Kultuuriarengu aastatuhandete jooksul on inimkond loonud lugematul hulgal kirjandusteoseid, mille hulgast võib eristada mõningaid põhitüüpe, mis on sarnased nii viisil kui ka vormis, mis peegeldavad inimlikke ettekujutusi meid ümbritsevast maailmast. Neid on kolme tüüpi (või tüüpi) kirjandust: eepos, draama, lüürika.

Mis on iga kirjandusliigi puhul erinev?

Eepos kui kirjanduse liik

Eepiline(epos – kreeka keeles, narratiiv, lugu) on sündmuste, nähtuste, protsesside kujutamine autorist väljaspool. Eepilised teosed peegeldavad elu objektiivset kulgu, inimeksistentsi tervikuna. Kasutades erinevaid kunstilisi vahendeid, autorid eepilised teosed väljendada oma arusaama ajaloolistest, sotsiaal-poliitilistest, moraalsetest, psühholoogilistest ja paljudest muudest elavatest probleemidest inimühiskondüldiselt ja iga selle esindaja konkreetselt. Eepilistel teostel on märkimisväärne visuaalne potentsiaal, mis aitab lugejal mõista meid ümbritsev maailm, et mõista inimeksistentsi sügavaid probleeme.

Draama kui kirjanduse žanr

draama(draama – kreeka, tegevus, etendus) on kirjanduse liik, mille peamiseks tunnuseks on teoste lavalisus. Mängib, st. dramaatilised teosed on loodud spetsiaalselt teatri jaoks, laval tootmiseks, mis muidugi ei välista nende olemasolu iseseisvana. kirjanduslikud tekstid mõeldud lugemiseks. Nagu eepos, taastoodab draama inimestevahelisi suhteid, nende tegusid ja nende vahel tekkivaid konflikte. Kuid erinevalt eeposest, mis on olemuselt narratiivne, on draamal dialoogiline vorm.

Sellega seotud dramaatiliste teoste tunnused :

2) näidendi tekst koosneb tegelaste omavahelistest vestlustest: nende monoloogidest (ühe tegelase kõne), dialoogidest (kahe tegelase vestlusest), polüloogidest (mitme tegevuses osaleja samaaegne märkuste vahetamine). Sellepärast kõnele iseloomulik osutub üheks olulisemaks vahendiks kangelase meeldejääva iseloomu loomisel;

3) näidendi tegevus areneb reeglina üsna dünaamiliselt, intensiivselt, reeglina on lavaaega eraldatud 2-3 tundi.

Laulusõnad kui kirjanduse liik

Laulusõnad(lüüra - kreeka, muusikainstrument, mille saatel esitati poeetilisi teoseid ja laule) eristub eriline konstruktsioon kunstiline pilt- see on kujundlik kogemus, milles kehastub autori individuaalne emotsionaalne ja vaimne kogemus. Laulusõnu võib nimetada kõige salapärasemaks kirjandusliigiks, kuna see on suunatud inimese sisemaailmale, tema subjektiivsetele tunnetele, ideedele ja ideedele. Teisisõnu, lüüriline teos teenib eelkõige autori individuaalset eneseväljendust. Tekib küsimus: miks lugejad, s.o. teised inimesed pöörduvad selliste teoste poole? Asi on selles, et lüürik, rääkides enda nimel ja endast, kehastab imekombel universaalseid inimlikke emotsioone, ideid, lootusi ja mida olulisem on autori isiksus, seda olulisem on lugeja jaoks tema individuaalne kogemus.

Igal kirjandusliigil on ka oma žanrisüsteem.

Žanr(žanr - prantsuse perekond, tüüp) - ajalooliselt väljakujunenud kirjandusteose tüüp, millel on sarnased tüpoloogilised tunnused. Žanrinimed aitavad lugejal navigeerida tohutus kirjandusmeres: mõned armastavad detektiivilugusid, teised eelistavad fantaasiat ja kolmandad on memuaaride fännid.

Kuidas määrata Millisesse žanrisse konkreetne teos kuulub? Enamasti aitavad meid selles autorid ise, nimetades oma loomingut romaaniks, jutustuseks, luuletuseks jne. Mõned autori määratlused tunduvad aga meile ootamatud: meenutagem, et A.P. Tšehhov rõhutas, et “Kirsiaed” on komöödia ja üldse mitte draama, vaid A.I. Solženitsõn pidas ühte päeva Ivan Denissovitši elus looks, mitte romaaniks. Mõned kirjandusteadlased nimetavad vene kirjandust žanriparadokside kogumiks: romaan värsis “Jevgeni Onegin”, luuletus proosas “ Surnud hinged", satiiriline kroonika "Ühe linna ajalugu". L.N. teose "Sõda ja rahu" osas oli palju poleemikat. Tolstoi. Kirjanik ise ütles ainult selle kohta, mida tema raamat ei ole: “Mis on sõda ja rahu? See pole romaan, veel vähem luuletus, veel vähem ajalookroonika. "Sõda ja rahu" on see, mida autor tahtis ja suutis väljendada kujul, milles see väljendus. Ja alles 20. sajandil nõustusid kirjandusteadlased nimetama L. N. säravat loomingut. Tolstoi eepiline romaan.

Iga kirjanduslik žanr omab mitmeid stabiilseid tunnuseid, mille tundmine võimaldab liigitada konkreetse teose ühte või teise rühma. Žanrid arenevad, muutuvad, surevad välja ja sünnivad, näiteks sõna otseses mõttes meie silme all on tekkinud uus ajaveebi (web loq) žanr - isiklik veebipäevik.

Siiski on juba mitu sajandit eksisteerinud stabiilsed (nimetatakse ka kanoonilisteks) žanrid.

Kirjandusteoste kirjandus – vt tabel 1).

Tabel 1.

Kirjandusteoste žanrid

Kirjanduse eepilised žanrid

Eepilised žanrid eristuvad eelkõige nende mahu järgi jaotatakse need väikesteks (; essee, jutt, novell, muinasjutt, tähendamissõna ), keskmine ( lugu ), suur ( romaan, eepiline romaan ).

Essee- väike sketš elust, žanr on nii kirjeldav kui ka jutustav. Paljud esseed on loodud dokumentaalsel, elupõhisel alusel, need on sageli kombineeritud tsükliteks: klassikaline näidis- "Sentimentaalne teekond läbi Prantsusmaa ja Itaalia" (1768) inglise kirjanik Laurence Stern, vene kirjanduses – see on A. Radištševi “Reis Peterburist Moskvasse” (1790), I. Gontšarovi “Frigatt Pallada” (1858), B. Zaitsevi “Itaalia” (1922), jne.

Lugu- väike narratiivžanr, mis tavaliselt kujutab ühte episoodi, juhtumit, inimtegelast või olulist juhtumit teda mõjutanud kangelase elus tulevane saatus(L. Tolstoi “Pärast balli”). Lugusid luuakse nagu dokumentaalfilmis, sageli autobiograafiline alus(A. Solženitsõni "Matrjonini dvor") ja tänu puhtale ilukirjandusele (I. Bunini "Härrasmees San Franciscost").

Lugude intonatsioon ja sisu võivad olla väga erinevad - koomilistest, naljakatest ( varased lood A.P. Tšehhov") sügavalt traagilisele (V. Šalamovi "Kolõma lood"). Lugusid, nagu esseesidki, liidetakse sageli tsükliteks (I. Turgenevi “Jahimehe märkmed”).

Novella(novella itaalia uudised) sarnaneb paljuski novellile ja seda peetakse selle vaheldusrikkuseks, kuid eristub narratiivi erilise dünaamilisuse, teravate ja sageli ootamatute pööretega sündmuste arengus. Sageli algab jutustus novellis lõpuga ja on üles ehitatud inversiooniseaduse järgi, s.t. vastupidises järjekorras, kui lõpp eelneb põhisündmustele (N. Gogoli “Kohutav kättemaks”). See novelli ülesehituse omadus laenatakse hiljem detektiivižanri poolt.

Sõnal "novella" on veel üks tähendus, mida tulevased advokaadid peavad teadma. Vana-Roomas viitas väljend "novellae leges" (uued seadused) seadustele, mis võeti kasutusele pärast seaduste ametlikku kodifitseerimist (pärast Theodosius II seadustikku aastal 438). Justinianuse ja tema järglaste romaanid, mis ilmusid pärast Justinianuse seadustiku teist väljaannet, kuulusid hiljem Rooma seaduste koodeksisse (Corpus iuris civillis). IN moodne ajastu romaan on parlamendile esitatav seadus (teisisõnu seaduseelnõu).

Muinasjutt- väikestest eepilistest žanritest vanim, mis tahes inimeste suulises loovuses üks peamisi. See on maagilist, seikluslikku või igapäevast laadi väiketeos, kus ilukirjandus on selgelt esile tõstetud. Teine oluline omadus rahvajutt- selle arendav iseloom: "Muinasjutt on vale, kuid selles on vihje, head sellidõppetund". Rahvajutud jagunevad tavaliselt muinasjuttudeks (“Konnprintsessi lugu”), argijuttudeks (“Puder kirvest”) ja juttudeks loomadest (“Zajuškina onn”).

Kirjaliku kirjanduse arenguga tekivad traditsioonilisi motiive ja sümboolseid võimalusi kasutavad kirjandusjutud rahvajutt. Taani kirjanikku Hans Christian Andersenit (1805-1875) peetakse õigustatult kirjandusmuinasjuttude žanri klassikuks tema imelisi “Väike merineitsi”, “Printsess ja hernes”, “Lumekuninganna”, “Vastakas plekk; Sõdur”, “Vari”, “Pöial” on armastatud mitme põlvkonna lugejate, nii väga noorte kui ka üsna küpsete lugejate seas. Ja see pole kaugeltki juhuslik, sest Anderseni muinasjutud pole mitte ainult erakordsed ja mõnikord kummalised kangelaste seiklused, vaid sisaldavad sügavat filosoofilist ja moraalne tähendus, ümbritsetud kaunite sümboolsete piltidega.

Euroopast kirjanduslikud muinasjutud XX sajand sai klassikaks " Väike prints"(1942) prantsuse kirjanik Antoine de Saint-Exupéry. Ja inglise kirjaniku Cl. kuulus "Narnia kroonika" (1950 - 1956). Lewis ja "Sõrmuste isand" (1954-1955), samuti inglase J. R. Tolkieni poolt, on kirjutatud fantaasiažanris, mida võib nimetada iidse rahvajutu tänapäevaseks transformatsiooniks.

Vene kirjanduses jäävad A.S.-i muinasjutud muidugi ületamatuks. Puškin: “Surnud printsessist ja seitsmest kangelasest”, “Kalamehest ja kalast”, “Tsaar Saltanist...”, “Kuldsest kukest”, “Preestrist ja tema töölisest Baldast”. Suurepärane jutuvestja oli “Väikese küürakaga hobuse” autor P. Eršov. 20. sajandil lõi E. Schwartz muinasjutumängu vormi, millest üks “Karu” (teine ​​nimi on “Tavaline ime”) on paljudele tuntud tänu M. Zahharovi lavastatud imelisele filmile.

Tähendamissõna- ka väga iidne rahvalik žanr, kuid erinevalt muinasjuttudest sisaldasid tähendamissõnad kirjalikke monumente: Talmud, Piibel, Koraan, Süüria kirjanduse monument “Akahara õpetused”. Tähendamissõna on õpetliku, sümboolse iseloomuga teos, mida eristab ülevus ja sisu tõsidus. Muistsed tähendamissõnad on reeglina väikese mahuga, need ei sisalda üksikasjalik lugu sündmuste või kangelase tegelase psühholoogiliste omaduste kohta.

Tähendamissõna eesmärk on kasvatamine või, nagu nad kunagi ütlesid, tarkuse õpetamine. Euroopa kultuuris on evangeeliumide kõige kuulsamad tähendamissõnad: kadunud poeg, rikkast mehest ja Laatsarusest, ebaõiglasest kohtunikust, hullust rikkast ja teistest. Kristus rääkis sageli oma jüngritega allegooriliselt ja kui nad ei mõistnud tähendamissõna tähendust, selgitas ta seda.

Paljud kirjanikud pöördusid mõistujuttude žanri poole, muidugi mitte alati, pannes sellele kõrge religioosse tähenduse, vaid pigem püüdes allegoorilises vormis väljendada mingit moralistlikku ülesehitust, nagu näiteks L. Tolstoi oma hilises teoses. tööd. Kandke seda. V. Rasputin – Hüvasti Materaga" võib nimetada ka laiendatud tähendamissõnaks, milles kirjanik räägib ärevuse ja kurbusega inimese "südametunnistuse ökoloogia" hävingust. Paljud kriitikud peavad kirjanduslike tähendamissõnade traditsiooni osaks ka E. Hemingway lugu “Vanamees ja meri”. Kuulus kaasaegne Brasiilia kirjanik Paulo Coelho oma romaanides ja juttudes kasutab ta ka tähendamissõna (romaan “Alkeemik”).

Lugu- keskmine kirjandusžanr, mis on laialdaselt esindatud maailmakirjanduses. Lugu kujutab mitut olulised episoodid kangelase elust on reeglina üks süžeeliin ja väike arv tegelasi. Lugusid iseloomustavad suurepärased psühholoogiline küllastus, keskendub autor tegelaste läbielamistele ja meeleolumuutustele. Väga sageli põhiteema Peategelase armastusest saab lugu, näiteks F. Dostojevski “Valged ööd”, I. Turgenevi “Asja”, I. Bunini “Mitya armastus”. Lugusid saab ühendada ka tsükliteks, eriti need, mis on kirjutatud autobiograafilisel materjalil: L. Tolstoi “Lapsepõlv”, “Noorus”, “Noorus”, A. Gorki “Lapsepõlv”, “Inimestes”, “Minu ülikoolid”. Lugude intonatsioonid ja temaatika on äärmiselt mitmekesised: traagilised, teravaid sotsiaalseid ja moraalseid probleeme käsitlev (V. Grossmani “Kõik voolab”, Yu. Trifonovi “Maja kaldapealsel”), romantiline, kangelaslik (“Taras Bulba”, autor N. Gogol), filosoofiline, mõistujutud (A. Platonovi “Süvend”), vallatu, koomiline (inglise kirjaniku Jerome K. Jerome’i “Kolm paadis, ei loe koera”).

Romaan(algselt prantsuse keeles, hiliskeskajal, kõik romaani keeles kirjutatud teosed, erinevalt ladina keeles kirjutatud teostest) – suur eepiline teos, milles narratiiv on keskendunud saatusele üksikisik. Romaan on kõige keerulisem eepiline žanr, mida eristab uskumatult palju teemasid ja süžeed: armastus, ajalooline, detektiiv, psühholoogiline, fantaasia, ajalooline, autobiograafiline, sotsiaalne, filosoofiline, satiiriline jne. Kõiki neid romaani vorme ja tüüpe ühendab selle keskne idee - isiksuse, inimese individuaalsuse idee.

Romaani nimetatakse eraelu eeposeks, sest see kujutab maailma ja inimese, ühiskonna ja indiviidi vahelisi eriilmelisi seoseid. Inimest ümbritsev tegelikkus esitatakse romaanis erinevates kontekstides: ajaloolises, poliitilises, sotsiaalses, kultuurilises, rahvuslikus jne. Romaani autorit huvitab, kuidas keskkond mõjutab inimese iseloomu, kuidas ta kujuneb, kuidas tema elu areneb, kas tal õnnestus oma eesmärk leida ja ennast realiseerida.

Paljud omistavad selle žanri alguse antiigile, näiteks Longi Daphnis ja Chloe, Apuleiuse Kuldne eesel ning rüütliromaan Tristan ja Isolde.

Maailmakirjanduse klassikute teostes on romaani esindatud arvukate meistriteostega:

Tabel 2. Näited klassikaline romaan välis- ja vene kirjanikud (XIX, XX sajand)

19. sajandi vene kirjanike kuulsad romaanid .:

20. sajandil arendavad ja täiustavad vene kirjanikud oma suurte eelkäijate traditsioone ning loovad mitte vähem imelisi romaane:

Loomulikult ei saa ükski sellistest loeteludest pretendeerida täielikkusele ja ammendavale objektiivsusele, eriti kui tegemist on kaasaegse proosaga. Antud juhul enim nimetatud kuulsad teosed, mis ülistas nii riigi kirjandust kui ka kirjaniku nime.

Eepiline romaan. Iidsetel aegadel olid vormid kangelaseepos: rahvaluule saagad, ruunid, eeposed, laulud. Need on India "Ramayana" ja "Mahabharata", anglosaksi "Beowulf", prantsuse "Song of Roland", saksa "Song of the Nibelungs" jne. Nendes töödes tõsteti kangelase vägitegusid esile idealiseeritud, sageli hüperboolne vorm. Homerose hilisemad eepilised poeemid “Ilias” ja “Odüsseia”, Ferdowsi “Shah-nimi”, säilitades samal ajal mütoloogilise iseloomu varane eepos, aga oli väljendunud seosega päris lugu, ja kudumise teema inimese saatus ja inimeste elu muutub neis üheks peamiseks asjaks. Iidsete kogemuste järele on nõudlus 19.–20. sajandil, mil kirjanikud püüavad mõista ajastu ja individuaalse isiksuse vahelist dramaatilist suhet ning räägivad katsumustest, millele moraal ja mõnikord ka inimese psüühika allutatakse. suurimate ajalooliste murrangute ajal. Meenutagem F. Tjutševi ridu: "Õnnis on see, kes külastas seda maailma selle saatuslikel hetkedel." Poeedi romantiline valem tähendas tegelikkuses kõigi tuttavate eluvormide hävitamist, traagilisi kaotusi ja täitumata unistusi.

Eepilise romaani keeruline vorm võimaldab kirjanikel neid probleeme kunstiliselt uurida kogu nende täielikkuses ja ebajärjekindluses.

Eepilise romaani žanrist rääkides meenub muidugi kohe L. Tolstoi “Sõda ja rahu”. Võib tuua ka teisi näiteid: " Vaikne Don"M. Šolohhov, V. Grossmani "Elu ja saatus", inglise kirjaniku Galsworthy "Forsyte'i saaga"; Ameerika kirjaniku Margaret Mitchelli raamat Tuulest viidud"Võib ka mõjuval põhjusel liigitada selle žanri alla.

Juba žanri nimi viitab sünteesile, kahe põhiprintsiibi kombinatsioonile selles: uudne ja eepiline, s.t. seotud üksikisiku elu ja rahva ajaloo temaatikaga. Ehk siis eepiline romaan räägib kangelaste saatusest (reeglina on kangelased ise ja nende saatused fiktiivsed, autori väljamõeldud) ajastuloovate ajaloosündmuste taustal ja nendega tihedas seoses. Niisiis, "Sõjas ja rahus" - need on üksikute perekondade (Rostov, Bolkonsky), armastatud kangelaste (prints Andrei, Pierre Bezukhov, Nataša ja printsess Marya) saatused Venemaa ja kogu Euroopa pöördepunktis. ajalooline periood 19. sajandi algus, 1812. aasta Isamaasõda. Šolohhovi raamatus tungivad Esimese maailmasõja sündmused, kaks revolutsiooni ja verine kodusõda traagiliselt kasakate talu ellu, Melehhovi perekonna ellu ja peategelaste: Grigori, Aksinja, Natalja saatusesse. V. Grossman räägib Suurest Isamaasõjast ja selle põhisündmusest - Stalingradi lahingust, holokausti tragöödiast. “Elu ja saatus” põimub ka ajaloolisi ja perekonna teema: autor jälgib Šapošnikovide ajalugu, püüdes mõista, miks selle perekonna liikmete saatused nii erinevaks kujunesid. Galsworthy kirjeldab Forsyte'i perekonna elu läbi kogu legendaarse viktoriaanlik ajastu Inglismaal. Margaret Mitchell on USA ajaloo keskne sündmus, Põhja ja Lõuna vaheline kodusõda, mis muutis dramaatiliselt paljude perede elusid ja Ameerika kirjanduse kuulsaima kangelanna Scarlett O'Hara saatust.

Kirjanduse dramaatilised žanrid

Tragöödia(tragodia Greek goat song) on ​​dramaatiline žanr, mis sai alguse Vana-Kreekast. Antiikteatri ja tragöödia tekkimist seostatakse viljakuse- ja veinijumala Dionysose kultuse kummardamisega. Talle pühendati hulk pühi, mille käigus mängiti läbi rituaale. maagilised mängud mummerite, satüüridega, keda vanad kreeklased kujutlesid kahejalgsete kitsetaoliste olenditena. Eeldatakse, et just Dionysose auks hümne laulvate saatarite ilmumine andis sellele tõsisele žanrile tõlkes nii kummalise nime. Teatrietendusele anti Vana-Kreekas maagiline religioosne tähendus ja teatrid ehitati suurte areenidena. vabas õhus, on alati asunud linnade keskel ja olnud üks peamisi avalikke kohti. Pealtvaatajad veetsid siin mõnikord terve päeva: sõid, jõid, väljendasid valjuhäälselt oma heakskiitu või umbusaldust esitatavale vaatemängule. Vana-Kreeka tragöödia õitseaeg on seotud kolme suure tragöödia nimega: Aischylos (525-456 eKr) - tragöödiate “Aheldatud Prometheus”, “Oresteia” jne autor; Sophokles (496-406 eKr) - "Kuningas Oidipus", "Antigone" jne autor; ja Euripides (480-406 eKr) - "Medea", "Troyanok" jt looja. Nende looming jääb žanri näideteks sajandeid, kuid neid püütakse jäljendada, kuid need jäävad ületamatuks. Mõned neist (“Antigone”, “Medeia”) on lavastatud tänaseni.

Millised on tragöödia põhijooned? Peamine on lahendamatu globaalse konflikti olemasolu: iidses tragöödias on see ühelt poolt saatuse, saatuse ja teiselt poolt inimese, tema tahte, vaba valiku vastasseis. Hilisemate ajastute tragöödiates omandas see konflikt moraalse ja filosoofilise iseloomu, kui vastasseis hea ja kurja, lojaalsuse ja reetmise, armastuse ja vihkamise vahel. Sellel on absoluutne iseloom, vastasjõude kehastavad kangelased pole leppimiseks ega kompromissiks valmis ning seetõttu kaasneb tragöödia lõppemisega sageli palju surma. Nii konstrueeriti suure inglise näitekirjaniku William Shakespeare’i (1564-1616) tragöödiaid neist kuulsamaid: “Hamlet”, “Romeo ja Julia”, “Othello”, “Kuningas Lear”, “Macbeth”; “, “Julius Caesar” jne.

17. sajandi prantsuse näitekirjanike Corneille’ (Horaceus, Polyeuctus) ja Racine’i (Andromache, Britannicus) tragöödiates sai see konflikt teistsuguse tõlgenduse – kohustuste ja tunnete konfliktina, peategelaste hinges ratsionaalne ja emotsionaalne, s.t. . omandanud psühholoogilise tõlgenduse.

Vene kirjanduse tuntuim on romantiline tragöödia “Boriss Godunov”, autor A.S. Puškin, loodud ajaloolisel materjalil. Ühes oma parimas teoses tõstatas poeet teravalt Moskva riigi "tõelise häda" - pettuste ja "kohutavate julmuste" ahelreaktsiooni, milleks inimesed on võimu nimel valmis. Teine probleem on inimeste suhtumine kõigesse, mis riigis toimub. “Boriss Godunovi” finaalis kujutatud “vaikivate” inimeste kujund on sümboolne tänaseni, mida Puškin tahtis öelda. Tragöödia põhjal kirjutati M. P. Mussorgski samanimeline ooper, millest sai vene ooperiklassika meistriteos.

Komöödia(Kreeka komos – rõõmsameelne rahvahulk, oda – laul) – Vana-Kreekast veidi hiljem kui tragöödia (5. sajand eKr) tekkinud žanr. Tolle aja kuulsaim koomik oli Aristophanes (“Pilved”, “Konnad” jne).

Komöödias satiiri ja huumori toel, s.o. koomiline, naeruvääristatakse moraalseid pahesid: silmakirjalikkus, rumalus, ahnus, kadedus, argus, enesega rahulolu. Komöödiad on reeglina aktuaalsed, s.t. adresseeritud sotsiaalsed küsimused, paljastades valitsuse puudused. On sitcome ja karakterkomöödiaid. Esimeses on oluline kaval intriig, sündmuste ahel (Shakespeare’i vigade komöödia), teises kangelaste karakterid, nende absurdsus, ühekülgsus, nagu D. Fonvizini komöödiates “Alaealine”; , “Aadli kaupmees”, “Tartuffe”, mille autor on klassikaline žanr, 17. sajandi prantsuse koomik Jean Baptiste Moliere. Vene draamas osutus eriti nõutuks satiiriline komöödia terava ühiskonnakriitikaga, nagu N. Gogoli “Kindralinspektor”, M. Bulgakovi “Karmiinpunane saar”. A. Ostrovski lõi palju imelisi komöödiaid (“Hundid ja lambad”, “Mets”, “Meeletu raha” jne).

Komöödiažanr naudib avalikkuse ees alati edu, võib-olla seetõttu, et see kinnitab õigluse võidukäiku: finaalis tuleb pahe kindlasti karistada ja voorus peab võidutsema.

draama- suhteliselt "noor" žanr, mis ilmus Saksamaal 18. sajandil kui lesedrama (saksa keel) - näidend lugemiseks. Draama on adresseeritud inimese ja ühiskonna igapäevaelule, igapäevaelule ja peresuhetele. Mind huvitab eelkõige draama. sisemaailm inimlik, see on kõigist draamažanridest kõige psühholoogilisem. Samas on see lavažanridest ka kõige kirjanduslikum, näiteks A. Tšehhovi näidendeid tajutakse suuresti pigem lugemisteksti, mitte teatrietendusena.

Kirjanduse lüürilised žanrid

Jaotus žanriteks laulusõnades ei ole absoluutne, sest žanritevahelised erinevused on antud juhul tinglikud ega ole nii ilmsed kui eeposes ja draamas. Sagedamini eristame lüürilisi teoseid temaatiliste tunnuste järgi: maastik, armastus, filosoofiline, sõbralik, intiimne laulutekst jne. Siiski võime nimetada mõningaid žanre, millel on väljendunud individuaalsed omadused: eleegia, sonett, epigramm, epistle, epitaaf.

Eleegia(elegos kreeka keeles: kaeblik laul) - keskmise pikkusega luuletus, tavaliselt moraalse, filosoofilise, armastuse, pihtimusliku sisuga.

Žanr tekkis antiikajal ja selle peamiseks tunnuseks peeti eleegilist distichi, s.o. luuletuse jagamine paarideks, näiteks:

Saabus igatsetud hetk: minu kauaaegne töö on läbi. Miks see arusaamatu kurbus mind salaja häirib?

A. Puškin

19.–20. sajandi luules pole paarideks jaotamine enam nii range nõue, nüüd on tähenduslikumad žanri päritoluga seotud semantilised tunnused. Sisu poolest ulatub eleegia tagasi muistse matuse “nutulaulu” vormi, milles lahkunut leinates meenutati ühtaegu tema erakordseid voorusi. See päritolu määras eleegia peamise tunnuse - leina ja usu kombinatsiooni, kahetsust lootusega, olemasolu aktsepteerimist kurbuse kaudu. Lüüriline kangelane Eleegia on teadlik maailma ja inimeste ebatäiuslikkusest, oma patusest ja nõrkusest, kuid ei lükka elu tagasi, vaid võtab selle vastu kogu selle traagilises ilus. Ilmekas näide on A.S. "Eleegia". Puškin:

Hullud aastad luitunud lõbu

See on minu jaoks raske, nagu ebamäärane pohmell.

Aga nagu vein – möödunud päevade kurbus

Minu hinges on see, et mida vanemaks ma saan, seda tugevam see on.

Minu tee on kurb. Lubab mulle tööd ja leina

Saabuv rahutu meri.

Aga ma ei taha, sõbrad, surra;

Ma tahan elada nii, et saaksin mõelda ja kannatada;

Ja ma tean, et mul on rõõm

Kurbuste, murede ja murede vahel:

Mõnikord jään taas harmooniast purju,

Valan ilukirjanduse pärast pisaraid,

Ja võib-olla – minu kurval päikeseloojangul

Armastus vilgub hüvastijätunaeratusega.

Sonet(sonetto itaalia laul) - niinimetatud "tahke" poeetiline vorm, millel on ranged ehitusreeglid. Sonetil on 14 rida, mis on jagatud kaheks neljaks ja kaheks tertsetiks. Nelikvärssides kordub ainult kaks riimi, terzettos kaks või kolm. Omad nõudmised olid ka riimimismeetoditel, mis aga varieerusid.

Soneti sünnikoht on Itaalia, see žanr on esindatud ka inglise ja prantsuse luules. 14. sajandi itaalia luuletajat Petrarchat peetakse žanri valgustiks. Ta pühendas kõik oma sonetid oma armastatud Donna Laurale.

Vene kirjanduses jäävad ületamatuks ka A. S. Puškini sonetid, kes lõid kauneid sonette.

Epigramm(kreeka epigramma, pealdis) - lühike pilkav luuletus, mis on tavaliselt adresseeritud konkreetsele isikule. Paljud luuletajad kirjutavad epigramme, suurendades mõnikord oma pahatahtlike ja isegi vaenlaste arvu. Epigramm krahv Vorontsovi kohta osutus A.S-i jaoks halvaks. Puškin selle aadliku vihkamise ja lõpuks Odessast Mihhailovskojesse väljasaatmise kaudu:

Popu, mu isand, poolkaupmees,

Pooltark, pooleldi võhiklik,

Poolkaabakas, aga lootust on

Mis saab lõpuks valmis.

Pilkavaid luuletusi võib pühendada mitte ainult konkreetsele isikule, vaid ka üldisele adressaadile, nagu näiteks A. Ahmatova epigrammis:

Kas Biche, nagu Dante, võiks luua?

Kas Laura käis armastuse kuumust kiitmas?

Õpetasin naisi rääkima...

Aga issand, kuidas neid vaigistada!

Teada on isegi epigrammide omalaadse duelli juhtumeid. Kui kuulus vene advokaat A.F. Kony määrati senatisse, tema pahatahtlikud inimesed levitasid tema kohta kurja epigrammi:

Caligula tõi oma hobuse senatisse,

See seisab, riietatud nii sameti kui kullaga.

Aga ma ütlen, et meil on sama meelevald:

Lugesin ajalehtedest, et Kony on senatis.

Millele A.F. Kony, keda eristas oma erakordne kirjanduslik anne, vastas:

(epitafia kreeka keeles, hauakivi) - lahkunud inimese hüvastijätuluuletus, mis on mõeldud hauakivile. Algselt kasutati seda sõna otseses tähenduses, kuid hiljem hakati seda rohkem kasutama kujundlik tähendus. Näiteks I. Buninil on lüüriline miniatuur proosas “Epitaaf”, mis on pühendatud hüvastijätuks vene mõisaga, mis oli kirjanikule kallis, kuid igaveseks minevik. Järk-järgult muutub epitaaf pühendusluuletuseks, hüvastijätupoeemiks (A. Ahmatova “Pärg surnule”). Võib-olla kuulsaim sedalaadi luuletus vene luules on M. Lermontovi “Poeedi surm”. Teine näide on M. Lermontovi “Epitaaf”, mis on pühendatud kahekümne kahe aasta vanuselt surnud poeedi ja filosoofi Dmitri Venevitinovi mälestusele.

Tragöödia(Hr. Tragosest - kits ja ood - laul) - üks draama liike, mis põhineb ebatavalise isiksuse ja ületamatu vastuolul. välised asjaolud. Tavaliselt kangelane sureb (Romeo ja Julia, Shakespeare'i Hamlet). Tragöödia sai alguse Vana-Kreekast, nimi pärineb rahvalavastusest veinijumala Dionysose auks. Esitati tantse, laule ja jutte tema kannatustest, mille lõpus ohverdati kits.

Komöödia(gr. comoidia. Comos – rõõmsameelne rahvahulk ja ood – laul) – dramaatilise omavoli tüüp, mis kujutab koomikat inimeste ühiskondlikus elus, käitumises ja iseloomus. On olukordade koomikat (intriig) ja tegelaste komöödiat.

draama - tragöödia ja komöödia vahepealne dramaturgia tüüp (A. Ostrovski “Äikesetorm”, I. Franko “Varastatud õnn”). Draamad kujutavad peamiselt inimese eraelu ja tema teravat konflikti ühiskonnaga. Samas pannakse sageli rõhku universaalsetele inimlikele vastuoludele, mis kehastuvad konkreetsete tegelaste käitumises ja tegudes.

Müsteerium(kr. müsteeriumist - sakrament, religioosne talitus, rituaal) - hiliskeskaja (XIV-XV sajand) massilise religioosse teatri žanr, mis oli laialt levinud Lääne-Nvrotta maades.

Kõrvaletendus(ladina keelest intermedius - mis on keskel) - väike koomiline näidend või sketš, mis esitati peadraama osade vahel. Kaasaegses popkunstis eksisteerib see iseseisva žanrina.

Vaudeville(prantsuse vodevillist) kerge koomiline näidend, milles dramaatiline tegevus on ühendatud muusika ja tantsuga.

Melodraama - terava intriigi, ülepaisutatud emotsionaalsuse ning moraalse ja didaktilise kalduvusega näidend. Melodraamale on tüüpiline "õnnelik lõpp", triumf maiuspalad. Melodraama žanr oli populaarne 18. sajandil. 19. sajandil, omandas hiljem negatiivse maine.

Farss(ladina farciost alustan, täidan) on 14. - 16. sajandi Lääne-Euroopa rahvakomöödia, mis sai alguse naljakatest rituaalimängudest ja vahepaladest. Farssi iseloomustavad populaarsete ideede põhijooned: massiline osalus, satiiriline orientatsioon ja ebaviisakas huumor. Uusajal on see žanr sattunud väiketeatrite repertuaari.

Nagu märgitud, segatakse kirjandusliku kujutamise meetodeid sageli üksikute tüüpide ja žanrite piires. Seda segu on kahte tüüpi: mõnel juhul on olemas teatud tüüpi kaasamine, kui peamised üldised omadused on säilinud; teistes on üldpõhimõtted tasakaalus ja teost ei saa omistada ei eeposele, vaimulikule ega draamale, mistõttu neid nimetatakse kõrvuti või segatud koosseisud. Enamasti segatakse eepos ja lüürika.

Ballaad(Provence ballarist - tantsuks) - väike poeetiline teos, millel on terav dramaatiline armastuse süžee, legendaarne-ajalooline, kangelaslik-patriootlik või muinasjutuline sisu. Sündmuste kujutamine on selles ühendatud väljendunud autoritundega, eepos kombineeritud laulusõnadega. Žanr levis laialt romantismi ajastul (V. Žukovski, A. Puškin, M. Lermontov, T. Ševtšenko jt).

Lüüriline eepiline luuletus- poeetiline teos, milles V. Majakovski järgi luuletaja räägib ajast ja iseendast (V. Majakovski, A. Tvardovski, S. Yesenini jt luuletused).

Dramaatiline luuletus- dialoogilises vormis kirjutatud teos, mis pole mõeldud laval lavastuseks. Selle žanri näited: Goethe “Faust”, Byroni “Kain”, L. Ukrainka “Katakombides” jne.

Draama on kirjandusžanr (koos eepilise ja lüürilise luulega), mis hõlmab loomingut kunstimaailm lavaliseks teostuseks näidendis. Nagu eepos, taastoodab see objektiivset maailma, see tähendab inimesi, asju, loodusnähtusi.

ISELOOMULIKUD OMADUSED

1. Draama on kõige iidseim kirjanduse liik, mille peamine erinevus teistest pärineb samast antiigist – sünkretismist, mil erinevad kunstiliigid on ühendatud ühte (muistse loovuse sünkretism – kunstilise sisu ja maagia ühtsuses, mütoloogia, moraal).

2. Draamateosed on kokkuleppelised.

Puškin ütles: "Iga tüüpi kirjutistest on kõige ebatõenäolisemad dramaatilised."

3. Draama keskmes on konflikt, sündmus, mille lavastab tegevus. Süžee moodustavad sündmused ja inimeste tegemised.

4. Draama kui kirjandusžanri eripära seisneb selle erilises organiseerituses kunstiline kõne: erinevalt eeposest puudub draamas jutustamine ning kangelaste vahetu kõne, nende dialoogid ja monoloogid on ülimalt olulised.

Draama pole mitte ainult verbaalne (koopiad “küljele”), vaid ka lavastatud, seega on oluline tegelaste kõne (dialoogid, monoloogid). Isegi iidses tragöödias oli kooridel oluline roll (autori arvamuse laulmine) ja klassikas etendasid seda rolli arutlejad.

"Sa ei saa olla näitekirjanik, kui teil pole iluoskust" (Diderot).

“Hea näidendi tegelased peaksid rääkima aforismides” (M. Gorki).

5. Dramaatilises teoses on reeglina lavaefektid ja tegevuskiirus.

6. Eriline dramaatiline tegelane: ebatavaline (teadlikud kavatsused, väljakujunenud mõtted), väljakujunenud iseloom, erinevalt eeposest.

7. Draamateosed on väikese mahuga.

Bunin märkis selle kohta: "Sa pead suruma mõtted täpsetesse vormidesse, aga see on nii põnev!"

8. Draama loob illusiooni. täielik puudumine autor. Autori kõnest draamas jäävad alles vaid lavajuhised - autori lühinäitajad tegevuskoha ja -aja kohta, näoilmed, intonatsioon jne.

9. Tegelaste käitumine on teatraalne. Nad ei käitu elus nii ja nad ei räägi nii.

Meenutagem Sobakevitši naise ebaloomulikkust: "Feodulia Ivanovna palus istuda, öeldes ka: "Palun!" ja tegi oma peaga liigutuse, nagu kuningannasid kujutavad näitlejannad. Siis istus ta diivanile, kattis end meriinoga salli ja ei liigutanud enam ei oma silma ega kulmu, isegi mitte nina."

DRAMAATILISTE TEOSTE TRADITSIOONILINE SKEEM: EKSPOSITSIOON - kangelaste esitlus; TIE – kokkupõrge; TEGEVUSE ARENG - stseenide kogum, idee arendamine; CLIMAX – konflikti apogee; DENONNSSEERIMINE.

Kirjanduse dramaatilisel žanril on kolm põhižanri: tragöödia, komöödia ja draama selle sõna kitsamas tähenduses, kuid sellel on ka sellised žanrid nagu vodevill, melodraama ja tragikomöödia.

Tragöödia (kreeka tragoidia, lit. - kitse laul) - "dramaatiline žanr, mis põhineb traagilisel kokkupõrkel kangelaslikud tegelased, selle traagiline tulemus ja täis paatost...”

Tragöödia kujutab tegelikkust trombina sisemised vastuolud, paljastab see reaalsuse konfliktid äärmiselt pingelises vormis. See on dramaatiline teos, mis põhineb lepitamatul konfliktil elus, mis viib kangelase kannatuste ja surmani. Seega, kokkupõrkes kuritegude, valede ja silmakirjalikkuse maailmaga, hukkub arenenud humanistlike ideaalide kandja traagiliselt Taani prints Hamlet, William Shakespeare’i samanimelise tragöödia kangelane. Traagiliste kangelaste võitluses ilmnevad inimliku iseloomu kangelaslikud jooned suurepäraselt.

Tragöödia žanril on pikk ajalugu. See tekkis religioossetest kultusrituaalidest ja kujutas endast müüdi lavalavastust. Teatri tulekuga tekkis tragöödia iseseisva draamakunsti žanrina. Tragöödiate loojad olid 5. sajandi Vana-Kreeka näitekirjanikud. eKr e. Sophokles, Euripides, Aischylos, kes jätsid sellest täiuslikud näited. Nad peegeldasid traagiline kokkupõrge hõimusüsteemi traditsioonid uue ühiskonnakorraldusega. Neid konflikte tajusid ja kujutasid näitekirjanikud peamiselt mütoloogilist materjali kasutades. Iidse tragöödia kangelane sattus lahendamatusse konflikti kas valitseva kalju (saatuse) või jumalate tahte tõttu. Nii kannatab Aischylose tragöödia “Prometheus Bound” kangelane, sest ta rikkus Zeusi tahet, kui andis inimestele tuld ja õpetas neile käsitööd. Sophoklese tragöödias "Kuningas Oidipus" on kangelane hukule määratud tapjaks ja abielluma oma emaga. Iidne tragöödia sisaldas tavaliselt viit akti ja oli üles ehitatud “kolme ühtsuse” järgi – koht, aeg, tegevus. Tragöödiad olid kirjutatud värssides ja eristusid kõrgest kõnest, selle kangelane oli "üllane kangelane".

Komöödia, nagu tragöödia, sai alguse Vana-Kreekast. Komöödia “isaks” peetakse Vana-Kreeka näitekirjanikku Aristophanest (V-IV sajand eKr). Oma teostes naeruvääristas ta Ateena aristokraatia ahnust, verejanu ja amoraalsust ning pooldas rahulikku patriarhaalset elu (“Ratsumehed”, “Pilved”, “Lysistrata”, “Konnad”).

Venemaal on rahvakomöödia eksisteerinud pikka aega. Vene valgustusajastu silmapaistev koomik oli D.N. Fonvizin. Tema komöödia “Alaealine” naeruvääristas halastamatult Prostakovi perekonnas valitsevat “metsikut isandat”. Kirjutas komöödiaid I.A. Krylov (“Õppetund tütardele”, “Moepood”), naeruvääristades välismaalaste imetlust.

19. sajandil satiirilise, sotsiaalrealistliku komöödia näiteid loob A.S. Gribojedov (“Häda nutikusest”), N.V. Gogol ("peainspektor"), A.N. Ostrovski (“Kasumlik koht”, “Meie inimesed - meid loetakse ära” jne). N. Gogoli traditsioone jätkates näitas A. Suhhovo-Kobylin oma triloogias (“Kretšinski pulm”, “Afäär”, “Tarelkini surm”), kuidas bürokraatia “lõdvestas” kogu Venemaad, tuues selle. hädad, mis on võrreldavad tatarlaste tekitatud kahjuga, mille põhjustas mongoli ikke ja Napoleoni sissetung. Kuulsad on komöödiad M.E. Saltõkov-Štšedrin (“Pazukhini surm”) ja A.N. Tolstoi (“Valgustuse viljad”), mis mõnes mõttes lähenes tragöödiale (need sisaldavad tragikomöödia elemente).

Tragikomöödia hülgab komöödia ja tragöödia moraalse absoluuti. Selle aluseks olev suhtumine on seotud olemasolevate elukriteeriumide suhtelisuse tunnetusega. Moraalipõhimõtete ülehindamine toob kaasa ebakindluse ja nendest isegi loobumise; subjektiivsed ja objektiivsed põhimõtted on hägused; ebaselge arusaam tegelikkusest võib tekitada huvi selle vastu või täielikku ükskõiksust ja isegi maailma ebaloogilisuse äratundmist. Tragikoomiline hoiak domineerib neis ajaloo pöördepunktidel, kuigi tragikoomiline printsiip oli olemas juba Euripidese (“Alcestis”, “Ion”) dramaturgias.

Draama on terava konfliktiga näidend, mis erinevalt traagilisest pole nii ülev, argisem, tavalisem ja ühel või teisel viisil lahendatav. Draama eripära seisneb esiteks selles, et see põhineb kaasaegsel, mitte iidsel materjalil, teiseks kinnitab draama uut kangelast, kes on oma saatuse ja olude vastu mässanud. Draama ja tragöödia erinevus seisneb konflikti olemuses: traagilised konfliktid on lahendamatud, sest nende lahendamine ei sõltu inimese isiklikust tahtest. Traagiline kangelane satub traagilisse olukorda tahtmatult ja mitte enda tehtud vea tõttu. Erinevalt traagilistest ei ole dramaatilised konfliktid ületamatud. Need põhinevad tegelaste kokkupõrkel jõudude, põhimõtete, traditsioonidega, mis neile väljastpoolt vastanduvad. Kui draama kangelane sureb, on tema surm suures osas vabatahtlik otsus, mitte traagiliselt lootusetu olukorra tagajärg. Seega oli Katerina A. Ostrovski filmis "Äike" teravalt mures, et on rikkunud religioosseid ja moraalinormid, kes ei saa elada Kabanovite maja rõhuvas keskkonnas, tormab Volgasse. Selline lõpetamine ei olnud kohustuslik; Katerina ja Borisi lähenemise takistusi ei saa pidada ületamatuks: kangelanna mäss oleks võinud teisiti lõppeda.

Dramaatilised teosed (muud gr. action), nagu eepilised, taasloovad sündmuste jadasid, inimeste tegevusi ja nende suhteid. Nagu eepilise teose autor, kehtib ka näitekirjanik "tegevuse arendamise seadus". Kuid draamas puudub üksikasjalik narratiiv-kirjeldav pilt.

Tegelik autori kõne on siin abistav ja episoodiline. Need on tegelaste loendid, mida mõnikord saadavad lühikesed omadused, toimingu aja ja koha määramine; lavasituatsiooni kirjeldused vaatuste ja episoodide alguses, samuti kommentaarid tegelaste üksikute märkuste ja liigutuste, žestide, näoilmete, intonatsioonide (märkuste) kohta.

Kõik see moodustab dramaatilise teose teisejärgulise teksti. Selle põhitekst on tegelaste väidete, nende märkuste ja monoloogide ahel.

Siit ka draama kunstiliste võimaluste mõningad piirangud. Kirjanik-näitekirjanik kasutab vaid osa visuaalsetest vahenditest, mis on romaani või eepose, novelli või loo loojale kättesaadavad. Ja tegelaste karakterid avalduvad draamas vähema vabaduse ja terviklikkusega kui eeposes. "Ma tajun draamat," märkis T. Mann, "kui siluetikunsti ja tunnen ainult jutustavat inimest kolmemõõtmelise, tervikliku, reaalse ja plastilise kujutisena."

Samas on dramaturgid erinevalt eepiliste teoste autoritest sunnitud piirduma teatrikunsti vajadustele vastava verbaalse teksti mahuga. Draamas kujutatud tegevuse aeg peab mahtuma lava rangesse ajaraami.

Ja etendus kaasaegsele Euroopa teatrile tuttavates vormides kestab teadupärast mitte kauem kui kolm-neli tundi. Ja selleks on vaja draamateksti sobivat suurust.

Näitekirjaniku poolt lavaepisoodi ajal reprodutseeritud sündmuste aeg ei ole kokkusurutud ega venitatud; draama tegelased vahetavad ilma märgatavate ajaintervallideta märkusi ja oma ütlusi, nagu märkis K.S. Stanislavski, moodustage pidev, pidev joon.

Kui jutustamise abil tabatakse tegevust kui minevikku, siis draamas loob dialoogide ja monoloogide ahel illusiooni praegusest ajast. Siinne elu kõneleb justkui omaette: kujutatu ja lugeja vahel pole vahejutustajat.

Tegevus taasluuakse draamas maksimaalse vahetusega. See voolab otsekui lugeja silme all. “Kõik narratiivivormid,” kirjutas F. Schiller, “kandvad oleviku minevikku; kõik dramaatiline muudab mineviku olevikuks.

Draama on orienteeritud lava nõudmistele. Ja teater on avalik, massikunst. Lavastus puudutab otseselt paljusid inimesi, kes justkui sulanduvad kokku vastusena sellele, mis nende ees toimub.

Draama eesmärk on Puškini sõnul tegutseda rahvahulgale, kaasata nende uudishimu” ja sel eesmärgil tabada “kirgede tõde”: “Draama sündis väljakul ja oli populaarne meelelahutus. Inimesed, nagu lapsed, nõuavad meelelahutust ja tegevust. Draama toob talle ette ebatavalised, kummalised juhtumid. Inimesed nõuavad tugevaid aistinguid. Naer, haletsus ja õudus on meie kujutlusvõime kolm ahelat, mida draamakunst raputab.

Kirjanduse dramaatiline žanr on eriti tihedalt seotud naeru sfääriga, sest teater tugevnes ja arenes lahutamatus seoses massipidustustega, mängu ja lusti õhkkonnas. "Koomiksižanr on antiigi jaoks universaalne," märkis O. M. Freidenberg.

Sama võib öelda ka teiste maade ja ajastute teatri ja draama kohta. T. Mannil oli õigus, kui ta nimetas "koomikuinstinkti" "kõikide dramaatiliste oskuste põhialuseks".

Pole üllatav, et draama kaldub kujutatu väliselt suurejoonelise esituse poole. Tema kujundlikkus osutub hüperboolseks, meeldejäävaks, teatraalselt helgeks. "Teater nõuab liialdatud laiapõhjalisi jooni nii hääles, ettekandes kui ka žestides," kirjutas N. Boileau. Ja see lavakunsti omadus jätab draamateoste kangelaste käitumisele alati jälje.

“Nagu oleks ta teatris mänginud,” kommenteerib Bubnov (Gorki “Madalamates sügavustes”) meeleheitel Kleštši meeletut tiraadi, kes ootamatult üldisesse vestlusesse sekkudes andis sellele teatraalse efekti.

Märkimisväärsed (dramaatilisele kirjandustüübile iseloomulikuna) on Tolstoi etteheited W. Shakespeare'ile hüperboolirohkuse pärast, mis väidetavalt "rikub kunstilise mulje tekkimise võimalust". "Esimestest sõnadest," kirjutas ta tragöödia "Kuningas Lear" kohta, "on näha liialdust: sündmuste liialdamist, tunnete liialdamist ja väljenduste liialdamist."

Oma hinnangus Shakespeare’i loomingule L. Tolstoi eksis, kuid arusaam, et suur inglise näitekirjanik oli pühendunud teatrihüperboolile, on igati õiglane. “Kuningas Leari” kohta öeldut võib mitte vähema õigustusega rakendada antiikkomöödiate ja tragöödiate, klassitsismi dramaatiliste teoste, F. Schilleri ja V. Hugo näidendite jms kohta.

19.–20. sajandil, mil kirjanduses valitses iha igapäevase autentsuse järele, muutusid draamale omased kokkulepped vähem ilmseks ning need viidi sageli miinimumini. Selle nähtuse päritolu on 18. sajandi nn filistidraama, mille loojad ja teoreetikud olid D. Diderot ja G.E. Vähenemine.

19. sajandi suurimate vene näitekirjanike teosed. ja 20. sajandi algus - A.N. Ostrovski, A.P. Tšehhov ja M. Gorki - eristuvad taasloodud eluvormide autentsuse poolest. Kuid isegi siis, kui näitekirjanikud keskendusid tõepärasusele, säilisid süžee, psühholoogilised ja tegelikud kõnehüperboolid.

Teatrikonventsioonid andsid tunda isegi Tšehhovi dramaturgias, mis näitas "elusarnasuse" maksimaalset piiri. Vaatame lähemalt kolme õe viimast stseeni. Üks noor naine läks kümme-viisteist minutit tagasi oma kallimast lahku, ilmselt igaveseks. Veel viis minutit tagasi sai teada oma kihlatu surmast. Ja nii võtavad nad koos vanema, kolmanda õega kokku mineviku moraalsed ja filosoofilised tulemused, peegeldades sõjalise marsi helide saatel oma põlvkonna saatuse, inimkonna tuleviku üle.

Vaevalt on võimalik ette kujutada, et see tegelikkuses juhtub. Kuid me ei märka "Kolme õe" lõpu ebausutavat, kuna oleme harjunud, et draama muudab oluliselt inimeste elutegevuse vorme.

Ülaltoodu veenab meid A. S. Puškini (tema juba tsiteeritud artiklist pärit) otsuse paikapidavuses, et „draamakunsti olemus välistab tõepärasuse”; «Luuletust või romaani lugedes võime sageli end unustada ja arvata, et kirjeldatud juhtum pole väljamõeldis, vaid tõde.

Oodis, eleegias võime arvata, et luuletaja kujutas oma tõelisi tundeid tegelikes oludes. Aga kus on usaldusväärsus kaheks jagatud hoones, millest üks on täidetud pealtvaatajatega, kes nõustusid?

Olulisim roll draamateostes on kangelaste verbaalse enesepaljastuse konventsioonidel, kelle dialoogid ja monoloogid, mis on sageli täidetud aforismide ja maksiimidega, osutuvad palju ulatuslikumaks ja mõjusamaks kui need repliigid, mis võiksid kõlada sarnases vormis. olukord elus.

Konventsionaalsed repliigid on “kõrvale”, mida teiste laval olevate tegelaste jaoks justkui ei eksisteeri, kuid mis on publikule selgelt kuuldavad, samuti monoloogid, mida tegelased hääldavad üksi, üksi iseendaga, mis on puhtalt lavatehnika. sisekõne esile toomine (selliseid monolooge on palju nagu antiiktragöödiates ja kaasaegses dramaturgias).

Näitekirjanik, seades omamoodi eksperimendi, näitab, kuidas inimene kõneleks, kui väljendaks kõnes oma meeleolu maksimaalse terviklikkuse ja heledusega. Ja draamateose kõne omandab sageli sarnasusi kunstilise, lüürilise või oratoorse kõnega: siinsed tegelased kipuvad end väljendama nagu improvisaatorid-luuletajad või avaliku esinemise meistrid.

Seetõttu oli Hegelil osaliselt õigus, kui ta käsitles draamat eepilise printsiibi (sündmuslikkus) ja lüürilise printsiibi (kõneväljendus) sünteesina.

Draamal on kunstis justkui kaks elu: teatri- ja kirjanduslik. Etenduste dramaturgilise aluse moodustades, nende kompositsioonis eksisteeriv dramaatiline teos on tajutav ka lugemispubliku poolt.

Kuid see ei olnud alati nii. Draama emantsipatsioon lavalt toimus järk-järgult - mitme sajandi jooksul ja viidi lõpule suhteliselt hiljuti: 18.-19. Maailmas olulisi näiteid draamast (antiigist kuni 17. sajandini) nende loomise ajal praktiliselt ei tunnustatud kui kirjandusteosed: need eksisteerisid ainult etenduskunstide osana.

Ei W. Shakespeare’i ega J. B. Moliere’i kaasaegsed tajunud kirjanikena. Otsustavat rolli draama kui mitte ainult lavalavastuseks, vaid ka lugemiseks mõeldud teose idee tugevdamisel mängis Shakespeare’i kui suure dramaatilise poeedi “avastus” 18. sajandi teisel poolel.

19. sajandil (eriti selle esimesel poolel) asetati draama kirjanduslikud eelised sageli lavalistest kõrgemale. Nii arvas Goethe, et "Shakespeare'i teosed ei ole keha silmadele mõeldud", ja Griboyedov nimetas oma soovi kuulda "Häda vaimukuse" salme lavalt "lapselikuks".

Laialt on levinud nn Lesedrama (draama lugemiseks), mis on loodud eelkõige lugemisel tajumisele keskendunud. Sellised on Goethe Faust, Byroni dramaatilised teosed, Puškini väikesed tragöödiad, Turgenevi draamad, mille kohta autor märkis: "Minu näidendid, mis laval ei rahulda, võivad lugemishuvi pakkuda."

Põhimõttelisi erinevusi Lesedrama ja näidendi vahel, mille autor on lavastuseks mõeldud, ei ole. Lugemiseks loodud draamad on sageli potentsiaalselt näitemängud. Ja teater (sealhulgas kaasaegne) otsib visalt ja mõnikord ka leiab nende võtmeid, mille tõestuseks on Turgenevi “Kuu maal” edukad lavastused (peamiselt Kunstiteatri kuulus revolutsioonieelne etendus) ja arvukad (kuigi mitte alati õnnestunud) lavalugemised Puškini väikesed tragöödiad 20. sajandil.

Kehtima jääb vana tõde: draama kõige olulisem, põhieesmärk on lava. "Ainult lavaesinemise ajal," märkis A. N. Ostrovski, "autori dramaatiline leiutis saab täielikult viimistletud vormi ja toodab täpselt selle moraalse tegevuse, mille saavutamise autor seadis endale eesmärgiks."

Draamateose põhjal etenduse loomine seostub selle loomingulise lõpetamisega: näitlejad loovad intonatsiooni-plastilisi jooniseid mängitud rollid, kunstnik kujundab lavaruumi, lavastaja arendab misanstseeni. Sellega seoses muutub mõnevõrra näidendi kontseptsioon (mõnedele aspektidele pööratakse rohkem tähelepanu, teistele vähem) ning sageli täpsustatakse ja rikastatakse: lavalavastus toob draamasse uusi tähendusvarjundeid.

Samas on kirjanduse truu lugemise põhimõte teatri jaoks esmatähtis. Lavastaja ja näitlejad on kutsutud lavastatud teost publikuni võimalikult terviklikult edasi andma. Lavalise lugemise truudus ilmneb siis, kui lavastaja ja näitlejad mõistavad sügavalt draamateost selle põhisisu, žanri ja stiilitunnuste poolest.

Lavalavastused(nagu ka filmitöötlused) on legitiimsed vaid juhtudel, kui lavastaja ja näitlejad nõustuvad (kasvõi suhtelise) kirjaniku-dramaturgi ideede ringiga, kui lavanäitlejad jälgivad hoolikalt lavastatud teose tähendust. selle žanri tunnustele, stiili tunnustele ja tekstile endale .

18.–19. sajandi klassikalises esteetikas, eriti Hegeli ja Belinsky puhul, peeti draamat (peamiselt tragöödia žanrit) kirjandusliku loovuse kõrgeimaks vormiks: "luule krooniks".

Terve seeria kunstiajastud ja tegelikult näitas end eelkõige aastal draamakunstid. Aischylosel ja Sophoklesel antiikkultuuri õitseajal, Moliere'il, Racine'il ja Corneille'il klassitsismi ajal polnud eepiliste teoste autorite seas võrdset.

Goethe looming on selles osas märkimisväärne. Suurepäraste jaoks Saksa kirjanik Kõik kirjandusžanrid olid saadaval, kuid ta kroonis oma elu kunstis dramaatilise teose - surematu "Fausti" - loomisega.

Möödunud sajanditel (kuni 18. sajandini) ei võistelnud draama mitte ainult edukalt eepikaga, vaid sai sageli ka elu ruumilise ja aja kunstilise reprodutseerimise juhtivaks vormiks.

See on tingitud mitmest põhjusest. Esiteks mängis tohutut rolli teatrikunst, mis oli kättesaadav (erinevalt käsitsi kirjutatud ja trükitud raamatutest) ühiskonna kõige laiematele kihtidele. Teiseks vastasid draamateoste omadused (selgelt piiritletud joontega tegelaste kujutamine, inimlike kirgede reprodutseerimine, paatose ja groteski külgetõmme) “realismieelsetel” ajastutel täielikult üldistele kirjanduslikele ja üldkunstilistele suundumustele.

Ja kuigi XIX-XX sajandil. Sotsiaalpsühholoogiline romaan, eepilise kirjanduse žanr, on nihkunud kirjanduse esiplaanile, siiani on aukohal.

V.E. Khalizev Kirjanduse teooria. 1999. aasta

Draama - (Vana-Kreeka tegevus, tegevus) - üks kirjanduslikud liikumised. Draama kui kirjanduse liik, vastupidiselt lüürikale ja nagu eeposele, taastoodab draama ennekõike autorivälist maailma - tegusid, inimestevahelisi suhteid, konflikte. Erinevalt eeposest pole sellel mitte narratiiv, vaid dialoogiline vorm. Reeglina puuduvad sisemonoloogid, tegelaste autoriomadused ja otsesed autorikommentaarid kujutatava kohta. Aristotelese poeetikas kirjeldatakse draamat kui tegevuse jäljendamist tegevuse, mitte jutustamise kaudu. See säte ei ole ikka veel aegunud. Draamateoseid iseloomustavad teravad konfliktsituatsioonid, mis sunnivad tegelasi verbaalsetele ja füüsilistele tegevustele. Autori kõne võib mõnikord olla draamas, kuid see on abistava iseloomuga. Mõnikord kommenteerib autor lühidalt oma tegelaste märkusi, viitab nende žestidele ja intonatsioonile.

Draama on sellega tihedalt seotud teatrikunst ja peab vastama teatri vajadustele.

Draamat peetakse kirjandusliku loovuse krooniks. Draama näideteks on Ostrovski näidend “Äike” ja Gorkovi “Põhjas”.

Peame rääkima draamažanridest, unustamata, et draama ise on žanr, mis tekkis kirjanduse ja teatri ristumiskohas. Neid on võimatu üksteisest eraldi analüüsida. Draamast oleme juba piisavalt rääkinud, aga draamale kui teatrietendusele pole me veel tähendust andnud.

Et iga teost saaks draamaks nimetada, peab see sisaldama vähemalt konflikti või konfliktne olukord. Konfliktil on õigus olla nii koomiline kui ka traagiline. Sageli sisaldab draama palju mõlemat. Ilmselt seetõttu tõlgendatakse seda erialakirjanduses sageli vahežanrina.

Draama võib olla psühholoogiline (nii laval kui ka kirjanduses), sotsiaalne, filosoofiline, igapäevaelul põhinev või ajalooline konflikt, leidub sageli ka ülalloetletud tüüpide kombinatsioone, see on eriti tüüpiline kirjandusdraama puhul. Draama võib olla ka rahvuslik, näiteks võib eristada hispaania draamat - seda nimetatakse mõnikord ka "audraamaks" või "mantli ja mõõga komöödiaks", siin sõltub kõik täielikult sellest, millist konflikti konfliktis areneb. draama. Draamažanrid saavad ilmuda ainult kirjanduses. Neid pole tõesti liiga palju:

Näidend (proosas või poeetilises vormis narratiiv, milles esinevad tegelased, autor ja lavajuhised)

Komöödia

Kõrvaletendus

Tragöödia

Burlesk

Kroonika (ajalooline, psühholoogiline, retrospektiiv)

Stsenaarium

Draamaproosa erineb tavaproosast eelkõige selle poolest, et see sisaldab palju pidevalt muutuvaid sündmusi, suure hulga tegelastega, palju suuremaid kui näiteks tavalises loos, kuigi jutustuse maht võib olla sama. Arvatakse, et lugeja ei suuda meelde jätta rohkem kui 5-7 aktiivset tegelast, draama rikub sageli seda seadust. ära unustanud.