Festivali viiel kontserdil astuvad Mariinski laval üles viis end tõestanud, väljakujunenud, üsna edukat ja tuntud (sh Venemaa) organisti erinevatest riikidest: Gunter Rost (Saksamaa), Lada Labzina (Venemaa), Maxim Patel ( Prantsusmaa), David Briggs (Suurbritannia), Thierry Esquech (Prantsusmaa). Festival on pühendatud 2014. aasta suvel ootamatult surnud silmapaistva vene organisti, endise Mariinski teatri peaorganisti (alates 2008. aastast) ja Mariinski orelifestivali kunstilise juhi - Oleg Kinjajevi mälestusele. Töid teostatakse heliloojad XVI II-XX sajand, oma transkriptsioonid ja organistide originaalloomingud ja improvisatsioonid.
24. oktoober. Gunter Rost
Günther Rost on varajasest noorusest saadik aktiivselt kontserte andnud tema Mariinski teatri veebilehel esitletud eluloost saab teada, et Günther esitas kuueteistkümneaastaselt kõiki J.-S. Bach – hea vundament organistile. Siis olid õpiaastad, võistluste võidud ja esimesed sammud õpetajana. Nüüd on Rost nõutud õpetaja, oreliehituse spetsialist, kontserdi- ja salvestusorganist (tema saavutuste hulgas on ühe suurema tšehhi oreliteoste salvestamine oreli helilooja Peter Eben).
Kontserdi kavas kõlavad Johann Sebastian Bachi (Prelüüd ja fuuga e-moll, BWV 548, Prantsuse süit nr 6, BWV 817), Felix Mendelssohni teosed (orelisonaadid nr 3 A-duur ja nr 5 D-duur alates aastast). tsükkel “Kuus orelisonaati” op 65), Louis Vierne (Orelisümfoonia nr 6, op 59). Kui Bachi teostega on kõik enam-vähem selge, siis teiste näidendite kohta võib midagi öelda. Näiteks Mendelssohni sonaadid (1844-1845) on üks hilisemad tööd helilooja, kes polnud mitte ainult andekas pianist, vaid ka osav organist. Need sonaadid peegeldasid Mendelssohni kogemusi organisti, improvisaatori ja oreliheliloojana. Sonaat nr 3 põhineb Martin Lutheri koraalil "Aus tiefer Not schrei ich zu dir" ("Sügavusest ma kutsun sind").
Orelisümfooniatest viimane, 20. sajandi orelilavastusse ja orelikirjandusse olulise panuse andnud väljapaistva organisti, helilooja ja õpetaja Louis Vierne’i Kuues (op. 1930) on üks meistri tippteoseid. Küps, täishäälne, harmooniliselt rikkalik, rütmiliselt ja tekstuurselt leidlik, fantaasiarikas ja virtuoosne Kuues orelisümfoonia tõotab saada Günther Rosti kava keskpunktiks ja dekoratsiooniks.
25. oktoober. Lada Labzina
Tatarstani organist Lada Labzina, töötab (alates 1996) Kaasani oreli- ja klavessiiniosakonnas Riiklik Konservatoorium, annab sageli kontserte Venemaal ja välismaal, sh erinevatel festivalidel ja konkurssidel (F. Liszti; M. Tariverdievi nimelised rahvusvahelised konkursid; festivalid “Prestiižne orel”, “Jazz suurel orelil” jne). Muusiku repertuaar on ulatuslik ja hõlmab muusikat erinevatest ajastutest – barokiajastu teostest jazzistandardite arranžeeringuteni.
Lada Labzina demonstreerib Mariinsky festivali kontserdil paletti eri stiilides teoseid, millest paljud on laialt tuntud. Esitusele tulevad J.-S. oreliteosed ja transkriptsioonid. Bach (Kooriprelüüd BWV 662, Prelüüd ja fuuga C-duur, BWV 547), F. Liszt (Prelüüd ja fuuga BACHi teemal), S. Frank (Prelüüd, fuuga ja variatsioon), N. Rimski-Korsakov (The Meri ja Sinbadi laev", I osa sümfoonilisest süidist "Šeherazade", op. 35; oreli transkriptsioon L. Labzina), M. Tariverdiev (Orelikontsert nr 1, "Cassandra"; muide kahe osaga alates see L. Labzina tehtud töö on leitav YouTube'i videoteenusest), Volker Brautigam, Saksa helilooja, organist ja dirigent sündinud 1939 — “Kolm koraaliseadet sisse jazz stiilis"), Krzysztof Sadowski (s. 1936, Poola jazzpianist, organist ja helilooja – Two Jazz Pieces), Dave Brubeck (kuulus ameeriklane jazzpianist, cool-jazzi liikumise üks juhte - Prelüüd süidist "Jazz on Pointe" ["Points on jazz"], transkriptsioon L. Labzina), Dezhe Antalffy-Zsiross (1885-1945, Dezső Antalffy-Zsiross, Ungari helilooja ja organist - “Visandid neegri vaimulikele lauludele”). Mitmekesine programm võimaldab organistil näidata kogu oma esinemis "arsenali" ja näidata oma talenti erinevatest külgedest.
26. oktoober. Maxim Patel
Maxime Patel on prantsuse organist, pianist, improvisaator, muusikateoste autor ning lõpetanud Lyoni ja Grenoble'i konservatooriumi. Pateli kogu sisaldab mitmete mitte kõige populaarsemate prantsuse heliloojate (Jeanne Demesieux, Naji Hakim jt) huvitava orelimuusika salvestusi (sh esiettekandeid).
Peterburi kontserdil esitatakse kolm etüüdi Jeanne Demesieux’ tsüklist “Kuus etüüdi” op.5 (“Tercios”, “Seksid”, “Oktavid”), mida peetakse Pateli parimate esitussaavutuste hulka (need kontsertetüüdid ei ole nii kunstilised, kuivõrd virtuoosne nõudmine organistilt tähelepanuväärse esitustehnikaga), samuti Domenico Scarlatti (kolm sonaati - K96, K113, K461 ja kuulus “Kassifuuga” g-moll K30), J.-S. Bach (triosonaat orelile nr 6 BWV 530), F. Liszt ("Funérailles" ["Matuserongkäik" tsüklist "Poeetilised ja religioossed harmooniad"]; transkriptsioon Jeanne Demesieux), Marcel Dupre ("Maailm, mis ootab Päästja”, I osa “Kirgsest sümfooniast”, op 23), Rolanda Falcinelli (1920-2006, prantsuse organist, õpetaja, helilooja, Rooma preemia laureaat – “Scaramuccia”, etüüd-poeem), Pierre Labrique (. s 1921, prantsuse organist, õpetaja, helilooja, J. Demesieux õpilane – “Allegro”).
28. oktoober. David Briggs
Mitmekülgne organist, kes esitab muusikat erinevatest ajastutest ja žanritest (muusik on tuntud paljude oreli transkriptsioonide autorina), britt David Briggs (s. 1962) on tänapäeval üks parimaid inglise organiste ja absoluutselt kõige suhtlemisaldisem organist. neid. Briggs on kuulus ka suurepärase improvisaatorina – omadus, mida praegu ei valda kõik organistid (varem oli improviseerimisoskus organisti jaoks vajalik) ja teda esitatakse sageli heliloojana (Briggs on mitmete muusikateoste autor , peamiselt oreli jaoks, kuid mitte ainult).
Orelifestivali kontserdikavas on suhteliselt varajane (1932) teos "Igavese kiriku ilmumine". prantsuse helilooja Olivier Messiaen, Kolm koraaliprelüüdi (BWV 654, BWV 686, BWV 671) J.-S. Bach (ainult T. Escaich saab festivalil lõppkontserdil ilma Bachi teosteta), M. Raveli kuulus “Pavane” (transkriptsioon orelile) ja Richard Straussi ligi pooletunnine sümfooniline poeem “Surm ja valgustumine”. (David Briggsi oreli transkriptsioon ja see võib kõlada päris huvitavalt, arvestades Briggsi laialdast kogemust igasuguste transkriptsioonide, sealhulgas sümfoonilise muusika alal).
30. oktoober. Thierry Esquech
Festivali tituleerituim muusik Thierry Esquech (s. 1965) näib tutvustamist vajavat: see muusik kuulub maailma parimate organistide panteoni, tuntud mitte ainult interpreedina, vaid ka heliloojana. mitmekümne teose autor (väidetavalt rohkem kui 100, sealhulgas vähemalt kümme kontserdižanri, üks ballett, üks missa ja üks sümfoonia). Organistina on Esquech esinenud maailma mainekamatel esinemispaikadel ning tal on juba üsna mahukas diskograafia, mis aina kasvab; Esquech the organist salvestatud number sisaldab teoseid sellistelt heliloojatelt nagu P. Eben, J. Brahms, C. Gounod, J.-S. Bach, W.-A. Mozart, S. Frank, C. Tournemire, M. Duruflé, C. Saint-Saëns, J. Guillou, M. Dupre, A. Jolivet ja loomulikult Esqueche’i enda teosed.
Peterburi kontserdile ei toodud aga ühtki neist teostest: ettekandele tulevad improvisatsioonid Gaston Leroux’ kuulsal romaanil põhinevale Ameerika tumm õudusfilmile “Ooperifantoom” (1925), mille peaosas on populaarne. omaaegne näitleja Lon Chaney. Vanade filmide muusikaline ümberskoorimine (või esmane skoorimine), kasutades kaasaegset akadeemiline muusika- tänapäeval üsna tavaline nähtus ja see žanr ei pruugi end veel ammendanud. Muide, Venemaale jõudis seda tüüpi tegevuse mood juba mitu aastat tagasi (Vene kuulajad said tutvuda vanade filmide “Un Chien Andalusian”, “Doktor Caligari kabinet” jne vene autorite muusikaga). Seda, et orel võib kõlada “hirmutavalt”, teame vähemalt O. Messiaeni, K. Sorabji või J. Xenakise oreliteostest (uudishimulik võib viidata viimase väga värvikale näidendile “Gmeeoorh”, 1974): igasugune terav polüfooniline. oreli "kindlusele" võetud dissonants võib saavutada universaalsed mõõtmed ja panna kuulaja saalist välja jooksma, pea ees ja üle ridade hüppama, mis tähendab, et Eskesh peab valima ainult vajalikud "koostisosad", et kõik " vana tummfilmi papist õudused” ei ole naljakad, vaid uute värvidega õide puhkenud ja ehmunud ning massiivsete oreliharmooniate helipildid haarasid kuulaja endasse ja tungisid otse tema naha alla, pannes südamelöökide kiirenemisele, mida Eskesh – suurte kogemustega. organist ja improvisaator – peaks suurepäraselt hakkama saama; aga selles osas ei tundu kontserdi sildistamine “6+” päris kohane: võib-olla pole Esqueche'i kontsert just parim koht lastega külastamiseks, aga kes teab...
Orel – iidne instrument. Selle kauged eelkäijad olid ilmselt torupill ja paaniflööt. Iidsetel aegadel, kui raske muusikariistad mitte veel, mitu erineva suurusega pilliroo toru hakati omavahel ühendama - see on Paani flööt.
Usuti, et selle leiutas metsade ja metsade jumal Pan. Ühel torul on lihtne mängida: see vajab veidi õhku. Kuid mitme korraga mängimine on palju keerulisem - teil ei ole piisavalt hingetõmmet. Seetõttu otsiti juba iidsetel aegadel mehhanismi, mis võiks asendada inimese hingamist. Nad leidsid sellise mehhanismi: hakati õhku pumpama lõõtsaga, samaga, millega sepad sepikojas tuld õhutasid.Teisel sajandil eKr Aleksandrias leiutas Ktesebius (lat. Ctesibius, ligikaudu 3.–2. sajand eKr) hüdraulilise oreli. Pange tähele, et see kreeka hüüdnimi tähendab sõna-sõnalt "Elu Looja" (kreeka keeles Ktesh-bio), s.o. lihtsalt Issand Jumal. Väidetavalt leiutas see Ctesibius ka ujuvveekella (mis pole meieni jõudnud), kolbpumba ja hüdroajami
- ammu enne Torricelli seaduse avastamist (1608-1647). (Millisel mõeldaval viisil suudeti 2. sajandil eKr tagada Ctesibiuse pumbas vaakumi tekitamiseks vajalik tihedus? Mis materjalist võiks olla pumba kepsmehhanism – tagamaks ju pumba heli orel, algne ülerõhk on vajalik vähemalt 2 atm?).
Hüdraulikasüsteemis pumbati õhku mitte lõõtsa, vaid veepressi abil. Seetõttu tegutses ta ühtlasemalt ja heli oli parem - sujuvam ja ilusam.
Kreeklased ja roomlased kasutasid Hydraulost hipodroomidel, tsirkuses ja ka paganlike müsteeriumide saatmiseks. Hüdraulilise joa heli oli ebatavaliselt tugev ja läbistav. Kristluse esimestel sajanditel asendati veepump õhklõõtsaga, mis võimaldas suurendada torude suurust ja nende arvu orelis.
Möödusid sajandeid, pilli täiustati. Ilmus nn jõudluskonsool ehk jõudluslaud. Sellel on mitu klaviatuuri, mis asuvad üksteise kohal ja allosas on tohutud klahvid jalgade jaoks - pedaalid, mida kasutati kõige rohkem välja tõmbamiseks. madalad helid. Muidugi olid pilliroo torud – Paani flöödid – ammu unustatud. Orelis hakkasid kõlama metallpillid ja nende arv ulatus mitme tuhandeni. Selge see, et kui igal torul oleks vastav klahv, siis oleks võimatu mängida tuhandete klahvidega pilli. Seetõttu tehti klaviatuuride kohale registrinupud ehk nupud. Iga klahv vastab mitmekümnele või isegi sadadele torudele, mis tekitavad sama kõrgusega, kuid erineva tämbriga helisid. Neid saab registrinuppudega sisse ja välja lülitada ning seejärel muutub helilooja ja esitaja soovil oreli kõla sarnaseks flöödi, oboe või muude instrumentidega; see võib isegi linnulaulu imiteerida.
Juba 5. sajandi keskel ehitati Hispaania kirikutesse oreleid, kuid kuna pill kõlas endiselt kõvasti, kasutati seda vaid suurematel pühadel.
11. sajandiks ehitas kogu Euroopa oreleid. 980. aastal Wenchesteris (Inglismaal) ehitatud orel oli tuntud oma ebatavaliste mõõtmete poolest. Pilli valik on muutunud laiemaks, registrid mitmekesisemaks. Samal ajal tulid laialdaselt kasutusele väike kaasaskantav orel, teisaldatav, ja miniatuurne statsionaarne orel, positiivne.
The Musical Encyclopedia väidab, et oreliklahvid pärinevad 14. sajandist. olid tohutud
- 30-33 cm pikk ja 8-9 cm lai Mängutehnika oli väga lihtne: neid klahve löödi rusikatega ja küünarnukkidega (saksa keeles Orgel schlagen). Milliseid ülevaid jumalikult inspireeritud orelimissasid sai sellise esitustehnikaga kuulda katoliku katedraalides (arvatakse, et alates 7. sajandist pKr)?? Või olid need orgiad?
17-18 sajandit – oreliehituse ja orelimängu “kuldajastu”.
Selle aja orelid paistsid silma oma ilu ja kõla mitmekesisus; erakordne tämbriselgus ja läbipaistvus tegid neist suurepärased vahendid polüfoonilise muusika esitamiseks.
Kõikidesse katoliku katedraalidesse ja suurtesse kirikutesse ehitati oreleid. Nende pidulik ja jõuline kõla sobis suurepäraselt ülespoole suunatud joonte ja kõrgete kaarega katedraalide arhitektuuriga. Tippmuusikud maailm tegutses kiriku organistidena. Sellele instrumendile kirjutasid palju suurepärast muusikat erinevad heliloojad, sealhulgas Bach. Enamasti kirjutasid nad "baroksele orelile", mis oli laiemalt levinud kui eelmiste või järgnevate perioodide orelid. Muidugi ei olnud kogu orelile loodud muusika kirikuga seotud kultusmuusika.
Talle komponeeriti ka nn ilmalikke teoseid. Venemaal oli orel vaid ilmalik instrument, kuna õigeusu kirikus seda erinevalt katoliku kirikust kunagi ei paigaldatud.
Alates 18. sajandist on heliloojad orelit oratooriumidesse lisanud. Ja 19. sajandil esines ta ooperis. Selle põhjustas reeglina lavaline olukord – kui tegevus toimus templis või selle läheduses. Näiteks Tšaikovski kasutas orelit ooperis “Orleansi neiu” Karl VII piduliku kroonimise stseenis. Orelit kuuleme ka Gounod’ ooperi "Faust" ühes stseenis
(stseen katedraalis). Kuid Rimski-Korsakov ooperis "Sadko" tellis orelilt tantsu katkestava Vanema Vägeva Kangelase laulu.
Mere kuningas. Verdi ooperis "Othello" jäljendab orelit meretormi häält. Mõnikord on orel kaasatud partituuri sümfoonilisi teoseid. Tema osalusel kõlavad ka Saint-Saënsi kolmas sümfoonia, Ecstasy poeem ja Skrjabini sümfoonia „Manfred”, kuigi helilooja seda ette ei näinud. Ta kirjutas harmooniumipartii, mida orel seal sageli asendab.
19. sajandi romantism oma ekspressiivse orkestriheli ihalusega avaldas kahtlast mõju oreliehitusele ja orelimuusikale; meistrid püüdsid luua instrumente, mis olid "orkester ühele esinejale", kuid selle tulemusel taandus asi nõrgaks orkestri imitatsiooniks.
Samal ajal, 19.-20. Orelil ilmus palju uusi tämbreid ja pilli kujunduses tehti olulisi täiustusi.
Suundumus üha suuremate orelite poole kulmineerus tohutu 33 112 toruga oreliga Atlantic Citys, New Yorgis.
Jersey). Sellel pillil on kaks tooli ja ühel neist on 7 klaviatuuri. Vaatamata sellele, 20. saj. organistid ja oreliehitajad mõistsid vajadust pöörduda tagasi lihtsamate ja mugavamate pillitüüpide juurde.
Vanima hüdraulilise ajamiga orelitaolise instrumendi jäänused leiti 1931. aastal Aquincumi (Budapesti lähedal) väljakaevamiste käigus ja dateeritakse aastasse 228 pKr. e. Arvatakse, et see sundveevärgiga linn hävis aastal 409. Hüdraulilise tehnoloogia arengutaseme poolest on aga tegemist 15. sajandi keskpaigaga.
Kaasaegse oreli ehitus.
Orel on klahv-puhkpill, suurim ja keerukaim olemasolevatest pillidest. Nad mängivad seda nagu klaverit, vajutades klahve. Kuid erinevalt klaverist pole orel mitte keelpill, vaid puhkpill ja selgub, et see pole sugulane klahvpillid ja väike flööt.
Hiiglaslik kaasaegne orel koosneb kolmest või enamast orelist ning esitaja saab neid kõiki korraga juhtida. Igal sellise "suure oreli" moodustaval organil on oma registrid (torude komplektid) ja oma klaviatuur (manuaal). Ridadesse rivistatud torud asuvad oreli siseruumides (kambrites); mõned torud võivad olla nähtavad, kuid põhimõtteliselt on kõik torud varjatud fassaadiga (avenue), mis koosneb osaliselt dekoratiivsed torud. Organist istub nn spiltishi (katedraali) juures, tema ees on üksteise kohal terrassidena paigutatud oreli klahvpillid (manuaalid), jalge all pedaalklaviatuur. Iga kaasatud organ
"suurel organil" on oma eesmärk ja nimi; levinumate hulgas on "main" (saksa: Haupwerk), "upper" või "overwerk"
(saksa: Oberwerk), "ruckpositive" (Rykpositiv), samuti pedaaliregistrite komplekt. "Pea" orel on suurim ja sisaldab instrumendi põhiregistreid. Ryukpositif sarnaneb Mainiga, kuid on väiksema ja pehmema kõlaga ning sisaldab ka spetsiaalseid sooloregistreid. “Ülemine” orel lisab ansamblile uusi soolo- ja onomatopoeetilisi tämbreid; Torud on ühendatud pedaaliga, tekitades madalaid helisid, et tugevdada bassijooni.
Mõnede nende nimeliste organite torud, eriti "ülemine" ja "rukpositiivne", on paigutatud poolsuletud lamell-kambritesse, mida saab nn kanali abil sulgeda või avada, mille tulemusel tekivad crescendo ja diminuendo. mõjud, mis ilma selle mehhanismita elundile puuduvad. Kaasaegsetes organites surutakse õhk torudesse elektrimootori abil; Puidust õhukanalite kaudu siseneb lõõtsa õhk vinladasse - puitkastide süsteemi, mille ülemises kaanes on augud. Nendes aukudes on orelitorud tugevdatud nende "jalgadega". Tuulelauast siseneb surve all olev õhk ühte või teise torusse.
Kuna iga trompet on võimeline taasesitama ühte helikõrgust ja üht tämbrit, on tavalise viie oktaavi manuaali jaoks vaja vähemalt 61 torust koosnevat komplekti. Üldiselt võib orelil olla mitusada kuni mitu tuhat toru. Sama tämbriga helisid tekitavate torude rühma nimetatakse registriks. Kui organist tihvtil oleva registri sisse lülitab (kasutades juhendite küljel või kohal asuvat nuppu või hooba), on juurdepääs kõigile selle registri torudele. Seega saab esitaja valida mis tahes vajaliku registri või mis tahes registrite kombinatsiooni.
Seal on erinevat tüüpi torusid, mis loovad mitmekesisust heliefektid.
Torud on valmistatud tinast, pliist, vasest ja erinevatest sulamitest
(peamiselt plii ja tina), mõnel juhul kasutatakse ka puitu.
Torude pikkus võib olla 9,8 m kuni 2,54 cm või vähem; Läbimõõt varieerub sõltuvalt heli kõrgusest ja tämbrist. Orelipillid jagunevad heli tekitamise meetodi järgi kahte rühma (labiaalne ja pilliroog) ning tämbri järgi nelja rühma. Labiaalsetes torudes tekib heli õhuvoolu mõjul suu alumisele ja ülemisele huulele (labium) - toru alumises osas on sisselõige; pilliroo torudes on heliallikaks õhuvoolu survel vibreeriv metallist pilliroog. Peamised registrite perekonnad (tämbrid) on printsiibid, flöödid, gambad ja pilliroog.
Põhimõtted on kogu oreliheli alus; flöödiregistrid kõlavad rahulikumalt, pehmemalt ja meenutavad tämbrilt mingil määral orkestriflööte; gambad (keeled) on läbistavamad ja teravamad kui flöödid; Pilliroo tämber on metalne, imiteerides orkestri puhkpillide tämbreid. Mõnel orelil, eriti teatriorelil, on ka löökpillid, näiteks taldrikud ja trummid.
Lõpuks on paljud registrid konstrueeritud nii, et nende torud ei tekita mitte põhiheli, vaid selle transponeerimist oktaavi võrra kõrgemale või madalamale ning nn segude ja alikvootide puhul mitte ühtki heli, aga ka ülemhelisid. põhitoonile (alikvoodid reprodutseerivad ühte ülemtooni, segud – kuni seitse ülemtooni).
Orel Venemaal.
Orel, mille arengut on iidsetest aegadest seostatud läänekiriku ajalooga, suutis end kehtestada Venemaal, riigis, kus õigeusu kirik keelas jumalateenistusel muusikariistade kasutamise.
Kiievi-Vene (10.-12. sajand). Esimesed orelid Venemaal, aga ka Lääne-Euroopas, pärinesid Bütsantsist. See langes kokku kristluse vastuvõtmisega Venemaal aastal 988 ja vürst Vladimir Püha valitsemisajaga (umbes 978–1015), eriti tihedate poliitiliste, usuliste ja kultuuriliste kontaktide ajastuga Vene vürstide ja Bütsantsi valitsejate vahel. Orel sisse Kiievi Venemaa oli jätkusuutlik lahutamatu osaõukond ja rahvakultuur. Varaseimad tõendid oreli kohta meie maal on Kiievi Püha Sofia katedraalis, mis oma pika ehituse tõttu 11.-12. sai Kiievi-Vene “kivikroonikaks” Seal on säilinud Skomorokha fresko, millel on kujutatud positiivselt mängivat muusikut ja kahte kalkanti.
(orelõõtsa pumbad), õhu pumpamine orelilõõtsa. Pärast surma
Kiievi riigi mongoli-tatari võimu ajal (1243-1480) sai Moskvast Venemaa kultuuriline ja poliitiline keskus.
Moskva suurvürstiriik ja kuningriik (15-17 sajand). Sellel ajastul vahel
Moskva ja Lääne-Euroopa suhted arenesid üha tihedamalt. Niisiis, aastatel 1475–1479. Itaalia arhitekt Aristoteles Fioravanti ehitas
Taevaminemise katedraal Moskva Kremlis ja Sophia vend Paleologus, viimase Bütsantsi keisri Constantinus XI õetütar ja alates 1472. aastast kuninga naine
Ivan III, tõi Itaaliast Moskvasse organist John Salvatori.
Tolleaegne kuninglik õukond tundis elavat huvi orelikunsti vastu.
See võimaldas Hollandi organistil ja oreliehitajal Gottlieb Eilhofil (venelased kutsusid teda Danilo Nemchiniks) 1578. aastal Moskvasse elama. Inglise saadiku Jerome Horsey kirjalik teade on dateeritud 1586. aastaga mitme klavikordi ja Inglismaal ehitatud oreli ostmise kohta Boriss Godunovi õele tsaarinna Irina Feodorovnale.
Organid levisid laialt ka lihtrahva seas.
Buffoonid reisivad kaasaskantavatel Venemaal ringi. Erinevatel põhjustel, mille õigeusu kirik hukka mõistis.
Tsaar Mihhail Romanovi valitsusajal (1613-1645) ja edasi, kuni
1650, välja arvatud vene organistid Tomila Mihhailov (Besov), Boriss Ovsonov,
Moskva lõbustuskambris töötasid ka välismaalased Melenty Stepanov ja Andrei Andrejev: oreliehitajad poolakad Jerzy (Juri) Proskurovski ja Fjodor Zavalski, hollandlastest vennad Yagan (ilmselt Johan) ja Melchert Lun.
Tsaar Aleksei Mihhailovitši ajal teenis Simon õukonnas aastatel 1654–1685
Gutovsky, muusik "kõigi ametite jack" algselt poola päritolu alates
Smolensk. Oma mitmetahulise tegevusega andis Gutovsky arengule olulise panuse muusikaline kultuur. Moskvas ehitas ta 1662. aastal tsaari käsul koos nelja õpipoisiga
Pärsia, et annetada üks oma instrumendist Pärsia šahhile.
Üks olulisemaid sündmusi aastal kultuurielu Moskva asutas 1672. aastal õukonnateater, mis oli varustatud ka oreliga
Gutovski.
Peeter Suure (1682-1725) ja tema järglaste ajastu. Peeter I oli väga huvitatud Lääne kultuur. 1691. aastal tellis ta üheksateistkümneaastase noorukina kuulsal Hamburgi oreliehitajal Arp Schnittgeril (1648-1719) Moskvale kuueteistkümne peatusega oreli, mille peal kaunistasid pähklipuust figuurid. 1697. aastal saatis Schnitger Moskvasse veel ühe, seekord kaheksaregistrilise pilli teatud härra Ernhorni jaoks. Peeter
Mina, kes püüdsin muuhulgas üle võtta kõiki Lääne-Euroopa saavutusi, tellisin Görlitzi organistilt Christian Ludwig Boxbergilt, kes demonstreeris kuningale Eugen Casparini uut orelit Püha kirikus. Peeter ja Paulus Görlitzis (Saksamaa), mis paigaldati sinna aastatel 1690-1703, et kavandada Moskva Metropolitan Cathedralile veelgi suurejoonelisem orel. Selle 92 ja 114 registriga "hiigeloreli" kahe dispositsiooni kavandid koostas Boxberg ca. 1715. Reformierakonna tsaari ajal ehitati oreleid üle riigi, peamiselt luteri ja katoliku kirikutesse.
Peterburis katoliku kirik St. Katariina ja protestantlik St. Peeter ja Paulus. Viimase jaoks ehitas oreli 1737. aastal Johann Heinrich Joachim (1696-1752) Mitaust (praegune Jelgava Lätis).
1764. aastal hakati selles kirikus korraldama iganädalasi sümfoonilise ja oratooriumimuusika kontserte. Nii köitis kuninglikku õukonda 1764. aastal Taani organisti Johann Gottfried Wilhelm Palschau (1741 või 1742-1813) mäng. Lõpus
1770. aastatel tellis keisrinna Katariina II inglise meistri Samueli
Green (1740-1796) oreli ehitamine Peterburis, oletatavasti vürst Potjomkinile.
Kuulus oreliehitaja Heinrich Adreas Kontius (1708-1792) Hallest
(Saksamaa), töötades peamiselt Balti linnades ning ehitas ka kaks orelit, ühe Peterburis (1791), teise Narvas.
Venemaa kuulsaim oreliehitaja 18. sajandi lõpus oli Franz Kirschnik
(1741-1802). Abt Georg Joseph Vogler, kes andis 1788. aasta aprillis ja mais St.
Peterburis, kaks kontserti, pärast orelitöökoja külastamist avaldasid Kirshnikule oma pillid nii suurt muljet, et 1790. aastal kutsus ta oma abimeistri Rakwitzi esmalt Varssavisse ja seejärel Rotterdami.
Saksa helilooja, organisti ja pianisti Johann Wilhelmi kolmkümmend aastat kestnud tegevus jättis Moskva kultuuriellu kuulsa jälje.
Gessler (1747-1822). Gessler õppis orelimängu J. S. Bachi õpilase juures
Johann Christian Kittel ja pidas seetõttu oma töös kinni Püha kiriku Leipzigi kantori traditsioonist. Thomas.. 1792. aastal määrati Gessler keiserlikuks õukonnadirigendiks Peterburis. 1794. aastal kolis ta elama
Moskva, kogus tuntust parima klaveriõpetajana ning tänu arvukatele J. S. Bachi oreliloomingule pühendatud kontsertidele avaldas ta tohutut mõju vene muusikutele ja muusikasõpradele.
19. – 20. sajandi algus. 19. sajandil Vene aristokraatia hulgas levis huvi kodustes tingimustes orelil musitseerida. Prints Vladimir
Vene ühiskonna üks tähelepanuväärsemaid isiksusi, M. I. Glinka sõber ja Venemaa esimeste oreliteoste autor Odojevski (1804-1869) kutsus 1840. aastate lõpus meistri Georg Mälzeli (1807-).
1866) oreli ehitamise eest, mis läks vene muusika ajalukku kui
“Sebastianon” (nimetatud Johann Sebastian Bachi järgi) See oli koduorel, mille väljatöötamisel osales vürst Odojevski. See vene aristokraat nägi oma elu ühe peamise eesmärgina äratada vene muusikaringkonnas huvi oreli ja J. S. Bachi erakordse isiksuse vastu. Sellest tulenevalt olid tema kodukontsertide kavad peamiselt pühendatud Leipzigi kantori loomingule. Täpselt alates
Odojevski tegi ka Venemaa avalikkusele üleskutse koguneda sularaha Bachi oreli restaureerimiseks Arnstadti (Saksamaa) Novofi kirikus (praegune Bachi kirik).
M. I. Glinka improviseeris sageli Odojevski orelil. Tema kaasaegsete mälestustest teame, et Glinka oli varustatud silmapaistva improvisatsioonitalentiga. Ta hindas kõrgelt Glinka F. oreliimprovisatsioone.
Leht. Moskva ringreisil 4. mail 1843 andis Liszt orelikontserdi protestantlikus St. Peeter ja Pavle.
See ei kaotanud oma intensiivsust 19. sajandil. ja oreliehitajate tegevust. TO
1856. aastal oli Venemaal 2280 kirikukogu. Saksa firmad osalesid 19. sajandil ja 20. sajandi alguses paigaldatud orelite ehitamisel.
Ajavahemikul 1827-1854 töötas Peterburis klaveri- ja oreliehitajana Karl Wirth (1800-1882), kes ehitas mitu orelit, nende hulgas üks oli mõeldud Katariina kirikule. 1875. aastal müüdi see pill Soome. Inglise firma Brindley ja Foster Sheffieldist tarnis oma orelid Moskvasse, Kroonlinna ja Peterburi, Saksa firma Ernst Rover Hausneindorfist (Harz) ehitas 1897. aastal Moskvasse ühe oma oreli, Austria vendade oreliehitustöökoja.
Rieger püstitas mitu orelit Venemaa provintsilinnade kirikutesse
(Nižni Novgorodis - 1896, Tulas - 1901, Samaras - 1905, Penzas - 1906). Eberhard Friedrich Walkeri üks kuulsamaid oreleid koos
1840 oli protestantlikus St. Peeter ja Paulus Peterburis. See ehitati seitse aastat varem Püha kirikusse ehitatud suure oreli eeskujul. Paul Maini-äärses Frankfurdis.
Vene orelikultuuri tohutu tõus sai alguse oreliklasside asutamisest Peterburi (1862) ja Moskva (1885) konservatooriumis. Leipzigi konservatooriumi lõpetanud, Lübeckist pärit Gerich Stihl (1829-) kutsuti esimeseks oreliõpetajaks Peterburi.
1886). Õpetajategevus Peterburis kestis 1862. aastast kuni
1869. Elu viimastel aastatel oli ta Tallinea Stihli Olaya kiriku organist ja tema järglane Peterburi konservatooriumis 1862–1869. Elu viimastel aastatel oli ta Olaya kiriku organist. aastal Tallinea Stihl ja tema järglane Peterburi konservatooriumis Louis Gomilius (1845-1908 ), lähtusid nad oma pedagoogilises praktikas eelkõige saksa orelikoolist. Algusaastatel peeti Peterburi konservatooriumi orelitunnid Peterburi katedraalis. Peeter ja Paulus ning esimeste oreliõpilaste hulgas oli P. I. Tšaikovski. Tegelikult ilmus orel konservatooriumi endasse alles 1897. aastal.
1901. aastal sai Moskva konservatoorium ka uhke kontsertoreli. Aasta aega oli see orel näituseks
Venemaa maailmanäituse paviljon Pariisis (1900). Lisaks sellele pillile oli veel kaks Ladegasti orelit, mis 1885. aastal leidsid oma koha konservatooriumi väikeses saalis. Suurema neist kinkis kaupmees ja filantroop
Vassili Hludov (1843-1915). See orel oli konservatooriumis kasutusel aastani 1959. Professorid ja üliõpilased osalesid regulaarselt kontsertidel Moskvas ja
Peterburis ja mõlema konservatooriumi lõpetajad andsid kontserte ka teistes riigi linnades. Moskvas esinesid ka välisesinejad: Charles-
Marie Widor (1896 ja 1901), Charles Tournemire (1911), Marco Enrico Bossi (1907 ja
1912).
Oreleid ehitati ka teatritele, näiteks keiserlikule ja eest
Mariinski teatrid Peterburis ja hiljem Moskvas Imperial Teatris.
Jacques kutsuti Peterburi konservatooriumi Louis Gomiliuse järglaseks
Ganšin (1886-1955). Põline Moskva, hiljem Šveitsi kodanik ning Max Regeri ja Charles-Marie Widori õpilane juhtis oreliklassi 1909–1920. Huvitav on see, et professionaalsete vene heliloojate kirjutatud orelimuusika alates Dm. Bortjanski (1751-
1825), ühendas Lääne-Euroopa muusikavormid traditsiooniliste vene melodega. See aitas kaasa erilise väljendusrikkuse ja võlu avaldumisele, tänu millele paistavad vene oreliteosed maailma orelirepertuaari taustal silma originaalsusega.
Valmistati ka kaasaskantavaid pihuarvuteid. Selline pill riputati kaela. Ühe käega pumpas esineja õhku, teisega mängis lihtsaid meloodiaid.
Pilliroo torude leiutamisega hakati ehitama väikeseid, vaid pillirooregistritega lauaoreleid. Neid kutsuti regaalid. Oma terava kõla tõttu kasutati kuninglikku laulu rongkäikudel koori toetamiseks.
Ajastu muusikalises praktikas laialt levinud hargnenud oreliperekonna erinevad esindajad andsid materiaalse aluse, millel sai võimalikuks erilise oreliloomingu ja esituse arendamine. Ometi ei erinenud orelimuusika stiililt pikka aega oma klahvpillikaaslastele loodud muusikast (klavessiin, klavikord, clavicembalo, virginella) ja oli sellega ühendatud. üldnimetus- muusika klaviatuurile. Iseseisvad oreli- ja klavessiinistiilid kristalliseerusid järk-järgult pika aja jooksul. Ka J. S. Bachi kogumikus, mis ilmus üldpealkirja all “Klavier Exercises” (“Klavierubung”), on palasid orelile ja klavessiinile. Küll aga koos arenguga suured vormid kooripolüfooniat kirikumuusikas ja polüfooniliste võtete tungimist ilmalikku polüfoonilisse laulu, juba 15. sajandil oli orelisfäär aina selgemini tunda. Ilmuvad orelitablatuurid, mis sisaldavad erinevate heliloojate palasid. Ehitatakse uusi oreleid. 1490. aastal paigaldati Püha katedraali teine orel. Veneetsia tempel. Kirikuhooned oma kõlava akustikaga olid parimad kohad suurte orelite ehitamiseks ning kõige erinevamatest sotsiaalsetest gruppidest ja positsioonidest koosnev kuulajaskond sundis neid looma elavat kujutluspilti ja kindlust. muusikalised vormid oreliteoste loomisel.
Pariisi kirjastaja Pierre Attennan annab välja esimesed muusikakogud. Neli neist sisaldavad laule ja tantse, kolm esitavad oreli ja spineti liturgilist repertuaari - see on missade, prelüüdide jms kooripartiide seade.
Renessansiajal algas rahvuslike orelikoolide teke, mis tekkisid oma aja silmapaistvate organistide tegevuse põhjal. Neist vanim on Firenze poeet ja helilooja, Itaalia ars nova esindaja Francesco Landino (1325-1397). "Jumalik Francesco", "Cieco degli Organi" ("pime organist") - nii kutsusid teda kaasaegsed. Lapsena nägemise kaotanud kunstniku pojast Francescost sai 1364. aastal Petrarka käest pärjatud loorberipärjaga poeet ja inspireeritud improvisaator orelil. IN San Lorenzo kirik ta esitas vaimulikku muusikat suurel orelil. Hertsogi õukonnas mängis Francesco Landino kaasaskantava seadmega muusikat, mängis ilmalikke palasid ja saatis lauljaid. Pärast Landinot Itaalias suur kuulsus omandas 15. sajandi kuulus Itaalia organist Antonio Squacialuppi (surn. ca 1471). Tema heliloomingutest pole säilinud midagi, välja arvatud tema avaldatud teiste heliloojate teoste kogu.
Saksamaa valmistas renessansiajastu orelikultuuri parimaid kujusid. Need on heliloojad Konrad Paumann (1410-1475), Heinrich Isaac (1450-1517), Paul Hofheimer (1459-1537), Arnold Schlick (u 1455-1525).
Nende hulgas paistab eriti silma kuulsa Nürnbergi organisti Konrad Paumanni kuju. Suurepärane muusikaline anne ja erakordne mälu võimaldasid sünnist saati pimedaks jäänud Paumanil meisterdada oreli, lauto, viiuli, flöödi ja teiste instrumentide mängimist. Sagedased reisid Nürnbergist välja toovad Paumanile laialdase kuulsuse: 37-aastaselt saab temast silmapaistev isiksus oma kodulinnas. Tema muusikaliste teenete tunnustamiseks autasustati teda rüütlimärgiga. See asjaolu on eriti märkimisväärne, sest Pauman oli pärit madalamatest klassidest. Innsbrucki ertshertsog Sigismundi organist Raoul Hoffheimer pälvis hiljem rüütli tiitli.
Kuulus ajalooline fakt annab tunnistust sellest ajastu organistide suurest lugupidamisest: osa neist valiti linnameistriks ja linnaorganisti ametikohale asumisega kaasnes uhke tseremoonia. Juba kõrges eas kutsuti Paumann Münchenisse hertsog Albrecht III õueorganistiks. Müncheni Frauenkirches, kus kuulus orel Pauman mängis, säilinud on hauakivi, mis kujutab suurt organisti, kaasaskantav käes.
Paumani loominguline tegevus sai ka ajaloolise tähtsuse. Tema peateos "Fundamentum organisandi" ("Fundamentum organisandi", 1452-1455) oli esimene orelimängu ja instjuhend. See sisaldab suur hulk ilmalike ja vaimulike laulude seaded. Näiteid tuuakse esimest korda instrumentaalne tõlgendus vokaalmeloodiaid kasutades nn värvimist (põhiviisi meloodiline värvimine). Paumanni ettepanekuid jätkas ja täiendas Heidelbergi organist Arnold Schlick teoses “Oreliehitajate ja organistide peegel”. Paumanni ja Schlicki tööd annavad tunnistust tärkavast soovist “teoreetiliselt mõista orelikultuuri valdkonnas toimuvaid protsesse.
16. sajandi keskel sai väga kuulsaks Veneetsia kompositsioonikoolkond, mille rajajaks oli flaam Adrian Willart (surn. 1562). Selle koolkonna orelimuusikat esindavad kõige ilmekamalt Andrea Gabrieli (1510-1586) ja eriti tema õpilase ja vennapoja Giovanni Gabrieli (1557-1612) looming. Olles kirjutanud vokaal- ja instrumentaalmuusikat väga erinevates žanrites, eelistasid mõlemad orelimuusika alal Gabrielid canzona ja ricercara polüfoonilisi vorme. G. Gabrielis leiame suure tõenäosusega esimese näite vahepaladega viiendast fuugast, mida ta traditsiooni kohaselt nimetab siiani ricercariks.
Brescia silmapaistev organist ja klavessinist Claudio Merulo (1533-1604) on tuntud oma oreli toccatas, ricercaras ja canzones, mis annavad tunnistust koorimuusika traditsioonide mõjust orelistiilile. Aastal 1557 kutsuti noor muusik Veneetsiasse Püha katedraali teise organistina. Mark ja sisenes Veneetsia koolkonna heliloojate galaktikasse.
Kirikumuusika õitseng Inglismaal kuningas Henry VIII ajal tõi kaasa inglaste kujunemise orelikool. 1540. ja 1550. aastatel tõusis esile organist ja helilooja John Moerbeck (surn. 1585). Ajalugu on säilitanud organistide ja heliloojate – tema kaasaegsete – nimed. Need on Christophe Tee (surn. 1572), Robert White (surn. 1574), Thomas Tallis (surn. 1585).
Prantsuse orelimuusika klassika on Jean Titlouz (1563-1633). Ta oli kuulus orelimängija ja orelinäidendite kogude autor. Oma teoste eessõnas kirjutab J. Titlouz, et tema eesmärk oli levitada kahe manuaali ja pedaaliga orelit polüfoonia eraldi selgeks esitamiseks, eriti häälte ristamisel.
Orelimängu traditsioonid Hispaanias ulatuvad sajandite taha. On tõendeid, et umbes 1254. aastal vajas Salamanca ülikool oreliehitajat. 14.-15. sajandi organistide nimed on teada. Nende hulgas pole mitte ainult hispaanlasi, vaid ka teistest rahvustest organistide esindajaid. Isegi Hispaania muusikakultuuri 16. sajandi üldise õitsengu taustal paistavad silma orelimuusika alased saavutused. Silmapaistev teoreetik Juan Bermudo (1510 – pärast 1555. aastat) kirjutab suure traktaadi – “Raamat, mis kutsub üles muusikariistade uurimisele” (“Libro llamado declaracion de instrumentos musicales”, 1549–1555), eelkõige klahvpillide kohta.
Tippnäiteid esindab Hispaania kuninga Philip II pimeda tsembalisti ja õukonnaorganisti Antonio de Cabezoni (1510-1566) looming. Kuningat reisidel saatnud Cabezon reisis Itaaliasse, Inglismaale ja Hollandisse. Tema teoste hulgas on olulisel kohal, nagu Paumani oma, pedagoogilist laadi tööd. Muusikateostest köitis Cabezonit enim tiento (hispaania keelest tiento - "puudutus" või "pimedate personal"). Need on suured polüfoonilised näidendid, mis on vormilt lähedased ricercarile ja iidsele fuugale. Lisaks tientole olid 16. sajandi Hispaania heliloojate loomingus populaarsed väikesed palad, näiteks prelüüdid. Neid nimetati verso või versillo - luule sfäärist laenatud termin (verso - värss).
Säilinud poolakeelsed orelitablatuurid St. Vaim Krakowis (1548), Jan of Lublin (1548) jt annavad aimu Poola orelimuusikast 16. sajandil oma üsna väljendunud heliga. rahvuslik maitse. On teada mitmete 16. sajandi heliloojate nimed. Need on Mikolay Krakovist, Marcin Leopolita, Vaclav Szamotulist ja teised.
Samal ajal kaasnesid Euroopa orelikultuuri kõrge tõus renessansiajal raskete katsumuste perioodidega. Lääne-Euroopa riikides nii laialt levinud orel on kirikust rohkem kui korra välja heidetud. Rahulikud sündmused Feodaalivastased ülestõusud ja sõjad võtsid sel ajal sageli usuvõitluse katoliku kiriku ja paavstkonna vastu. Protestantlus astus ägedalt vastu mitte ainult katoliikluse ideoloogilistele, poliitilistele, teoloogilistele ja organisatsioonilistele seisukohtadele, vaid ka katoliku kultuse kõikidele välistele ilmingutele. Kõike, mis andis jumalateenistusele hiilguse ja suursugususe, kiusati taga. Kujud hävitati, ikoonid hävitati, polüfoonilised missad asendati lihtsate koorilauludega ja jumalateenistustel toodi ladinakeelsete tekstide asemele rahvuskeel. Ka orelit tabas julm saatus. Nii hävis Inglismaal Westminster Abbey imeline instrument täielikult ja selle kallist metallisulamist valmistatud torud müüdi kõrtsis õlleklaasi eest. Kolmekümneaastane sõda Saksamaal tõi kaasa riigi vaesumise, arvukad hävingud ja muusikakultuuri allakäigu. Kloostrites ja katedraalides piirdusid nad luterlike koraalide laulmisega, mida esitas kogu kogukond. Samal ajal kujunes just sel ajal välja uus intonatsioonilaad, mis kulmineerus J. S. Bachi loominguga. F. Engels kirjutas: „Luther puhastas Augea tallid mitte ainult kirikutest, vaid ka saksa keel, lõi moodsa saksa proosat ning komponeeris selle koraali teksti ja meloodia, läbi imbunud võidukindlusest, millest sai “16. sajandi Marseillaise”. (Engels F. Looduse dialektika. Sissejuhatus. M., 1950, lk 4).
Orelimuusikas on pikka aega olnud gregooriuse laulu meloodiate seadeid. Nüüd on saksa heliloojate teoste selliste seadete aluseks protestantlike koorilaulude meloodiad. Kooriprelüüdi, koorifantaasia ja koorivariatsioonide žanr areneb laialdaselt.
ORELIMUUSIKA KULLAAEG
16. sajandi lõpul ja 17. sajandi esimesel poolel olid Euroopa orelikultuuri väljal olulisemad isikud kolm heliloojat: hollandlane Jan Peterson Sweelinck, itaallane Girolamo Frescobaldi ja sakslane Samuel Scheidt. Kahtlemata mõjutas orelistiili kujunemist ka Heinrich Schützi (1585-1672), kes põhines vaimuliku muusika looja. rahvuskultuur, Bachi suurim eelkäija kantaat-oratooriumižanrite vallas. Sweelinck (1562-1621) oli oma piirkonnas Hollandi polüfoonilise koolkonna pärija, mis alates 15. sajandist kinnitas vokaal-koori stiili domineerimist. Sweelincki loominguline ja esinev tegevus toimus Amsterdamis. Kiriku organistina koostas ta vaimulikku koorimuusikat. Olles tähelepanuväärne interpreet, individualiseerib Sweelinck üha enam orelipartii, tuues sellesse virtuoossuse elemente. Amsterdami kirikus korraldab ta iseseisvat orelikontserdid, muutes kirikuhoone uute musitseerimisvormide propageerimiseks saaliks. Sweelinck esitab oma toccatas, capriccios ja kuulsa "Chromatic Fantasy". Klavessiinil ja väikesel positiivsel orelil esitab ta variatsioone rahvaviisidele ning rahvalaulude ja -tantsude seadeid. Sweelincki juures õppisid paljud kuulsad Põhja-Saksa organistid: Melchior Schild, Heinrich Scheidemann, Jacob Pretorius jt. Tema õpilaste hulgas näeme 17. sajandi esimese poole saksa orelimuusika suurimat meistrit Samuel Scheidti.
Samuel Scheidt (1587-1654) on Kesk-Saksa orelikooli rajaja (sellesse kuulusid J. S. Bachi onu Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel jt). Ta töötas Halles, oli helilooja ja õpetaja, õukonna- ja kirikuorganist, orkestrant ning linna muusikajuht. Tema suurim teos oli kolmeköiteline “Uus tablatuur” (1614-1653) orelile ja klaverile, mis sisaldas tokaatasid, fuugasid, variatsioone koraalide ja rahvalaulude meloodiatele, fantaasiaid jne. Scheidt oli eriti kuulus meistrina variatsiooni vorm ja erinevate koraaliseadete autor.
Särav saksa helilooja Johann Sebastian Bach sündis Eeyenachis (Saksamaa) 31. märtsil 1685. aastal. päritud muusik I. A. Bachi perekonnas. Juba väikesest peale laulis poiss kooris, õppis viiulit mängima oma isalt, kelle surma järel kolis ta venna juurde Ohrdrufi, seejärel Lüneburgi.
Koolis õppimise ajal astus noormees koori ja orkestrisse, õppis muusikateoseid, kopeerides neid endale, läks Hamburgi kuulama kuulsa organisti I.A. esitust. Reinken. Kuid isegi pärast kooli lõpetamist (1703) iseseisev töö Viiuldaja Weimaris ja seejärel organist Arnstadtis, jätkas Bach õpinguid. Puhkuse saanud, suundus ta jalgsi Lübeckisse, et kuulata silmapaistvaima helilooja ja organisti D. Buxtehude esitust.
Orelimängu täiustades saavutas Bach ületamatuid kunstilisi kõrgusi, sai laialdaselt tuntuks organisti ja oreligurmaanina – teda kutsuti esitama muusikat ning võtma vastu uusi ja uuendatud oreleid. 1717. aastal nõustus Bach tulema Dresdenisse, et osaleda konkursil koos prantsuse organisti L. Marchandiga, kes aga vältis võistlust, lahkudes linnast salaja. Bach mängis muusikat üksi kuninga ja tema õukondlaste ees, rõõmustades publikut.
Arnstadtis, Mühlhausenis (1707-1708) ja Weimaris (1708-1717) arenes Bachi muusikaline loovus elavalt, mille esimesed katsetused tehti Ohrdrufis. Aastate jooksul on kirjutatud palju teoseid orelile, klaverile ja vokaalsele esitamisele (kantaadid). 1717. aasta lõpus kolis Bach Kötheni, asudes vürstiorkestri dirigendi ametikohale.
Bachi Kötheni eluperioodi (1717-1723) iseloomustab tema kompositsioonide kõige laiem ulatus instrumentaalmuusika. Prelüüdid, fuugad, tokad, fantaasiad, sonaadid, partiitad, süidid, leiutised klavessiinile, viiulile (soolo), tšellole (soolo), samadele pillidele klavieriga, orkestrile, kuulus kollektsioon Köthenis kirjutati "Hästi tempereeritud klavier" (esimene köide - 24 prelüüdi ja fuugat), viiulikontserti, 6 Brandenburgi kontserti orkestrile, kantaadid, "Püha Johannese passioon" - umbes 170 teost.
1722. aastal võttis Bach vastu kantori (regendi ja õpetaja) koha Püha kirikus. Thomas Leipzigis. Siin esitati Johannese passioon, üks Bachi suurimaid loominguid.
Leipzigi aastatel kirjutati umbes 250 kantaati (säilinud on üle 180), motete, kõrgmissa, Matteuse passioon, Markuse passioon (kadunud), jõulu- ja lihavõtteoratooriume, avamänge orkestrile, prelüüde ja fuugasid. , sealhulgas The Well-Tempered Clavier teine köide, orelisonaadid, klahvpillikontserdid ja palju muud. Bach juhatas koori ja orkestrit, mängis orelit ja tegi palju õpetajatööd Thomaskirche koolis. Tema juures õppisid ka pojad, kellest said hiljem kuulsad heliloojad, organistid ja klavessiinistid, kes varjutasid mõneks ajaks oma isa au.
Bachi eluajal ja 18. sajandi teisel poolel. Vähesed tema teosed olid teada. Bachi pärandi taaselustamine on seotud F. Mendelssohni nimega, kes esitas Püha Matteuse passiooni 1829. aastal, 100 aastat pärast selle esmaettekannet. Bachi teoseid hakati avaldama, esitama ja koguma ülemaailmset kuulsust.
Bachi muusika on läbi imbunud humanismi ideedest, sügavaimast kaastundest kannatavate inimeste vastu ja lootusest paremale tulevikule. Saksa, Itaalia ja Prantsuse kunsti rahvuslikkus ja kõrgetest klassikalistest traditsioonidest kinnipidamine inspireeris Bachi ja lõi pinnase, millel õitses tema hämmastavalt rikkalik loovus. Juubeldus ja kurbus, rõõm ja kurbus, ülev ja segaduses – kõik see on Bachi muusikale omane. Helilooja vaimsed kogemused leidsid selles nii tõepärase kehastuse, et uued põlvkonnad leiavad selles midagi oma tunnete ja püüdlustega kooskõlas olevat.