[Ιταλία - χώρα κλασσική μουσική. Η γη που έδωσε στον κόσμο τόσο σπουδαίους συνθέτες όπως ο Paganini, ο Rossini, ο Verdi, ο Puccini και ο Vivaldi, η Ιταλία ενέπνευσε επίσης πολλούς ξένους - ο ίδιος ο Richard Wagner άντλησε έμπνευση για το "Parsifal" του κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Ravello, που έφερε αυτή την πόλη, όπου γίνεται πλέον διάσημο φεστιβάλ (famoso festival), διεθνούς φήμης.
Αποτίοντας φόρο τιμής στο πάθος για την κλασική μουσική, που συγκεντρώνει Ιταλούς και ξένους καλεσμένους, κάθε χρόνο τα ιταλικά θέατρα προετοιμάζουν μουσικές σεζόν, οι αφίσες των οποίων είναι γεμάτες με διάφορες παραστάσεις. Οι μουσικές σεζόν ανοίγουν από Νοέμβριο έως Δεκέμβριο και είναι σημαντικό γεγονόςΙταλική και διεθνής μουσική παράδοση.
Στη Βερόνα, μια πόλη στην πεδιάδα Padanian, στο περίφημο αμφιθέατρο Arena di Verona λαμβάνει χώρα φεστιβάλ όπερας, διάσημο σε όλο τον κόσμο λόγω του ότι η ομορφιά αυτού του τόπου ενισχύει το θέαμα των σκηνικών παραστάσεων. Αλλά υπάρχει ένας τεράστιος αριθμός τόπων στην Ιταλία όπου διεξάγονται σεζόν όπερας.
Ανάμεσα στα πρώτα και πιο διάσημα, χωρίς αμφιβολία, είναι το μιλανέζικο θέατρο La Scala (Teatro La scala), το ετήσιο άνοιγμα των εποχών του οποίου γίνεται εκδήλωση υψηλού προφίλ με τη συμμετοχή του διάσημους χαρακτήρεςπολιτική, πολιτισμός και ψυχαγωγία. Γνωστό απλά ως Σκάλα και ονομάζεται επίσης «ναός της όπερας», αυτό το θέατρο είναι ένα από τα πιο... διάσημα θέατραειρήνη.. 
Δημιουργήθηκε κατά βούληση Αυστριακή βασίλισσαΗ Μαρία Τερέζα μετά την πυρκαγιά που κατέστρεψε το Βασιλικό Θέατρο του Ρέτζιο Ντουκάλε του Μιλάνου το 1776. Οι εποχές της Σκάλας είναι ένα από τα πιο σημαντικά γεγονότα στην πολιτιστική ζωή του Μιλάνου. 
Στο πρόγραμμα εναλλάσσονται όπερες και μπαλέτα, καθώς και ονόματα Ιταλών και ξένων συνθετών.
Η ίδια ποικιλομορφία ισχύει και για έναν άλλο διάσημο ναό της μουσικής - το Teatro La Fenice, την κύρια όπερα της Βενετίας, που ανεγέρθηκε στο Campo San Fantin στη συνοικία San Marco. Κατεστραμμένο επανειλημμένα από πυρκαγιά και κάθε φορά που αναγεννιόταν από θαύμα (η τελευταία αποκατάσταση ολοκληρώθηκε το 2003), αυτό το θέατρο έγινε το σπίτι ενός μεγάλου σαλονιού όπερας και του Διεθνούς Φεστιβάλ Σύγχρονης Μουσικής. Το θέατρο La Fenice φιλοξενεί επίσης την ετήσια παραδοσιακή πρωτοχρονιάτικη συναυλία. Η θεατρική σεζόν βασίζεται σχεδόν πάντα στην παράδοση, αλλά με βλέμμα στην καινοτομία. Κάθε εποχή του θεάτρου είναι πλούσια και ενδιαφέρουσα και έργα κλασικού και μοντέρνου ρεπερτορίου μπλέκονται στο κατευθυντήριο νήμα του.
Στο Τορίνο, καλό θα ήταν να μην χάσετε την ευκαιρία να επισκεφθείτε το Teatro Regio, που χτίστηκε με τη θέληση του Vittorio Amedeo II της Σαβοΐας, του οποίου η αρχική πρόσοψη, που δημιουργήθηκε τον 18ο αιώνα, είναι, μαζί με άλλες κατοικίες των Δούκων του Σαβοΐα, αναπόσπαστο μέρος της κληρονομιάς της UNESCO (Patrimonio Unesco). Η σεζόν όπερας και μπαλέτου αυτού του θεάτρου ξεκινά τον Οκτώβριο και τελειώνει τον Ιούνιο και περιλαμβάνει τουλάχιστον μια ντουζίνα τίτλους, καθώς και πολλές άλλες μουσικές εκδηλώσεις - συμφωνικές και χορωδιακές συναυλίες, βραδιές μουσικής δωματίου, παραγωγές στο θέατρο Piccolo Regio, με στόχο νέο κοινό και για οικογένειες, καθώς και εκδηλώσεις όπως το MITO Musical September festival (MITO Settembre musica). 
Η Ρώμη προσφέρει επίσης στους λάτρεις της όπερας και του μπαλέτου πολλές συναντήσεις με την ομορφιά. Το πιο σημαντικό κέντρο της κλασικής μουσικής είναι η Ρωμαϊκή Όπερα (Teatro dell'Opera), γνωστή και ως Teatro Costanzi, που πήρε το όνομά της από τον δημιουργό της, Domenico Costanzi.
Συχνός καλεσμένος αυτού του θεάτρου, καθώς και καλλιτεχνικός διευθυντής της σεζόν 1909-1910, ήταν ο Πιέτρο Μασκάνι. Θα είναι χρήσιμο για τους λάτρεις του μπαλέτου να γνωρίζουν ότι στις 9 Απριλίου 1917, πραγματοποιήθηκε εδώ η ιταλική πρεμιέρα του μπαλέτου του Igor Stravinsky "The Firebird", που ερμηνεύτηκε από μέλη του ρωσικού μπαλέτου του Sergei Diaghilev. 
Στην αφίσα της σεζόν αυτού του θεάτρου ένας μεγάλος αριθμός απόπαραστάσεις όπερας, πολλά ονόματα ξένων και ιταλών συνθετών, και δίνεται μεγάλη προσοχή στο μπαλέτο.
Και αν οι χειμερινές σεζόν της Όπερας της Ρώμης πραγματοποιούνται στο παλιό κτήριο στην Piazza Beniamino Gigli, τότε από το 1937 ο χώρος για τις υπαίθριες καλοκαιρινές σεζόν της είναι το εκπληκτικό αρχαιολογικό συγκρότημα του Terme di Caracalla. Οι παραστάσεις της όπερας που ανεβαίνουν σε αυτή τη σκηνή σημειώνουν τεράστια επιτυχία στο κοινό, ειδικά στους τουρίστες, που εδώ και πολλά χρόνια είχαν την ευκαιρία να θαυμάσουν τον συνδυασμό αυτού του υπέροχου τόπου με παραγωγές όπερας. 
Nella regione Καμπανία, il teatro che la fa da padrone nel campo della lirica è sicuramente il Σαν Κάρλο di Νάπολι. Costruito nel 1737 da Re Carlo di Borbone per dare alla città di Napoli un nuovo teatro che rappresentasse il potere regio, nell’ambito del rinnovamento urbanistico di Napoli, il San Carlo prese il posto del piccolo Teatro San Bartolome. Il progetto fu affidato all"architetto Giovanni Antonio Medrano, Colonnello del Reale Esercito, και ad Angelo Carasale, già direttore del San Bartolomeo. 
ρε
Το πιο σημαντικό θέατρο στην περιοχή της Καμπανίας είναι αναμφίβολα το θέατρο San Carlo στη Νάπολη. Χτίστηκε το 1737 με τη θέληση του βασιλιά Καρόλου της δυναστείας των Βουρβόνων με σκοπό να δώσει στην πόλη ένα νέο θέατρο που αντιπροσωπεύει τη βασιλική εξουσία. Στη διαδικασία εκσυγχρονισμού της Νάπολης, το θέατρο San Carlo πήρε τη θέση μικρό θέατρο San Bartolomeo, και η δημιουργία του έργου ανατέθηκε στον αρχιτέκτονα, Συνταγματάρχη του Βασιλικού Στρατού, Giovanni Antonio Medrano και στον πρώην διευθυντή του θεάτρου San Bartolomeo, Angelo Carazale. Δέκα χρόνια μετά την κατασκευή του θεάτρου, το βράδυ της 13ης Φεβρουαρίου 1816, το κτίριο καταστράφηκε από πυρκαγιά, που άφησε ανέπαφα μόνο τους τοίχους περιμετρικά του κτιρίου και μια μικρή προέκταση. Αυτό που βλέπουμε σήμερα είναι ανοικοδόμηση με επακόλουθη ανάπλαση.
Αυτό το υπέροχο θέατρο υποδέχεται πάντα τους λάτρεις της όπερας με ένα πολύ πλούσιο πρόγραμμα, το οποίο συχνά αντιπροσωπεύει ένα ταξίδι στη ναπολιτάνικη οπερατική παράδοση και την επιστροφή μεγάλων κλασικών του συμφωνικού ρεπερτορίου, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που διαβάζονται μέσα από το πρίσμα μιας νέας αντίληψης και χάρη στη συμμετοχή του διασημότητες του κόσμου. Κάθε σεζόν, λαμπερά ντεμπούτα και υπέροχες επιστροφές λαμβάνουν χώρα στη σκηνή της παλαιότερης όπερας της Ευρώπης. 
Θέατρο La Scala – Teatro alla Scala(ΜΙΛΑΝΟ)
Μαργαριτάρι του κόσμου μουσική κουλτούρα. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ένα θέατρο με πιο λαμπρή ιστορία από τη διάσημη Σκάλα. Για περισσότερα από 300 χρόνια ύπαρξης, αυτοί οι τοίχοι έχουν δει πολλά, αλλά κατάφεραν να διατηρήσουν, ίσως, το πιο σημαντικό πράγμα για το θέατρο - μοναδική γοητείακαι μυστήριο. σεζόν συναυλιώνστη Σκάλα διαρκεί από τον Δεκέμβριο έως τον Ιούνιο (το φθινόπωρο γίνονται συμφωνικές συναυλίες στη σκηνή του). Το άνοιγμα της σεζόν είναι ιδιαίτερα πανηγυρικό. Είναι πάντα 7 Δεκεμβρίου - η ημέρα του Αγίου Αμβροσίου, του πολιούχου του Μιλάνου. Δυστυχώς, τα εισιτήρια μερικές φορές εξαντλούνται έξι μήνες νωρίτερα, οπότε κάντε κράτηση εκ των προτέρων. Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίου - όπερας/μπαλέτου: πάγκοι 260/150; αμφιθέατρο 80-260/125; μπαλκόνι 40-105/30-80 ευρώ
Αμφιθέατρο – Arena di Verona(ΒΕΡΟΝΑ)
Το αρχαίο ρωμαϊκό αμφιθέατρο είναι διάσημο για τις παραστάσεις όπερας και συναυλιών που πραγματοποιούνται εκεί. Χτίστηκε τον 1ο αιώνα π.Χ. Το μέγεθος του κτιρίου από ροζ πέτρα της Βερόνας είναι το δεύτερο μόνο μετά το Ρωμαϊκό Κολοσσαίο. Στην αρχαιότητα, γίνονταν αγώνες μονομάχων σε αυτό και ιπποτικά τουρνουά στο Μεσαίωνα. Τον 16ο και 17ο αιώνα. Οι κερκίδες των θεατών ανακατασκευάστηκαν πλήρως και το σημερινό Arena είναι ένα μεγαλειώδες αμφιθέατρο 25 χιλιάδων θέσεων, στη σκηνή του οποίου δίνονται μαγευτικές υπαίθριες παραστάσεις όπερας. Διαθέτει εξαιρετική ακουστική κτιρίου. Αυτές τις μέρες, υπάρχουν συνήθως τέσσερις διαφορετικές σκηνικές παραγωγές που πραγματοποιούνται κάθε χρόνο μεταξύ Ιουνίου και Αυγούστου. Στα μέσα Ιουλίου δίνονται παραστάσεις σχεδόν καθημερινά. Τους χειμερινούς μήνες η όπερα και το μπαλέτο δίνουν παραστάσεις στην Ακαδημαϊκή Φιλαρμονική.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες στη Φιλαρμονική: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 90/60 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 70/50; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 60/35; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -55/40. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ. Τιμές εισιτηρίων για την Αρένα: ισόγειο 220 ευρώ, αμφιθέατρο 95, μπαλκόνι 40. Δεν επιτρέπονται παιδιά κάτω των 4 ετών.
San Carlo – Teatro di San Carlo(ΝΕΑΠΟΛΗ)
Η Όπερα στη Νάπολη χτίστηκε με εντολή του Καρόλου Γ' για να αντικαταστήσει το ερειπωμένο Teatro San Bartolomeo. Άνοιξε το 1737, εκείνη την εποχή η αίθουσα του θεάτρου μπορούσε να φιλοξενήσει έως και 3.300 θεατές, καθιστώντας το θέατρο το πιο ευρύχωρο στον κόσμο.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 170/130 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 110/100; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 90/50; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -60/40. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ. .
Θέατρο La Fenice(ΒΕΝΕΤΙΑ)
Καρδιά μουσική ζωήΒενετία. Ένα ασυνήθιστο θέατρο με προβλήτα νερού και κομψό χώρο περιπάτου. Το θέατρο, που χτίστηκε το 1792, επέζησε από δύο πυρκαγιές και κάθε φορά, δικαιολογώντας το όνομά του, σαν πουλί του Φοίνικα, ξαναγεννιόταν από τις στάχτες. Μετά από μια τελευταία τρομακτική αγκαλιά των φλόγων που κατέστρεψε σχεδόν ολοσχερώς το θέατρο, το νέο, ανακαινισμένο La Fenice άνοιξε τις πόρτες του στο κοινό στις 14 Δεκεμβρίου 2003.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 190/140 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 160/100; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 110/90; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -70/50. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ.
Όπερα – Teatro dell’Opera di Roma(ΡΩΜΗ)
Μια από τις μεγαλύτερες όπερες της Ευρώπης, που μπορεί να φιλοξενήσει έως και δύο χιλιάδες διακόσιους λάτρεις της μουσικής. Εδώ έρχεται η όπερα και παραστάσεις μπαλέτουσε παραγωγές παγκοσμίου φήμης σκηνοθέτες. Ήταν στην Όπερα της Ρώμης που έγινε η παγκόσμια πρεμιέρα της «Τόσκα» του Πουτσίνι και μιας σειράς όπερων του Mascagni, συμπεριλαμβανομένων των «Honor Rusticana», «Iris», «Masques». Στη σκηνή του τραγούδησε η Amelita Galli-Curci, ιδιοκτήτρια της πιο διάσημης σοπράνο κολορατούρα των αρχών του περασμένου αιώνα, οι τενόροι Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.
Το καλοκαίρι, παραστάσεις όπερας πραγματοποιούνται σε εξωτερικούς χώρους στα Λουτρά του Καρακάλλα. Κάποτε ήταν γνωστά ως το όγδοο θαύμα του κόσμου. Το καλοκαίρι του 1990, στα ερείπια των Λουτρών του Καρακάλλα, α θρυλική συναυλίατρεις τενόροι - Placido Domingo, Jose Carreras και Luciano Pavarotti.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 160/90 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 130/80; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 60/35; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου - 35/30. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 20 ευρώ.
Η Ιταλία, που έδωσε στον κόσμο σπουδαιότερους συνθέτες όπως ο Paganini, ο Vivaldi, ο Rossini, ο Verdi, ο Puccini, είναι μια χώρα κλασικής μουσικής. Η Ιταλία ενέπνευσε επίσης πολλούς ξένους: για παράδειγμα, ο Richard Wagner δημιούργησε το "Parsifal" του κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Ravello, το οποίο έφερε αυτή την πόλη, όπου η περίφημη μουσικό φεστιβάλ, ΔΙΕΘΝΟΥΣ ΦΗΜΗΣ. Οι μουσικές σεζόν ανοίγουν, ανάλογα με το θέατρο, από τον Νοέμβριο έως τον Δεκέμβριο και αποτελούν σημαντικό γεγονός στην ιταλική και διεθνή μουσική ζωή. Η TIO.BY και η Εθνική Υπηρεσία Τουρισμού της Ιταλίας ετοίμασαν μια επιλογή για το ποιο από τα πολλά ιταλικά θέατρα να διαλέξετε. Έχουμε επισυνάψει έναν σύνδεσμο για το πρόγραμμα για κάθε θέατρο.
Teatro La Scala στο Μιλάνο
Ενα από τα πολλά διάσημα θέατρα, φυσικά, είναι το θέατρο La Scala του Μιλάνου. Κάθε χρόνο το άνοιγμα της σεζόν γίνεται ένα υψηλού προφίλ γεγονός με τη συμμετοχή διάσημων προσώπων από τον κόσμο της πολιτικής, του πολιτισμού και του θεάματος.
Το θέατρο δημιουργήθηκε με τη διαθήκη της Αυστριακής βασίλισσας Μαρίας Θηρεσίας μετά την πυρκαγιά που κατέστρεψε το Βασιλικό Θέατρο της πόλης του Ρέτζιο Ντουκάλε το 1776. Οι εποχές της Σκάλας είναι ένα από τα πιο σημαντικά γεγονότα στην πολιτιστική ζωή του Μιλάνου. Στο πρόγραμμα εναλλάσσονται όπερα και μπαλέτο, καθώς και ονόματα Ιταλών και ξένων συνθετών.
Το πρόγραμμα της σεζόν είναι διαθέσιμο εδώ.
Teatro La Fenice στη Βενετία
Όχι πολύ πίσω από τη Σκάλα βρίσκεται η ενετική όπερα La Fenice, χτισμένη στο Campo San Fantin στη συνοικία San Marco. Μετάφραση από τα ιταλικά, το θέατρο ονομάζεται "Phoenix" - ακριβώς επειδή αναγεννήθηκε δύο φορές μετά από πυρκαγιές, όπως το υπέροχο πουλί phoenix, από τις στάχτες. Η τελευταία αποκατάσταση ολοκληρώθηκε το 2003. 
Φιλοξενεί ένα σημαντικό σαλόνι όπερας και το Διεθνές Φεστιβάλ Σύγχρονης Μουσικής, καθώς και την ετήσια πρωτοχρονιάτικη συναυλία. Κάθε σεζόν είναι πλούσια και ενδιαφέρουσα και το πρόγραμμά της συνδυάζει έργα από το κλασικό και το σύγχρονο ρεπερτόριο. Πριν επισκεφτείτε, διαβάστε το πρόγραμμα της σεζόν.
Teatro Real στο Τορίνο
Το Βασιλικό Θέατρο του Teatro Reggio στο Τορίνο χτίστηκε με τη διαθήκη του Victor Amadeus της Σαβοΐας. Η πρόσοψη του κτιρίου του 18ου αιώνα, μαζί με άλλες κατοικίες της δυναστείας της Σαβοΐας, αναγνωρίζεται ως μνημείο της UNESCO.
Η σεζόν όπερας και μπαλέτου ξεκινά τον Οκτώβριο και τελειώνει τον Ιούνιο, και κάθε χρόνο στο λογαριασμό μπορείτε να βρείτε όλα τα είδη μουσικών εκδηλώσεων: συναυλίες χορωδιακής και συμφωνικής μουσικής, βραδιές μουσικής δωματίου, παραγωγές στο θέατρο Piccolo Reggio που προορίζονται για νέο κοινό και για οικογενειακή προβολή, καθώς και ένα φεστιβάλ "MITO - Musical September."
Η Ρώμη προσφέρει επίσης στους λάτρεις της όπερας και του μπαλέτου πολλές συναντήσεις με την ομορφιά. Το πιο σημαντικό κέντρο της κλασικής μουσικής είναι η Ρωμαϊκή Όπερα, γνωστή και ως Teatro Costanzi, που πήρε το όνομά της από τον δημιουργό της, Domenico Costanzi. Συχνός καλεσμένος αυτού του θεάτρου, καθώς και καλλιτεχνικός διευθυντής της σεζόν 1909-1910, ήταν ο Πιέτρο Μασκάνι. Οι λάτρεις του μπαλέτου θα ενδιαφέρονται να μάθουν ότι στις 9 Απριλίου 1917, πραγματοποιήθηκε εδώ η ιταλική πρεμιέρα του μπαλέτου του Ιγκόρ Στραβίνσκι "The Firebird", που ερμηνεύτηκε από μέλη του Ρωσικού Μπαλέτου του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ.
Το θεατρικό σχέδιο του θεάτρου περιλαμβάνει πολλές παραστάσεις όπερας, αλλά μεγάλη προσοχή δίνεται και στο μπαλέτο.
Ενώ οι χειμερινές εποχές της Ρωμαϊκής Όπερας πραγματοποιούνται στο παλιό κτήριο στην Piazza Beniamino Gigli, από το 1937 ο χώρος για τις υπαίθριες καλοκαιρινές σεζόν της είναι το εκπληκτικό αρχαιολογικό συγκρότημα των Λουτρών του Καρακάλλα. .
Οι παραστάσεις της όπερας που ανεβαίνουν σε αυτή τη σκηνή έχουν τεράστια επιτυχία στο κοινό, ειδικά στους τουρίστες, οι οποίοι είναι ενθουσιασμένοι από τον συνδυασμό αυτού του υπέροχου τόπου με παραστάσεις όπερας.
Θέατρο San Carlo στη Νάπολη
Το πιο σημαντικό θέατρο στην περιοχή της Καμπανίας είναι, φυσικά, το Teatro San Carlo στη Νάπολη. Χτίστηκε το 1737 με τη θέληση του βασιλιά Καρόλου της δυναστείας των Βουρβόνων, ο οποίος ήθελε να δημιουργήσει ένα νέο θέατρο που αντιπροσωπεύει τη βασιλική εξουσία. Το San Carlo πήρε τη θέση του μικρού θεάτρου του San Bartolomeo και το έργο ανατέθηκε στον αρχιτέκτονα, συνταγματάρχη του Βασιλικού Στρατού Giovanni Antonio Medrano και στον πρώην διευθυντή του θεάτρου του San Bartolomeo Angelo Carazale. Δέκα χρόνια μετά την κατασκευή του θεάτρου, τη νύχτα της 13ης Φεβρουαρίου 1816, το κτίριο καταστράφηκε από πυρκαγιά, η οποία άφησε ανέπαφα μόνο τους εξωτερικούς τοίχους και μια μικρή προέκταση. Αυτό που βλέπουμε σήμερα είναι η ανοικοδόμηση που ακολουθείται από την ανάπλαση.
Αυτό το υπέροχο θέατρο υποδέχεται πάντα τους λάτρεις της όπερας με ένα πολύ πλούσιο πρόγραμμα, το οποίο συχνά αντιπροσωπεύει ένα ταξίδι στη ναπολιτάνικη οπερατική παράδοση και την επιστροφή μεγάλων κλασικών του συμφωνικού ρεπερτορίου, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που διαβάζονται μέσα από το πρίσμα μιας νέας αντίληψης και με τη συμμετοχή του κόσμου διασημότητες. Κάθε σεζόν, λαμπερά ντεμπούτα και υπέροχες επιστροφές λαμβάνουν χώρα στη σκηνή της παλαιότερης όπερας της Ευρώπης.
Φυσικά, είναι απλά αδύνατο να περιγράψει κανείς όλο το μεγαλείο της θεατρικής Ιταλίας. Θέλουμε όμως να σας προτείνουμε μερικά ακόμη θέατρα με προγράμματα που αξίζουν προσοχή.
Φιλαρμονικό Θέατρο στη Βερόνα.πρόγραμμα σεζόν στον σύνδεσμο.
Teatro Comunale στη Μπολόνια;προγράμματα για σεζόν όπερας, μουσικής και μπαλέτου.
Teatro Carlo Felice στη Γένοβα.προγράμματα μουσικής, όπερας και μπαλέτου.
Βασιλικό Θέατρο της Πάρμας; πρόγραμμα της σεζόν εδώ
Teatro Comunale στο Τρεβίζο; πρόγραμμα της σεζόν εδώ
Όπερα Τζουζέπε Βέρντι στην Τεργέστη; πρόγραμμα της σεζόν εδώ
Αίθουσα συναυλιών Αμφιθέατρο στο πάρκο της μουσικής στη Ρώμη; πρόγραμμα της σεζόν
"La Scala"(Ιταλικός Teatro alla Scala ή La Scala ) είναι μια όπερα στο Μιλάνο. Το κτίριο του θεάτρου χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Giuseppe Piermarini το 1776-1778. στην τοποθεσία της εκκλησίας της Santa Maria della Scala, από όπου προέρχεται και το όνομα του ίδιου του θεάτρου. Η εκκλησία, με τη σειρά της, έλαβε το όνομά της το 1381 όχι από τις «σκάλες» (σκάλα), αλλά από την προστάτιδα - εκπρόσωπο της οικογένειας των ηγεμόνων της Βερόνας που ονομάζεται Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Το θέατρο άνοιξε στις 3 Αυγούστου 1778 με μια παραγωγή της όπερας του Antonio Salieri «Europe Recognized».
Το 2001, το κτίριο του θεάτρου La Scala έκλεισε προσωρινά για αναστήλωση, και ως εκ τούτου όλες οι παραγωγές μεταφέρθηκαν στο κτίριο του θεάτρου Arcimboldi, ειδικά κατασκευασμένο για αυτόν τον σκοπό. Από το 2004, οι παραγωγές ξεκίνησαν ξανά στο παλιό κτίριο και το Arcimboldi είναι ένα ανεξάρτητο θέατρο που λειτουργεί σε συνεργασία με τη Σκάλα.
2.
3.
4.
5.
6.
Θέατρο «Busseto» με το όνομα G. Verdi.
Busseto(ιταλ. Busseto, emil.-rom. Busé, τοπικό Λεωφορείο) είναι μια περιφέρεια στην Ιταλία, στην περιοχή Emilia-Romagna, που υπάγεται στο διοικητικό κέντρο της Πάρμα.
Μια πόλη άρρηκτα συνδεδεμένη με τη ζωή συνθέτης όπερας, Τζουζέπε Βέρντι.
Τζουζέπε Φορτουνίνο Φραντσέσκο Βέρντι(Ιταλικός Τζουζέπε Φορτουνίνο Φραντσέσκο Βέρντι, 10 Οκτωβρίου 1813, Roncole κοντά στην πόλη Busseto, Ιταλία - 27 Ιανουαρίου 1901, Μιλάνο) - ένας μεγάλος Ιταλός συνθέτης, του οποίου το έργο είναι ένα από τα μεγαλύτερα επιτεύγματα του κόσμου τέχνη της όπεραςκαι το αποκορύφωμα της ανάπτυξης ιταλική όπερα XIX αιώνα.
Ο συνθέτης δημιούργησε 26 όπερες και ένα ρέκβιεμ. Οι καλύτερες όπερες του συνθέτη: Un ballo in maschera, Rigoletto, Trovatore, La Traviata. Το αποκορύφωμα της δημιουργικότητας είναι οι τελευταίες όπερες: "Aida", "Othello".
8.
Το Teatro Giuseppe Verdi είναι ένα μικρό θέατρο 300 θέσεων που κατασκευάστηκε από τον δήμο με την υποστήριξη του Verdi, αλλά όχι την έγκρισή του. Θέατρο Τζουζέπε Βέρντι(Θέατρο Τζουζέπε Βέρντι)είναι μια μικρή όπερα. Βρίσκεται στην πτέρυγα Rocca Dei Marchesi Pallavicino στην Piazza Giuseppe Verdi στο Busseto της Ιταλίας.
Το θέατρο άνοιξε στις 15 Αυγούστου 1868. Στην πρεμιέρα κυριάρχησε το πράσινο χρώμα, όλοι οι άντρες φορούσαν πράσινες γραβάτες, οι γυναίκες φορούσαν πράσινα φορέματα Εκείνο το βράδυ παρουσιάστηκαν δύο όπερες του Βέρντι. Ριγκολέτο"Και " Πάρτυ μασκέ". Ο Βέρντι δεν ήταν παρών, αν και ζούσε μόλις δύο μίλια μακριά, στο χωριό Sant'Agata στη Villanova sull'Arda.
Αν και ο Βέρντι ήταν κατά της κατασκευής ενός θεάτρου (θα ήταν «πολύ ακριβό και άχρηστο στο μέλλον», είπε) και φημολογείται ότι δεν πάτησε ποτέ το πόδι του σε αυτό, δώρισε 10.000 λιρέτες για την κατασκευή και τη συντήρηση του θεάτρου.
Το 1913, ο Αρτούρο Τοσκανίνι πραγματοποίησε εορτασμούς με αφορμή τα εκατό χρόνια από τη γέννηση του Τζουζέπε Βέρντι και οργάνωσε έρανο για τη δημιουργία μνημείου του συνθέτη Μια προτομή του Βέρντι, του Τζιοβάνι Ντυπρέ, τοποθετήθηκε στην πλατεία μπροστά το θέατρο.
Το θέατρο ανακαινίστηκε το 1990. Φιλοξενεί τακτικά μια σεζόν παραστάσεων όπερας.
9.Μνημείο του Τζουζέπε Βέρντι.
Βασιλικό Θέατρο του Σαν Κάρλο, Νάπολη (Νάπολη, Σαν Κάρλο).
Όπερα στη Νάπολη Βρίσκεται δίπλα στην κεντρική πλατεία Piazza del Plebiscita βασιλικό παλάτι. Είναι η παλαιότερη όπερα στην Ευρώπη.
Το θέατρο παραγγέλθηκε από τον βασιλιά της Νάπολης, Κάρολο Ζ' της γαλλικής δυναστείας των Βουρβόνων, και σχεδιάστηκε από τον Τζιοβάνι Αντόνιο Μεντράνο, στρατιωτικό αρχιτέκτονα, και τον Άγγελο Καρασάλε, πρώην διευθυντή του Teatro San Bartolomeo. Κόστος κατασκευής 75.000 δουκάτα Σχεδιασμένο για 1.379 θέσεις.
Το νέο θέατρο ενθουσίασε τους σύγχρονους με την αρχιτεκτονική του. Το αμφιθέατρο είναι διακοσμημένο με χρυσό στόκο και μπλε βελούδινες καρέκλες (το μπλε και το χρυσό είναι τα επίσημα χρώματα του Οίκου των Bourbon).
11.
12.
Βασιλικό Θέατρο της Πάρμας(Teatro Regio).
Αγαπημένο θέατρο του G. Verdi και του βιολονίστα Nicolo Paganini.
Η Πάρμα ήταν πάντα γνωστή για τις μουσικές της παραδόσεις και το μεγαλύτερο καμάρι της είναι η όπερα (Teatro Regio).
Άνοιξε το 1829. Η πρώτη ερμηνεύτρια ήταν η Zaira Bellini. Το θέατρο χτίστηκε σε όμορφο νεοκλασικό στυλ.
14.
15.
Teatro Farnese στην Πάρμα (Parma, Farnese).
Θέατρο Farneseστην Πάρμα. Χτίστηκε σε στυλ μπαρόκ το 1618 από τον αρχιτέκτονα Aleotti Giovanni Battista. Το θέατρο σχεδόν καταστράφηκε κατά τη διάρκεια αεροπορικής επιδρομής των Συμμάχων κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου (1944). Αναστηλώθηκε και άνοιξε ξανά το 1962.
Κάποιοι ισχυρίζονται ότι είναι το πρώτο μόνιμο θέατρο προσκήνιο (δηλαδή ένα θέατρο στο οποίο το κοινό παρακολουθεί ένα μονόπρακτο θεατρικό έργο, το οποίο είναι γνωστό ως «τοξωτό προσκήνιο»).
17.
Όπερα Caio Melisso στο Spoleto.
Ο κύριος χώρος για παραστάσεις όπερας κατά τη διάρκεια του ετήσιου καλοκαιρινού φεστιβάλ Dei Due Mondi.
Το θέατρο έχει υποστεί μια σειρά από μεταμορφώσεις και αλλαγές από τα τέλη του 17ου αιώνα. Teatro di Piazza del Duomo,γνωστός και ως Teatro della Rosa,χτίστηκε το 1667, εκσυγχρονίστηκε το 1749 και άνοιξε ξανά το 1749 ως Nuovo Teatro di Spoleto.Μετά το 1817 και την κατασκευή μιας νέας όπερας, το κτίριο δεν χρησιμοποιήθηκε παρά τα μέσα του 19ου αιώνα. 800 θέσεων Θέατρο Nuovoαποκαταστάθηκε μεταξύ 1854 και 1864 μέσω εθελοντικών δωρεών.
Το παλιό θέατρο συντηρήθηκε και ανακαινίστηκε για άλλη μια φορά με νέο σχεδιασμό και διάταξη. Μετονομάστηκε σε Teatro Cayo Melisso, άνοιξε ξανά τις πόρτες του το 1880.
Το πρώτο φεστιβάλ όπερας έγινε στις 5 Ιουνίου 1958. Αποσπάσματα από την όπερα του G. Verdi " Μάκβεθ«Και άλλοι, λιγότερο διάσημες όπερες, χαρακτηριστικό αυτού του φεστιβάλ.
19.
Teatro Olimpico, Vicenza, Olimpico.
Το Olimpico είναι το πρώτο κλειστό θέατρο στον κόσμο με πλινθοδομή και εσωτερικούς χώρους από ξύλο και γύψο.
Χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Andrea Palladio μεταξύ 1580-1585.
Το Teatro Olimpico βρίσκεται στην Piazza Mattiotti στη Βιτσέντζα. Η πόλη βρίσκεται ανάμεσα στο Μιλάνο και τη Βενετία στη βορειοανατολική Ιταλία. Περιλαμβάνεται στο Μνημείο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO.
Το θέατρο, που έχει 400 θέσεις, φιλοξενεί, μεταξύ άλλων, μουσικά και θεατρικά φεστιβάλ όπως το «Music of the Weeks at the Teatro Olimpico», «Sounds of Olympus», το φεστιβάλ «Homage to Palladio», «András Schiff and Friends » και μια σειρά κλασικών παραστάσεων.
21.
Το περιεχόμενο του άρθρου
ΙΤΑΛΙΚΟ ΘΕΑΤΡΟ.Η θεατρική τέχνη της Ιταλίας έχει τις ρίζες της σε λαϊκές τελετουργίες και παιχνίδια, καρναβάλια, λατρευτικά τραγούδια και χορούς που συνδέονται με τον φυσικό κύκλο και την αγροτική εργασία. Οι Αγώνες του Μαΐου ήταν πλούσιοι σε τραγούδια και δραματική δράση. , που λαμβάνει χώρα γύρω από μια αναμμένη φωτιά, που συμβολίζει τον ήλιο. Από τα μέσα του 13ου αι. Ο Λάουντα εμφανίζεται στην Ούμπρια (Λάουντα) , ένα μοναδικό είδος δημόσιου θεάματος, -θρησκευτικά επαινετικά άσματα, που σταδιακά απέκτησαν διαλογική μορφή. Τα θέματα αυτών των παραστάσεων ήταν κυρίως σκηνές ευαγγελίου - ο Ευαγγελισμός, η γέννηση του Χριστού, οι πράξεις του Χριστού... Μεταξύ των συγγραφέων του laudas, ξεχώρισε ο Τοσκανός μοναχός Jacopone da Todi (1230–1306). Το πιο διάσημο έργο του Ο Θρήνος της Μαντόνας. Οι Λάουντα χρησίμευσαν ως βάση για την εμφάνιση ιερών παραστάσεων (sacre rappresentazioni), που αναπτύχθηκαν τον 14ο και τον 15ο αιώνα. (αρχικά και στην κεντρική Ιταλία), ένα είδος κοντά στο μυστήριο, κοινό στις χώρες της Βόρειας Ευρώπης. Το περιεχόμενο των ιερών παραστάσεων βασίστηκε στις πλοκές της Παλαιάς και της Καινής Διαθήκης, στις οποίες προστέθηκαν παραμυθένια και ρεαλιστικά μοτίβα. Οι παραστάσεις πραγματοποιήθηκαν σε εξέδρα που ήταν τοποθετημένη στην πλατεία της πόλης. Η σκηνή χτίστηκε σύμφωνα με τον αποδεκτό κανόνα - στο κάτω μέρος είναι η "κόλαση" (το ανοιχτό στόμα του δράκου), στην κορυφή είναι ο "παράδεισος" και μεταξύ τους υπάρχουν άλλοι χώροι δράσης - "Βουνό", "Έρημος" , «Βασιλικό Παλάτι» κ.λπ. Ενα από τα πολλά διάσημους συγγραφείςαυτού του είδους ήταν ο Feo Belkari - Η έννοια του Αβραάμ και του Ισαάκ (1449), Ο Άγιος Ιωάννης στην έρημο(1470) κλπ. Ιερές παραστάσεις συνέθεσε και ο ηγεμόνας της Φλωρεντίας Λορέντζο Μέντιτσι.
Το 1480, ένας νεαρός ποιητής της αυλής και ειδικός στην αρχαιότητα, ο Angelo Poliziano (1454–1494), με εντολή του καρδινάλιου Francesco Gonzaga, έγραψε ένα ποιμαντικό δράμα βασισμένο σε έναν αρχαίο ελληνικό μύθο. Το παραμύθι του Ορφέα. Αυτό ήταν το πρώτο παράδειγμα ελκυστικότητας στις εικόνες αρχαίος κόσμος. Με το έργο του Poliziano, διαποτισμένο από ένα φωτεινό, εύθυμο συναίσθημα, ξεκίνησε το ενδιαφέρον για τα μυθολογικά έργα και μια γενική γοητεία για την αρχαιότητα.
Το ιταλικό λογοτεχνικό δράμα, με το οποίο ξεκινά η ιστορία του αναγεννησιακού δυτικοευρωπαϊκού δράματος, βασίστηκε στην αισθητική του στην εμπειρία του αρχαίου δράματος. Οι κωμωδίες του Πλαύτου και του Τέρενς καθόρισαν για τους Ιταλούς ουμανιστές θεατρικούς συγγραφείς τα θέματα των έργων τους, τη σύνθεση χαρακτήρεςκαι συνθετική κατασκευή. Μεγάλης σημασίαςΥπήρχαν παραγωγές λατινικών κωμωδιών από μαθητές και φοιτητές, ιδιαίτερα στη Ρώμη υπό τη διεύθυνση του Pomponio Leto τη δεκαετία του 1470. Χρησιμοποιώντας παραδοσιακές πλοκές, εισήγαγαν νέους χαρακτήρες, μοντέρνα χρώματα και αξιολογήσεις στα έργα τους. Έκαναν την πραγματική ζωή το περιεχόμενο των έργων τους και τους σύγχρονους ανθρώπους ως ήρωές τους. Ο πρώτος κωμικός της σύγχρονης εποχής ήταν μεγάλος ποιητήςύστερος Ιταλός Αναγέννησης Λουδοβίκο Αριόστο. Τα έργα του είναι γεμάτα ρεαλιστικούς πίνακες και αιχμηρά σατυρικά σκίτσα. Έγινε ο ιδρυτής της ιταλικής εθνικής κωμωδίας. Από αυτόν προέρχεται η ανάπτυξη της κωμωδίας σε δύο κατευθύνσεις - καθαρά διασκεδαστική ( Καλάνδρια Cardinal Bibiena, 1513) και σατιρικό, εκπροσωπούμενο από τον Pietro Aretino ( Δικαστική ηθική, 1534, Φιλόσοφος, 1546), Τζορντάνο Μπρούνο ( Κηροπήγιο, 1582) και ο Niccolò Machiavelli, ο οποίος δημιούργησε την καλύτερη κωμωδία της εποχής - Μανδραγόρας(1514). Ωστόσο, γενικά, τα δραματικά έργα των Ιταλών συγγραφέων κωμωδίας ήταν ατελή. Δεν είναι τυχαίο ότι το όλο κίνημα έλαβε το όνομα «Επιστημονική Κωμωδία» (commedia erudita).
Ταυτόχρονα με λογοτεχνική κωμωδίαεμφανίζεται η τραγωδία. Η ιταλική τραγωδία δεν έφερε μεγάλες επιτυχίες. Πολλά έργα αυτού του είδους συντέθηκαν, περιείχαν ιστορίες τρόμου, εγκληματικά πάθη και απίστευτες σκληρότητες. Ονομάστηκαν «τραγωδίες τρόμου». Το πιο επιτυχημένο έργο του είδους - ΣοφονίσμπαΓ. Τρισινό, γραμμένο σε λευκό στίχο (1515). Η εμπειρία του Trissino αναπτύχθηκε περαιτέρω πολύ πέρα από την Ιταλία. Η τραγωδία του Π. Αρετίνου είχε και ορισμένα πλεονεκτήματα Οράτιος (1546).
Το τρίτο - το πιο επιτυχημένο και ζωντανό - είδος του ιταλικού λογοτεχνικού δράματος του 16ου αιώνα. έγινε ποιμενικό, το οποίο γρήγορα διαδόθηκε στα δικαστήρια της Ευρώπης (). Το είδος απέκτησε αριστοκρατικό χαρακτήρα. Ο τόπος γέννησής του είναι η Φεράρα. Το περίφημο ποίημα του G. Sannazzaro Αρκαδία(1504), που δόξασε την αγροτική ζωή και τη φύση ως «σημείο χαλάρωσης», σηματοδότησε την αρχή του κινήματος. Το περισσότερο διάσημα έργα ποιμαντικό είδοςγίνομαι Αμίντα Torquato Tasso (1573), ένα έργο γεμάτο αληθινή ποίηση και αναγεννησιακή απλότητα, καθώς και Πιστός Ποιμένας D.-B Guarini (1585), που διακρίνεται από την πολυπλοκότητα τόσο της ίντριγκας όσο και της ποιητικής γλώσσας, επομένως κατατάσσεται ως μανιερισμός.
Ο διαχωρισμός του λογοτεχνικού δράματος από το κοινό δεν συνέβαλε στην ανάπτυξη του θεάτρου. Η σκηνική τέχνη γεννήθηκε στην πλατεία - στις παραστάσεις μεσαιωνικών μπουφούνων (γκιουλάρι), κληρονόμων μίμων Αρχαία Ρώμη, σε ξεκαρδιστικές φαρσικές παραστάσεις. Η φάρσα (φάρσα) διαμορφώθηκε τελικά τον 15ο αιώνα. και αποκτά όλα τα σημάδια της λαϊκής αναπαράστασης - αποτελεσματικότητα, φασαρία, καθημερινότητα, σατιρική ελεύθερη σκέψη, που γίνονται το θέμα μιας φάρσας, που μετατράπηκαν σε ανέκδοτο. Με έναν λαμπερό, γκροτέσκο τρόπο, η φάρσα χλεύαζε τις κακίες των ανθρώπων και κοινωνία. Η φάρσα είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη του ευρωπαϊκού θεάτρου και στην Ιταλία συνέβαλε στη δημιουργία ενός ειδικού τύπου τέχνες του θεάματος- αυτοσχέδια κωμωδία.
Μέχρι τα μέσα του 16ου αι. Δεν υπήρχε επαγγελματικό θέατρο στην Ιταλία. Στη Βενετία, που πρωτοστάτησε στη δημιουργία όλων των ειδών θεαμάτων, ήδη στο γύρισμα του 15ου–16ου αιώνα. Υπήρχαν αρκετές ερασιτεχνικές θεατρικές κοινότητες. Σε αυτές συμμετείχαν τεχνίτες και άνθρωποι από μορφωμένες τάξεις. Σταδιακά, από αυτό το περιβάλλον άρχισαν να αναδύονται ομάδες ημιεπαγγελματιών. Η πιο σημαντική σκηνή στη γέννηση του επαγγελματικού θεάτρου συνδέεται με τον ηθοποιό και θεατρικό συγγραφέα Angelo Beolco, με το παρατσούκλι Ruzzante (1500–1542), του οποίου οι δραστηριότητες προετοίμασαν την εμφάνιση της commedia dell'arte. Τα έργα του Ανκονιτάνκα, Μοσχέτα, Διαλόγουςπεριλαμβάνονται στο ρεπερτόριο του ιταλικού θεάτρου μέχρι σήμερα.
Μέχρι το 1570, καθορίστηκαν τα κύρια καλλιτεχνικά συστατικά του νέου θεάτρου: μάσκες, διάλεκτοι, αυτοσχεδιασμός, μπουφονισμός. Καθιερώθηκε και το όνομά του, commedia dell’arte, που σήμαινε « επαγγελματικό θέατρο" Το όνομα «κωμωδία των μασκών» είναι μεταγενέστερης προέλευσης. Οι χαρακτήρες αυτού του θεάτρου, τα λεγόμενα. μόνιμοι τύποι (tipi fissi) ή μάσκες. Οι πιο δημοφιλείς μάσκες ήταν ο Pantalone, ο Βενετός έμπορος, ο γιατρός, ο δικηγόρος του Μπολονέζ, που έπαιζε τους ρόλους των υπηρετών του zanni Brighella, Arlequin και Pulcinella, καθώς και του Captain, Tartaglia, της υπηρέτριας Servette και δύο ζευγαριών Lovers. Κάθε μάσκα είχε τη δική της παραδοσιακή φορεσιά και μιλούσε τη δική της διάλεκτο μόνο οι Εραστές δεν φορούσαν μάσκες και μιλούσαν τη σωστή γλώσσα. ιταλικός. Οι ηθοποιοί έπαιξαν τα έργα τους σύμφωνα με το σενάριο, αυτοσχεδιάζοντας το κείμενο καθώς προχωρούσε το έργο. Οι παραστάσεις περιείχαν πάντα πολύ τεμπέληδες και μπουφές. Συνήθως ο ηθοποιός της commedia dell'arte έπαιζε μόνο τη μάσκα του σε όλη του τη ζωή. Οι πιο γνωστοί θίασοι είναι οι Γέλοσι (1568), Confidenti (1574) και Fedeli (1601). Μεταξύ των ερμηνευτών υπήρχαν πολλοί σπουδαίοι ηθοποιοί - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli, κ.λπ. Η τέχνη του θεάτρου με μάσκες ήταν εξαιρετικά δημοφιλής όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στο εξωτερικό. θαυμάστηκε όπως στα ανώτερα στρώματα της κοινωνίας και του απλού λαού. Η Κωμωδία των Μασκών είχε μεγάλη επιρροή στη διαμόρφωση των εθνικών θεάτρων στην Ευρώπη. Η παρακμή της commedia dell'arte ξεκίνησε στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα και στα τέλη του 18ου αιώνα. παύει να υπάρχει.
Η ανάπτυξη της τραγωδίας, της κωμωδίας και της ποιμαντικής απαιτούσε ένα ειδικό κτίριο για την εκτέλεσή τους. Νέος τύποςΈνα κλειστό κτίριο θεάτρου με σκηνή κουτιού, αμφιθέατρο και επίπεδα δημιουργήθηκε στην Ιταλία με βάση τη μελέτη της αρχαίας αρχιτεκτονικής. Παράλληλα, στο ιταλικό θέατρο του 17ου αι. Οι αναζητήσεις στον τομέα της σκηνογραφίας πραγματοποιήθηκαν με επιτυχία (συγκεκριμένα, δημιουργήθηκαν πολλά υποσχόμενα σκηνικά), αναπτύχθηκαν και βελτιώθηκαν θεατρικά μηχανήματα. Τόσο τον 12ο όσο και τον 13ο αιώνα. θέατρα, τα λεγόμενα, κατασκευάστηκαν σε όλη τη χώρα. Ιταλικά (all"italiana), τα οποία στη συνέχεια εξαπλώθηκαν σε όλη την Ευρώπη ().
Παρά την οικονομική και πολιτική υστέρησή της, η Ιταλία ήταν πλούσια και ποικιλόμορφη θεατρική ζωή. Μέχρι τον 18ο αιώνα Η Ιταλία είχε το καλύτερο μουσικό θέατρο στον κόσμο, στο οποίο διακρίνονταν δύο τύποι - η σοβαρή όπερα και η κωμική όπερα (όπερα μπούφα). Υπήρχε ένα κουκλοθέατρο και παντού παίζονταν παραστάσεις commedia dell'arte. Ωστόσο, η μεταρρύθμιση του δραματικού θεάτρου ετοιμάζεται εδώ και καιρό. Στην εποχή του Διαφωτισμού, η αυτοσχέδια κωμωδία δεν ανταποκρίνεται πλέον στις απαιτήσεις της εποχής. Χρειαζόταν ένα νέο, σοβαρό, λογοτεχνικό θέατρο. Η κωμωδία των μασκών δεν μπορούσε να υπάρξει στην προηγούμενη μορφή της, αλλά τα επιτεύγματά της έπρεπε να διατηρηθούν και να μεταφερθούν προσεκτικά στο νέο θέατρο. Αυτό έγινε από τον Κάρλο Γκολντόνι. Πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση προσεκτικά. Άρχισε να εισάγει πλήρως γραπτά και λογοτεχνικά κείμενα μεμονωμένων ρόλων και διαλόγων στα έργα του και το βενετσιάνικο κοινό δέχτηκε την καινοτομία του με ενθουσιασμό. Αυτή τη μέθοδο χρησιμοποίησε για πρώτη φορά στην κωμωδία Momolo, η ζωή του πάρτι(1738). Ο Γκολντόνι δημιούργησε ένα θέατρο χαρακτήρων, εγκαταλείποντας τις μάσκες, τα σενάρια και γενικότερα τον αυτοσχεδιασμό. Οι χαρακτήρες του θεάτρου του έχασαν το συμβατικό τους περιεχόμενο και έγιναν ζωντανοί άνθρωποι - άνθρωποι της εποχής τους και της χώρας τους, της Ιταλίας του 18ου αιώνα. Ο Γκολντόνι πραγματοποίησε τη μεταρρύθμισή του σε έναν σκληρό αγώνα με τους αντιπάλους του. Δεύτερο μισό του 18ου αιώνα. μπήκε στην ιστορία της Ιταλίας ως εποχή θεατρικών πολέμων. Ο αββάς Κιάρι, ένας μέτριος και άρα ακίνδυνος θεατρικός συγγραφέας, του εναντιώθηκε, αλλά ο κύριος αντίπαλός του, εφάμιλλος του από άποψη ταλέντου, ήταν ο Κάρλο Γκότσι. Ο Γκόζι υπερασπίστηκε το θέατρο των μασκών, θέτοντας το καθήκον να αναβιώσει την παράδοση της αυτοσχέδιας κωμωδίας. Και σε κάποια φάση φάνηκε ότι τα κατάφερε. Και παρόλο που ο Γκολντόνι άφησε χώρο για αυτοσχεδιασμό στις κωμωδίες του, και ο ίδιος ο Γκότσι έγραψε τελικά σχεδόν όλα τα δραματικά του έργα, η διαμάχη τους ήταν σκληρή και ασυμβίβαστη. Γιατί το βασικό νεύρο της αντιπαράθεσης των δύο μεγάλων Βενετών είναι το ασυμβίβαστο των κοινωνικών τους θέσεων, οι διαφορετικές απόψεις για τον κόσμο και τον άνθρωπο.
Ο Γκολντόνι στα έργα του ήταν εκφραστής των ιδεών της τρίτης εξουσίας, υπερασπιστής των ιδανικών και των ηθών της. Όλη η δραματουργία του Γκολντόνι υποτάσσεται στο πνεύμα του εύλογου εγωισμού και της πρακτικότητας - οι ηθικές αξίες της αστικής τάξης. Ο Γκόζι ήταν ο πρώτος που μίλησε ενάντια στην προπαγάνδα τέτοιων απόψεων από τη σκηνή. Έγραψε δέκα ποιητικά παραμύθια για το θέατρο, τα λεγόμενα. φιάμπα (φιάμπα/παραμύθι). Επιτυχία θεατρικά παραμύθιαΟ Γκόζι ήταν εκπληκτικός. Και το βενετικό κοινό απροσδόκητα έχασε γρήγορα το ενδιαφέρον του για το πρόσφατο αγαπημένο του Goldoni. Εξουθενωμένος από τον αγώνα, ο Γκολντόνι παραδέχτηκε την ήττα και έφυγε από τη Βενετία. Αυτό όμως δεν άλλαξε τίποτα στα πεπρωμένα Ιταλική σκηνή– μεταρρύθμιση εθνικό θέατροτότε είχε ήδη τελειώσει. Και το ιταλικό θέατρο ακολούθησε αυτόν τον δρόμο.
Από τα τέλη του 18ου αιώνα. Στην Ιταλία ξεκινά η εποχή του Risorgimento -ο αγώνας για την εθνική ανεξαρτησία, για την πολιτική ενοποίηση της χώρας και τους αστικούς μετασχηματισμούς- που κράτησε σχεδόν έναν αιώνα. Στο θέατρο η τραγωδία γίνεται το πιο σημαντικό είδος. Ο μεγαλύτερος συγγραφέας τραγωδιών ήταν ο Βιτόριο Αλφιέρι. Η γέννηση της τραγωδίας του ιταλικού ρεπερτορίου συνδέεται με το όνομά του. Δημιούργησε σχεδόν μόνος του μια εμφύλια τραγωδία. Ένας παθιασμένος πατριώτης που ονειρευόταν να απελευθερώσει την πατρίδα του, ο Αλφιέρι αντιτάχθηκε στην τυραννία. Όλες οι τραγωδίες του είναι εμποτισμένες με το ηρωικό πάθος του αγώνα για ελευθερία.
Η εποχή του Risorgimento γέννησε ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα - τον ρομαντισμό. Τυπικά, η εμφάνισή του συνέπεσε με την αποκατάσταση της αυστριακής κυριαρχίας. Επικεφαλής και ιδεολόγος του ρομαντισμού ήταν ο συγγραφέας Alessandro Manzoni. Η πρωτοτυπία του θεατρικού ρομαντισμού στην Ιταλία έγκειται στον πολιτικό και εθνικο-πατριωτικό προσανατολισμό του. Ο κλασικισμός θεωρήθηκε έκφραση του αυστριακού προσανατολισμού, μια κατεύθυνση που σήμαινε όχι μόνο συντηρητισμό, αλλά και ξένο ζυγό και ο ρομαντισμός ένωσε την αντίθεση. Σχεδόν όλοι οι δημιουργοί του ιταλικού θεάτρου στη ζωή ακολούθησαν τα ιδανικά που διακήρυξαν: ήταν αληθινοί μάρτυρες της ιδέας - πολέμησαν στα οδοφράγματα, κάθισαν στις φυλακές, υπέφεραν από τη φτώχεια, έζησαν για μεγάλες περιόδους στην εξορία. Ανάμεσά τους οι G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari κ.α.
Ο ήρωας του ρομαντισμού είναι μια ισχυρή προσωπικότητα, ένας μαχητής για τη δικαιοσύνη και την ελευθερία, και όχι τόσο την προσωπική ελευθερία όσο την καθολική ελευθερία - την ελευθερία της Πατρίδας. Το καθήκον της εποχής ήταν να ενώσει όλους τους Ιταλούς στον αγώνα για έναν κοινό σκοπό. Επομένως, τα κοινωνικά προβλήματα ξεθωριάζουν στο παρασκήνιο και περνούν απαρατήρητα. Οι Ιταλοί ρομαντικοί ενδιαφέρθηκαν επίσης πολύ λιγότερο για ζητήματα της πραγματικής μορφής. Από τη μια πλευρά, απέρριψαν τους αυστηρούς κανόνες του κλασικισμού, διακηρύσσοντας την προσκόλληση ελεύθερες φόρμες, από την άλλη, στο έργο τους οι ρομαντικοί εξακολουθούσαν να εξαρτώνται πολύ από την κλασικιστική αισθητική. Η κύρια πηγή έμπνευσης για τους ρομαντικούς θεατρικούς συγγραφείς είναι η ιστορία και η μυθολογία. οι πλοκές ερμηνεύτηκαν από τη σκοπιά σήμερα, οπότε οι παραστάσεις έπαιρναν συνήθως μια έντονη πολιτική χροιά. Οι καλύτερες τραγωδίες είναι Caius Gracchus V. Monti (1800), Αρμίνια I. Pindemonte (1804), Αϊάς U. Foscolo (1811), Κόμης Καρμανιόλα(1820) και Adelgiz(1822) A. Manzoni, Τζιοβάνι ντα Προκίντα(1830) και Άρνολντ Μπρεσιάνσκι(1843) D.B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) Κ. Μαρένκο. Τα έργα δημιουργήθηκαν από πολλές απόψεις σύμφωνα με τα κλασικιστικά πρότυπα, αλλά είναι γεμάτα πολιτικούς υπαινιγμούς και πάθος τυραννομαχίας. Η μεγαλύτερη επιτυχία ήρθε από την τραγωδία του Σίλβιο Πέλικο Φραντσέσκα ντα Ρίμινι (1815).
Στο δεύτερο μισό του αιώνα, η ηρωική τραγωδία έδωσε τη θέση της στο μελόδραμα. Μαζί με την κωμωδία, το μελόδραμα γνώρισε μεγάλη επιτυχία μεταξύ των θεατών. Ο πρώτος θεατρικός συγγραφέας ήταν ο Paolo Giacometti (1816–1882), ο συγγραφέας περίπου 80 έργων για το θέατρο. Τα καλύτερα του έργα: Ελισάβετ, βασίλισσα της Αγγλίας (1853), Ιουδίθ(1858) και ένα από τα πιο ρεπερτορικά μελοδράματα του 19ου αιώνα. Εμφύλιος θάνατος(1861). Η δραματουργία του Τζακομέτι έχει ήδη απαλλαγεί εντελώς από τον κλασικισμό, τα έργα του συνδυάζουν ελεύθερα τα χαρακτηριστικά της κωμωδίας και της τραγωδίας, έχουν ρεαλιστικά σκιαγραφημένα χαρακτήρες, έχουν ρόλους, οπότε τα θέατρα τους ανέλαβαν πρόθυμα για παραγωγή. Μεταξύ των κωμικών, ξεχώρισε και ο Πάολο Φεράρι (1822–1889), πολυγραφότατος θεατρικός συγγραφέας και συνεχιστής των παραδόσεων του Κάρλο Γκολντόνι. Τα έργα του δεν εγκατέλειψαν τη σκηνή παρά τα τέλη του αιώνα. Η καλύτερή του κωμωδία Γκολντόνι και δεκαέξι από τις νέες του κωμωδίες(1853) συνεχίζει να παίζεται στην Ιταλία.
Στη δεκαετία του 1870, ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα, το βερίσμο, εμφανίστηκε σε μια νικηφόρα και ενωμένη Ιταλία. Οι θεωρητικοί του βερισμού, Λουίτζι Καπουάνα και Τζιοβάνι Βέργκα, υποστήριξαν ότι ο καλλιτέχνης πρέπει να απεικονίζει μόνο γεγονότα, να δείχνει ζωή χωρίς εξωραϊσμό, να είναι αμερόληπτος και να απέχει από τις εκτιμήσεις και τα σχόλιά του. Οι περισσότεροι θεατρικοί συγγραφείς ακολούθησαν πολύ αυστηρά αυτούς τους κανόνες και ίσως αυτό ήταν που στέρησε από τις δημιουργίες τους την αληθινή ζωή. Τα καλύτερα έργαανήκουν στην πένα του Δ. Βέργα (1840–1922), πιο συχνά από άλλους παραβίαζε τις προδιαγραφές της θεωρίας. Δύο από τα έργα του Τιμή χώρας(1884) και Αυτή-λύκος(1896) περιλαμβάνονται ακόμη και σήμερα στο ρεπερτόριο των ιταλικών θεάτρων. Τα έργα γίνονται αριστοτεχνικά. Το είδος είναι μια τραγωδία από τη λαϊκή ζωή. Διακρίνονται από ένα ισχυρό δραματικό νεύρο, αυστηρότητα και περιορισμό των εκφραστικών μέσων. Το 1889 ο P. Mascagni έγραψε μια όπερα Τιμή χώρας.
Στα τέλη του 19ου αιώνα. εμφανίζεται ένας θεατρικός συγγραφέας που η φήμη του ξεπερνά τα σύνορα της Ιταλίας. Ο Gabriele D'Annunzio έγραψε μια ντουζίνα θεατρικά έργα, τα οποία ονόμασε τραγωδίες ευρωπαϊκές γλώσσες. Στις αρχές του αιώνα, ο D'Annunzio ήταν ένας πολύ δημοφιλής θεατρικός συγγραφέας, το δράμα του ταξινομείται συνήθως ως συμβολισμός και νεορομαντισμός, αν και έχει χαρακτηριστικά νεοκλασικισμού.
Γενικά, ωστόσο, τα επιτεύγματα της δραματουργίας ήταν κάτι παραπάνω από μέτρια. Ιταλικά 19ος αιώνας παρέμεινε στην ιστορία του θεάτρου ως υποκριτικός αιώνας. Η υψηλή τραγωδία δεν έδωσε μεγάλα έργα στο δράμα. Όμως το τραγικό θέμα ακουγόταν ακόμα στο θέατρο, ακούστηκε και λήφθηκε παγκόσμια αναγνώριση. Αυτό συνέβη στην όπερα (Τζουζέπε Βέρντι) και στην τέχνη των μεγάλων Ιταλών τραγικών. Της εμφάνισής τους προηγήθηκε η θεατρική μεταρρύθμιση.
Ο τύπος του ηθοποιού κοντά στον κλασικισμό παρέμεινε στο ιταλικό θέατρο για αρκετό καιρό: η παραστατική τέχνη παρέμεινε αιχμάλωτη των διακηρύξεων, της ρητορικής, των κανονικών πόζες και των χειρονομιών. Μια μεταρρύθμιση των τεχνών του θεάματος, ίσης σημασίας με τη μεταρρύθμιση του Carlo Goldoni, πραγματοποιήθηκε στα μέσα του αιώνα από τον λαμπρό ηθοποιό και σκηνοθέτη του θεάτρου Gustavo Modena (1803–1861). Από πολλές απόψεις ήταν μπροστά από την εποχή του. Η Μόντενα έφερε στη σκηνή έναν άντρα με όλα του τα χαρακτηριστικά, τη φυσική του ομιλία, «χωρίς βερνίκι, χωρίς κουλούρια». Δημιούργησε ένα νέο στυλ υποκριτικής, τα κύρια χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η απλότητα και η αλήθεια. Στο θέατρό του, κηρύχθηκε πόλεμος στην πρεμιέρα, υπήρχε μια τάση απομάκρυνσης από άκαμπτους ρόλους και για πρώτη φορά προέκυψε το ζήτημα ενός υποκριτικού συνόλου. Η επιρροή του Gustavo Modena στους συγχρόνους και τους συναδέλφους του ήταν τεράστια.
Η Adelaide Ristori (1822–1906) δεν ήταν μαθήτρια της Μόντενα, αλλά θεωρούσε τον εαυτό της κοντά στο σχολείο του. Η πρώτη μεγάλη τραγική ηθοποιός της οποίας η τέχνη αναγνωρίστηκε εκτός Ιταλίας, ήταν μια πραγματική ηρωίδα της εποχής της, εκφράζοντας το πατριωτικό επαναστατικό πάθος της. Στην ιστορία του θεάτρου παρέμεινε η ερμηνεύτρια πολλών τραγικών ρόλων: Francesca ( Φραντσέσκα ντα Ρίμινι Pellico), Mirra ( ΣμύρναΑλφιέρι), Λαίδη Μάκβεθ ( ΜάκβεθΣαίξπηρ), Μήδεια ( Μήδεια Legure), Mary Stuart ( Μαίρη Στιούαρτ Schiller). Ο Ριστόρι έλκονταν από χαρακτήρες που ήταν δυνατοί, αναπόσπαστοι, ηρωικοί και γεμάτοι με μεγάλα πάθη. Η ηθοποιός αποκάλεσε το στυλ της ρεαλιστικό, προτείνοντας τον όρο «πολύχρωμος ρεαλισμός», που σημαίνει «ιταλική θέρμη», «φλογερή έκφραση παθών».
Το αντίθετο του Ristori ήταν η Clementina Cazzola (1832–1868), μια ρομαντική ηθοποιός που δημιουργούσε εικόνες λεπτού λυρισμού και ψυχολογικού βάθους, ήταν ικανή για πολύπλοκους χαρακτήρες. Ήταν αντίθετη με τον Ristori, ο οποίος πάντα έβγαζε το κύριο χαρακτηριστικό του χαρακτήρα. Στο ιταλικό θέατρο, ο Cazzola θεωρείται ο προκάτοχος του E. Duse. Οι καλύτεροι ρόλοι της περιλαμβάνουν την Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Κυρία με καμέλιες Dumas), Adriene Lecouvreur ( Αντριέν ΛεκουβρέρΓραμματέας), καθώς και ο ρόλος της Δεσδαιμόνας ( Οθέλλος Shakespeare), που έπαιξε μαζί με τον σύζυγό της, T. Salvini, τον μεγάλο τραγικό.
Ο Tommaso Salvini, μαθητής του G. Modena και του L. Domeniconi, ενός από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του σκηνικού κλασικισμού. Ο ηθοποιός δεν ενδιαφέρεται για έναν συνηθισμένο άνθρωπο, αλλά για έναν ήρωα του οποίου η ζωή είναι αφιερωμένη σε έναν υψηλό στόχο. Εκτιμούσε την ομορφιά πάνω από την εγκόσμια αλήθεια. Ανέβασε την εικόνα ενός άνδρα ψηλά. Η τέχνη του συνδύαζε οργανικά το μεγάλο και το συνηθισμένο, το ηρωικό και το καθημερινό. Ήξερε με μαεστρία πώς να ελέγχει την προσοχή του κοινού. Ήταν ένας ηθοποιός με ισχυρό ταμπεραμέντο, ισορροπημένος από ισχυρή θέληση. Εικόνα του Οθέλλου ( Οθέλλος Shakespeare) είναι η υπέρτατη δημιουργία του Salvini, «ένα μνημείο, ένα μνημείο, ένας νόμος για την αιωνιότητα» (Stanislavsky). Έπαιζε τον Οθέλλο σε όλη του τη ζωή. Τα καλύτερα έργα του ηθοποιού περιλαμβάνουν επίσης πρωταγωνιστικούς ρόλους σε έργα. Χωριουδάκι, βασιλιάς Ληρ, ΜάκβεθΣαίξπηρ, καθώς και ο ρόλος του Corrado στο έργο Εμφύλιος θάνατοςΤζιακομέτι.
Το έργο ενός άλλου λαμπρού τραγικού, του Ερνέστο Ρόσι (1827–1896), αντιπροσωπεύει ένα διαφορετικό στάδιο στην ανάπτυξη της ιταλικής σκηνικής τέχνης. Ήταν ο πιο αγαπημένος και πιο συνεπής μαθητής του G. Modena. Σε κάθε χαρακτήρα ο Rossi προσπάθησε να δει όχι έναν ιδανικό ήρωα, αλλά απλώς ένα άτομο. Ένας εξαιρετικά λεπτός ψυχολογικός ηθοποιός, μπορούσε να δείξει επιδέξια τον εσωτερικό κόσμο και να μεταφέρει τις παραμικρές αποχρώσεις του χαρακτήρα του χαρακτήρα. Οι τραγωδίες του Σαίξπηρ είναι η βάση του ρεπερτορίου του Ρόσι. Αυτοί είναι οι κύριοι ρόλοι στα έργα Χωριουδάκι, ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ, Μάκβεθ, βασιλιάς Ληρ, Κοριολανός, Ριχάρδος Γ', Ιούλιος Καίσαρας, Ο Έμπορος της Βενετίας. Έπαιξε επίσης στα έργα των Δουμά, Τζιακομέτι, Ουγκό, Γκολντόνι, Αλφιέρι, Κορνέιγ και έπαιξε στις μικρές τραγωδίες του Πούσκιν και του Ιβάν του Τρομερού στο δράμα του Α.Κ. Ρεαλιστής καλλιτέχνης, δεξιοτέχνης της μεταμόρφωσης, δεν αποδέχτηκε τον βερισμό, αν και ο ίδιος προετοιμάστηκε για την εμφάνισή του με όλη του την τέχνη.
Ο Verismo, ως καλλιτεχνικό φαινόμενο, εκφράστηκε πλήρως στη σκηνή από την Ermette Zacconi (1857–1948). Το ρεπερτόριο του Zacconi είναι, καταρχάς, σύγχρονο παιχνίδι. Με μεγάλη επιτυχία έπαιξε στα έργα των Ίψεν, Α.Κ. Τολστόι, Ι.Σ.Τουργκένιεφ, Τζιακομέτι... Σημαντική προσωπικότητα ήταν και η πρεσβυτέρα του Ερμέτ Νοβέλι (1851–1919), ηθοποιός ευρείας γκάμας, λαμπρός κωμικός. Του δημιουργικό τρόποπεριείχε τα πάντα: από την κωμωδία dell'arte μέχρι την υψηλή τραγωδία και τον νατουραλισμό.
Η σημαντικότερη τραγική ηθοποιός της αλλαγής του αιώνα ήταν η θρυλική Eleonora Duse. Η πιο λεπτή ψυχολογική ηθοποιός, που η τέχνη της έμοιαζε να είναι κάτι περισσότερο από την τέχνη της μεταμόρφωσης.
19ος αιώνας – η ακμή του διαλεκτικού πολιτισμού. Είναι πιο ανεπτυγμένο στη Σικελία, τη Νάπολη, το Πεδεμόντιο, τη Βενετία και το Μιλάνο. Το διαλεκτικό θέατρο είναι το πνευματικό τέκνο της commedia dell'arte, από την οποία υιοθέτησε πολλά: τον αυτοσχεδιαστικό χαρακτήρα του παιχνιδιού σύμφωνα με προκατασκευασμένο σενάριο, την αγάπη για το slapstick, τις μάσκες. Οι παραστάσεις γίνονταν στην τοπική διάλεκτο. Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. η διαλεκτική δραματουργία μόλις άρχιζε να αποκτά τη λογοτεχνική της βάση. Το διαλεκτικό θέατρο εκείνης της εποχής ήταν πρώτα απ' όλα θέατρο υποκριτικής. Ο Σικελός Giovanni Grasso (1873–1930), ένας «πρωτόγονος τραγικός», ένας ηθοποιός με στοιχειώδη ιδιοσυγκρασία, ένας λαμπρός ερμηνευτής αιματηρών μελοδραμάτων, ήταν πολύ γνωστός όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στο εξωτερικό. Ο βόρειος Edoardo Ferravilla (1846–1916), ένας λαμπρός κωμικός ηθοποιός, συγγραφέας και ερμηνευτής των κειμένων του, γνώρισε τεράστια επιτυχία. Ο Antonio Petito (1822–1876) είναι η πιο θρυλική φιγούρα του ναπολιτάνικου θεάτρου, ένας λαμπρός αυτοσχεδιαστής που εργάστηκε στην τεχνική της commedia dell'arte και ένας αξεπέραστος ερμηνευτής της μάσκας Pulcinella. Ο μαθητής και οπαδός του Eduardo Scarpetta (1853–1925), ένας λαμπρός ηθοποιός, «βασιλιάς των κωμικών», δημιουργός της μάσκας του Felice Scioshamocchi, διάσημος θεατρικός συγγραφέας. Η καλύτερη κωμωδία του είναι Οι φτωχοί και οι ευγενείς (1888).
20ος αιώνας.
Αρχές 20ου αιώνα μπήκε στην ιστορία των παραστατικών τεχνών ως η εποχή της θεατρικής επανάστασης. Στην Ιταλία, οι μελλοντολόγοι ανέλαβαν το ρόλο των καινοτόμων της σκηνής. Στόχος τους είναι να δημιουργήσουν την τέχνη του μέλλοντος. Οι φουτουριστές απέρριψαν το ακαδημαϊκό θέατρο και τα υπάρχοντα θεατρικά είδη, προσπάθησαν να εγκαταλείψουν τον ηθοποιό ή να μειώσουν τον ρόλο του σε μαριονέτα και επίσης να εγκαταλείψουν τη λέξη, αντικαθιστώντας την με πλαστικές συνθέσεις και σκηνογραφία. Θεωρούσαν το παραδοσιακό θέατρο στατικό, πιστεύοντας ότι στην εποχή του μηχανικού πολιτισμού το κύριο πράγμα είναι η κίνηση. Οι πιο εξέχουσες μορφές του φουτουρισμού ήταν οι F. T. Marinetti (1876–1944) και A. J. Bragaglia (1890–1961). Τα θεατρικά τους μανιφέστα: Μανιφέστο του θεάτρου της ποικιλίας(1913) και Μανιφέστο Futurist Synthetic Theatre(1915) δεν έχουν χάσει ακόμη τη σημασία τους. Η δραματουργία των φουτουριστών είναι κυρίως τα έργα του Μαρινέτι, που ονομάζονται συνθέσεις (μικρές σκηνές, συχνά παίζονται χωρίς λόγια). Η σκηνογραφία έχει μεγαλύτερο ενδιαφέρον: δούλεψαν στο φουτουριστικό θέατρο καλύτερους καλλιτέχνεςεκείνης της εποχής: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Το φουτουριστικό θέατρο δεν είχε επιτυχία στο κοινό: οι παραστάσεις προκαλούσαν συχνά οργή και συχνά περιλάμβαναν σκάνδαλα. Ο ρόλος των φουτουριστών έγινε σαφής αργότερα - στο δεύτερο μισό του αιώνα: ήταν τότε που οι ιδέες τους έλαβαν περαιτέρω ανάπτυξη. Μαζί με τα λεγόμενα «Γροτέσκοι θεατρικοί συγγραφείς» και οι θεατρικοί συγγραφείς του «Λυκόφωτος», οι φουτουριστές προετοίμασαν την εμφάνιση της μεγαλύτερης μορφής στο θέατρο του 20ού αιώνα. Λ. Πιραντέλλο. Οι δραστηριότητες των ξένων σκηνοθετών είχαν επίσης μεγάλη σημασία το 1920-1930: αυτές ήταν παραγωγές των M. Reinhardt, V.I Nemirovich-Danchenko, καθώς και Ρώσων μεταναστών που ζούσαν μόνιμα στην Ιταλία - ηθοποιοί και σκηνοθέτες Pyotr Sharov (1886-1969) και. Η Τατιάνα Πάβλοβα (1896–1975), η οποία μύησε τους Ιταλούς στη ρωσική θεατρική σχολή και τις διδασκαλίες του Στανισλάφσκι.
Ο Λουίτζι Πιραντέλλο άρχισε να γράφει για το θέατρο το 1910. Στα πρώτα του έργα, αφιερωμένα στη ζωή στη Σικελία και γραμμένα στη σικελική διάλεκτο, η επιρροή του βερισμού γίνεται ξεκάθαρα αισθητή. Τα κύρια θέματα του έργου του είναι η ψευδαίσθηση και η πραγματικότητα, το πρόσωπο και η μάσκα. Προέρχεται από το γεγονός ότι τα πάντα στον κόσμο είναι σχετικά και δεν υπάρχει αντικειμενική αλήθεια.
Άλλοι σημαντικοί ηθοποιοί της εποχής είναι οι Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) και οι αδερφές Gramatica: Irma (1870–1962) και Emma (1875–1965). Μεταξύ των θεατρικών συγγραφέων, ο Sem Benelli (1877–1949), συγγραφέας ενός θεατρικού ρεπερτορίου, έγινε διάσημος Δείπνο με αστεία(1909) και Ugo Betti (1892–1953), του οποίου το καλύτερο παιχνίδι Διαφθορά στο Μέγαρο της Δικαιοσύνης(1949).
Μεταξύ των δύο παγκοσμίων πολέμων, το διαλεκτικό θέατρο κατέλαβε σημαντική θέση στην ιταλική κουλτούρα (αν και η πολιτική του φασιστικού κράτους είχε στόχο την καταστολή των διαλέκτων). Το ναπολιτάνικο θέατρο γνώρισε ιδιαίτερη επιτυχία. Το 1932 άρχισε να λειτουργεί το Χιουμοριστικό Θέατρο των Αδελφών Ντε Φίλιππο. Ωστόσο, η μεγαλύτερη φιγούρα εκείνης της εποχής ήταν ο Raffaele Viviani (1888–1950), ένας άνθρωπος με «ένα πρόσωπο που υποφέρει και τα αστραφτερά μάτια ενός αλήτη», ο δημιουργός του δικού του θεάτρου, ηθοποιός και θεατρικός συγγραφέας. Τα έργα της Βίβιανι λένε για τη ζωή των απλών Ναπολιτάνων, περιέχουν πολλή μουσική και τραγούδια. Οι καλύτερες κωμωδίες του περιλαμβάνουν Οδός Τολέδο τη νύχτα(1918), Ναπολιτάνικο χωριό (1919), Ψαράδες (1924), The Last Street Bum (1932).
Η περίοδος της Αντίστασης και τα πρώτα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο μπήκαν στην ιστορία της Ιταλίας ως το δεύτερο Risorgimento - τόσο καθοριστικές και μη αναστρέψιμες ήταν οι αλλαγές που συνέβησαν σε όλους τους τομείς της ζωής και της τέχνης. Μετά για πολλά χρόνιακοινωνική στασιμότητα, όλα άρχισαν να κινούνται και απαιτούσαν αλλαγή. Και αν στα χρόνια της φασιστικής δικτατορίας το θέατρο κυριολεκτικά ασφυκτιά από το ψέμα, τη ρητορική και την πομπωδία (αυτή ήταν η γραμμή επίσημη τέχνη), τώρα μίλησε επιτέλους στην ανθρώπινη γλώσσα και απευθύνθηκε σε έναν ζωντανό άνθρωπο. Η τέχνη της μεταπολεμικής Ιταλίας κατέπληξε τον κόσμο με την ειλικρίνειά της. Η ζωή ήρθε στην οθόνη και στη σκηνή όπως είναι, με όλη της τη φτώχεια, τον αγώνα, τις νίκες και τις ήττες και τα απλά ανθρώπινα συναισθήματα. Μετά τον πόλεμο, το θέατρο αναπτύχθηκε σύμφωνα με τον νεορεαλισμό, ένα από τα πιο δημοκρατικά και ανθρωπιστικά κινήματα τέχνης του εικοστού αιώνα. Το διαλεκτικό θέατρο αποκτά νέα ζωή. Ο Ναπολιτάνος Eduardo De Filippo λαμβάνει εθνική αναγνώριση και το δράμα του κατακτά γρήγορα τις σκηνές του κόσμου. Ονόμασε τα έργα του «δραματοποιήσεις της πραγματικής ζωής». Οι θλιβερές κωμωδίες του αφορούν τη ζωή, τις σχέσεις στην οικογένεια, την ηθική και τον σκοπό του ανθρώπου, τα προβλήματα του πολέμου και της ειρήνης.
Το επάγγελμα του σκηνοθέτη, που εμφανίστηκε στο ευρωπαϊκό θέατρο στις αρχές του αιώνα, καθιερώθηκε στην Ιταλία μόλις στο δεύτερο μισό του αιώνα. Ο πρώτος σκηνοθέτης στο ευρωπαϊκή αίσθησηΟ Luchino Visconti (1906–1976), ένας ρεαλιστής καλλιτέχνης με έντονη αίσθηση ομορφιάς, ένας πεπεισμένος αντιφασίστας και ουμανιστής, που εργάστηκε τόσο στο θέατρο όσο και στον κινηματογράφο, έγινε το όνομα αυτής της λέξης. Στο θέατρο Visconti, η παράσταση κατανοείται ως σύνολο, υποτάσσεται σε μια ενιαία έννοια, κηρύσσεται πόλεμος στην πρεμιέρα και οι ηθοποιοί μαθαίνουν να εργάζονται σε ένα σύνολο. Πλέον σημαντικό έργοΟ Βισκόντι στο Δραματικό Θέατρο: Εγκλημα και τιμωρίαΝτοστογιέφσκι (1946), The Glass Menagerie (1946), Επιθυμία Τραμ T. Williams (1949), Rosalind, ή Όπως σας αρέσει (1948), Troilus και CressidaΣαίξπηρ, Ορέστης Alfieri (1949), Πανδοχέας Goldoni (1952), Τρεις αδερφές (1952), Ο θείος Ιβάν (1956), Ο Βυσσινόκηπος(1965) Τσέχοφ.
Τα πρώτα μεταπολεμικά χρόνια ξεκίνησε στην Ευρώπη ένα κίνημα για προσιτό και κατανοητό λαϊκό θέατρο. Στην Ιταλία συγχωνεύτηκε με τον αγώνα για στατικά θέατρα, που ονομάστηκε Stabile (σταθερό/μόνιμο). Το πρώτο Stabile ήταν το Piccolo Teatro στο Μιλάνο, που ιδρύθηκε το 1947 από τους P. Grassi και G. Strehler. Θέατρο Τέχνηςστην υπηρεσία της κοινωνίας - αυτό είναι το καθήκον που έχει θέσει το Piccolo Teatro. Αρκετές γραμμές της ευρωπαϊκής θεατρικής κουλτούρας συνέκλιναν στο έργο του Στρέλερ: εθνική παράδοση commedia dell'arte, η τέχνη του ψυχολογικού ρεαλισμού και του επικού θεάτρου.
Στη δεκαετία 1960-1970 Ευρωπαϊκό θέατρογνώριζε άνθηση Μια νέα γενιά σκηνοθετών και ηθοποιών ήρθε στο ιταλικό θέατρο. Οι νέοι, έχοντας πολύ έντονη επίγνωση της εξάντλησης της παραδοσιακής γλώσσας της σκηνής, άρχισαν να κυριαρχούν στο νέο χώρο, να δουλεύουν διαφορετικά με το φως και τον ήχο και να αναζητούν νέες μορφές σχέσης με το κοινό. Εκείνα τα χρόνια εργάζονταν ενεργά οι Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis. Ωστόσο, οι πιο σημαντικές φιγούρες της γενιάς του εξήντα: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Όλοι τους έκαναν πολλά για να εμπλουτίσουν τη θεατρική γλώσσα, οι ανακαλύψεις τους χρησιμοποιούνται ευρέως στη θεατρική πράξη.
Ο Ντάριο Φο είναι ο πιο πολύς ένας εξέχων εκπρόσωποςπολιτικό θέατρο. Ο Φο ενδιαφέρεται για τον άνθρωπο ως κοινωνικό τύπο, με έντονα, μυτερά, υπερβολικά χαρακτηριστικά, τοποθετημένο σε μια οξεία, φαρσική, παράδοξη κατάσταση. Χρησιμοποιεί ευρέως τέτοιες τεχνικές λαϊκό θέατρο, όπως ο αυτοσχεδιασμός και η βαβούρα.
Ο Carmelo Bene (γεν. 1937) είναι ο αναγνωρισμένος επικεφαλής της ιταλικής πρωτοπορίας του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Ο Μπενέ αποκαλείται σπουδαίος ηθοποιός. Ο ίδιος γράφει, σκηνοθετεί και ερμηνεύει τους βασικούς ρόλους στα έργα του. Το έργο του υπάρχει στην άρρηκτη ενότητα συγγραφέα, ηθοποιού και σκηνοθέτη. Ο Μπενέ είναι συγγραφέας πολλών παραστάσεων, βασισμένων κυρίως σε έργα παγκόσμιας λογοτεχνίας και θεάτρου: Ο Πινόκιο Callodi (1961), Φάουστ και Μαργαρίτα (1966), Σαλώμη Wilde (1972), Τουρκική Παναγία Bene (1973), ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ (1976), Richard Sh (1978), Οθέλλος(1979), Μάνφρεντ Byron (1979), Μάκβεθ (1983), Χωριουδάκι(ρυθμίζεται επανειλημμένα) κ.λπ. Όλα αυτά είναι πρωτότυπα έργα του Μπενέ, βασισμένα σε διάσημα έργα και πολύ αόριστα τα θυμίζουν. Ο Μπενέ αρνείται την παραδοσιακή δραματική μορφή: στις παραστάσεις του δεν υπάρχουν γεγονότα βασισμένα στην αρχή της αιτίας και του αποτελέσματος, δεν υπάρχει πλοκή και διάλογος με τη συνήθη έννοια, η λέξη μερικές φορές αντικαθίσταται από ήχο και η εικόνα κυριολεκτικά καταρρέει, γίνεται άψυχο αντικείμενο ή εξαφανίζεται τελείως. Requiem for a Man - έτσι θα μπορούσε κανείς να ορίσει το κύριο περιεχόμενο της τέχνης του.
Μεταξύ των νεότερων που εργάζονται με επιτυχία στο ιταλικό θέατρο, μπορεί κανείς να αναφέρει τον σκηνοθέτη Federico Tiezzi (1951), τον σκηνοθέτη και ηθοποιό Giorgio Barberio Corsetti (1951), τον σκηνοθέτη Mario Martone (1962), ο οποίος για αρκετά χρόνια ήταν επικεφαλής του ρωμαϊκού θεάτρου "Stabile" , που ανέβασε μια σειρά από πολύ ενδιαφέρουσες παραστάσεις, συμπεριλαμβανομένου του εξαιρετικά επιτυχημένου έργου Δέκα εντολές R. Viviani (2001).
Στο δεύτερο μισό του 20ου αιώνα. Το ιταλικό θέατρο, έχοντας γίνει θέατρο σκηνοθέτη, δεν έπαψε να είναι θέατρο μεγάλων ηθοποιών. Οι καλύτεροι ηθοποιοί της χώρας δούλευαν πάντα στις παραγωγές των μεγαλύτερων σκηνοθετών. Αυτό ισχύει για τον Eduardo de Filippo, τον Giorgio Strehler και τον Luchino Visconti, καθώς και για τους σκηνοθέτες της δεκαετίας του εξήντα που ήρθαν στο θέατρο στον απόηχο της διαμαρτυρίας. Ο πυρήνας του θιάσου του Βισκόντι ήταν το παντρεμένο ζευγάρι Rina Morelli και Paolo Stoppa, λεπτοί ψυχολόγοι ηθοποιοί που έπαιξαν σε όλες τις παραστάσεις του στο δραματικό θέατρο. Ο Vittorio Gassman είχε επίσης τεράστια επιτυχία στις παραστάσεις του Visconti (ειδικά στις παραστάσεις ΟρέστηςΑλφιέρι και Troilus και CressidaΣαίξπηρ). Μετά την αποχώρησή του από το Visconti, ο Gassman έπαιξε πολύ στο κλασικό ρεπερτόριο. τα πιο αξιόλογα έργα του ήταν σε θεατρικά έργα ΟθέλλοςΚαι ΜάκβεθΣαίξπηρ.
Σύμφωνα με τη μακρόχρονη παράδοση του ιταλικού θεάτρου, ο θίασος συνήθως συγκεντρωνόταν γύρω από έναν μεγάλο ηθοποιό (ή ηθοποιό) και οι παραστάσεις συνήθως ανέβαιναν με βάση την παράσταση της πρεμιέρας. Σε μια τέτοια θεατρική ομάδα, ο πρώτος ηθοποιός, ο σταρ ηθοποιός (στην Ιταλία ονομαζόταν divo ή mattatore) περιβαλλόταν συχνά από πολύ αδύναμους ερμηνευτές.
Εδώ και αρκετές δεκαετίες (μέχρι τώρα), οι πολύ δημοφιλείς ηθοποιοί Giorgio Albertazzi και Anna Proklemer παίζουν στις σκηνές των ιταλικών θεάτρων, παίζοντας τους βασικούς ρόλους κυρίως σε έργα από το παγκόσμιο κλασικό ρεπερτόριο. Πολλοί πολύ διάσημοι και αγαπημένοι ηθοποιοί διαφορετικών γενιών δούλεψαν πολύ στο θέατρο, συμπεριλαμβανομένων των Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, από τους οποίους ονομάζεται πλέον ένα από τα θέατρα του Μιλάνου. Ο Parenti εργάστηκε επίσης στο Piccolo Teatro με τον Giorgio Strehler. Στο Strehler Theatre έπαιζαν πάντα υπέροχοι ηθοποιοί. Αυτός είναι ο Tino Buazzelli, ο διάσημος ερμηνευτής του ρόλου του Galileo στο έργο Η ζωή του ΓαλιλαίουΒ. Μπρεχτ. Ο Τίνο Καράρο, ο οποίος έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους στα έργα του Σαίξπηρ για πολλά χρόνια ( βασιλιάς Ληρ, Καταιγίδα), Μπρεχτ, Στρίντμπεργκ και άλλοι Μια εξαιρετική ερμηνεύτρια γυναικείων ρόλων στο θέατρο του σκηνοθέτη ήταν η Βαλεντίνα Κορτέζε, ανάμεσα στις κορυφές της δουλειάς της ο ρόλος της Ρανέβσκαγια. Βυσσινόκηπος(παραγωγή 1974). Από τους νεότερους ξεχωρίζει η Pamella Villoresi, υπέροχη ερμηνεύτρια γυναικείων χαρακτήρων στις κωμωδίες του Carlo Goldoni, στα έργα των Lessing, Marivaux και άλλων. τελευταία περίοδοΣτο δημιουργικό έργο του σκηνοθέτη, η μούσα του ήταν η ηθοποιός Andrea Jonasson, η οποία ερμήνευσε δραματικούς ρόλους σε παραγωγές των Brecht, Lessing, Pirandello και άλλων Μια ξεχωριστή θέση μεταξύ των ηθοποιών του Piccolo Teatro κατέχουν δύο σπουδαίοι ερμηνευτές της μάσκας του Αρλεκίνου - ο Marcello. Moretti και Ferruccio Soleri στη θρυλική παράσταση Αρλεκίνοςβασισμένο στην κωμωδία του Γκολντόνι Υπηρέτης δύο κυρίων.
Ο Luca Ronconi συγκεντρώνει επίσης μια ομάδα ηθοποιών του γύρω του. Πρόκειται, καταρχάς, για δύο ηθοποιούς της παλαιότερης γενιάς, τη Φράνκα Νούτι και τη Μαρίσα Φάμπρι, που έπαιξαν τους βασικούς ρόλους σε παραγωγές του σκηνοθέτη όπως ΒάκχεςΕυριπίδης (1978), ΦαντάσματαΊψεν, Τελευταιες μερεςανθρωπότητα Kraus και άλλοι, Mariangela Melato, που έπαιξαν στο καλύτερα έργασκηνοθέτης όπως Έξαλλος ΡόλαντΚαι Ορέστεια. Δούλεψε πολύ με τον Ronconi και τον Massimo de Francovich, μεταξύ των οποίων οι μεγάλες επιτυχίες ήταν ο ρόλος του Lear στο έργο. βασιλιάς Ληρ, καθώς και ο νεαρός Massimo Popolizio, ένας ηθοποιός ευρέος φάσματος, που μπορεί να χειριστεί τους ρυθμούς τόσο του δράματος όσο και της κωμωδίας (ο ρόλος του ως δύο αδερφών στην κωμωδία του Goldoni του έφερε τεράστια επιτυχία Βενετσιάνικα δίδυμα).
Είναι ιδιαίτερα απαραίτητο να αναδειχθούν οι ηθοποιοί της ναπολιτάνικης σχολής. Από τους πιο διάσημους είναι η παλαιότερη γενιά ηθοποιών Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo και Pupella Maggio, που δούλεψαν πολύ στο θέατρο Eduardo de Filippo. Στους νεότερους ηθοποιούς περιλαμβάνονται οι Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone και άλλοι.
Δεύτερο μισό του 20ου αιώνα. μπήκε στην ιστορία του ιταλικού θεάτρου ως εποχή αναγέννησης στην τέχνη της σκηνογραφίας. Οι καλύτεροι καλλιτέχνες πάντα συνεργάζονταν με τους καλύτερους σκηνοθέτες της χώρας. Οι πιο εντυπωσιακές φιγούρες είναι οι Luciano Damiani και Ezio Frigerio. τα ονόματά τους είναι στις αφίσες όλων καλύτερες παραστάσεις Strehlera. Και επίσης αυτό – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.
Μαρία Σκορνιάκοβα