Ivan Julma draamas A.K. Realistlik kunstnik, transformatsioonimeister, ta ei aktsepteerinud verismi, kuigi valmistus ise selle ilmumiseks kogu oma kunstiga.
Verismot kui kunstinähtust väljendas laval kõige põhjalikumalt Ermette Zacconi (1857–1948). Zacconi repertuaar on eelkõige tänapäevane näidend. Suure eduga mängis ta Ibseni, A. K. Tolstoi, I. S. Turgenevi, Giacometti... Suurkuju oli ka tema vanem kaasaegne Ermette Novelli (1851–1919), laiahaardeline näitleja, särav koomik. Tema loominguline stiil hõlmas kõike alates komöödiast dell'arte'i ja lõpetades kõrge tragöödia ja naturalismiga.
Sajandivahetuse tähtsaim traagiline näitlejanna oli legendaarne Eleonora Duse. Väga peen psühholoogiline näitleja, kelle kunst tundus olevat midagi enamat kui transformatsioonikunst.
19. sajandil – murdekultuuri õitseaeg. See on enim arenenud Sitsiilias, Napolis, Piemontes, Veneetsias ja Milanos. Dialektaalne teater on commedia dell'arte vaimusünnitus, millest ta võttis palju üle: eelnevalt koostatud stsenaariumi järgi mängimise improvisatsioonilisus, armastus slapsticki, maskide vastu. Etendused toimusid kohalikus murdes. 19. sajandi teisel poolel. murdedramaturgia hakkas alles omandama oma kirjanduslik alus. Toonane murdeteater oli ennekõike näitlejateater. Sitsiillane Giovanni Grasso (1873–1930), “primitiivne tragöödia”, elementaarse temperamendiga näitleja, veriste melodraamade särav esitaja, oli tuntud mitte ainult Itaalias, vaid ka väljaspool selle piire. Virmaline Edoardo Ferravilla (1846–1916), hiilgav koomiksinäitleja, tema tekstide autor ja esitaja, nautis tohutut edu. Antonio Petito (1822–1876) on Napoli teatri legendaarseim tegelane, geniaalne improvisaator, kes töötas commedia dell'arte tehnikas ja ületamatu Pulcinella maski esitaja. Tema õpilane ja järgija Eduardo Scarpetta (1853–1925), geniaalne näitleja, "koomikute kuningas", oma maski looja Felice Scioshamocchi, kuulus näitekirjanik. Tema parim komöödia on Vaesed ja aadel (1888).
20. sajandil
20. sajandi algus astus etenduskunstide ajalukku kui teatrirevolutsiooni aeg. Itaalias võtsid futuristid stseeni uuendajate rolli. Nende eesmärk on luua tulevikukunsti. Futuristid tõrjusid akadeemilise teatri ja olemasolevad teatrižanrid, püüdsid loobuda näitlejast või taandada tema rolli nukuks ning loobuda ka sõnast, asendades selle plastiliste kompositsioonide ja stsenograafiaga. Nad pidasid traditsioonilist teatrit staatiliseks, uskudes, et masinatsivilisatsiooni ajastul on peamine liikumine. Futurismi silmapaistvamad tegelased olid F. T. Marinetti (1876–1944) ja A. J. Bragaglia (1890–1961). Nende teatri manifestid: Varieteeteatri manifest(1913) ja Futuristliku sünteetilise teatri manifest(1915) pole ikka veel oma tähtsust kaotanud. Futuristide dramaturgia on peamiselt Marinetti teosed, mida nimetatakse sünteesideks ( lühikesed sketsid, esitatakse sagedamini ilma sõnadeta). Suurimat huvi pakub stsenograafia: nad töötasid futuristlikus teatris parimad artistid sellest ajast: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Futuristlik teater ei olnud publiku seas edukas: etendused tekitasid sageli pahameelt ja sageli ka skandaale. Futuristide roll sai selgeks hiljem – sajandi teisel poolel: just siis said nende ideed edasi arendused. Koos nn “Grotesksete näitekirjanike” ja “Videviku” dramaturgid, futuristid valmistasid ette 20. sajandi teatri suurima kuju esinemise. L. Pirandello. Suur tähtsus oli aastatel 1920–1930 ka välislavastajate tegevusel: need olid M. Reinhardti, V. I. Nemirovitš-Dantšenko, aga ka alaliselt Itaalias elanud vene emigrantide - näitlejate ja lavastajate Pjotr Šarovi (1886–1969) lavastused. Tatjana Pavlova (1896–1975), kes tutvustas itaallastele vene keelt draamakool ja Stanislavski õpetused.
Luigi Pirandello alustas teatrile kirjutamist 1910. aastal. Oma esimestes näidendites elule pühendatud Sitsiilias ja Sitsiilia dialektis kirjutatud, on verismi mõju selgelt tunda. Tema loomingu põhiteemad on illusioon ja reaalsus, nägu ja mask. Ta lähtub tõsiasjast, et kõik maailmas on suhteline ja objektiivset tõde pole olemas.
Teiste ajastu oluliste näitlejate hulka kuuluvad Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) ja Gramatica õed: Irma (1870–1962) ja Emma (1875–1965). Dramaturgidest sai tuntuks repertuaarinäidendi autor Sem Benelli (1877–1949). Õhtusöögi naljad(1909) ja Ugo Betti (1892–1953), parim mäng keda Korruptsioon justiitspalees(1949).
Kahe maailmasõja vahelisel ajal oli murreteater Itaalia kultuuris märkimisväärsel kohal (kuigi fašistliku riigi poliitika oli suunatud murrete mahasurumisele). Eriti edukas oli Napoli teater. 1932. aastal alustas tegevust vendade De Filippode huumoriteater. Siiski, kõige rohkem suur figuur tolle aja kohta - Raffaele Viviani (1888–1950), “kannatava näo ja trampi sädelevate silmadega” mees, oma teatri looja, näitleja ja näitekirjanik. Viviani näidendid räägivad tavaliste napollaste elust, neis on palju muusikat ja laule. Tema parimate komöödiate hulka kuuluvad Toledo tänav öösel(1918), Napoli küla (1919), Kalamehed (1924), Viimane tänava pätt (1932).
Vastupanu periood ja esimesed aastad pärast Teist maailmasõda sisenesid Itaalia ajalukku teise Risorgimentona – nii otsustavad ja pöördumatud olid muutused, mis toimusid kõigis elu- ja kunstivaldkondades. Pärast aastaid kestnud ühiskondlikku stagnatsiooni hakkas kõik liikuma ja nõudis muutusi. Ja kui fašistliku diktatuuri aastatel lämmatas teater sõna otseses mõttes valest, retoorikast ja pompoossusest (see oli ametliku kunsti joon), siis nüüd on see lõpuks inimkeeli kõnelnud ja elava inimese poole pöördunud. Sõjajärgse Itaalia kunst hämmastas maailma oma siirusega. Elu tuli ekraanile ja lavale sellisena, nagu ta on, kogu oma vaesuse, võitluse, võitude ja kaotuste ning lihtsate inimlike tunnetega. Pärast sõda arenes teater kooskõlas neorealismiga, 20. sajandi ühe demokraatlikuma ja humanistlikuma kunstivooluga. Murdeteater saab uut elu. Napoli Eduardo De Filippo pälvib riikliku tunnustuse ja tema draama vallutab kiiresti maailma lavad. Ta nimetas oma näidendeid "tõsielu dramatiseeringuteks". Tema kurvad komöödiad räägivad elust, suhetest perekonnas, moraalist ja inimese eesmärgist, sõja ja rahu probleemidest.
Sajandivahetusel Euroopa teatrisse ilmunud lavastaja elukutse kinnistus Itaalias alles sajandi teisel poolel. Esimene lavastaja selle sõna Euroopa mõistes oli Luchino Visconti (1906–1976), terava ilumeelega realistlik kunstnik, veendunud antifašist ja humanist, kes töötas nii teatris kui ka kinos. Visconti teatris mõistetakse etendust tervikuna, alluvana ühele plaanile, esietendusele kuulutatakse sõda, näitlejad õpivad töötama ansamblis. Visconti olulisemad teosed draamateater: Kuritöö ja karistus Dostojevski (1946), Klaasi majakoda (1946), Trammide soov T. Williams (1949), Rosalind ehk kuidas sulle meeldib (1948), Troilus ja Cressida Shakespeare, Orestes Alfieri (1949), Võõrastemajapidaja Goldoni (1952), Kolm õde (1952), Onu Vanya (1956), Kirsiaed(1965) Tšehhov.
Esimestel sõjajärgsetel aastatel sai Euroopas alguse liikumine kättesaadava ja arusaadava rahvateatri poole. Itaalias ühines see võitlusega statsionaarsete teatrite pärast, mida kutsuti Stabile (stabiilne/püsiv). Esimene Stabile oli Piccolo Teatro Milanos, mille asutasid 1947. aastal P. Grassi ja G. Strehler. Kunstiteater ühiskonna teenistuses – see on Piccolo Teatro ülesanne. Strehleri loomingus ühinesid mitmed Euroopa teatrikultuuri jooned: rahvuslik traditsioon commedia dell'arte, psühholoogilise realismi ja eepilise teatri kunst.
1960.–1970 Euroopa teater oli buum Itaalia teatrisse tuli uus põlvkond lavastajaid ja näitlejaid. Noored, kes tundsid kõige teravamalt traditsioonilise lavakeele ammendumist, hakkasid uurima uut ruumi, töötama erinevalt valguse ja heliga ning otsima uusi suhtevorme publikuga. Neil aastatel töötasid aktiivselt Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis. Kuuekümnendate põlvkonna märkimisväärseimad tegelased: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Kõik nad tegid palju teatrikeele rikastamiseks, nende avastusi kasutatakse laialdaselt teatripraktikas.
Dario Fo on poliitilise teatri silmapaistvaim esindaja. Fo on huvitatud inimesest kui sotsiaalsest tüübist, eredate, teravate, liialdatud joontega, asetatud teravasse, farsilisse, paradoksaalsesse olukorda. Ta kasutab selliseid tehnikaid laialdaselt rahvateater, nagu improvisatsioon ja puhtsüdamlikkus.
Carmelo Bene (s. 1937) on 20. sajandi teise poole Itaalia avangardi tunnustatud juht. Benet nimetatakse suurepäraseks näitlejaks. Ta ise kirjutab, lavastab ja täidab oma teostes peaosi. Tema looming eksisteerib autori, näitleja ja lavastaja lahutamatus ühtsuses. Bene on paljude etenduste autor, mis põhinevad peamiselt maailmakirjanduse ja teatri teostel: Pinocchio Callodi (1961), Faust ja Margarita (1966), Salome Wilde (1972), Türgi Jumalaema Bene (1973), Romeo ja Julia (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979), Macbeth (1983), Hamlet(määratud korduvalt) jne. Kõik need on Bene originaalteosed, mis põhinevad kuulsatel teostel ja meenutavad neid väga ähmaselt. Bene keeldub traditsioonilisest dramaturgilisest vormist: tema lavastustes pole põhjuse ja tagajärje printsiibil üles ehitatud sündmusi, puudub süžee ja dialoog tavapärases tähenduses, sõna asendub mõnikord heliga ja pilt laguneb sõna otseses mõttes tükkideks, muutub elutuks objektiks või kaob üldse. Reekviem mehele – nii võiks määratleda tema kunsti põhisisu.
Noorematest, kes praegu Itaalia teatris edukalt töötavad, võib nimetada lavastaja Federico Tiezzi (1951), lavastaja ja näitleja Giorgio Barberio Corsetti (1951), lavastaja Mario Martone (1962), kes juhtis mitu aastat Rooma teatrit "Stabile". , mis tõi lavale mitmeid väga huvitavaid etendusi, sealhulgas ülimenuka näidendi Kümme käsku R. Viviani (2001).
20. sajandi teisel poolel. Itaalia teater, olles saanud lavastajateatriks, ei lakanud olemast suurte näitlejate teater. Tähtsamate lavastajate etendustes on nad alati töötanud ja parimad näitlejad riigid. See kehtib nii Eduardo de Filippo, Giorgio Strehleri, Luchino Visconti kui ka protestihoos teatrisse tulnud kuuekümnendate lavastajate kohta. Visconti trupi tuumiku moodustasid abielupaar Rina Morelli ja Paolo Stoppa, peened psühholoogilised näitlejad, kes mängisid kõigis tema etendustes draamateatris. Vittorio Gassmanil oli tohutu edu ka Visconti esitustes (eriti etendustes Orestes Alfieri ja Troilus ja Cressida Shakespeare). Pärast Viscontist lahkumist mängis Gassman palju klassikalises repertuaaris; tema tähelepanuväärsemad tööd olid näidendites Othello Ja Macbeth Shakespeare.
Itaalia teatri kauaaegse traditsiooni kohaselt koondati trupp tavaliselt ühe suure näitleja (või näitlejanna) ümber ning etendusi lavastati tavaliselt esietenduse etenduse põhjal. Sellises teatrirühmas ümbritsesid esimest näitlejat, staarnäitlejat (Itaalias kutsuti divo või mattatore) sageli väga nõrgad esinejad.
Mitu aastakümmet (seni on) on Itaalia teatrite lavadel üles astunud väga populaarsed näitlejad Giorgio Albertazzi ja Anna Proklemer, kes mängivad peaosi peamiselt maailma klassikalise repertuaari näidendites. Teatris töötasid palju väga kuulsad ja Itaalia avalikkuse poolt armastatud näitlejad erinevad põlvkonnad, sealhulgas Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, kelle nimi on nüüdseks saanud ühe Milano teatri järgi. Parenti töötas ka Piccolo Teatros koos Giorgio Strehleriga. Strehleri teatris on alati mänginud imelised näitlejad. See on Tino Buazzelli, lavastuses Galilei rolli kuulus esitaja Galileo elu B. Brecht. Tino Carraro, kes mängis aastaid Shakespeare'i näidendites peaosi ( Kuningas Lear, Torm), Brecht, Strindberg jt Silmapaistev esineja naisrollid lavastaja teatris oli Valentina Cortese, kelle loovuse tippude hulka kuulus Ranevskaja roll aastal. Kirsiaed(tootmine 1974). Noorematest paistab silma Pamella Villoresi, suurepärane esineja naiste kujutised Carlo Goldoni komöödiates, Lessingi, Marivaux’ jt näidendites. viimane periood Lavastaja loomingus oli tema muusaks näitleja Andrea Jonasson, kes tegi dramaatilisi rolle Brechti, Lessingu, Pirandello jt lavastustes. Eriline koht Piccolo Teatro näitlejate hulgas on kaks suurepärast Arlekiini maski esitajat - Marcello Moretti ja Ferruccio Soleri legendaarses etenduses Arlekiin Goldoni komöödia põhjal Kahe peremehe sulane.
Luca Ronconi koondab enda ümber ka rühma oma näitlejaid. Need on ennekõike kaks vanema põlvkonna näitlejat, Franca Nuti ja Marisa Fabbri, kes mängisid peaosa sellistes lavastaja lavastustes nagu Bacchae Euripides (1978), Kummitusi Ibsen, Viimased päevad inimkond Kraus ja teised, Mariangela Melato, kes mängis lavastaja parimates töödes, nagu Vihane Roland Ja Oresteia. Ta töötas palju koos Ronconi ja Massimo de Francovichiga, kelle suurimate kordaminekute hulka kuulus Leari roll näidendis. Kuningas Lear, aga ka noor Massimo Popolizio, laia haardega näitleja, kes saab hakkama nii draama kui komöödia rütmidega (tema kahe venna roll Goldoni komöödias tõi talle tohutu edu Veneetsia kaksikud).
Eriti vajalik on esile tõsta Napoli koolkonna näitlejaid. Tuntuimate hulgas on Eduardo de Filippo teatris palju töötanud vanema põlvkonna näitlejad Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo ja Pupella Maggio. Nooremate näitlejate hulka kuuluvad Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone jt.
20. sajandi teine pool. astus Itaalia teatri ajalukku kui stsenograafiakunsti renessansiaeg. Parimad artistid on alati töötanud koos riigi parimate lavastajatega. Kõige silmatorkavamad kujud on Luciano Damiani ja Ezio Frigerio; nende nimed on kõigi Strehleri parimate esituste plakatitel. Ja ka see – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.
Maria Skornjakova
Hakkan Itaalias ringi reisima ja ei jõudnud ära imestada – mis ooperiteatritega on? Kuhu minna?
Andis väärtuslikku nõu amoit.Avaldan tema loal.
Hooaeg algab Itaalia erinevates teatrites erinevalt.
Ma pole kunagi La Scalas käinud ja ei plaani ka lähitulevikus. Ma selgitan, miks. Et etendust nautida, ärge kunagi ostke sealt kastipileteid. Te ei näe tegelikult midagi ja pole selge, kas kuulete midagi. Ka boksi piletid maksavad palju raha. Oleks tore maa peale minna. Aga hinnad on seal lihtsalt ebanormaalsed. Vaatan regulaarselt nende plakateid ja näen palju häid esitusi hooajal (vahel koos heade lavastajate ja dirigentide ja lauljatega). Olen otsustanud, et ei kuluta seda veel enda jaoks. hull raha sellesse teatrisse minna (seda enam, et praeguse peadirigendi poliitika ei ole mulle lähedal). Nii et ma ei oska selle teatri kohta veel nõu anda :-)
Mõned aastad tagasi sattusime peaaegu juhuslikult Parma Teatro Reggiosse. Olen suur Verdi fänn ja igal aastal toimub Verdi festival. Nii et me läksime seda tegelikult vaatama. Rigolettost koos Leo Nucci ja Jessica Prattiga. Teater pole halb: seest ja väljast väga ilus huvitav lugu ja meie taga on suurepärased lavastajad ja lauljad. Kahjuks viimastel aastatel, nende ooperihooaeg on väga lühike (igaaastased rahaprobleemid): see algab jaanuari alguses ja piirdub 3-4 ooperiga. Sel aastal oli mu tähelepanu suunatud vaid sama De Ana lavastatud Simon Bocanegrale. Tasub vaadata plakatit ja näha, mida nad pakuvad oktoobris iga-aastase Verdi festivali jaoks ja jaanuaris algava hooaja jaoks, ehkki lühike. Teater pole maailmas laialt tuntud, nagu La Scala või Veneetsia Felice, kuid minu arvates väärib see tähelepanu. Parma linn ise on väga kena ja seal ei saa mitte ainult teatris käia, vaid vaadata ka Farnese teatrit, kaunist katedraali, Arturo Toscanini maja, rahvusgaleriid ja palju muud. Busseto ja Sant'Agata (Verdi pärand) on lähedal. Sinna pääseb aga ainult autoga.
Mulle väga meeldib Torino Teatro Reggio. Teater on ajalooline, kuid 20. sajandi alguse tulekahju hävitas hoone sisemuse. Ajaloolisest fassaadist on alles vaid üks. Kuid teater renoveeriti seest ja nüüd on see üks Euroopa parimaid suurepärase akustikaga saale 1500 istekohaga. Saate suurepäraselt näha ja kuulda kõikjalt saalist. Pileteid on alati lihtne hankida ja neil on üks pikimaid hooaegu, 12 ooperit algab septembris ja lõpeb mais. Lavastusi on palju ja need väärivad sageli tähelepanu. Meistriteos Don Carlo, mida ma juba mainisin. Seal kuulasime oma Ladyuki ja Vinogradoviga Oneginit. Käisime seal eelmisel aastal koos Frittoli ja Alvareziga Verdi galat kuulamas. Soovitan seda teatrit teile soojalt! Torino ise on suurepärane! Teatrireisi ühendate Itaalia ühe kaunima linna külastusega (ma armastan Torinot väga ja olen kindel, et ka teie hindate seda).
Üldiselt on Itaalias palju ooperiteatreid: Genovas, Luccas, Firenzes, Modenas, Napolis. Neid leidub peaaegu igas linnas, isegi kõige väiksemates.
Torre del Lago korraldab igal aastal Puccini festivali. Tõsi, see on väga konkreetne: lava asub järvel ja saate aru, et seal on nüansse: sääsed ja tuul (vale suuna korral naudivad järvel olevad pardid heli). Festival kestab terve suve. Võib olla huvitav seda vaid korra külastada. Kohe kõrval on helilooja villa (väga huvitav külastada!) Eelmisel aastal laulis seal Guleghina Santuzza (ärge imestage, et Mascagni... anna mitte ainult Puccini oopereid). Tahtsin väga sisse saada, aga see ei õnnestunud. Piletid ei ole odavad, kuid jällegi pole hea koosseis pahaks.
Pesaros, iga-aastane Rossini festival. Ausalt öeldes pole ma veel selleni jõudnud, aga tahaksin. Vaatan koosseisu uuesti. Teatrihooaja kohta ei oska ma midagi öelda, kuna ma pole seal veel käinud. Sama kehtib Ancona kohta.
Rooma ooper on täiesti suurepärane! Tasub ka külastada.
Head esinejad tiirutavad mööda teatrit koos heade lavastustega :-) Pöörake tähelepanu itaalia tenorile Francesco Melile. Kuulasin teda Hernani ja Verdi maskiballis (vastavalt Rooma ooperis ja Parma teatris).
Parem on jälgida artistide liikumist ja sinna minna :-)
Firenzes saate Maggio Musical Fiorentinos kuulda palju head muusikat ja säravaid esinejaid. : Aprillis esineb Matsuev koos Zubin Mehtaga. Üle-eelmisel aastal kuulasime Claudio Abbado Wagneri ja Berliozi fantastilist sümfooniat uskumatul esituses.
Muide, suvel toimub Arena di Veronas lõputu etenduste sari. Pole seal veel käinud. Kuid ma arvan, et see võib teile huvitav olla. Nad laulavad seal sageli head esinejad ja heade lavastajate juhitud. Sellel on oma spetsiifika (väljas), aga siiski. See on valik, kui tahad suvel head ooperit :-)
Unustasin teile rääkida ka Teatro Comunale'st Bolognas! Seal on ka imelised lavastused imelise näitlejaskonnaga.
Itaalias ei ole repertuaariteatrit ja teatris kui sellises pole ka truppi, kui orkester ja teatri peadirigent välja arvata. Seetõttu tuleks kompositsiooni ja teoseid endid vaadata hooaja alguses teatrite kodulehtedelt. Ma kordan veel kord, aga head esinejad laulavad kõigis minu loetletud teatrites. Nad laulavad kogu Itaalias.
Teatreid on päris palju. Neid on palju ja samal ajal on palju asju näha. Teine asi on see, et peate liikuma kogu riigis. See ei pruugi olla väga mugav: teha tormiline marss Torinost (näiteks Rooma) ja seejärel Bolognasse. Koostasin hiljuti enda jaoks lähituleviku programmi. Suvest on Torinos “Lõbus lesk”, mille lavastab seesama De Ana! Lauljad pole just kõige paremad, aga ta on (Alesandro Safina... ehk tunned teda). Täpset osatäitjat näeb teatri kodulehelt. See kõik on juuni lõpus - juuli alguses. Bolognas toimub Cosi fan tutte. Siin on koosseis huvitavam: Korczak, Gorjatšova, Alberghini. Terve maikuu laulab Meli Genovas Carmenis. Anita (see, keda Metas kuulasite) on juunis Carmenis Roomas. Hooaeg läheb endiselt hoogsalt. Täna ja 6. aprillil laulavad nad Parmas koos Korczakiga nimiosas "The Pearl Fishers".
Tutvustame teist osa oma kõige enam valikust ilusad teatrid Itaalia.
Rooma ooperimaja
Teatro Costanzi nime all tuntud Rooma ooperimaja esimene hoone ehitati 1874. aastal. Peasaal Teatrit ühendas maa-alune käik Quirinale hotelliga, mis ehitati 1865. aastal, just sel ajal, kui Itaalia ühinemise tõttu toimus intensiivne Rooma areng pearaudteejaama ja Piazza Venezia vahel.
1926. aastal ostis teatri Rooma administratsioon. Lõpetamine, laiendamine ja ümberehitamine usaldati arhitekt Marcello Piacentinile, kes muutis täielikult selle välimust, suurendades auditooriumi tasandite arvu neljani ja paigaldades maailma suurima Murano kristallist lühtri. Teater sai nime "Kuninglik ooperimaja" ja selle avas 27. veebruaril 1928 Nero di Arrigo Boito.
Pärast Teist maailmasõda 1956. aastal hakati teatrit taas laiendama ja ümber ehitama. Muuhulgas otsustati luua saal aukülalistele ja fuajee. Töö valmis 1960. aastal. Seega oli teatri mahutavus 1700 istekohta.
Puccini Tosca esietendus Costanzi teatris 1900. aastal. Siin toimus Itaalia esiettekanne tema “Tüdruk läänest” dirigent Arturo Toscanini osalusel 1911. aastal, samuti “Gianni Schicchi” 1919. aastal. 1910. aastal esietendus teatris Ruggero Leoncavallo “Maia” ning kümme aastat hiljem toimus siin Riccardo Zandonai “Romeo ja Julia” esietendus.
Pietro Mascagni oli Rooma ooperi püsikülastaja, oli selle kunstiline juht aastatel 1909-1910, samas teatris toimusid helilooja esietendused nagu “Honor Rusticana” 1890, “Sõber Fritz” 1891, “Iris” 1898 koos. Enrico Caruso ja "The Lark" 1917. aastal.
Lisaks esiettekannetele jäid publikule meelde sellised lavastused nagu Mozarti “Figaro abielu” (1964), Giuseppe Verdi “Don Carlo” (1965, dirigent Carlo Maria Giulini, lavastaja Luchino Visconti).
Napoli ooperiteater San Carlo
Charles III käsul ehitatud teatri avamine toimus 1737. aastal Pietro Metastasio libreto järgi valminud Domenico Sarro ooperiga “Achilleus Skyrosel”. See on Euroopa vanim ooperiteater ja üks Itaalia suurimaid. Selle mahutavus on 2000 pealtvaatajat. Peagi sai teatrist Napoli ooperikooli süda ja rahvusvahelise tasemega kultuurikeskus: 1751. aastal jõudis selle laval Glucki “La Clemenza di Tito”, 1761. aastal – “Cato Uticas” ja “Alexandra Indias”. I.K. Teatriga tegid koostööd Bach, hilisem Händel, Haydn ja noor Mozart, kes külastas teatrit esimest korda vaatajana 1778. aastal.
“Silmad on pimestatud, hing lüüa saanud. […] Euroopas pole ainsatki teatrit, mis ei suudaks sellele ligilähedalegi jõuda, vaid kujutaks ainult selle kahvatut varju. (Stendhal, 1817).
19. sajandil, mil Napoli säras Euroopa pealinnade seas ja oli kohustuslik etapp Aadlisuguvõsade laste “Suur teekond” algas San Carlo kuldajastul, kus siis dirigeerisid Rossini ja Donizetti. Kõik tolleaegsed kuulsad artistid pidasid selle teatri laval esinemist auasjaks. 1819. aastal andis Nicolo Paganini siin kaks kontserti ning 1826. aastal toimus selle laval “Bianca ja Fernando” esiettekanne. Vincenzo Bellini, mis on kirjutatud spetsiaalselt San Carlo jaoks.
Hiljem nautis tema publik Pucini oopereid ning 20. sajandi vahetusel Mascagni ja Napoli „noore kooli” muusikat sünnilt ja hariduselt Leoncavallo, Giordano, Cilea ja Alfano.
Veneetsia suur teater "La Fenice"
Teatri ehitus algas 1789. aastal arhitekt Giannantonio Selva projekti järgi ja lõppes 1792. aastal. Veneetsia peamine ooperimaja asub Sestiere di San Marcos. Teater ilmus tänu Venieri perekonnale, kuna eelmine San Benedetto teater, üks linna elegantsemaid ja mainekamaid, hävis tulekahjus. Uue teatri nimi (“Phoenix”) sümboliseerib kunsti tuhast ärkamist. Nimi muutus prohvetlikuks, kuna teater põles hiljem maha ja ehitati mitu korda uuesti üles. Viimane elavnemine leidis aset 2003. aastal pärast 1996. aasta ränka tulekahju, mis selle täielikult hävitas.
Restaureerimiseks ja rekonstrueerimiseks kulus tervelt seitse aastat. Avamängul 21. detsembril 2003 juhatasid avamängu “Maja pühitsemine” Riccardo Mutti ja Stravinski “Psalmide sümfooniat” (helilooja on maetud Veneetsia Püha Miikaeli saarele) ja “Te Deumi”. Esitati ka 17.–18. sajandi silmapaistvat Veneetsia heliloojat Antonio Caldarat. Tseremoonia lõppes Veneetsiaga tihedate sidemetega helilooja Wagneri teose "Kolm sümfoonilist marssi" ettekandega.
Kõiki La Fenice esilinastusi on võimatu loetleda. 19. sajandil olid need Rossini, Bellini, Donizetti ja Verdi ooperid. Vähem pole selle lavale astunud dirigentide, lauljate ja lavastajate nimekiri. Alates 1930. aastast on La Fenice laval toimunud osakond Kaasaegne muusika Veneetsia biennaal. Biennaali raames esitati esimest korda mõned Stravinski, Britteni, Prokofjevi, Nono, Maderna ja Malipiero teosed.
Torino kuninglik teater
Teatri ehitas kuningas Charles Emmanuel III käsul vaid 2 aastaga arhitekt Benedetto Alfieri. Avamine toimus 26. detsembril 1740. aastal. See mahutas kuni 2500 pealtvaatajat avarasse kioski ja kõige rohkem viie astme boksidesse ja galeriidesse huvitavaid etteasteid luksuslike kaunistustega. Alates 1997. aastast on teater kantud UNESCO maailmapärandi nimekirja. Teatriga on tihedalt seotud Giacomo Puccini, kes usaldas Reggio teatrile Manon Lescaut’ ja La Bohème’i esietenduse, samuti Richard Straussi nimed, kes juhatas Salome’t selle Itaalia esietendusel 1906. aastal.
Ööl vastu 9. veebruari 1936 hävis teater tulekahjus. Selle taastamiseks kulus ligi 40 aastat.
Teatri taasavamine toimus 10. aprillil 1973 Giuseppe Verdi ooperiga "Sitsiilia vesprid", mille lavastasid Maria Callas ja Giuseppe di Stefano. Teater on taas saamas Piemonte ja Itaalia oluliseks kultuurielu keskuseks. 1990. aastal tähistas teater oma asutamise 250. aastapäeva ja 1996. aastal sajandat aastat La Bohème’i maailmaesietendusest. 1998. aastal tähistati teatri taastamise 25. aastapäeva ning 2006. aastal XX taliolümpiamänge ja kultuuriolümpiat. Alates 2007. aastast muusikaline juht teater on helilooja Gianandrea Noseda.
Petruzzelli teater Baris
Teatro Petruzzelli on suuruselt neljas Itaalias ja suurim erateater Euroopas. See võlgneb oma välimuse 1903. aastal Petruzzelli perekonnale, kes soovis selle seest täielikult üle kullata, samuti kütte ja elektrivalgustusega varustada.
Algusest peale esinesid nad selle laval suurimad muusikud oma ajast, sealhulgas helilooja Pietro Mascagni, tenorid Benjamin Gigli ja Mario del Monaco, dirigendid Herbert von Karajan ja Riccardo Muti, laulja Renata Tebaldi ja Luciano Pavarotti. Kaheksakümnendatel toimus teatris kaks kõrgetasemelist esietendust: Niccolo Piccinni Iphigenia Tauride, mida pärast Pariisi esilinastust 1779. aastal enam ei mängitud, ja Napoli versioon Bellini puritaanidest, mis on kirjutatud spetsiaalselt Maria Malibranile ja mida kunagi ei mängitud.
Ööl vastu 27. oktoobrit 1991 sai teater tulekahjus kannatada. Taastamiseks kulus ligi 18 aastat. Taasavamist tähistas Beethoveni 9. sümfoonia esitus Fabio Mastrangelo juhatusel. Ooperihooaeg avati samal aastal Puccini Turandotiga.
Giuseppe Verdi ooperiteater Triestes
Giuseppe Verdi ooperiteater on üks vanimaid tegutsevaid ooperiteatreid maailmas. Selle ehitamist alustati 1798. aastal arhitekt Gian Antonio Selva projekti järgi (tema projekteeris ka Veneetsia La Fenice'i). Ehitus viidi lõpule 1801. aastal Matteo Pertschi juhtimisel. Hoone struktuur meenutab Milano La Scalat. Esimene lavastus oli Simon Mayri "Šotimaa Genevieve".
Ooperihooajal 1843–1844 saavutas Giuseppe Verdi Nabucco avalikkuse silmis vapustav edu. 1848. aastal esietendus teatris Verdi "Le Corsair" ja 1850. aastal Stiffelio. Suure helilooja auks otsustas Trieste linnavolikogu linna ooperimaja tema järgi nimetada.
Teatro Massimo Palermos
Teatro Massimo Vittorio Emanuele Palermos on suurim ooperiteater Itaalias ja suuruselt kolmas Euroopas pärast Pariisi ooper ja viinlased Riigiooper. Selle pindala on 7700 ruutmeetrit.
Hoone ehitati neoklassitsistlikus stiilis Stigmata kiriku ja Püha Julia kloostri maale, mis lammutati teatri ehitamiseks. Tööd algasid 1875. aastal arhitekt Giovanni Battista Filippo Basile projekti järgi. Avamine toimus 16. mail 1897 Giuseppe Verdi ooperiga Falstaff, mille lavastas Leopold Mugnone.
Lõbus fakt: aastal 1990 sai teater filmimise kohaks " Ristiisa III" autor Francis Ford Coppola, osades Al Pacino, Andy Garcia ja Sofia Coppola. Stseen filmiti siin, kui Palermosse saabunud Michael Corleone osaleb oma tütre debüüdil aastal " Maa au» Pietro Mascagni.
Esimesel ooperihooajal andis teater Aida (15 etendust), seejärel lavastati Lohengrin, La Traviata ja Manon Lescaut. Jules Massenet’ ooper “Lahoori kuningas” saavutas neil aastatel tohutu edu. Seda mängiti ühe hooaja jooksul 17 korda.
Aastad 1906–1919 olid “Palermo vabaduse” hiilgeaeg, mida tähistasid kohalikud Wagneri ooperite esietendused: “Walkyrie”, “Siegfried”, “Jumalate videvik”, “Tristan ja Isolde”, “Parsifal”. Lavastati maailma esietendused neli ooperit: Stefano Donaudi “Lost in the Dark”, “Veneetsia” Riccardo Storti, Umberto Giordano “Maarjakuu”, Giuseppe Mule’i “Paruness Carini”.
Parma Teatro Reggio
Reggio teatri hoonet Parmas hakati ehitama 1821. aastal arhitekt Nicola Bettoli kavandi järgi Austria hertsoginna Marie-Louise’i, Parma hertsogiriigi ja Parma hertsogiriiki valitsema määratud abikaasa, Napoleoni naise algatusel. Piacenza pärast Viini kongress. Hertsoginna toetas Itaalia muusika suuri traditsioone ja kaalus olemasolev teater Farnese ei vääri linna vajadusi. Uue teatri avamine toimus 16. mail 1829 Vincenzo Bellini spetsiaalselt selleks sündmuseks komponeeritud ooperiga “Zaire”. Esimene ooperihooaeg jätkus Gioachino Rossini teostega "Mooses ja vaarao", "Semiramise surm" ja "Sevilla habemeajaja".
Alates asutamisest on Reggio teater olnud tunnistajaks ja osalenud sügavates muutustes ooperi žanr, mis tähistas Rossini ajastu allakäiku ja Verdi hiilgeaega, huvi kasvu saksa ja prantsuse ooperi vastu, liikumist realismi poole Mascagni, Leoncavallo ja Puccini loomingus.
Teatrit peetakse tänapäevalgi itaallaste tõeliseks hoidjaks ooperitraditsioon, ei jää alla Milano La Scalale ja Veneetsia Fenice'le, kuigi maailmas tuntakse seda loomulikult vähem.
Kui plaanite reisi Itaaliasse, minge kindlasti mõnda Itaalia ooperiteatrisse. Lõppude lõpuks Itaalia on ooperi sünnimaa ja kuulsaimad lavastused ja maailma parimad muusikalised etteasted edasi andma Itaalia stseenid. See muusika- ja draamakunsti žanr oli algselt mõeldud õukonna meelelahutuseks, kuid sai hiljem laiemale avalikkusele kättesaadavaks. Tänapäeval on ooperis käimine suurepärane võimalus veeta unustamatu õhtu ja kogeda suurepärast kunsti.
Parem on selle eest eelnevalt hoolitseda. Ooperihooaeg kestab oktoobrist märtsi lõpuni, kuid mõnel vabaõhulaval mängitakse etendusi ka suvel.
Isegi kui sul pole võimalust osaleda ooperietendusel või balletis, väärivad teatrite arhitektuur ja ajalugu pisut tähelepanu ja eraldi külastust.
La Scala teater (Teatro alla Scala)
Maailma kuulsaim (ja kindlasti ka maailma kuulsaim) ooperimaja avati 1778. aastal. Selle teatri laval jõudsid esimest korda avalikkuse ette Puccini ooperid “Madama Butterfly” ja “Turandot”. Sellel laval kõlas esimest korda ka Verdi ooper “Nabucco”. Teise maailmasõja ajal teater hävis ja seejärel taastati täielikult. Pärast viimast restaureerimist oli teater avatud 2004. aastal.
Sellised kuulsad ooperilava meistrid nagu Maria Callas Ja Luciano Pavarotti. Ja täna meelitab teater jätkuvalt parimaid ooperiesinejaid ja maailmakuulsaid orkestreid. Hooaja avamine La Scalas on üks oodatumaid seltskondlikud üritused Milanos.
Teatro La Fenice (Teatro La Fenice)
Teatro La Fenice (Allikas: Wikimedia)La Fenice – "Fööniks"- üks kõige enam kuulsad teatrid Euroopas. See avati Veneetsias 1792. aastal ja hävis kaks korda tules ja tõusis siis tuhast üles. Pärast 1996. aasta tulekahju ja kaheksa aastat kestnud taastamist, tänu paljude kuulsuste, sealhulgas Ameerika lavastaja Woody Alleni annetustele ja toetusele, avas teater 2003. aastal taas oma uksed avalikkusele. Esimest korda laval Giuseppe Verdi ooper "Traviata".
Tähtsaim sündmus teatris on Uusaasta kontsert , millest võtavad osa maailma staarid.
Teater San Carlo (Teatro di San Carlo)
Enamik vanim tegutsev ooperimaja Itaalia avati 1737. aastal Napolis kuningas Charles III käsul. Itaalia varaseimad balletietendused olid teatrilaval. Omal ajal juhtisid teatrit Gioachino Rossini ja Gaetano Donizetti.
Kui teile meeldib ballett, pidage meeles, et sellel on üks maailma juhtivaid balletiakadeemiaid.
Teatro Massimo (Teatro Massimo)
Sitsiilias Palermos asuv Teatro Massimo on suuruselt kolmas ooperimaja Euroopas. Kuplikujuline hoonet peetakse arhitektuuriline meistriteos ja on kuulus oma suurepärase akustika poolest. Teatris filmiti stseene Francis Ford Coppola filmi "Ristiisa" kolmandale osale. Kõik kino- ja arhitektuurisõbrad, ooperi- ja klassikalise muusika austajad peaksid lisama Teatro Massimo külastatavate kohtade nimekirja.
Teatro Reggio (Teatro Regio)
Teatro Reggio või " Kuninglik teater"- järjekordne pärast tulekahju taastatud ooperimaja. See 1740. aastal Torinos ehitatud teater võõrustas palju kuulsaid külalisi, sealhulgas Napoleoni. 1973. aastal Teatro Regio taasavati pärast tulekahju 1936. aastal ja kestab täna pakub teatrihooajal kümmekond lavastust, mis kestab oktoobrist juunini.