Sai uus, piltidega:
kommenteerida.
"Ma jään konksu:
*Imagistid võivad olla hingestatud ja täiesti käsitöölised, papagoid. Kuid nad mõlemad ei suuda end loodusest abstraheerida*
Mulle tundub, et siin on üks peen nüanss... mida loetakse mitterahaliseks?
Ma mäletan Nabokovi avaldust (ma ei hakka seda praegu täpselt tsiteerima, aga üldine tähendus)... kujutame ette, et teatud “loodust” – ütleme maamaastikku – vaatlevad kolm inimest – külla tulnud linnaelanik, kes peaaegu esimest korda näeb elavat rohtu ja puid, kohalik üles kasvanud talupoeg nendes kohtades maal töötades, metsas seeni korjates, mida ta teab jne.
ja loodusteadlane, looduse tundja, kelle jaoks heinamaa või mets on väga eristuv bioloogiline kooslus, milles ta näeb palju erinevaid spetsiifilisi taimi, putukaid, loomi, kuid ta ei näe mitte ainult neid, vaid ka arvukalt. äärmiselt keerulised ühendused, teadmata ei linlasele ega talupojale...
tundub, et meie ees on sama reaalsus, loodus, kuid tegelikult on selline “reaalsus” abstraktsioon... olenevalt süvenemise, tähelepanelikkuse, teadmiste astmest - iga inimese jaoks on need täiesti erinevad reaalsused ja nende ühisosa ei laienda kõige primitiivsemaid skeeme, nagu "rohi on roheline", "puul on lehed"...
ja ka kunstnik näeb “loodust” hoopis teiste silmadega kui tavainimene (siinkohal panen end sellisena rahulikult kirja - rohkem kui korra olen kokku puutunud isiklik kogemus kui palju detailsemalt ja peenemalt näevad kunstnikud) - ta märkab ja rõhutab palju vormides ja värvides ning just selles murdumises, konkreetses ja individuaalses, milles see on tema kunstile vajalik...
need. Mõiste “loodus” tundub mulle väga habras selles tavapärases mõttes, mis sellesse on pandud...”
Vastus.
I. Kaunid kunstnikud.
Nabokovi näide leiab erinevaid valikuid looduse tõlgendamine, olenevalt sellest, milline vaatluste ja ideede sulam konkreetses inimeses moodustub.
Kui võtta seda laiemalt, siis looduse tõlgendus on selle peegeldus kunstniku poolt oma töödes. Peegeldused, milles peamine roll kunstniku emotsioonid, tähelepanekud ja ideed. Kuid seda rolli saab mängida kahes otseselt vastassuunas.
Ühes tekivad neist parimad emotsionaalsed reaktsioonid mõnel olemusel või selle mõne omaduse teravad tähelepanekud. Ja siit saame elavaid tõlgendusi loodusest (impressionistid ja, muide, head loomamaalijad).
Teises, hullemas, saab tõlgendus loomuliku motiivi vastuseks mõnele emotsioonile või kunstniku peas olemasolevatele ideedele. Sellise maali kohta öeldakse: "nad maalivad mitte elavalt, vaid ideest" või nimetavad seda jäljendavaks, illustreerivaks või kirjanduslikuks. Näited: Saksa romantikud, Vene Peredvižniki, Prantsuse sümbolistid jne. Kuid mõnel juhul ei pruugi “esitusviisiga” maal olla illustreeriv, vaid kannab endas tendentslikkust, mingi tehnika tervikut. Näiteks pointillistid (Seurat, Signac), erinevalt impressionistidest, olles alustanud oma katseid looduse optilise tajumise mõne elava hetke salvestamisega, said üsna pea väljatöötatud meetodi pantvangideks.
Huvitav on tõdeda, et illustratiivsus võib olla illustratsioonižanri raames täiesti asjakohane ja õigustatud – mida meil oli rõõm näha mitmetes lasteaia postitustes. raamatugraafika. Kuid mõned kunstnikud, kes kipuvad illustreerivas kompositsioonis dekoratiivseid omadusi teravdama, kõigutavad žanri piire ja viivad kompositsiooni osaliselt abstraktsete pildiliste ja plastiliste ülesannete valdkonda, st väljaspool igasugust loodustõlgendust.
Kaks näidet sellest:
Tatjana Mavrina. Rostov. 1965. aasta
(reproduktsioon O. Buhharovi otseajakirjast)
Lev Bakst. Vaslav Nijinsky portree fauni rollis (koreograafilises filmis " Pärastlõunane puhkus Faun" Claude Debussy muusika järgi). 1912. aasta.
Wadsworth Atheneum, Hartford
Kuigi rangelt võttes ei liikunud ei Mavrina ega Bakst kunagi molbertimaali kui sellise valdkonda: ilmselt ei vastanud see üleminek nende andele rakenduslikule loovusele.
II.
Aga lähme tagasi algusesse. Kunstnikud võivad olla rohkem kui lihtsalt "kujutajad". Mitte ainult looduse ühel või teisel viisil kajastamiseks (tõlgendamiseks). Mõned neist saavad sellega täiesti vabalt hakkama ja muudavad teose teema mitte olemuse, vaid millegi tähenduslikumaks. Visuaalselt loomuliku objektivormi deformatsiooni ja teisenemise kaudu.
Objekti vormi deformatsioon ei ole selle tõlgendamise viis ega teravdatud täpsustamine, vaid vahend mingisuguse loomuvälise sisu väljendamiseks läbi looduse, millegi, mida ei ole võimalik loomulike vahenditega üldse edasi anda. Need sisud on sisuliselt filosoofilise korra asjad: loodus ja teod inimese teadvus, erakordne eluvool, mida nimetatakse olemiseks... Mõned kunstnikud illustreerivad kõiki neid asju väga “edukalt” objektiivse vormi keeles. Teised kunstnikud püüavad palju suurema vaevaga neid asju iga kord uuesti luua, kasutades peaaegu sama objektiivset vormikeelt.
Lugu Euroopa maalikunst võib öelda, klassikaline kool selline filosoofiline looming in kunstiline loovus: ikoonide kunst. See koolkond arendas välja palju Uue Testamendi ja Vana Testamendi stseenide kompositsioonikaanoneid, milles üldiselt muutuvad objektiivsed vormid, mis läbivad mõningaid (mitte nii sunnitud kui kubistide omad) deformatsioone ja transformatsioone, nii nähtava kui ka nähtamatu väljenduseks. sümboolne maailm. Kuid see imeline kool ei pääsenud „illustreerimise patust”. Mida kindlamalt kaanon praktikasse juurutati, seda enam kaldus see praktika selle kaanoni esituse konkreetsete näidete välisele jäljendamisele (see on sama, kui muusikutel oleks käsk mängida näiteks Bachi ainult Gouldi tõlgendustes ja Chopin - Horowitzi tõlgendustes, kuigi on arusaadav, et kaanon on ainult noodid ja kogu muusika on kuskil “nootide vahel”; Lisaks mis tahes süžee ikooni sisse tavaline teadvus peetakse Pühakirja illustratsiooniks ja isegi vaimulikud ise ei olnud vastumeelselt nimetada ikoone "kirjaoskamatute raamatuteks". Nii et piltide maalimine "nagu Rubljov" või "nagu Dionysius" ainult halvendas illustreerivat suhtumist kanoonilistesse vormidesse ja aitas kaasa ikoonimaali degradeerumisele.
Siiski on teadaolev punkt vaade, et ikoon pole üldse kunst. Seetõttu kaaluge näiteid loominguline töö Objektiivse vormiga maalikunstnike jaoks alustagem mitte ikoonist, vaid sellele kunstile lähedase meistri El Greco loomingust.
El Greco. Ristija Johannes. OK. 1600
Puškini muuseum
Kunagi seda teost kirjeldades juhtisin tähelepanu Ristija Johannese jalgadele: kui neid vaadata, on näha, et need on selgelt paremale “kaldunud”. Ja samal ajal on torso stabiilne, monumentaalne - asub piki pildivälja kesktelge ja on sisse kirjutatud pilvedest avaneva taevaringi (vasakul - peaaegu geomeetriliselt õige). Paremalt tõusev ja justkui Johni torsot “toestav” tihendatud pilvede sammas tasakaalustab kompositsiooniliselt figuuri “kallu” paremale, näib “tõukab eemale” Jaani õla ja paindudes elastselt ülespoole , lõpetab selle hüvitise. Ja see pilvede elastne, jõuline liikumine, kerge ja kuidagi teisenenud kaja on Johni pea vaba kallutamine vasakule.
Johni jalgade teisenemise aste on selle kujutise kõigi teiste detailidega võrreldes maksimaalne ja see transformatsioon on kujutatud loodusliku objektivormi suhtes üks olulisemaid, mida olen maalimisel kunagi näinud. See väljendab selgelt Ristija Johannese olemust. Ja asjaolu, et mitte jalad ei toeta torsot, vaid vastupidi, torso annab stabiilsuse ja monumentaalsuse kogu Johannese figuurile - see väljendab ideed see pilt. John mees läheb tõesti mööda uskumatu teekond Vanast Testamendist Uue Testamendini, tee, mida maisel, loomulikul teel - see tähendab loomulike jalgadega - läbida ei saanud. Seetõttu läbib nende objektiivne vorm nii silmatorkava, esmapilgul kummalise deformatsiooni; ja seetõttu ei toetu Ristija Johannese kuju tema jalgadele ja maapinnale, vaid omandab taeva taustal avalduva ja sellest lähtuva ebaloomuliku, ebamaise omaduse stabiilsuse.
See otsus paljastas nii El Greco loomingulise vabaduse kui ka tema täiesti individuaalse mõtteviisi: keegi ei kirjutanud nii enne ega pärast – lõppude lõpuks on see inetuse äärel!
Et mitte igavleda, vaid kaks näidet veel.
Amedeo Modigliani. Leopold Survage'i portree. 1918. aastal
Hm. 61,5x46. Athenaeumi muuseum, Helsingi
Siin on kunstnik, kellele on loomulik liikuda pärast El Grecot – Modiglianit. Ta on ka suur meister mitte tõlgendamises, vaid looduse muutmises. Ja nagu tema Kreeta-Hispaania eelkäija, armastas ta vertikaalseid vorme venitada. Ja millised pikad venivad jooned! See ei ole mingi poosis väljendatud iha “üleva järele”, poos ise ei ütle midagi. Kuid kõigi vormijõududega on siin antud iha transtsendentaalse järele. Ja see, kuidas soojad, peaaegu kuumad näo- ja kaelavärvid musta, sinise ja hallikassinise külmas keskkonnas intensiivselt kõlavad, viib kujutatud kunstniku kuvandi ilmaliku igapäevaelu väliselt rahulikust olekust eelaimuste ruumi. vorm täis kontrastset pinget.
Pealiskaudse illustreeriva sümboolika võtteid meenutab siin osaliselt vaid üks detail: pupillita silma motiiv. Modigliani arendas seda motiivi pidevalt aastal erinevad kombinatsioonid, ja ilmselt polnud see tema maali jaoks laenatud element, vaid mingi orgaaniline aksessuaar. Siiski on maalikunstnik, kes hoidus põhimõtteliselt eemale nii väikestestki piltliku vormi mitmetähendusliku tajumise võimalustest. See "antiillustratiivne" kunstnik oli Cezanne.
Olles möödunud tema alguses loominguline tee osa mingist hälbest subjektivormi sümboolsete tõlgenduste valdkonda (“Avamäng Tannhäuserile”, vt:), küpsed aastad ta keskendus täielikult selle sisemise loomuliku elu paljastamisele, mida me tavaliselt nimetame looduseks: maastik, inimene, objekt. Ja ta paljastas selle siseelu kõige raskemal ja otsesemal viisil: pannes ausalt värvidega lõuendile kokku selle, mida tema silm looduses nägi. Kuid tõsiasi on see, et Cezanne'i silm suudab oma vaateväljast eemaldada kogu selle kõrvalise, mida tavaline pilk loodusesse toob. Kogu igapäevase taju inerts.
Cezanne. Virsikud ja pirnid. OK. 1895
Hm. 61x90. Puškini muuseum
Mis on naturalism? (omadused)
Mis vahe on naturalismil ja atmosfääril?
Teine oluline erinevus on erinevus naturalismi ja atmosfäärilisuse vahel. Maastikumaal võib olla äärmiselt atmosfääriline, olemata naturalistlik. Tavaliselt juhtub see seetõttu, et kunstnik on keskendunud pigem meeleolu kui visuaalsete detailide edastamisele. Head näited: Nokturn sinises ja hõbedases – Chelsea(1871, Tate Collection, London), autor Whistler ja Mulje, päikesetõus(1873, Musee Marmottan, Pariis), autor Claude Monet. Ühelgi neist maalidest pole piisavalt detaile, et olla naturalistlik. Võrdle piltidega: Kunstniku töötuba(1870, Musée d'Orsay), autor Frédéric Bazille; Max Schmidt ühes koljus(1871, Metropolitan Museum of Art), autor Thomas Eakins; Muusikatund (1877, Kunstigalerii Guildhall, London), autor Frederic Leighton; Tepidarium (1881, Leveri kunstigalerii, Ühendkuningriik), autor Lawrence Alma-Tadema; Haige tüdruk (1881, Rahvusgalerii, Oslo) Christian Krogh: need on kõik suurepärased näited naturalismist, millel puudub igasugune õhkkond.
Prantsuse impressionismi kirjeldust vt "Impressionistliku maalikunsti omadused, 1870–1910".
Mis vahe on naturalismil ja idealismil?
Maalikunstis on idealism figuurimaalimisel enim rakendatav mõiste ja viitab "ideaalse" figuuri loomise traditsioonile – atraktiivse näo, täiuslike juuste, hea kehakuju ja väliste defektideta. Harva, kui üldse, elust joonistamiseks või maalimiseks sobiks seda tüüpi idealiseeritud kujutis altaritele ja muudele mastaapse religioosse kunsti vormidele, mis moodustasid enamiku aasta töökodade ja ateljeede tellimustest. vana Euroopa. Sisuliselt "kunstlik" maalistiil, see ei sarnanenud näiteks Caravaggio naturalismiga, kes tavaliselt kasutas tavalisi tänavainimesi oma konkreetse piiblikunsti eeskujudena. Idealism jäi suuremates akadeemiates jutlustatavaks stiiliks kaunid kunstid, vähemalt 19. sajandini, mil see lõpuks asendus naturalistlikuma stiiliga, mis põhines reaalsetel modellidel ja plein air-välimaal.
Kaks tüüpi naturalismi: maastikuline ja kujundlik
Nagu ülaltoodud näidetest näha, ei ilmesta naturalismist mitte ainult maaelu õuesseenid: ka inimeste portreed ja žanrijoonised võivad olla suurepärased näited.
Mõiste naturalism tuleb aga sõnast "loodus" ja seega on naturalismi kõige levinum žanr maastikumaal – žanr, mida ilmestab John Constable'i looming, mida anglo-šveitsi kunstnik Henry Fuseli pidas nii realistlikuks, et iga kord, kui ta nägi. ta tundis, et tema mantel ja vihmavari kutsusid teda jalutama.
Siiski mitte kõik maastikumaalid naturalistlik, eriti kui tungib kunstniku subjektiivsus. Näiteks kummituslik religioosne kunstnik John Martin lõi oma kummituslikud apokalüptilised maastikud, et illustreerida Jumala väge. Romantiline saksa kunstnik Caspar David Friedrich täitis oma maalid sümboolika ja emotsionaalse romantismiga. Paljud Turneri maastikud on midagi enamat kui ekspressionistlikud valguse kujutamise katsed, samas kui Cezanne maalis kümneid Montagne Sainte-Victoire'i vaateid, ohverdades loomuliku täpsuse oma lemmikgeomeetriliste kujundite ja pildilise tasakaalu nimel. Ükski neist kunstnikest ei kuulu naturalismi koolkonda, sest nad tegelevad vähem looduse kujutamise ja rohkem eneseväljendusega.
Naturalism joonistamises
Alates klassikalisest antiigist on kunstiajaloos näinud mitmeid olulisi arenguid realistlikus joonistamises ja õlimaalis. Giotto, üks esimesi naturalismi pioneere, lõi revolutsionääride komplekti mahulised arvud Padova Scrovegni kabeli freskode jaoks. Vaata näiteks „Kristuse reetmine“ (Juudase suudlus) (1305) ja Kristuse itkumine (1305). Leonardo da Vinci valdas sfumato kunsti, et luua silmatorkavalt realistlikke nägusid sellistes teostes nagu Mona Lisa (1506, Louvre, Pariis). Michelangelo kasutas oma ainulaadset skulptori annet, et luua oma Sixtuse kabeli freskodel (1508–12; ja 1536–41) skulptuure. Caravaggio jahmatas Roomat oma naturalistliku maaliga, kasutades pilte, mis on modelleeritud otse tänavalt värvatud inimeste järgi. Tema tegelikud figuurid olid ideaalsed barokiajastu vastureformatsiooni katoliku kunsti jaoks. Hollandi realistliku žanri maalikunsti kuldajal olid sellised kunstnikud nagu Jan Vermeer (kodus žanrimaal, sise- ja väliskujundus), Pieter de Hooch (hoovid), Samuel van Hoogstraten (kodu interjöörid) ja Emanuel de Witte ( arhitektuursed interjöörid kirikud), juhtis täpse naturalismi stiili, mis hõlmas kujundlikke, koduseid ja sotsiaalseid objekte. Veel hiljuti, 19. sajandil, lõid vene kunstnikud arvukalt peene naturalismi meistriteoseid peaaegu kõigis žanrites. Nende tööde näited: "Majori matš" (1848, Tretjakovi galerii, Moskva) Pavel Fedotov; Remont raudtee (1874, Tretjakov) Konstantin Savitski; "Printsess Sofia Aleksejevna portree aastal Novodevitši klooster"(1879, Tretjakov) ja "Vastus Zaporožje kasakad sultan Mahmud IV-le" (1891, Vene muuseum, Peterburi), autor Ilja Repin; Naer ("Tere, juutide kuningas!")(1882, Vene muuseum), autor Ivan Kramskoy; Kristus ja patune(1887, Vene muuseum), autor Vassili Polenov.
Naturalismi ajalugu ja areng (umbes 500 eKr – 1800)
Loodi kaks võluvat naturalismi näidet Saksa kunstnik Dürer: "Noor jänes" (1502) ja "A Large Piece of Murf" (1503), mõlemad Viinis Albertinas.
Vene Peredvižniki (Peredvižniki – ekslemine) (umbes 1863–1890)
Peredvižniki asutas 1863. aastal rühm noori kunstnikke Peterburi keiserlikust kunstiakadeemiast. Peredvizhniki reisis mööda Venemaad, maalides maastikke ja žanrimaale. Juhtivate osalejate hulka kuulusid Ivan Kramskoy (1837–1887), Nikolai Ge (1831–1894),
Oleme harjunud süüdistama kaasaegne kunst ideede puudumisel ja kalduvusel pornograafia vastu. Aga kas vanad süütud on nii klassikalised maalid, kallis esteetidele ja kasinuse tundjatele? Lähemal uurimisel võib kuulsate maaligeeniuste maalide hulgast leida selgete teemadega meistriteoseid, mis panevad punastama kaasaegsed staažikad “maasikate” gurmaanid. (Hoiatus! Alastus).
"Leda ja luik"
Kui rääkida kõige tagasihoidlikumast klassikalisest süžeest, siis iidne lugu jumal Zeusi ja kauni Leda lähedusest saab väärilise palmi. Legendi järgi ilmus Olümpose elanik tüdrukule inkognito, luige varjus, kuid suutis sellegipoolest temaga suhtesse astuda ja isegi järglasi saada.
Viimase aastatuhande jooksul ei võtnud vaid laisad ette kujutada stseeni kaunitari vahekorrast linnuga. Sama saatus ei pääsenud ka suurtest – väsinud süžeed kasutasid ära Boucher, Michelangelo ja isegi Leonardo. Francois Boucher pakkus 1740. aastal demonstratsiooniga välja kõige sündsusetuima ajalootõlgenduse anatoomilised omadused, mida on kombeks häbeneda.
Varem pakkus oma nägemust olukorrast suur Michelangelo, kes, kuigi vältis tarbetuid detaile, ei suutnud siiski vastu panna ja kujutas paari otse ebaloomuliku liikidevahelise vahekorra ajal.
Selle kõige taustal näib Leonardo da Vinci maal olevat vaid illustratsioon Puškini koolilastele mõeldud muinasjuttudele nooremad klassid. Tema lõuendil on kõik juba juhtunud ja Leda vaatab tüdinud näoga, kuidas tema munetud munadest kooruvad täiesti terved üheaastased beebid.
See idülliline stseen tundub meile üsna korralik, kuid see ei olnud alati nii. aastal hävisid renessansimeistrite maalid XVIII alguses sajandite järgi Louis XIV eaka lemmiku, markiis de Maintenoni poolt, kui sündsusetu. Tänapäeval näeme kogu seda kõlvatust ainult tänu hilisematele koopiatele.
"Hüljatud nukk"
Prantsuse kunstnik Suzanne Valadon töötas 20. sajandi alguses. Ta on tuntud kui paljude imeliste maalide autor, mis ülistavad peamiselt naise keha ilu kõige tavalisemas mõttes elusituatsioonid. Vaatamata alasti kehade rohkusele kunstniku lõuenditel tekitab moralistide seas tõsist poleemikat vaid üks Valadoni looming.
Tänapäeva maal “Hüljatud nukk” võinuks tuua autorile tõsiseid probleeme pedofiilide võitlejatega, kuid Valadonil oli õnn 1938. aastal surra, tänu millele võime tema loomingut pidada klassikaks. Maalil on kujutatud alasti väga noort daami, kelle rinnad hakkavad tekkima ja lapse soeng kaarega.
Ajalugu pole selle maali kirjeldust järglastele säilitanud, kuid üldiselt on aktsepteeritud, et see kujutab lapsepõlvega hüvastijätmist. Rätikuga naine on suure tõenäosusega bordelli omanik ja last valmistutakse kohtuma oma elu esimese kliendiga. Maali nime andis põrandal lebav nukk, mis ilmselgelt sümboliseeris murtud saatust. Siiski on heatujulisi inimesi, kes väidavad, et pildil on ema, kes pärast vanni oma teismelist tütart kuivatab.
"Leucippuse tütarde vägistamine"
Suur hollandlane Peter Paul Rubens, kes on tuntud oma kaunite iludustega lõuendite poolest, esitas 1618. aastal publikule oma teose "Leucippuse tütarde vägistamine". Filmi tegelaste vahel toimub esmapilgul räme kaklus ilma seksuaalse varjundita.
Aga neile, kes on tuttavad Kreeka müüt vendade Dioscuride kohta on üsna ilmne, et alasti blondiinid ei tee üldse nalja. Meistriteose teine pealkiri “Leucippuse tütarde vägistamine” peegeldab täpsemalt maali tegevust.
IN iidne ajalugu Zeusi ja Leda pojad (vt nende kummalise sünni lugu eespool), Castor ja Pollux, röövisid kuningas Leucippus Gilaira ja Phoebe tütred ning isa pärandatud vana hea traditsiooni kohaselt kuritarvitasid neid. Kõik näis lõppevat halvasti – kõik surid.
"Munk maisipõllul"
Kui Rubensilt ja Boucherilt midagi oodata võib, on reserveeritud ja usuteemadele kalduv Rembrandt üllatunud. Kuigi põhimõtteliselt kajab tema väike, kuid oskuslikult teostatud joonistus “Munk maisipõllul” siiski vaimseid teemasid.
Kompositsiooni keskel on kujutatud katoliku munk ja üks daam, kes tegeleb patuga misjonäripositsioonil kusagil põllumaa vahel. Süžee pikantsus ei seisne isegi mitte selles, et munk rikub karskustõotust, vaid vasakult sirbiga lähenevas mehes, tänu millele hakkab õhtu lakkama.
"Candaules'i hoolimatus"
Tagasihoidlikult neutraalset pealkirja kandev William Etty maal Candaulesi ebakindlus kujutab täiesti sündsusetut lugu Herodotose ajaloost. Selle 1830. aastal maalitud maali täispealkiri paljastab sellel kujutatud stseeni mitmetähenduslikkuse: "Lüüdia kuningas Candaules näitab salaja oma naist Gigat ühele oma teenijatest, kui too voodis lamab."
Raske öelda, miks otsustas “ajaloo isa” seda poolpornograafilist lugu oma töös kirjeldada, kuid tänu sellele saime mõiste candaulism, mida on raske hääldada isegi kogenud seksiterapeutidel. Selle seksuaalse kõrvalekalde olemus seisneb vajaduses näidata oma alasti partnerit võõrastele.
Just seda hetke Etty maalil kujutab. Kuningas Candaules otsustas oma naist Nisat salaja oma ihukaitsjale Gigile näidata, kuid tema plaani avastas naine. Nisa nõudis, et Gig tapaks kas tema või tema perversse abikaasa, misjärel Candaules küüniliselt surnuks pussitati otse oma magamistoas.
"Avignoni neiud"
Lõuendilt "Avignoni tüdrukud"» geniaalne kunstnik Pablo Picasso alustab üleminekut kubismile. Teadaolevalt sai kunstnikku maali loomiseks inspiratsiooni Paul Cezanne oma teosega “Suplejad”. Algselt nimetas Picasso maali "Filosoofiliseks bordelliks" ja paljud usuvad, et maestro kujutas sellel stseeni Barcelona gooti kvartali bordelist.
Maalil on kujutatud viit alasti daami, kes nipsakates poosides kliente ootavad. Mõtlesime kaua, kas lisada see teos pikantsete maalide nimekirja. Lihtsamalt öeldes, kui lõuendil kujutatud geomeetrilised pätikesed äratavad sinus tagasihoidlikke fantaasiaid, siis on meil sulle halbu uudiseid. Kuid laulust ei saa sõnu välja visata ja pildi süžee 1907. aasta kohta on endiselt väga provokatiivne.
"Araabia konkubiiniturg"
Prantsuse maalikunsti klassiku Jean-Leon Gérôme’i suurepärane maal, mis on kirjutatud 1866. aastal, kujutab stseeni idapoolsel orjaturul. Rühm rikkalikes riietes mehi küsib alasti orja hinda, kontrollides ilmselt tema hammustuse õigsust.
Jerome ise teadis kahtlemata palju orjaturgudest ja nende püsiklientidest, kuna ta jumaldas idaosasid ja rändas rohkem kui korra nendesse piirkondadesse inspiratsiooni otsima. Kaasaegsed leitud "Araabia orjaturg“väga trotslik teos ja nimetas pilti hümniks mehe iharale domineerimisele naise üle.
"Suur masturbaator"
Suur sürrealist Salvador Dali jumaldas sündsusetuid maale ja meid päästab tema erotomaaniast vaid maalimisviis, mis süžeed oluliselt moonutab. Nii see tööga on "Suur masturbaator""Kõik pole nii lihtne. Pealegi, kui mitte pealkirja poleks saanud, poleks keegi aru saanud, millega tegu. ilus pilt.
Aga olgu kuidas on, sellel maalil on selgelt väljendatud seksuaalne varjund. Pildi paremas servas olev naise nägu, mis toetus peaaegu mehele pähe, ärritas Dali kaasaegseid ja tekitas isegi hukkamõistu. Noh, keegi ei tea, mida sürrealismi meister lõuendi keskel kujutas – seal toimub võib-olla kõige ohjeldamatum vehkimine.
"Maailma päritolu"
1866. aastal Gustave Courbet’ loodud lihtsa argise süžeega maali ei eksponeeritud liigse anatoomilise autentsuse tõttu üle 130 aasta. Veelgi enam, isegi praegu, kui muuseumikülastajaid on põhimõtteliselt raske üllatada, määratakse sellele maalile eraldi valvur.
2013. aastal ilmus meedias hea uudis - leiti maali teine osa, millelt on näha lapsehoidja nägu. Autori ja tema lähiringkonna eluloo põhjalik uurimine võimaldas välja selgitada daami isiku. Nii osutus raseerimata jalgevahe Courbeti ühe parima õpilase James Whistleri armukese Joanna Hiffernani omaks. nagu see liigutav lugu taaskohtumine.
Need pole maalikunsti ajaloos kaugeltki ainulaadsed – klassikud armastasid alati midagi sellist kokku keerata, täiesti meie vabanenud aegade vaimus.
Kas see meeldis? Kas soovite olla kursis? Telli meie
Õpilaste õpetamine klassikaline kunst, on pedagoogid pikka aega julgustanud kunstnikke elust tööle. Noh, meie läänemaailmas; Nad ei tea, kuidas see Aasia keeles on, aga ma arvan, et see on sama.
Õpilased õpivad joonistama, maalima ja voolima, jälgides objekte, mudeleid ja stseene, mida nad näevad otse. Elust töötamine pole aga iseenesestmõistetav.
Tänapäeval kasutavad paljud kunstnikud fotosid. Ja siin astumegi libedale pinnasele. Kui toetuda ainult fotodele, saate kulutada aega kaamera maailmapildi taasloomisele, mitte aga oma inimlikule, individuaalsele, originaalsele - ühesõnaga sellele, mis on kunsti üks alustalasid.
1. Inimesed ei näe maailma nii, nagu kaamerad näevad.
Kaamera suudab jäädvustada absoluutseid detaile millisekundiga, kuid fotol puudub sügavus.
Näiteks alloleval pildil on kõik stseeni elemendid korraga fookuses, alates esiplaanil olevatest lilledest kuni taustal olevate plaatideni.
Võime vaid öelda, et mõned objektid on teiste taga. Puud ja põõsad ei tundu kolmemõõtmelised; nad näevad välja nagu lamedad figuurid lehemustriga. Kui olete praegu siseruumides, minge akna juurde ja vaadake, kui loed pargis ekraanilt, tehke sama. Vaata puud. Näete mahukat ümarat tüve, oksad on laiali laotatud, rõhutavad isegi taeva sügavust.
See tähendab, et me ületame tajusügavuselt kaamerat – see on meie jaoks kolmemõõtmeline ja kaamera jaoks kahemõõtmeline.
2 Ja siin mängib rolli üks meie võimetest. Õigemini selle puudumine: me ei suuda keskenduda rohkem kui ühele asjale korraga, seetõttu peame iga elemendi nägemiseks silmi liigutama.
Edgar Degase kohvik-kontsert Les Ambassadeursis (1876-1877). Jälgige, kuidas ta poosi loomulikkuses tähelepanu astmega manipuleerib.
Tema huvi on suunatud näole ja parem käsi lauljad, kõik ülejäänud figuurid on maalitud pehmete servadega ja vähendatud kontrastiga.
Nii selgub, et me lugesime esimest plaani selgelt ja teravalt, kõik muu on pehme ja kergelt hägune, kuigi me ei saa sellest kunagi aru. Kui meister maalib elust, ei tõsta ta tausta kontuure kõvade joontega esile.
See näeb fotolt välja selline. Inimesed on taustale lisatud.
Michele Del Campo. Töötab nii fotograafiast kui ka loodusest (palju harvem😊 ). Ta on pälvinud palju kunstilisi auhindu, sealhulgas 2006. aasta BMW auhinna, mille andis välja Hispaania kuninganna Sofia.
Michele Del Campo
3. Saame uurida stseeni varjude ja ereda valgusega ning näha kõike õiges valguses tänu silmade liikumisele. Ja see on väga, väga oluline.
Kaamerad seevastu valivad ühe särituse, mis toimib piisavalt hästi kogu stseeni jaoks. Selle tulemusena moonduvad asjad paratamatult, muutuvad liiga tumedaks või liiga heledaks. Fotodega töötavad kunstnikud kopeerivad seda defekti sageli, märkides oma tööd kahjuks fotograafilisteks. See on kohe ilmne.
Megan Boody on Ameerika kunstnik. Töötab peamiselt digitaalselt manipuleeritud fotodelt. 2009
Fotograafias on tüüpilised objektiivi moonutused kaamera fikseeritud vaatenurga ja objekti läheduse tagajärg.
Seisab samas kohas päris elu, me ei näe seda nii. Meie pidevalt liikuvad silmad kohtavad suuri objekte ja figuure pigem osade kaupa, mitte tervikuna.
4. Skaneerime figuuri, fokusseerides ja taasfokuseerides mitu korda ning iga uue ala fokusseerimisel naaseb eelmine ähmane perifeerne nägemine.
Meie aju seob need paljud vaated üheks intelligentseks tervikuks.
Meie jaoks ei jää elavat hobust vaadates tohutu esipool ja tilluke tagumine ning kunstnik seda nii ei maali. See kuvatakse järgmiselt:
Kogu kujutava kunsti eksisteerimise ajal oli aktil selles eriline koht. See juhtub mitmel põhjusel, mida me kirjeldame artiklis hiljem. Tasub kohe rõhutada, et kuulsad maalid Nõukogude kunstnikud. Mõned kunstnike nimed võivad olla teile tuttavad, kuid teised võivad saada teie jaoks tõeliseks avastuseks ja te soovite nende loomingut paremini tundma õppida.
Juri Raksha – unistus
Aktimaal, nagu ka skulptuur, on eksisteerinud igal ajal ja peaaegu kõigis riikides. See on tingitud asjaolust, et seda tüüpi pilt on praktiliselt põhiline. Iga kunstnik teab suurepäraselt, et pilt alastus on inimese ehituse uurimise aluseks. Enne kui õppida, kuidas inimest õigesti riietes kujutada, mis tahes kujul, poosis ja seades, peate õppima, kuidas teda täiesti alasti joonistada. Selle käigus õpib kunstnikuks pürgija õigesti kujutama nii inimkeha proportsioone kui ka selle erinevaid osi ja nüansse.
Zinaida Serebryakova – Supleja Vastupidiselt nende hinnangutele, kelle jaoks maalimine on ainult ilusaid pilte, alastiolek pole sugugi loodud inimese madalamate soovide ergutamiseks. Selline maalimine esindab või isegi ülistab ilu inimkeha, selle täiuslikkus, erakordne looduse looming või kõrgemad jõud. Sageli kujutavad kunstnikud oma tegelasi alasti, et näidata nende loomulikkust ja loomulikkust, kuuluvust loodusesse või isegi jumalikku maailma. Täiesti teistsugune, vähem oluline efekt ilmneb siis, kui on riietatud samad tegelased ilusad riided, kuna inimkätega loodud esemed rebivad iseloomu loomulikkusest lahti.
Aleksander Deineka – Suplejad Akt oli omane ka kunstnikele nõukogude periood. NSV Liidu ajal lõid kunstnikud maale ka alasti naistega ning seda ei peetud kunagi vulgaarseks, kuna professionaalses, tõsises ja kõrge kunst see on vaevalt vastuvõetav. Pildi loomisel esitab kunstnik puhtamaid ja sügavamaid ideid kui lihtsalt vaataja soovi rahuldamine näha midagi keelatud. Siin saab näha nõukogude kunstnike töid, et hinnata lähimineviku maalikunstnike talenti ja professionaalsust.
Aleksander Gerasimov - Nõukogude avalik vann
A. Zavyalov - Mudelid eesriide taustal 
A. Olhovitš – akt 
Aleksander Samohvalov – akt 
Aleksandr Deineka – modell 
V. Arakcheev – Istuv naine 
Vladimir Stozharov - vann. Pesuv naine 
Michael Bozhi – akt 
Ilja Maškov – akt