Θέατρο La Scala – Θέατρο alla Scala (ΜΙΛΑΝΟ)
Το μαργαριτάρι της παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ένα θέατρο με πιο λαμπρή ιστορία από τη διάσημη Σκάλα. Για περισσότερα από 300 χρόνια ύπαρξης, αυτοί οι τοίχοι έχουν δει πολλά, αλλά κατάφεραν να διατηρήσουν, ίσως, το πιο σημαντικό πράγμα για το θέατρο - τη μοναδική του γοητεία και το μυστήριο. Η συναυλιακή σεζόν στη Σκάλα διαρκεί από τον Δεκέμβριο έως τον Ιούνιο (το φθινόπωρο, οι συναυλίες πραγματοποιούνται στη σκηνή της συμφωνικές συναυλίες). Το άνοιγμα της σεζόν είναι ιδιαίτερα πανηγυρικό. Είναι πάντα 7 Δεκεμβρίου - η ημέρα του Αγίου Αμβροσίου, του πολιούχου του Μιλάνου. Δυστυχώς, τα εισιτήρια μερικές φορές εξαντλούνται έξι μήνες νωρίτερα, οπότε κάντε κράτηση εκ των προτέρων. Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίου - όπερας/μπαλέτου: πάγκοι 260/150; αμφιθέατρο 80-260/125; μπαλκόνι 40-105/30-80 ευρώ
Αμφιθέατρο – Arena di Verona(ΒΕΡΟΝΑ)
Το αρχαίο ρωμαϊκό αμφιθέατρο είναι διάσημο για τις παραστάσεις όπερας και συναυλιών που πραγματοποιούνται εκεί. Χτίστηκε τον 1ο αιώνα π.Χ. Το μέγεθος του κτιρίου από ροζ πέτρα της Βερόνας είναι το δεύτερο μόνο μετά το Ρωμαϊκό Κολοσσαίο. Στην αρχαιότητα, γίνονταν αγώνες μονομάχων σε αυτό και ιπποτικά τουρνουά στο Μεσαίωνα. Τον 16ο και 17ο αιώνα. οι κερκίδες των θεατών ανακατασκευάστηκαν πλήρως και η σημερινή Αρένα είναι ένα μεγαλειώδες αμφιθέατρο με 25 χιλιάδες θέσεις, στη σκηνή της οποίας δίνονται μαγευτικές παραστάσεις όπερας ύπαιθρο. Διαθέτει εξαιρετική ακουστική κτιρίου. Αυτές τις μέρες, υπάρχουν συνήθως τέσσερις διαφορετικές σκηνικές παραγωγές που πραγματοποιούνται κάθε χρόνο μεταξύ Ιουνίου και Αυγούστου. Στα μέσα Ιουλίου δίνονται παραστάσεις σχεδόν καθημερινά. Τους χειμερινούς μήνες η όπερα και το μπαλέτο δίνουν παραστάσεις στην Ακαδημαϊκή Φιλαρμονική.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες στη Φιλαρμονική: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 90/60 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 70/50; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 60/35; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -55/40. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ. Τιμές εισιτηρίων για την Αρένα: ισόγειο 220 ευρώ, αμφιθέατρο 95, μπαλκόνι 40. Δεν επιτρέπονται παιδιά κάτω των 4 ετών.
San Carlo – Teatro di San Carlo(ΝΕΑΠΟΛΗ)
Η Όπερα στη Νάπολη χτίστηκε με εντολή του Καρόλου Γ' για να αντικαταστήσει το ερειπωμένο Teatro San Bartolomeo. Άνοιξε το 1737, εκείνη την εποχή η αίθουσα του θεάτρου μπορούσε να φιλοξενήσει έως και 3.300 θεατές, καθιστώντας το θέατρο το πιο ευρύχωρο στον κόσμο.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 170/130 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 110/100; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 90/50; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -60/40. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ. .
Θέατρο La Fenice(ΒΕΝΕΤΙΑ)
Η καρδιά της μουσικής ζωής της Βενετίας. Ένα ασυνήθιστο θέατρο με προβλήτα νερού και κομψό χώρο περιπάτου. Το θέατρο, που χτίστηκε το 1792, επέζησε από δύο πυρκαγιές και κάθε φορά, δικαιολογώντας το όνομά του, σαν πουλί του Φοίνικα, ξαναγεννιόταν από τις στάχτες. Μετά από μια τελευταία τρομακτική αγκαλιά των φλόγων που κατέστρεψε σχεδόν ολοσχερώς το θέατρο, το νέο, ανακαινισμένο La Fenice άνοιξε τις πόρτες του στο κοινό στις 14 Δεκεμβρίου 2003.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 190/140 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 160/100; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 110/90; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου -70/50. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 10 ευρώ.
Όπερα – Teatro dell’Opera di Roma(ΡΩΜΗ)
Μια από τις μεγαλύτερες όπερες της Ευρώπης, που μπορεί να φιλοξενήσει έως και δύο χιλιάδες διακόσιους λάτρεις της μουσικής. Εδώ ανεβαίνουν παραστάσεις όπερας και μπαλέτου που ανεβαίνουν παγκόσμιες σταρ. Ήταν στην Όπερα της Ρώμης που έγινε η παγκόσμια πρεμιέρα της «Τόσκα» του Πουτσίνι και μιας σειράς όπερων του Mascagni, συμπεριλαμβανομένων των «Honor Rusticana», «Iris», «Masques». Στη σκηνή του τραγούδησε η Amelita Galli-Curci, ιδιοκτήτρια της πιο διάσημης σοπράνο κολορατούρα των αρχών του περασμένου αιώνα, οι τενόροι Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.
Το καλοκαίρι, παραστάσεις όπερας πραγματοποιούνται σε εξωτερικούς χώρους στα Λουτρά του Καρακάλλα. Κάποτε ήταν γνωστά ως το όγδοο θαύμα του κόσμου. Το καλοκαίρι του 1990, στα ερείπια των Λουτρών του Καρακάλλα, α θρυλική συναυλίατρεις τενόροι - Placido Domingo, Jose Carreras και Luciano Pavarotti.
Κατά προσέγγιση κόστος εισιτηρίων για πρεμιέρες: πάγκοι όπερας/μπαλέτου - 160/90 ευρώ. αμφιθέατρο όπερας/μπαλέτου - 130/80; Benoir box όπερας/μπαλέτου - 60/35; μπαλκόνι όπερας/μπαλέτου - 35/30. Το κόστος των εισιτηρίων για επαναλαμβανόμενες παραστάσεις είναι περίπου μείον 20 ευρώ.
Το περιεχόμενο του άρθρου
ΙΤΑΛΙΚΟ ΘΕΑΤΡΟ.Η θεατρική τέχνη της Ιταλίας χρονολογείται από το λαϊκές τελετουργίεςκαι παιχνίδια, καρναβάλια, θρησκευτικά τραγούδια και χοροί που συνδέονται με τον φυσικό κύκλο και την αγροτική εργασία. Οι Αγώνες του Μαΐου ήταν πλούσιοι σε τραγούδια και δραματική δράση. , που λαμβάνει χώρα γύρω από μια αναμμένη φωτιά, που συμβολίζει τον ήλιο. Από τα μέσα του 13ου αι. Ο Λάουντα εμφανίζεται στην Ούμπρια (Λάουντα) , ένα μοναδικό είδος δημόσιου θεάματος, -θρησκευτικά επαινετικά άσματα, που σταδιακά πήραν διαλογική μορφή. Τα θέματα αυτών των παραστάσεων ήταν κυρίως σκηνές ευαγγελίου - ο Ευαγγελισμός, η γέννηση του Χριστού, οι πράξεις του Χριστού... Μεταξύ των συγγραφέων του laudas, ξεχώρισε ο Τοσκανός μοναχός Jacopone da Todi (1230–1306). Το πιο διάσημο έργο του Ο Θρήνος της Μαντόνας. Οι Laudas χρησίμευσαν ως βάση για την εμφάνιση ιερών παραστάσεων (sacre rappresentazioni), που αναπτύχθηκαν τον 14ο-15ο αιώνα. (αρχικά και στην κεντρική Ιταλία), ένα είδος κοντά στο μυστήριο, κοινό στις χώρες της Βόρειας Ευρώπης. Το περιεχόμενο των ιερών παραστάσεων βασίστηκε στις πλοκές της Παλαιάς και της Καινής Διαθήκης, στις οποίες προστέθηκαν παραμυθένια και ρεαλιστικά μοτίβα. Οι παραστάσεις πραγματοποιήθηκαν σε εξέδρα που ήταν τοποθετημένη στην πλατεία της πόλης. Η σκηνή χτίστηκε σύμφωνα με τον αποδεκτό κανόνα - στο κάτω μέρος είναι η "κόλαση" (το ανοιχτό στόμα του δράκου), στην κορυφή είναι ο "παράδεισος" και μεταξύ τους υπάρχουν άλλοι χώροι δράσης - "Βουνό", "Έρημος" , «Βασιλικό Παλάτι» κ.λπ. Ένας από τους πιο διάσημους συγγραφείς αυτού του είδους ήταν ο Feo Belkari - Η έννοια του Αβραάμ και του Ισαάκ (1449), Ο Άγιος Ιωάννης στην έρημο(1470) κλπ. Ιερές παραστάσεις συνέθεσε και ο ηγεμόνας της Φλωρεντίας Λορέντζο Μέντιτσι.
Το 1480, ένας νεαρός ποιητής της αυλής και ειδικός στην αρχαιότητα, ο Angelo Poliziano (1454–1494), με εντολή του καρδινάλιου Francesco Gonzaga, έγραψε ένα ποιμαντικό δράμα βασισμένο σε έναν αρχαίο ελληνικό μύθο. Το παραμύθι του Ορφέα. Αυτό ήταν το πρώτο παράδειγμα στροφής σε εικόνες του αρχαίου κόσμου. Με το έργο του Poliziano, διαποτισμένο από ένα φωτεινό, εύθυμο συναίσθημα, ξεκίνησε το ενδιαφέρον για τα μυθολογικά έργα και μια γενική γοητεία για την αρχαιότητα.
Το ιταλικό λογοτεχνικό δράμα, με το οποίο ξεκινά η ιστορία του αναγεννησιακού δυτικοευρωπαϊκού δράματος, βασίστηκε στην αισθητική του στην εμπειρία του αρχαίου δράματος. Οι κωμωδίες του Πλαύτου και του Τέρενς καθόρισαν για τους Ιταλούς ανθρωπιστές θεατρικούς συγγραφείς τα θέματα των έργων τους, το καστ των χαρακτήρων και σύνθεση σύνθεσης. Μεγάλης σημασίαςΥπήρχαν παραγωγές λατινικών κωμωδιών από μαθητές και φοιτητές, ιδιαίτερα στη Ρώμη υπό τη διεύθυνση του Pomponio Leto τη δεκαετία του 1470. Χρησιμοποιώντας παραδοσιακές πλοκές, εισήγαγαν νέους χαρακτήρες, μοντέρνα χρώματα και αξιολογήσεις στα έργα τους. Έκαναν την πραγματική ζωή το περιεχόμενο των έργων τους και τους σύγχρονους ανθρώπους ως ήρωές τους. Ο πρώτος κωμικός της σύγχρονης εποχής ήταν ο μεγάλος ποιητής του εκλιπόντος Ιταλική ΑναγέννησηΛουδοβίκος Αριόστο. Τα έργα του είναι γεμάτα ρεαλιστικούς πίνακες και αιχμηρά σατυρικά σκίτσα. Έγινε ο ιδρυτής της ιταλικής εθνικής κωμωδίας. Από αυτόν προέρχεται η ανάπτυξη της κωμωδίας σε δύο κατευθύνσεις - καθαρά διασκεδαστική ( Καλάνδρια Cardinal Bibiena, 1513) και σατιρικό, εκπροσωπούμενο από τον Pietro Aretino ( Δικαστική ηθική, 1534, Φιλόσοφος, 1546), Τζορντάνο Μπρούνο ( Κηροπήγιο, 1582) και ο Niccolò Machiavelli, ο οποίος δημιούργησε την καλύτερη κωμωδία της εποχής - Μανδραγόρας(1514). Ωστόσο, γενικά, τα δραματικά έργα των Ιταλών συγγραφέων κωμωδίας ήταν ατελή. Δεν είναι τυχαίο ότι το όλο κίνημα έλαβε το όνομα «Επιστημονική Κωμωδία» (commedia erudita).
Ταυτόχρονα με λογοτεχνική κωμωδίαεμφανίζεται η τραγωδία. Η ιταλική τραγωδία δεν έφερε μεγάλες επιτυχίες. Πολλά έργα αυτού του είδους συντέθηκαν, περιείχαν τρομερές ιστορίες, εγκληματικά πάθη και απίστευτη σκληρότητα. Ονομάστηκαν «τραγωδίες τρόμου». Το πιο επιτυχημένο έργο του είδους - ΣοφονίσμπαΓ. Τρισινό, γραμμένο σε λευκό στίχο (1515). Η εμπειρία του Trissino αναπτύχθηκε περαιτέρω πολύ πέρα από την Ιταλία. Η τραγωδία του Π. Αρετίνου είχε και ορισμένα πλεονεκτήματα Οράτιος (1546).
Το τρίτο - το πιο επιτυχημένο και ζωντανό - είδος των ιταλικών λογοτεχνικό δράμα 16ος αιώνας έγινε ποιμενικό, το οποίο γρήγορα διαδόθηκε στα δικαστήρια της Ευρώπης (). Το είδος απέκτησε αριστοκρατικό χαρακτήρα. Ο τόπος γέννησής του είναι η Φεράρα. Διάσημο ποίημα G.Sannazzaro Αρκαδία(1504), που δόξασε την αγροτική ζωή και τη φύση ως «σημείο χαλάρωσης», σηματοδότησε την αρχή του κινήματος. Το περισσότερο διάσημα έργαποιμαντικό είδος Αμίντα Torquato Tasso (1573), ένα έργο γεμάτο αληθινή ποίηση και αναγεννησιακή απλότητα, καθώς και Πιστός Ποιμένας D.-B Guarini (1585), που διακρίνεται από την πολυπλοκότητα τόσο της ίντριγκας όσο και της ποιητικής γλώσσας, επομένως κατατάσσεται ως μανιερισμός.
Ο διαχωρισμός του λογοτεχνικού δράματος από το κοινό δεν συνέβαλε στην ανάπτυξη του θεάτρου. Η σκηνική τέχνη γεννήθηκε στην πλατεία - στις παραστάσεις μεσαιωνικών μπουφούνων (giullari), κληρονόμων των μίμων της Αρχαίας Ρώμης, σε εύθυμες φαρσικές παραστάσεις. Η φάρσα (φάρσα) διαμορφώθηκε τελικά τον 15ο αιώνα. και αποκτά όλα τα σημάδια της λαϊκής εκπροσώπησης - αποτελεσματικότητα, φασαρία, καθημερινότητα, σατιρική ελεύθερη σκέψη Εκδηλώσεις πραγματική ζωή, που έγινε θέμα φάρσας, μετατράπηκε σε αστείο. Με έναν λαμπερό, γκροτέσκο τρόπο, η φάρσα χλεύαζε τις κακίες των ανθρώπων και κοινωνία. Η φάρσα είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη του ευρωπαϊκού θεάτρου και στην Ιταλία συνέβαλε στη δημιουργία ειδικού τύπουπαραστατικές τέχνες - αυτοσχέδια κωμωδία.
Μέχρι τα μέσα του 16ου αι. Δεν υπήρχε επαγγελματικό θέατρο στην Ιταλία. Στη Βενετία, που πρωτοστάτησε στη δημιουργία όλων των ειδών θεαμάτων, ήδη στο γύρισμα του 15ου–16ου αιώνα. Υπήρχαν αρκετές ερασιτεχνικές θεατρικές κοινότητες. Σε αυτές συμμετείχαν τεχνίτες και άνθρωποι από μορφωμένες τάξεις. Σταδιακά, από αυτό το περιβάλλον άρχισαν να αναδύονται ομάδες ημιεπαγγελματιών. Η πιο σημαντική σκηνή στη γέννηση του επαγγελματικού θεάτρου συνδέεται με τον ηθοποιό και θεατρικό συγγραφέα Angelo Beolco, με το παρατσούκλι Ruzzante (1500–1542), του οποίου οι δραστηριότητες προετοίμασαν την εμφάνιση της commedia dell'arte. Τα έργα του Ανκονιτάνκα, Μοσχέτα, Διαλόγουςπεριλαμβάνονται στο ρεπερτόριο του ιταλικού θεάτρου μέχρι σήμερα.
Μέχρι το 1570, καθορίστηκαν τα κύρια καλλιτεχνικά συστατικά του νέου θεάτρου: μάσκες, διάλεκτοι, αυτοσχεδιασμός, μπουφονισμός. Καθιερώθηκε και το όνομά του, commedia dell’arte, που σήμαινε « επαγγελματικό θέατρο" Το όνομα «κωμωδία των μασκών» είναι μεταγενέστερης προέλευσης. Οι χαρακτήρες αυτού του θεάτρου, τα λεγόμενα. μόνιμοι τύποι (tipi fissi) ή μάσκες. Οι πιο δημοφιλείς μάσκες ήταν ο Pantalone, ο Βενετός έμπορος, ο γιατρός, ο δικηγόρος του Μπολονέζ, που έπαιζε τους ρόλους των υπηρετών του zanni Brighella, Arlequin και Pulcinella, καθώς και του Captain, Tartaglia, της υπηρέτριας Servette και δύο ζευγαριών Lovers. Κάθε μάσκα είχε τη δική της παραδοσιακή φορεσιά και μιλούσε τη δική της διάλεκτο μόνο οι Εραστές δεν φορούσαν μάσκες και μιλούσαν τη σωστή γλώσσα. ιταλικός. Οι ηθοποιοί έπαιζαν τα έργα τους σύμφωνα με το σενάριο, αυτοσχεδιάζοντας το κείμενο καθώς προχωρούσε το έργο. Οι παραστάσεις περιείχαν πάντα πολύ τεμπέληδες και μπουφές. Συνήθως ο ηθοποιός της commedia dell'arte έπαιζε μόνο τη μάσκα του σε όλη του τη ζωή. Οι πιο γνωστοί θίασοι είναι οι Γέλοσι (1568), Confidenti (1574) και Fedeli (1601). Μεταξύ των ερμηνευτών υπήρχαν πολλοί σπουδαίοι ηθοποιοί - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolò Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli, κ.λπ. Η τέχνη του θεάτρου με μάσκες ήταν εξαιρετικά δημοφιλής όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στο εξωτερικό. θαυμάστηκε όπως στα ανώτερα στρώματα της κοινωνίας και του απλού λαού. Η Κωμωδία των Μασκών είχε μεγάλη επιρροή στη διαμόρφωση των εθνικών θεάτρων στην Ευρώπη. Η παρακμή της commedia dell'arte ξεκίνησε στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα και στα τέλη του 18ου αιώνα. παύει να υπάρχει.
Η ανάπτυξη της τραγωδίας, της κωμωδίας και της ποιμαντικής απαιτούσε ένα ειδικό κτίριο για την εκτέλεσή τους. Νέος τύποςκλειστό κτίριο θεάτρου με σκηνή κουτιού, αίθουσακαι tiers δημιουργήθηκε στην Ιταλία με βάση τη μελέτη της αρχαίας αρχιτεκτονικής. Παράλληλα, στο ιταλικό θέατρο του 17ου αι. Οι αναζητήσεις στον τομέα της σκηνογραφίας πραγματοποιήθηκαν με επιτυχία (συγκεκριμένα, δημιουργήθηκαν πολλά υποσχόμενα σκηνικά), αναπτύχθηκαν και βελτιώθηκαν θεατρικά μηχανήματα. Τόσο τον 12ο όσο και τον 13ο αιώνα. θέατρα, τα λεγόμενα, κατασκευάστηκαν σε όλη τη χώρα. Ιταλικά (all"italiana), τα οποία στη συνέχεια εξαπλώθηκαν σε όλη την Ευρώπη ().
Παρά την οικονομική και πολιτική υστέρησή της, η Ιταλία ήταν πλούσια και ποικιλόμορφη θεατρική ζωή. Μέχρι τον 18ο αιώνα Η Ιταλία είχε τους καλύτερους στον κόσμο μουσικό θέατρο, στην οποία διακρίθηκαν δύο τύποι - σοβαρή όπερα και κωμική όπερα (opera buffe). Υπήρχε ένα κουκλοθέατρο και παντού παίζονταν παραστάσεις commedia dell'arte. Ωστόσο, η μεταρρύθμιση του δραματικού θεάτρου ετοιμάζεται εδώ και καιρό. Στην εποχή του Διαφωτισμού, η αυτοσχέδια κωμωδία δεν ανταποκρίνεται πλέον στις απαιτήσεις της εποχής. Χρειαζόταν ένα νέο, σοβαρό, λογοτεχνικό θέατρο. Η Κωμωδία των Μασκών δεν μπορούσε να υπάρξει στην προηγούμενη μορφή της, αλλά τα επιτεύγματά της έπρεπε να διατηρηθούν και να μεταφερθούν προσεκτικά στο νέο θέατρο. Αυτό έγινε από τον Κάρλο Γκολντόνι. Πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση προσεκτικά. Άρχισε να εισάγει πλήρως γραπτά και λογοτεχνικά κείμενα μεμονωμένων ρόλων και διαλόγων στα έργα του και το βενετσιάνικο κοινό δέχτηκε την καινοτομία του με ενθουσιασμό. Αυτή τη μέθοδο χρησιμοποίησε για πρώτη φορά στην κωμωδία Momolo, η ζωή του πάρτι(1738). Ο Γκολντόνι δημιούργησε ένα θέατρο χαρακτήρων, εγκαταλείποντας τις μάσκες, τα σενάρια και γενικότερα τον αυτοσχεδιασμό. Οι χαρακτήρες του θεάτρου του έχασαν το συμβατικό τους περιεχόμενο και έγιναν ζωντανοί άνθρωποι - άνθρωποι της εποχής τους και της χώρας τους, της Ιταλίας του 18ου αιώνα. Ο Γκολντόνι πραγματοποίησε τη μεταρρύθμισή του σε έναν σκληρό αγώνα με τους αντιπάλους του. Δεύτερο μισό του 18ου αιώνα. μπήκε στην ιστορία της Ιταλίας ως εποχή θεατρικών πολέμων. Ο αββάς Κιάρι, ένας μέτριος και άρα ακίνδυνος θεατρικός συγγραφέας, του εναντιώθηκε, αλλά ο κύριος αντίπαλός του, εφάμιλλος του από άποψη ταλέντου, ήταν ο Κάρλο Γκότσι. Ο Γκόζι υπερασπίστηκε το θέατρο των μασκών, θέτοντας το καθήκον να αναβιώσει την παράδοση της αυτοσχέδιας κωμωδίας. Και σε κάποια φάση φάνηκε ότι τα κατάφερε. Και παρόλο που ο Γκολντόνι άφησε χώρο για αυτοσχεδιασμό στις κωμωδίες του, και ο ίδιος ο Γκότσι έγραψε τελικά σχεδόν όλα τα δραματικά του έργα, η διαμάχη τους ήταν σκληρή και ασυμβίβαστη. Γιατί το βασικό νεύρο της αντιπαράθεσης των δύο μεγάλων Βενετών είναι το ασυμβίβαστο των κοινωνικών τους θέσεων, οι διαφορετικές απόψεις για τον κόσμο και τον άνθρωπο.
Ο Γκολντόνι στα έργα του ήταν εκφραστής των ιδεών της τρίτης εξουσίας, υπερασπιστής των ιδανικών και των ηθών της. Όλη η δραματουργία του Γκολντόνι υποτάσσεται στο πνεύμα του εύλογου εγωισμού και της πρακτικότητας - οι ηθικές αξίες της αστικής τάξης. Ο Γκόζι ήταν ο πρώτος που αντιτάχθηκε στην προπαγάνδα τέτοιων απόψεων από τη σκηνή. Έγραψε δέκα ποιητικά παραμύθια για το θέατρο, τα λεγόμενα. φιάμπα (φιάμπα/παραμύθι). Επιτυχία θεατρικά παραμύθιαΟ Γκόζι ήταν εκπληκτικός. Και το βενετικό κοινό απροσδόκητα έχασε γρήγορα το ενδιαφέρον του για το πρόσφατο αγαπημένο του Goldoni. Εξουθενωμένος από τον αγώνα, ο Γκολντόνι παραδέχτηκε την ήττα και έφυγε από τη Βενετία. Αλλά αυτό δεν άλλαξε τίποτα στη μοίρα της ιταλικής σκηνής - η μεταρρύθμιση του εθνικού θεάτρου είχε ήδη ολοκληρωθεί μέχρι τότε. Και το ιταλικό θέατρο ακολούθησε αυτόν τον δρόμο.
Από τα τέλη του 18ου αιώνα. Η εποχή του Risorgimento ξεκινά στην Ιταλία - ο αγώνας για την εθνική ανεξαρτησία, για πολιτική ενοποίησηχωρών και αστικών μετασχηματισμών – διάρκειας σχεδόν ενός αιώνα. Στο θέατρο η τραγωδία γίνεται το πιο σημαντικό είδος. Ο μεγαλύτερος συγγραφέας τραγωδιών ήταν ο Βιτόριο Αλφιέρι. Η γέννηση της τραγωδίας του ιταλικού ρεπερτορίου συνδέεται με το όνομά του. Δημιούργησε σχεδόν μόνος του μια εμφύλια τραγωδία. Ένας παθιασμένος πατριώτης που ονειρευόταν να απελευθερώσει την πατρίδα του, ο Αλφιέρι αντιτάχθηκε στην τυραννία. Όλες του οι τραγωδίες είναι εμποτισμένες με το ηρωικό πάθος του αγώνα για ελευθερία.
Η εποχή του Risorgimento έδωσε αφορμή για ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα - τον ρομαντισμό. Τυπικά, η εμφάνισή του συνέπεσε με την αποκατάσταση της αυστριακής κυριαρχίας. Επικεφαλής και ιδεολόγος του ρομαντισμού ήταν ο συγγραφέας Alessandro Manzoni. Η πρωτοτυπία του θεατρικού ρομαντισμού στην Ιταλία έγκειται στον πολιτικό και εθνικο-πατριωτικό προσανατολισμό του. Ο κλασικισμός θεωρήθηκε έκφραση του αυστριακού προσανατολισμού, μια κατεύθυνση που σήμαινε όχι μόνο συντηρητισμό, αλλά και ξένο ζυγό και ο ρομαντισμός ένωσε την αντίθεση. Σχεδόν όλοι οι δημιουργοί του ιταλικού θεάτρου στη ζωή ακολούθησαν τα ιδανικά που διακήρυξαν: ήταν αληθινοί μάρτυρες της ιδέας - πολέμησαν στα οδοφράγματα, κάθισαν στις φυλακές, υπέφεραν από τη φτώχεια, έζησαν για μεγάλες περιόδους στην εξορία. Ανάμεσά τους οι G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari κ.α.
Ο ήρωας του ρομαντισμού είναι μια ισχυρή προσωπικότητα, ένας μαχητής για τη δικαιοσύνη και την ελευθερία, και όχι τόσο την προσωπική ελευθερία όσο την καθολική ελευθερία - την ελευθερία της Πατρίδας. Το καθήκον της εποχής ήταν να ενώσει όλους τους Ιταλούς στον αγώνα για έναν κοινό σκοπό. Επομένως, τα κοινωνικά προβλήματα ξεθωριάζουν στο παρασκήνιο και περνούν απαρατήρητα. Οι Ιταλοί ρομαντικοί ενδιαφέρθηκαν επίσης πολύ λιγότερο για ζητήματα της πραγματικής μορφής. Από τη μια πλευρά, απέρριψαν τους αυστηρούς κανόνες του κλασικισμού, διακηρύσσοντας μια δέσμευση για ελεύθερες μορφές, από την άλλη πλευρά, στο έργο τους οι ρομαντικοί εξακολουθούσαν να εξαρτώνται πολύ από την κλασικιστική αισθητική. Η κύρια πηγή έμπνευσης για τους ρομαντικούς θεατρικούς συγγραφείς είναι η ιστορία και η μυθολογία. οι πλοκές ερμηνεύτηκαν από τη σκοπιά σήμερα, οπότε οι παραστάσεις έπαιρναν συνήθως μια έντονη πολιτική χροιά. Οι καλύτερες τραγωδίες είναι Caius Gracchus V. Monti (1800), Αρμίνια I. Pindemonte (1804), Αϊάς U. Foscolo (1811), Κόμης Καρμανιόλα(1820) και Adelgiz(1822) A. Manzoni, Τζιοβάνι ντα Προκίντα(1830) και Άρνολντ Μπρεσιάνσκι(1843) D.B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) Κ. Μαρένκο. Τα έργα δημιουργήθηκαν από πολλές απόψεις σύμφωνα με τα κλασικιστικά πρότυπα, αλλά είναι γεμάτα πολιτικούς υπαινιγμούς και πάθος τυραννομαχίας. Η μεγαλύτερη επιτυχία ήρθε από την τραγωδία του Σίλβιο Πέλικο Φραντσέσκα ντα Ρίμινι (1815).
Στο δεύτερο μισό του αιώνα, η ηρωική τραγωδία έδωσε τη θέση της στο μελόδραμα. Μαζί με την κωμωδία, το μελόδραμα γνώρισε μεγάλη επιτυχία μεταξύ των θεατών. Ο πρώτος θεατρικός συγγραφέας ήταν ο Paolo Giacometti (1816–1882), ο συγγραφέας περίπου 80 έργων για το θέατρο. Τα καλύτερα του έργα: Ελισάβετ, βασίλισσα της Αγγλίας (1853), Ιουδίθ(1858) και ένα από τα πιο ρεπερτορικά μελοδράματα του 19ου αιώνα. Εμφύλιος θάνατος(1861). Η δραματουργία του Τζακομέτι έχει ήδη απαλλαγεί εντελώς από τον κλασικισμό, τα έργα του συνδυάζουν ελεύθερα τα χαρακτηριστικά της κωμωδίας και της τραγωδίας, έχουν ρεαλιστικά σκιαγραφημένα χαρακτήρες, έχουν ρόλους, οπότε τα θέατρα τους ανέλαβαν πρόθυμα για παραγωγή. Μεταξύ των κωμικών, ξεχώρισε και ο Πάολο Φεράρι (1822–1889), πολυγραφότατος θεατρικός συγγραφέας και συνεχιστής των παραδόσεων του Κάρλο Γκολντόνι. Τα έργα του δεν εγκατέλειψαν τη σκηνή παρά τα τέλη του αιώνα. Η καλύτερή του κωμωδία Γκολντόνι και δεκαέξι από τις νέες του κωμωδίες(1853) συνεχίζει να παίζεται στην Ιταλία.
Στη δεκαετία του 1870, ένα νέο καλλιτεχνικό κίνημα, το βερίσμο, εμφανίστηκε σε μια νικηφόρα και ενωμένη Ιταλία. Οι θεωρητικοί του βερισμού, Λουίτζι Καπουάνα και Τζιοβάνι Βέργκα, υποστήριξαν ότι ο καλλιτέχνης πρέπει να απεικονίζει μόνο γεγονότα, να δείχνει ζωή χωρίς εξωραϊσμό, να είναι αμερόληπτος και να απέχει από τις εκτιμήσεις και τα σχόλιά του. Οι περισσότεροι θεατρικοί συγγραφείς ακολούθησαν πολύ αυστηρά αυτούς τους κανόνες και ίσως αυτό ήταν που στέρησε από τις δημιουργίες τους την αληθινή ζωή. Τα καλύτερα έργα ανήκουν στην πένα του Δ. Βέργα (1840–1922), αυτός πιο συχνά από άλλους παραβίαζε τις συνταγές της θεωρίας. Δύο από τα έργα του Τιμή χώρας(1884) και Αυτή-λύκος(1896) περιλαμβάνονται ακόμη και σήμερα στο ρεπερτόριο των ιταλικών θεάτρων. Τα έργα γίνονται αριστοτεχνικά. Το είδος είναι μια τραγωδία από τη λαϊκή ζωή. Διακρίνονται από ισχυρό δραματικό νεύρο, αυστηρότητα και αυτοσυγκράτηση. εκφραστικά μέσα. Το 1889 ο P. Mascagni έγραψε μια όπερα Τιμή χώρας.
Στα τέλη του 19ου αιώνα. εμφανίζεται ένας θεατρικός συγγραφέας που η φήμη του ξεπερνά τα σύνορα της Ιταλίας. Ο Gabriele D'Annunzio έγραψε μια ντουζίνα θεατρικά έργα, τα οποία ονόμασε τραγωδίες ευρωπαϊκές γλώσσες. Στις αρχές του αιώνα, ο D'Annunzio ήταν ένας πολύ δημοφιλής θεατρικός συγγραφέας, το δράμα του ταξινομείται συνήθως ως συμβολισμός και νεορομαντισμός, αν και έχει χαρακτηριστικά νεοκλασικισμού.
Γενικά, ωστόσο, τα επιτεύγματα της δραματουργίας ήταν κάτι παραπάνω από μέτρια. Ιταλικά 19ος αιώνας παρέμεινε στην ιστορία του θεάτρου ως υποκριτικός αιώνας. Η υψηλή τραγωδία δεν έδωσε μεγάλα έργα στο δράμα. Αλλά τραγικό θέμαπαρόλα αυτά ακουγόταν στο θέατρο, ακούστηκε και παραλήφθηκε παγκόσμια αναγνώριση. Αυτό συνέβη στην όπερα (Τζουζέπε Βέρντι) και στην τέχνη των μεγάλων Ιταλών τραγικών. Της εμφάνισής τους προηγήθηκε η θεατρική μεταρρύθμιση.
Ο τύπος του ηθοποιού κοντά στον κλασικισμό παρέμεινε στο ιταλικό θέατρο για αρκετό καιρό: η παραστατική τέχνη παρέμεινε αιχμάλωτη των διακηρύξεων, της ρητορικής, των κανονικών πόζες και των χειρονομιών. Μια μεταρρύθμιση των τεχνών του θεάματος, ίσης σημασίας με τη μεταρρύθμιση του Carlo Goldoni, πραγματοποιήθηκε στα μέσα του αιώνα από τον λαμπρό ηθοποιό και σκηνοθέτη του θεάτρου Gustavo Modena (1803–1861). Από πολλές απόψεις ήταν μπροστά από την εποχή του. Η Μόντενα έφερε στη σκηνή έναν άντρα με όλα του τα χαρακτηριστικά, τη φυσική του ομιλία, «χωρίς βερνίκι, χωρίς κουλούρια». Δημιούργησε ένα νέο στυλ υποκριτικής, τα κύρια χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η απλότητα και η αλήθεια. Στο θέατρό του, κηρύχθηκε πόλεμος στην πρεμιέρα, υπήρχε μια τάση απομάκρυνσης από άκαμπτους ρόλους και για πρώτη φορά προέκυψε το ζήτημα ενός υποκριτικού συνόλου. Η επιρροή του Gustavo Modena στους συγχρόνους και τους συναδέλφους του ήταν τεράστια.
Η Adelaide Ristori (1822–1906) δεν ήταν μαθήτρια της Μόντενα, αλλά θεωρούσε τον εαυτό της κοντά στο σχολείο του. Η πρώτη μεγάλη τραγική ηθοποιός της οποίας η τέχνη αναγνωρίστηκε εκτός Ιταλίας, ήταν μια πραγματική ηρωίδα της εποχής της, εκφράζοντας το πατριωτικό επαναστατικό πάθος της. Στην ιστορία του θεάτρου παρέμεινε η ερμηνεύτρια πολλών τραγικών ρόλων: Francesca ( Φραντσέσκα ντα Ρίμινι Pellico), Mirra ( ΣμύρναΑλφιέρι), Λαίδη Μάκβεθ ( ΜάκβεθΣαίξπηρ), Μήδεια ( Μήδεια Legure), Mary Stuart ( Μαίρη Στιούαρτ Schiller). Ο Ριστόρι έλκονταν από χαρακτήρες που ήταν δυνατοί, αναπόσπαστοι, ηρωικοί και γεμάτοι με μεγάλα πάθη. Η ηθοποιός αποκάλεσε το στυλ της ρεαλιστικό, προτείνοντας τον όρο «πολύχρωμος ρεαλισμός», που σημαίνει «ιταλική θέρμη», «φλογερή έκφραση παθών».
Το αντίθετο του Ristori ήταν η Clementina Cazzola (1832–1868), μια ρομαντική ηθοποιός που δημιουργούσε εικόνες λεπτού λυρισμού και ψυχολογικού βάθους, ήταν ικανή για πολύπλοκους χαρακτήρες. Ήταν αντίθετη με τον Ristori, ο οποίος πάντα έβγαζε το κύριο χαρακτηριστικό του χαρακτήρα. Στο ιταλικό θέατρο, ο Cazzola θεωρείται ο προκάτοχος του E. Duse. Οι καλύτεροι ρόλοι της περιλαμβάνουν την Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Margarita Gauthier ( Κυρία με καμέλιες Dumas), Adriene Lecouvreur ( Αντριέν ΛεκουβρέρΓραμματέας), καθώς και ο ρόλος της Δεσδαιμόνας ( Οθέλλος Shakespeare), που έπαιξε μαζί με τον σύζυγό της, T. Salvini, τον μεγάλο τραγικό.
Ο Tommaso Salvini, μαθητής του G. Modena και του L. Domeniconi, ενός από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του σκηνικού κλασικισμού. Ο ηθοποιός δεν ενδιαφέρεται ένας κοινός άνθρωπος, αλλά ένας ήρωας που η ζωή του δίνεται σε έναν υψηλό στόχο. Εκτιμούσε την ομορφιά πάνω από την εγκόσμια αλήθεια. Ανέβασε την εικόνα ενός άνδρα ψηλά. Η τέχνη του συνδύαζε οργανικά το μεγάλο και το συνηθισμένο, το ηρωικό και το καθημερινό. Ήξερε με μαεστρία πώς να ελέγχει την προσοχή του κοινού. Ήταν ένας ηθοποιός με ισχυρό ταμπεραμέντο, ισορροπημένος από ισχυρή θέληση. Εικόνα του Οθέλλου ( Οθέλλος Shakespeare) είναι η υπέρτατη δημιουργία του Salvini, «ένα μνημείο, ένα μνημείο, ένας νόμος για την αιωνιότητα» (Stanislavsky). Έπαιζε τον Οθέλλο σε όλη του τη ζωή. Τα καλύτερα έργα του ηθοποιού περιλαμβάνουν επίσης πρωταγωνιστικούς ρόλους σε έργα. Χωριουδάκι, βασιλιάς Ληρ, Μάκβεθ Shakespeare, καθώς και ο ρόλος του Corrado στο έργο Εμφύλιος θάνατοςΤζιακομέτι.
Το έργο ενός άλλου λαμπρού τραγικού, του Ερνέστο Ρόσι (1827–1896), αντιπροσωπεύει ένα διαφορετικό στάδιο στην ανάπτυξη της ιταλικής σκηνικής τέχνης. Ήταν ο πιο αγαπημένος και πιο συνεπής μαθητής του G. Modena. Σε κάθε χαρακτήρα ο Rossi προσπάθησε να δει όχι έναν ιδανικό ήρωα, αλλά απλώς ένα άτομο. Ένας πολύ λεπτός ψυχολόγος ηθοποιός, μπορούσε να δείξει με δεξιοτεχνία εσωτερικός κόσμος, μεταφέρουν τις παραμικρές αποχρώσεις του χαρακτήρα του χαρακτήρα. Οι τραγωδίες του Σαίξπηρ είναι η βάση του ρεπερτορίου του Ρόσι. Αυτοί είναι οι κύριοι ρόλοι στα έργα Χωριουδάκι, ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ, Μάκβεθ, βασιλιάς Ληρ, Κοριολανός, Ριχάρδος Γ', Ιούλιος Καίσαρας, Ο Έμπορος της Βενετίας. Έπαιξε επίσης στα έργα των Δουμά, Τζιακομέτι, Ουγκό, Γκολντόνι, Αλφιέρι, Κορνέιγ και έπαιξε στις μικρές τραγωδίες του Πούσκιν και του Ιβάν του Τρομερού στο δράμα του Α.Κ. Ρεαλιστής καλλιτέχνης, δεξιοτέχνης της μεταμόρφωσης, δεν αποδέχτηκε τον βερισμό, αν και ο ίδιος προετοιμάστηκε για την εμφάνισή του με όλη του την τέχνη.
Ο Verismo, ως καλλιτεχνικό φαινόμενο, εκφράστηκε πλήρως στη σκηνή από την Ermette Zacconi (1857–1948). Το ρεπερτόριο του Zacconi είναι πρωτίστως ένα σύγχρονο έργο. Με μεγάλη επιτυχία έπαιξε στα έργα των Ίψεν, Α.Κ. Τολστόι, Ι.Σ.Τουργκένιεφ, Τζιακομέτι... Σημαντική προσωπικότητα ήταν και η πρεσβυτέρα του Ερμέτ Νοβέλι (1851–1919), ηθοποιός ευρείας γκάμας, λαμπρός κωμικός. Το δημιουργικό του στυλ περιελάμβανε τα πάντα, από την κωμωδία dell'arte μέχρι την υψηλή τραγωδία και τον νατουραλισμό.
Η σημαντικότερη τραγική ηθοποιός της αλλαγής του αιώνα ήταν η θρυλική Eleonora Duse. Η πιο λεπτή ψυχολογική ηθοποιός, που η τέχνη της έμοιαζε να είναι κάτι περισσότερο από την τέχνη της μεταμόρφωσης.
19ος αιώνας – η ακμή του διαλεκτικού πολιτισμού. Είναι πιο ανεπτυγμένο στη Σικελία, τη Νάπολη, το Πεδεμόντιο, τη Βενετία και το Μιλάνο. Το διαλεκτικό θέατρο είναι το πνευματικό τέκνο της commedia dell'arte, από την οποία υιοθέτησε πολλά: τον αυτοσχεδιαστικό χαρακτήρα του παιχνιδιού σύμφωνα με προκατασκευασμένο σενάριο, την αγάπη για το slapstick, τις μάσκες. Οι παραστάσεις γίνονταν στην τοπική διάλεκτο. Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. η διαλεκτική δραματουργία μόλις άρχιζε να την αποκτά λογοτεχνική βάση. Το διαλεκτικό θέατρο εκείνης της εποχής ήταν πρώτα απ' όλα θέατρο υποκριτικής. Ο Σικελός Giovanni Grasso (1873–1930), ένας «πρωτόγονος τραγικός», ένας ηθοποιός με στοιχειώδη ιδιοσυγκρασία, ένας λαμπρός ερμηνευτής αιματηρών μελοδραμάτων, ήταν πολύ γνωστός όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και στο εξωτερικό. Ο βόρειος Edoardo Ferravilla (1846–1916), ένας λαμπρός κωμικός ηθοποιός, συγγραφέας και ερμηνευτής των κειμένων του, γνώρισε τεράστια επιτυχία. Ο Antonio Petito (1822–1876) είναι η πιο θρυλική φιγούρα του ναπολιτάνικου θεάτρου, ένας λαμπρός αυτοσχεδιαστής που εργάστηκε στην τεχνική της commedia dell'arte και ένας αξεπέραστος ερμηνευτής της μάσκας Pulcinella. Ο μαθητής και οπαδός του Eduardo Scarpetta (1853–1925), ένας λαμπρός ηθοποιός, «βασιλιάς των κωμικών», δημιουργός της μάσκας του Felice Scioshamocchi, διάσημος θεατρικός συγγραφέας. Η καλύτερη κωμωδία του είναι Οι φτωχοί και οι ευγενείς (1888).
20ος αιώνας.
Αρχές 20ου αιώνα μπήκε στην ιστορία των παραστατικών τεχνών ως η εποχή της θεατρικής επανάστασης. Στην Ιταλία, οι μελλοντολόγοι ανέλαβαν το ρόλο των καινοτόμων της σκηνής. Στόχος τους είναι να δημιουργήσουν την τέχνη του μέλλοντος. Οι φουτουριστές απέρριψαν το ακαδημαϊκό θέατρο και τα υπάρχοντα θεατρικά είδη, προσπάθησαν να εγκαταλείψουν τον ηθοποιό ή να μειώσουν τον ρόλο του σε μαριονέτα και επίσης να εγκαταλείψουν τη λέξη, αντικαθιστώντας την με πλαστικές συνθέσεις και σκηνογραφία. Θεωρούσαν το παραδοσιακό θέατρο στατικό, πιστεύοντας ότι στην εποχή του μηχανικού πολιτισμού το κύριο πράγμα είναι η κίνηση. Οι πιο εξέχουσες μορφές του φουτουρισμού ήταν οι F. T. Marinetti (1876–1944) και A. J. Bragaglia (1890–1961). Τα θεατρικά τους μανιφέστα: Μανιφέστο του θεάτρου της ποικιλίας(1913) και Μανιφέστο Futurist Synthetic Theatre(1915) δεν έχουν χάσει ακόμη τη σημασία τους. Η δραματουργία των φουτουριστών είναι κυρίως τα έργα του Μαρινέτι, που ονομάζονται συνθέσεις ( κοντά σκετς, εκτελείται πιο συχνά χωρίς λόγια). Η σκηνογραφία έχει μεγαλύτερο ενδιαφέρον: δούλεψαν στο φουτουριστικό θέατρο καλύτερους καλλιτέχνεςεκείνης της εποχής: G. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Το φουτουριστικό θέατρο δεν γνώρισε επιτυχία μεταξύ του κοινού: οι παραστάσεις προκαλούσαν συχνά οργή και συχνά περιλάμβαναν σκάνδαλα. Ο ρόλος των φουτουριστών έγινε σαφής αργότερα - στο δεύτερο μισό του αιώνα: ήταν τότε που οι ιδέες τους έλαβαν περαιτέρω ανάπτυξη. Μαζί με τα λεγόμενα «Γροτέσκοι θεατρικοί συγγραφείς» και οι θεατρικοί συγγραφείς του «Λυκόφωτος», οι φουτουριστές προετοίμασαν την εμφάνιση της μεγαλύτερης μορφής στο θέατρο του 20ού αιώνα. Λ. Πιραντέλλο. Οι δραστηριότητες των ξένων σκηνοθετών είχαν επίσης μεγάλη σημασία το 1920-1930: αυτές ήταν παραγωγές των M. Reinhardt, V.I Nemirovich-Danchenko, καθώς και Ρώσων μεταναστών που ζούσαν μόνιμα στην Ιταλία - ηθοποιοί και σκηνοθέτες Pyotr Sharov (1886-1969) και. Η Τατιάνα Πάβλοβα (1896–1975), η οποία μύησε τους Ιταλούς στα ρωσικά δραματική σχολήκαι τις διδασκαλίες του Στανισλάφσκι.
Ο Λουίτζι Πιραντέλο άρχισε να γράφει για το θέατρο το 1910. Στα πρώτα του έργα, αφιερωμένο στη ζωήστη Σικελία και γραμμένο στη σικελική διάλεκτο, η επίδραση του βερισμού είναι ξεκάθαρα αισθητή. Τα κύρια θέματα του έργου του είναι η ψευδαίσθηση και η πραγματικότητα, το πρόσωπο και η μάσκα. Προέρχεται από το γεγονός ότι τα πάντα στον κόσμο είναι σχετικά και δεν υπάρχει αντικειμενική αλήθεια.
Άλλοι σημαντικοί ηθοποιοί της εποχής είναι οι Ruggero Ruggeri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) και οι αδερφές Gramatica: Irma (1870–1962) και Emma (1875–1965). Μεταξύ των θεατρικών συγγραφέων, ο Sem Benelli (1877–1949), συγγραφέας ενός θεατρικού ρεπερτορίου, έγινε διάσημος Δείπνο με αστεία(1909) και Ugo Betti (1892–1953), καλύτερο παιχνίδιποιόν Διαφθορά στο Μέγαρο της Δικαιοσύνης(1949).
Μεταξύ των δύο παγκοσμίων πολέμων, το διαλεκτικό θέατρο κατέλαβε σημαντική θέση στην ιταλική κουλτούρα (αν και η πολιτική του φασιστικού κράτους είχε στόχο την καταστολή των διαλέκτων). Το ναπολιτάνικο θέατρο γνώρισε ιδιαίτερη επιτυχία. Το 1932 άρχισε να λειτουργεί το Χιουμοριστικό Θέατρο των Αδελφών Ντε Φίλιππο. Ωστόσο, τα περισσότερα μεγάλη φιγούραεκείνης της εποχής - Raffaele Viviani (1888–1950), ένας άντρας με «ένα πρόσωπο που υποφέρει και τα αστραφτερά μάτια ενός αλήτη», ο δημιουργός του δικού του θεάτρου, ηθοποιός και θεατρικός συγγραφέας. Τα έργα της Βίβιανι λένε για τη ζωή των απλών Ναπολιτάνων, περιέχουν πολλή μουσική και τραγούδια. Οι καλύτερες κωμωδίες του περιλαμβάνουν Οδός Τολέδο τη νύχτα(1918), Ναπολιτάνικο χωριό (1919), Ψαράδες (1924), The Last Street Bum (1932).
Η περίοδος της Αντίστασης και τα πρώτα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο μπήκαν στην ιστορία της Ιταλίας ως το δεύτερο Risorgimento - τόσο καθοριστικές και μη αναστρέψιμες ήταν οι αλλαγές που συνέβησαν σε όλους τους τομείς της ζωής και της τέχνης. Μετά από πολλά χρόνια κοινωνικής στασιμότητας, όλα άρχισαν να κινούνται και απαιτούσαν αλλαγή. Κι αν στα χρόνια της φασιστικής δικτατορίας το θέατρο κυριολεκτικά πνιγόταν από το ψέμα, τη ρητορική και τη μεγαλοπρέπεια (αυτή ήταν η γραμμή της επίσημης τέχνης), τώρα επιτέλους μίλησε στην ανθρώπινη γλώσσα και απευθυνόταν σε ζωντανό άνθρωπο. Η τέχνη της μεταπολεμικής Ιταλίας κατέπληξε τον κόσμο με την ειλικρίνειά της. Η ζωή ήρθε στην οθόνη και στη σκηνή όπως είναι, με όλη της τη φτώχεια, τον αγώνα, τις νίκες και τις ήττες και τα απλά ανθρώπινα συναισθήματα. Μετά τον πόλεμο, το θέατρο αναπτύχθηκε σύμφωνα με τον νεορεαλισμό, ένα από τα πιο δημοκρατικά και ανθρωπιστικά κινήματα τέχνης του εικοστού αιώνα. Το διαλεκτικό θέατρο αποκτά νέα πνοή. Ο Ναπολιτάνος Eduardo De Filippo λαμβάνει εθνική αναγνώριση και το δράμα του κατακτά γρήγορα τις σκηνές του κόσμου. Ονόμασε τα έργα του «δραματοποιήσεις της πραγματικής ζωής». Οι θλιβερές κωμωδίες του αφορούν τη ζωή, τις σχέσεις στην οικογένεια, την ηθική και τον σκοπό του ανθρώπου, τα προβλήματα του πολέμου και της ειρήνης.
Το επάγγελμα του σκηνοθέτη, που εμφανίστηκε στο ευρωπαϊκό θέατρο στις αρχές του αιώνα, καθιερώθηκε στην Ιταλία μόλις στο δεύτερο μισό του αιώνα. Ο πρώτος σκηνοθέτης με την ευρωπαϊκή έννοια της λέξης ήταν ο Luchino Visconti (1906–1976), ένας ρεαλιστής καλλιτέχνης με έντονη αίσθηση της ομορφιάς, ένας πεπεισμένος αντιφασίστας και ουμανιστής, που εργάστηκε τόσο στο θέατρο όσο και στον κινηματογράφο. Στο θέατρο Βισκόντι η παράσταση νοείται ως σύνολο, υποδεέστερη σε ένα ενιαίο σχέδιο, κηρύσσεται πόλεμος στην πρεμιέρα, οι ηθοποιοί μαθαίνουν να δουλεύουν σε σύνολο. Τα σημαντικότερα έργα του Βισκόντι δραματικό θέατρο: Εγκλημα και τιμωρίαΝτοστογιέφσκι (1946), The Glass Menagerie (1946), Επιθυμία Τραμ T. Williams (1949), Rosalind, ή Όπως σας αρέσει (1948), Troilus και CressidaΣαίξπηρ, Ορέστης Alfieri (1949), Πανδοχέας Goldoni (1952), Τρεις αδερφές (1952), Ο θείος Ιβάν (1956), Ο Βυσσινόκηπος(1965) Τσέχοφ.
Τα πρώτα μεταπολεμικά χρόνια ξεκίνησε στην Ευρώπη ένα κίνημα για προσιτό και κατανοητό λαϊκό θέατρο. Στην Ιταλία συγχωνεύτηκε με τον αγώνα για στατικά θέατρα, που ονομάστηκε Stabile (σταθερό/μόνιμο). Το πρώτο Stabile ήταν το Piccolo Teatro στο Μιλάνο, που ιδρύθηκε το 1947 από τους P. Grassi και G. Strehler. Το θέατρο τέχνης στην υπηρεσία της κοινωνίας - αυτό είναι το καθήκον που έχει θέσει ο Piccolo Teatro. Αρκετές γραμμές της ευρωπαϊκής θεατρικής κουλτούρας συνέκλιναν στο έργο του Στρέλερ: εθνική παράδοση commedia dell'arte, η τέχνη του ψυχολογικού ρεαλισμού και του επικού θεάτρου.
Στη δεκαετία 1960-1970 Ευρωπαϊκό θέατρογνώριζε μια άνθηση Μια νέα γενιά σκηνοθετών και ηθοποιών ήρθε στο ιταλικό θέατρο. Οι νέοι, έχοντας πολύ έντονη επίγνωση της εξάντλησης της παραδοσιακής γλώσσας της σκηνής, άρχισαν να κυριαρχούν στο νέο χώρο, να δουλεύουν διαφορετικά με το φως και τον ήχο και να αναζητούν νέες μορφές σχέσης με το κοινό. Εκείνα τα χρόνια εργάζονταν ενεργά οι Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasilico, Leo De Berardinis. Ωστόσο, οι πιο σημαντικές μορφές της γενιάς του εξήντα: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Όλοι τους έκαναν πολλά για να εμπλουτίσουν τη θεατρική γλώσσα, οι ανακαλύψεις τους χρησιμοποιούνται ευρέως στη θεατρική πράξη.
Ο Ντάριο Φο είναι ο πιο εξέχων εκπρόσωπος του πολιτικού θεάτρου. Ο Φο ενδιαφέρεται για τον άνθρωπο ως κοινωνικό τύπο, με έντονα, μυτερά, υπερβολικά χαρακτηριστικά, τοποθετημένο σε μια οξεία, φαρσική, παράδοξη κατάσταση. Χρησιμοποιεί ευρέως τέτοιες τεχνικές λαϊκό θέατρο, όπως ο αυτοσχεδιασμός και η βαβούρα.
Ο Carmelo Bene (γεν. 1937) είναι ο αναγνωρισμένος επικεφαλής της ιταλικής πρωτοπορίας του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Ο Μπενέ αποκαλείται σπουδαίος ηθοποιός. Ο ίδιος γράφει, σκηνοθετεί και ερμηνεύει τους βασικούς ρόλους στα έργα του. Το έργο του υπάρχει στην άρρηκτη ενότητα συγγραφέα, ηθοποιού και σκηνοθέτη. Ο Μπενέ είναι συγγραφέας πολλών παραστάσεων, βασισμένων κυρίως σε έργα παγκόσμιας λογοτεχνίας και θεάτρου: Ο Πινόκιο Callodi (1961), Φάουστ και Μαργαρίτα (1966), Σαλώμη Wilde (1972), Τουρκική Παναγία Bene (1973), ΡΩΜΑΙΟΣ ΚΑΙ ΙΟΥΛΙΕΤΑ (1976), Richard Sh (1978), Οθέλλος(1979), Ο Μάνφρεντ Byron (1979), Μάκβεθ (1983), Χωριουδάκι(ρυθμίζεται επανειλημμένα) κ.λπ. Όλα αυτά είναι πρωτότυπα έργα του Μπενέ, βασισμένα σε διάσημα έργα και πολύ αόριστα τα θυμίζουν. Ο Μπενέ αρνείται την παραδοσιακή δραματική μορφή: στις παραστάσεις του δεν υπάρχουν γεγονότα βασισμένα στην αρχή της αιτίας και του αποτελέσματος, δεν υπάρχει πλοκή και διάλογος με τη συνήθη έννοια, η λέξη μερικές φορές αντικαθίσταται από ήχο και η εικόνα κυριολεκτικά καταρρέει, γίνεται άψυχο αντικείμενο ή εξαφανίζεται τελείως. Ρέκβιεμ για έναν άνθρωπο - έτσι θα μπορούσε κανείς να ορίσει το κύριο περιεχόμενο της τέχνης του.
Μεταξύ των νεότερων που εργάζονται με επιτυχία στο ιταλικό θέατρο, μπορεί κανείς να αναφέρει τον σκηνοθέτη Federico Tiezzi (1951), τον σκηνοθέτη και ηθοποιό Giorgio Barberio Corsetti (1951), τον σκηνοθέτη Mario Martone (1962), ο οποίος για αρκετά χρόνια ήταν επικεφαλής του ρωμαϊκού θεάτρου "Stabile" , που ανέβασε μια σειρά από πολύ ενδιαφέρουσες παραστάσεις, συμπεριλαμβανομένου του εξαιρετικά επιτυχημένου έργου Δέκα εντολές R. Viviani (2001).
Στο δεύτερο μισό του 20ου αιώνα. Το ιταλικό θέατρο, έχοντας γίνει θέατρο σκηνοθέτη, δεν έπαψε να είναι θέατρο μεγάλων ηθοποιών. Στις παραστάσεις των σημαντικότερων σκηνοθετών δούλευαν πάντα και καλύτεροι ηθοποιοίχώρες. Αυτό ισχύει για τον Eduardo de Filippo, τον Giorgio Strehler και τον Luchino Visconti, καθώς και για τους σκηνοθέτες της δεκαετίας του εξήντα που ήρθαν στο θέατρο στον απόηχο της διαμαρτυρίας. Ο πυρήνας του θιάσου του Βισκόντι ήταν το παντρεμένο ζευγάρι Rina Morelli και Paolo Stoppa, λεπτοί ψυχολόγοι ηθοποιοί που έπαιξαν σε όλες τις παραστάσεις του στο δραματικό θέατρο. Ο Vittorio Gassman είχε επίσης τεράστια επιτυχία στις παραστάσεις του Visconti (ειδικά στις παραστάσεις ΟρέστηςΑλφιέρι και Troilus και CressidaΣαίξπηρ). Μετά την αποχώρησή του από το Visconti, ο Gassman έπαιξε πολύ στο κλασικό ρεπερτόριο. τα πιο αξιόλογα έργα του ήταν σε θεατρικά έργα ΟθέλλοςΚαι ΜάκβεθΣαίξπηρ.
Σύμφωνα με τη μακρόχρονη παράδοση του ιταλικού θεάτρου, ο θίασος συνήθως συγκεντρωνόταν γύρω από έναν μεγάλο ηθοποιό (ή ηθοποιό) και οι παραστάσεις συνήθως ανέβαιναν με βάση την παράσταση της πρεμιέρας. Σε μια τέτοια θεατρική ομάδα, ο πρώτος ηθοποιός, ο σταρ ηθοποιός (στην Ιταλία ονομαζόταν divo ή mattatore) περιβαλλόταν συχνά από πολύ αδύναμους ερμηνευτές.
Εδώ και αρκετές δεκαετίες (μέχρι τώρα), οι πολύ δημοφιλείς ηθοποιοί Giorgio Albertazzi και Anna Proklemer παίζουν στις σκηνές των ιταλικών θεάτρων, παίζοντας τους βασικούς ρόλους κυρίως σε έργα από το παγκόσμιο κλασικό ρεπερτόριο. Πολλοί πολύ διάσημοι και αγαπημένοι ηθοποιοί από το ιταλικό κοινό δούλεψαν πολύ στο θέατρο διαφορετικές γενιές, συμπεριλαμβανομένων των Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, του οποίου το όνομα πήρε τώρα το όνομά του από ένα από τα θέατρα του Μιλάνου. Ο Parenti εργάστηκε επίσης στο Piccolo Teatro με τον Giorgio Strehler. Στο Strehler Theatre έπαιζαν πάντα υπέροχοι ηθοποιοί. Αυτός είναι ο Tino Buazzelli, ο διάσημος ερμηνευτής του ρόλου του Galileo στο έργο Η ζωή του ΓαλιλαίουΒ. Μπρεχτ. Ο Τίνο Καράρο, ο οποίος έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους στα έργα του Σαίξπηρ για πολλά χρόνια ( βασιλιάς Ληρ, Καταιγίδα), Μπρεχτ, Στρίντμπεργκ και άλλοι Ένας εξαιρετικός ερμηνευτής γυναικείους ρόλουςστο θέατρο του σκηνοθέτη υπήρχε η Valentina Cortese, μεταξύ των κορυφών της δημιουργικότητας της οποίας ήταν ο ρόλος της Ranevskaya στο Βυσσινόκηπος(παραγωγή 1974). Από τους νεότερους ξεχωρίζει η Pamella Villoresi, μια υπέροχη ερμηνεύτρια γυναικείες εικόνεςστις κωμωδίες του Carlo Goldoni, στα έργα των Lessing, Marivaux και άλλων. τελευταία περίοδοΣτο δημιουργικό έργο του σκηνοθέτη, μούσα του ήταν η ηθοποιός Andrea Jonasson, η οποία ερμήνευσε δραματικούς ρόλους σε παραγωγές των Μπρεχτ, Λέσινγκ, Πιραντέλλο και άλλων. Ιδιαίτερο μέροςΜεταξύ των ηθοποιών του Piccolo Teatro είναι δύο σπουδαίοι ερμηνευτές της μάσκας του Αρλεκίνου - ο Marcello Moretti και ο Ferruccio Soleri στη θρυλική παράσταση Αρλεκίνοςβασισμένο στην κωμωδία του Γκολντόνι Υπηρέτης δύο κυρίων.
Ο Luca Ronconi συγκεντρώνει επίσης μια ομάδα ηθοποιών του γύρω του. Πρόκειται, καταρχάς, για δύο ηθοποιούς της παλαιότερης γενιάς, τη Φράνκα Νούτι και τη Μαρίσα Φάμπρι, που έπαιξαν τους βασικούς ρόλους σε παραγωγές του σκηνοθέτη όπως ΒάκχεςΕυριπίδης (1978), ΦαντάσματαΊψεν, Τελευταιες μερεςανθρωπότητα Kraus και άλλοι, η Mariangela Melato, που έπαιξε στα καλύτερα έργα του σκηνοθέτη, όπως π.χ Έξαλλος ΡόλαντΚαι Ορέστεια. Δούλεψε πολύ με τον Ronconi και τον Massimo de Francovich, μεταξύ των οποίων οι μεγάλες επιτυχίες ήταν ο ρόλος του Lear στο έργο. βασιλιάς Ληρ, καθώς και ο νεαρός Massimo Popolizio, ένας ηθοποιός ευρέος φάσματος, που μπορεί να χειριστεί τους ρυθμούς τόσο του δράματος όσο και της κωμωδίας (ο ρόλος του ως δύο αδερφών στην κωμωδία του Goldoni του έφερε τεράστια επιτυχία Βενετσιάνικα δίδυμα).
Είναι ιδιαίτερα απαραίτητο να αναδειχθούν οι ηθοποιοί της ναπολιτάνικης σχολής. Από τους πιο διάσημους είναι η παλαιότερη γενιά ηθοποιών Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo και Pupella Maggio, που δούλεψαν πολύ στο θέατρο Eduardo de Filippo. Στους νεότερους ηθοποιούς περιλαμβάνονται οι Mariano Rigillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone και άλλοι.
Δεύτερο μισό του 20ου αιώνα. μπήκε στην ιστορία του ιταλικού θεάτρου ως εποχή αναγέννησης στην τέχνη της σκηνογραφίας. Οι καλύτεροι καλλιτέχνες πάντα συνεργάζονταν με τους καλύτερους σκηνοθέτες της χώρας. Οι πιο εντυπωσιακές φιγούρες είναι οι Luciano Damiani και Ezio Frigerio. Τα ονόματά τους εμφανίζονται στις αφίσες όλων των καλύτερων παραστάσεων του Στρέλερ. Και επίσης αυτό – Enrico Jobe, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.
Μαρία Σκορνιάκοβα
Πρόκειται να ταξιδέψω σε όλη την Ιταλία και δεν μπορούσα παρά να αναρωτηθώ - τι συμβαίνει με τις όπερες; Πού να πάτε;
Έδωσε πολύτιμες συμβουλές αμείβουν.Δημοσιεύω με την άδειά της.
Η σεζόν ξεκινά διαφορετικά σε διαφορετικά θέατρα στην Ιταλία.
Δεν έχω πάει ποτέ στη Σκάλα και δεν σκοπεύω να το κάνω στο εγγύς μέλλον. Θα εξηγήσω γιατί. Για να απολαύσετε την παράσταση, μην αγοράζετε ποτέ εισιτήρια κουτιού εκεί. Δεν θα δείτε πραγματικά τίποτα και δεν είναι σαφές αν θα ακούσετε τίποτα. Τα εισιτήρια για το κουτί κοστίζουν επίσης πολλά χρήματα. Θα ήταν ωραίο να πάμε στο έδαφος. Αλλά οι τιμές εκεί είναι απλά ανώμαλες. Κοιτάζω τακτικά τις αφίσες τους και βλέπω πολλά καλές παραστάσειςστη σεζόν (ενίοτε με καλούς σκηνοθέτες και μαέστρους και τραγουδιστές). Αποφάσισα να μην το ξοδέψω ακόμα για μένα. τρελά λεφτάνα πάω σε αυτό το θέατρο (ειδικά από τη στιγμή που οι πολιτικές του σημερινού αρχιμέστρου δεν είναι κοντά μου). Οπότε δεν μπορώ να δώσω καμία συμβουλή για αυτό το θέατρο ακόμα :-)
Πριν από μερικά χρόνια ήρθαμε σχεδόν τυχαία στο Teatro Reggio στην Πάρμα. Είμαι μεγάλος θαυμαστής του Βέρντι και κάθε χρόνο γίνεται ένα φεστιβάλ του Βέρντι. Πήγαμε λοιπόν να το δούμε. Στο Rigoletto με τον Leo Nucci και την Jessica Pratt. Το θέατρο δεν είναι κακό: πολύ όμορφο μέσα και έξω ενδιαφέρουσα ιστορίακαι μεγάλοι σκηνοθέτες και τραγουδιστές πίσω μας. Δυστυχώς, τα τελευταία χρόνια, η σεζόν όπερας τους είναι πολύ σύντομη (πολυετή οικονομικά προβλήματα): ξεκινά στις αρχές Ιανουαρίου και περιορίζεται σε 3-4 όπερες. Φέτος η προσοχή μου επικεντρώθηκε μόνο στον Simon Bocanegra που ανέβασε ο ίδιος ο De Ana. Αξίζει να δείτε την αφίσα και να δείτε τι προσφέρουν τον Οκτώβριο για το ετήσιο φεστιβάλ Verdi και ξεκινώντας τον Ιανουάριο για τη σεζόν, αν και σύντομη. Το θέατρο δεν είναι ευρέως γνωστό σε όλο τον κόσμο, όπως η Σκάλα ή το Φελίτσε της Βενετίας, αλλά κατά τη γνώμη μου αξίζει προσοχής. Η ίδια η πόλη της Πάρμα είναι πολύ ωραία και μπορείτε όχι μόνο να πάτε στο θέατρο, αλλά και να δείτε το θέατρο Farnese, έναν όμορφο καθεδρικό ναό, το σπίτι του Arturo Toscanini, την Εθνική Πινακοθήκη και πολλά άλλα. Το Busseto και το Sant'Agata (το κτήμα του Verdi) βρίσκονται κοντά. Αλλά μπορείτε να φτάσετε εκεί μόνο με αυτοκίνητο.
Μου αρέσει πολύ το Teatro Reggio στο Τορίνο. Το θέατρο είναι ιστορικό, αλλά μια πυρκαγιά στις αρχές του 20ου αιώνα κατέστρεψε το εσωτερικό του κτιρίου. Από την ιστορική έχει απομείνει μόνο μία πρόσοψη. Όμως το θέατρο ανακαινίστηκε στο εσωτερικό του και τώρα είναι μια από τις καλύτερες ευρωπαϊκές αίθουσες με εξαιρετική ακουστική για 1.500 θέσεις. Μπορείτε να δείτε και να ακούσετε τέλεια από οπουδήποτε στην αίθουσα. Είναι πάντα εύκολο να βγάλεις εισιτήρια και έχουν μια από τις μεγαλύτερες σεζόν, με 12 όπερες να ξεκινούν τον Σεπτέμβριο και να τελειώνουν τον Μάιο. Υπάρχουν πολλές παραγωγές και συχνά αξίζουν προσοχής. Το αριστούργημα Don Carlo που έχω ήδη αναφέρει. Εκεί ακούσαμε τον Onegin με τον Ladyuk και τον Vinogradov. Πήγαμε εκεί για να ακούσουμε το γκαλά του Verdi πέρυσι με τον Frittoli και τον Alvarez. Σας προτείνω ανεπιφύλακτα αυτό το θέατρο! Το ίδιο το Τορίνο είναι υπέροχο! Θα συνδυάσετε ένα ταξίδι στο θέατρο με μια επίσκεψη σε μια από τις πιο όμορφες πόλεις της Ιταλίας (αγαπώ πολύ το Τορίνο και είμαι σίγουρος ότι θα το εκτιμήσετε και εσείς).
Γενικά, υπάρχουν πολλές όπερες στην Ιταλία: στη Γένοβα, στη Λούκα, στη Φλωρεντία, στη Μόντενα, στη Νάπολη. Βρίσκονται σχεδόν σε κάθε πόλη, ακόμα και στις πιο μικρές.
Το Torre del Lago φιλοξενεί το Φεστιβάλ Πουτσίνι κάθε χρόνο. Είναι αλήθεια ότι αυτό είναι πολύ συγκεκριμένο: η σκηνή βρίσκεται σε μια λίμνη και καταλαβαίνετε ότι υπάρχουν αποχρώσεις: κουνούπια και άνεμος (αν είναι σε λάθος κατεύθυνση, οι πάπιες στη λίμνη θα απολαύσουν τον ήχο). Το φεστιβάλ διαρκεί όλο το καλοκαίρι. Ίσως είναι ενδιαφέρον να το επισκεφτείτε μόνο μία φορά. Ακριβώς δίπλα είναι η βίλα του συνθέτη (πολύ ενδιαφέρουσα για επίσκεψη!) Πέρυσι τραγούδησε εκεί η Guleghina Santuzza (μην εκπλαγείτε που ο Mascagni... δεν δίνει μόνο τις όπερες του Puccini). Ήθελα πολύ να μπω, αλλά δεν μου βγήκε. Τα εισιτήρια δεν είναι φθηνά, αλλά και πάλι, δεν σας πειράζει μια καλή σειρά.
Στο Πέζαρο, το ετήσιο φεστιβάλ Rossini. Ειλικρινά μιλώντας, δεν το έχω καταφέρει ακόμα, αλλά θα το ήθελα. Θα ξανακοιτάξω τη σύνθεση. Δεν μπορώ να πω τίποτα για τη θεατρική σεζόν αφού δεν έχω πάει ακόμα εκεί. Το ίδιο ισχύει και για την Ανκόνα.
Η ρωμαϊκή όπερα είναι απολύτως υπέροχη! Αξίζει επίσης μια επίσκεψη.
Οι καλοί ερμηνευτές τριγυρνούν στα θέατρα μαζί με καλές παραγωγές :-) Προσοχή στον Ιταλό τενόρο Francesco Meli. Τον άκουσα στο Masquerade Ball του Ερνάνι και του Βέρντι (στη ρωμαϊκή όπερα και στο θέατρο Πάρμα αντίστοιχα).
Είναι καλύτερα να ακολουθήσετε τις κινήσεις των καλλιτεχνών και να πάτε εκεί :-)
Στη Φλωρεντία, στο Maggio Musical Fiorentino μπορείτε να ακούσετε πολλή καλή μουσική και εξαιρετικούς ερμηνευτές. : Τον Απρίλιο ο Matsuev θα εμφανιστεί με τον Zubin Mehta. Πέρυσι ακούσαμε μια απίστευτη ερμηνεία του Wagner and Berlioz's Symphony Fantastique από τον Claudio Abbado.
Παρεμπιπτόντως, το καλοκαίρι υπάρχει μια ατελείωτη σειρά παραστάσεων στο Arena di Verona. Δεν έχω πάει ακόμα εκεί. Αλλά νομίζω ότι αυτό μπορεί να είναι ενδιαφέρον για εσάς. Συχνά τραγουδούν εκεί καλοί ερμηνευτέςκαι σκηνοθετημένο από καλούς σκηνοθέτες. Έχει τις δικές του ιδιαιτερότητες (σε εξωτερικούς χώρους), αλλά ακόμα. Αυτή είναι μια επιλογή αν θέλετε μια καλή όπερα το καλοκαίρι :-)
Ξέχασα να σας πω και για το Teatro Comunale στη Μπολόνια! Υπάρχουν και εκεί υπέροχες παραγωγές με υπέροχο καστ.
Δεν υπάρχει θέατρο ρεπερτορίου στην Ιταλία και δεν υπάρχει θίασος στο θέατρο ως τέτοιο, με εξαίρεση την ορχήστρα και τον κύριο μαέστρο του θεάτρου. Επομένως, η σύνθεση και τα ίδια τα έργα θα πρέπει να προβληθούν στην αρχή της σεζόν στις ιστοσελίδες των θεάτρων. Και πάλι, επαναλαμβάνω, αλλά οι καλοί ερμηνευτές τραγουδούν σε όλα τα θέατρα που έχω παραθέσει. Τραγουδούν σε όλη την Ιταλία.
Υπάρχουν αρκετά θέατρα. Είναι πολλά και ταυτόχρονα μπορείς να δεις πολλά πράγματα. Ένα άλλο πράγμα είναι ότι θα πρέπει να μετακινηθείτε σε όλη τη χώρα. Αυτό μπορεί να μην είναι πολύ βολικό: να κάνετε μια ορμητική πορεία από το Τορίνο στη Ρώμη (για παράδειγμα), και στη συνέχεια στη Μπολόνια. Πρόσφατα έφτιαξα ένα πρόγραμμα για τον εαυτό μου για το εγγύς μέλλον. Από το καλοκαίρι θα υπάρχει η Εύθυμη Χήρα στο Τορίνο, στη σκηνή της ίδιας Ντε Άνα! Οι τραγουδιστές δεν είναι οι καλύτεροι, αλλά αυτός είναι (Alesandro Safina... ίσως τον γνωρίζετε). Μπορείτε να δείτε το ακριβές καστ στην ιστοσελίδα του θεάτρου. Όλα αυτά είναι τέλος Ιουνίου - αρχές Ιουλίου. Στην Μπολόνια θα υπάρχει οπαδός του Cosi. Εδώ η σύνθεση είναι πιο ενδιαφέρουσα: Korczak, Goryacheva, Alberghini. Η Meli θα τραγουδά στο Carmen στη Γένοβα όλο τον Μάιο. Η Anita (αυτή που άκουσες στο Meta) θα είναι στο Carmen στη Ρώμη τον Ιούνιο. Η σεζόν συνεχίζει δυνατά. Σήμερα και 6 Απριλίου στην Πάρμα τραγουδούν The Pearl Fishers με τον Korczak στον ομώνυμο ρόλο.
Παρουσιάζουμε το δεύτερο μέρος της επιλογής μας από τα περισσότερα όμορφα θέατραΙταλία.
Σε επαφή με
Όπερα της Ρώμης
Το πρώτο κτίριο της Όπερας της Ρώμης, γνωστό ως Teatro Costanzi, χτίστηκε το 1874. κύρια αίθουσαΤο θέατρο συνδέθηκε με υπόγειο πέρασμα με το ξενοδοχείο Quirinale, που χτίστηκε το 1865, ακριβώς την εποχή που, ως αποτέλεσμα της ενοποίησης της Ιταλίας, έγινε η εντατική ανάπτυξη της Ρώμης μεταξύ του κεντρικού σταθμού και της Piazza Venezia.
Το 1926, το θέατρο αγοράστηκε από τη διοίκηση της Ρώμης. Η ολοκλήρωση, η επέκταση και η ανάπλαση ανατέθηκαν στον αρχιτέκτονα Marcello Piacentini, ο οποίος άλλαξε εντελώς την εμφάνισή του, αυξάνοντας τον αριθμό των επιπέδων της αίθουσας σε τέσσερις και τοποθετώντας τον μεγαλύτερο πολυέλαιο στον κόσμο από κρύσταλλο Murano. Το θέατρο έλαβε το όνομα «Βασιλική Όπερα» και εγκαινιάστηκε στις 27 Φεβρουαρίου 1928 από τον Nero di Arrigo Boito.
Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο το 1956, το θέατρο άρχισε να επεκτείνεται και να ξαναχτίζεται. Μεταξύ άλλων αποφασίστηκε να δημιουργηθεί αίθουσα για επίτιμους καλεσμένους και φουαγιέ. Το έργο ολοκληρώθηκε το 1960. Έτσι, η χωρητικότητα του θεάτρου ήταν 1.700 θέσεις.
Ο Τόσκα του Πουτσίνι έκανε πρεμιέρα στο θέατρο Costanzi το 1900. Εδώ έγινε η ιταλική πρεμιέρα του «Κορίτσι από τη Δύση» με τη συμμετοχή του μαέστρου Arturo Toscanini το 1911, καθώς και του «Gianni Schicchi» το 1919. Το 1910, το θέατρο φιλοξένησε την πρεμιέρα της «Maia» του Ruggero Leoncavallo και δέκα χρόνια αργότερα, η πρεμιέρα του «Romeo and Juliet» του Riccardo Zandonai.
Ο Pietro Mascagni ήταν τακτικός στη ρωμαϊκή όπερα, ήταν ο καλλιτεχνικός διευθυντής της το 1909-1910, το ίδιο θέατρο φιλοξένησε πρεμιέρες του συνθέτη όπως «Honor Rusticana» το 1890, «Friend Fritz» το 1891, «Iris» το 1898 με με τον Enrico Caruso και το "The Lark" το 1917.
Εκτός από τις πρεμιέρες, το κοινό θυμήθηκε παραγωγές όπως "The Marriage of Figaro" του Μότσαρτ (1964), "Don Carlo" του Giuseppe Verdi (1965, μαέστρος Carlo Maria Giulini, σκηνοθέτης Luchino Visconti).
Ναπολιτάνικη Όπερα Σαν Κάρλο
Τα εγκαίνια του θεάτρου, που χτίστηκε με εντολή του Καρόλου Γ', έγιναν το 1737 με την όπερα «Αχιλλέας στη Σκύρο» του Domenico Sarro βασισμένη στο λιμπρέτο του Pietro Metastasio. Αυτή είναι η παλαιότερη όπερα στην Ευρώπη και μία από τις μεγαλύτερες στην Ιταλία. Η χωρητικότητά του είναι 2000 θεατές. Σύντομα το θέατρο έγινε η καρδιά της ναπολιτάνικης σχολής όπερας και ένα πολιτιστικό κέντρο διεθνούς επιπέδου: το 1751, ανέβηκε στη σκηνή του ο Gluck «La Clemenza di Tito», το 1761 - «Cato in Utica» και «Alexandra in India» των Ι.Κ. Με το θέατρο συνεργάστηκαν ο Μπαχ, ο μετέπειτα Χέντελ, ο Χάιντν και ο νεαρός Μότσαρτ, που επισκέφτηκε για πρώτη φορά το θέατρο ως θεατής το 1778.
«Τα μάτια τυφλώνονται, η ψυχή νικιέται. [...] Δεν υπάρχει ούτε ένα θέατρο στην Ευρώπη που να μην μπορεί να το πλησιάσει, αλλά να αποτελέσει μόνο τη χλωμή σκιά του». (Stendhal, 1817).
Τον 19ο αιώνα, όταν η Νάπολη έλαμψε ανάμεσα στις ευρωπαϊκές πρωτεύουσες και ήταν υποχρεωτικό στάδιοΤο «Μεγάλο Ταξίδι» των παιδιών ευγενών οικογενειών ξεκίνησε τη χρυσή εποχή του Σαν Κάρλο, όπου διηύθυναν τότε ο Ροσίνι και ο Ντονιτσέτι. Όλοι οι διάσημοι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής θεωρούσαν τιμή να εμφανιστούν στη σκηνή αυτού του θεάτρου. Το 1819, ο Nicolo Paganini έδωσε δύο συναυλίες εδώ και το 1826 έγινε η πρεμιέρα του "Bianca and Fernando" στη σκηνή του. Βιντσέντζο Μπελίνι, γραμμένο ειδικά για το Σαν Κάρλο.
Αργότερα, το κοινό του απόλαυσε τις όπερες του Πουτσίνι και στο γύρισμα του 20ου αιώνα - τη μουσική της «νεανικής σχολής» των Mascagni και των Ναπολιτάνων από τη γέννηση και την εκπαίδευση Leoncavallo, Giordano, Cilea και Alfano.
Venice Gran Theatre "La Fenice"
Η κατασκευή του θεάτρου ξεκίνησε το 1789 σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Giannantonio Selva και τελείωσε το 1792. Η κύρια όπερα της Βενετίας βρίσκεται στο Sestiere di San Marco. Το θέατρο εμφανίστηκε χάρη στην οικογένεια Venier, αφού το προηγούμενο θέατρο San Benedetto, ένα από τα πιο κομψά και αριστοκρατικά της πόλης, καταστράφηκε από φωτιά. Το όνομα του νέου θεάτρου («Φοίνιξ») συμβολίζει την αναβίωση της τέχνης από τις στάχτες. Το όνομα έγινε προφητικό, καθώς το θέατρο κάηκε στη συνέχεια και ξαναχτίστηκε πολλές φορές. Η τελευταία αναζωπύρωση έγινε το 2003 μετά από μια σφοδρή πυρκαγιά το 1996, η οποία το κατέστρεψε ολοσχερώς.
Χρειάστηκαν επτά ολόκληρα χρόνια για την αποκατάσταση και την ανοικοδόμηση. Κατά τα εγκαίνιά του στις 21 Δεκεμβρίου 2003, η οβερτούρα «Consecration of the House» διηύθυνε ο Riccardo Mutti και η «Symphony of Psalms» του Stravinsky (ο συνθέτης είναι θαμμένος στο νησί του Αγίου Μιχαήλ στη Βενετία) και το «Te Deum» από τον Παρουσιάστηκε επίσης ο Αντόνιο Καλδάρα, ένας εξέχων Βενετός συνθέτης του 17ου-18ου αιώνα. Η τελετή ολοκληρώθηκε με την παράσταση «Three Symphonic Marches» από τον Wagner, έναν συνθέτη με στενούς δεσμούς με τη Βενετία.
Είναι αδύνατο να απαριθμήσω όλες τις πρεμιέρες του La Fenice. Τον 19ο αιώνα αυτές ήταν όπερες των Rossini, Bellini, Donizetti και Verdi. Όχι λιγότερη είναι η λίστα με τους μαέστρους, τους τραγουδιστές και τους σκηνοθέτες που έχουν εμφανιστεί στη σκηνή του. Από το 1930 λειτουργεί τμήμα στη σκηνή του La Fenice Σύγχρονη μουσική Μπιενάλε της Βενετίας. Στο πλαίσιο της Μπιενάλε παρουσιάστηκαν για πρώτη φορά έργα των Στραβίνσκι, Μπρίτεν, Προκόφιεφ, Νόνο, Μαντέρνα και Μαλιπιέρο.
Βασιλικό Θέατρο του Τορίνο
Το θέατρο χτίστηκε με εντολή του βασιλιά Καρόλου Εμμανουήλ Γ' σε μόλις 2 χρόνια από τον αρχιτέκτονα Benedetto Alfieri. Τα εγκαίνια έγιναν στις 26 Δεκεμβρίου 1740. Φιλοξενούσε έως και 2.500 θεατές σε ένα ευρύχωρο πάγκο και πέντε επίπεδα κουτιών και γκαλερί ενδιαφέρουσες παραστάσειςμε πολυτελή διακόσμηση. Από το 1997, το θέατρο περιλαμβάνεται στον Κατάλογο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO. Τα ονόματα του Τζάκομο Πουτσίνι, που εμπιστεύτηκε στο Θέατρο Ρέτζιο την πρεμιέρα των Manon Lescaut και La Bohème, καθώς και του Richard Strauss, που διηύθυνε τη Salome κατά την ιταλική πρεμιέρα του το 1906, συνδέονται στενά με το θέατρο.
Το βράδυ της 9ης Φεβρουαρίου 1936, το θέατρο καταστράφηκε από πυρκαγιά. Χρειάστηκαν σχεδόν 40 χρόνια για να το αποκαταστήσουν.
Η επαναλειτουργία του θεάτρου έγινε στις 10 Απριλίου 1973 με την όπερα του Τζουζέπε Βέρντι «Σικελικός Εσπερινός» που ανέβασαν οι Μαρία Κάλλας και Τζουζέπε ντι Στέφανο. Το θέατρο γίνεται και πάλι ένα σημαντικό κέντρο της πολιτιστικής ζωής στο Πιεμόντε και την Ιταλία. Το 1990, το θέατρο γιόρτασε τα 250 χρόνια από την ίδρυσή του και το 1996, τα εκατό χρόνια από την παγκόσμια πρεμιέρα του La Bohème. Το 1998 γιορτάστηκε η 25η επέτειος από την αποκατάσταση του θεάτρου και το 2006 οι ΧΧ Χειμερινοί Ολυμπιακοί Αγώνες και οι Ολυμπιακοί Αγώνες Πολιτισμού. Από το 2007 μουσικός διευθυντήςθέατρο είναι ο συνθέτης Gianandrea Noseda.
Θέατρο Petruzzelli στο Μπάρι
Το Teatro Petruzzelli είναι το τέταρτο μεγαλύτερο στην Ιταλία και το μεγαλύτερο ιδιωτικό θέατρο στην Ευρώπη. Οφείλει την εμφάνισή του το 1903 στην οικογένεια Petruzzelli, η οποία επιθυμούσε να το επιχρυσώσει πλήρως από μέσα, καθώς και να το εξοπλίσει με θέρμανση και ηλεκτρικό φωτισμό.
Από την αρχή εμφανίστηκαν στη σκηνή του μεγαλύτεροι μουσικοίτης εποχής του, μεταξύ των οποίων ο συνθέτης Pietro Mascagni, οι τενόροι Benjamin Gigli και Mario del Monaco, οι μαέστροι Herbert von Karajan και Riccardo Muti, η τραγουδίστρια Renata Tebaldi και ο Luciano Pavarotti. Στη δεκαετία του ογδόντα, το θέατρο φιλοξένησε δύο πρεμιέρες υψηλού προφίλ: την Iphigenia Tauride του Niccolo Piccinni, η οποία δεν παίχτηκε ποτέ ξανά μετά την πρεμιέρα στο Παρίσι το 1779, και τη ναπολιτάνικη εκδοχή των Puritans του Bellini, που γράφτηκε ειδικά για τη Maria Malibran και δεν παίχτηκε ποτέ.
Το βράδυ της 27ης Οκτωβρίου 1991, το θέατρο υπέστη ζημιές από πυρκαγιά. Χρειάστηκαν σχεδόν 18 χρόνια για να αποκατασταθεί. Η επανέναρξη σηματοδοτήθηκε από την παράσταση της Ένατης Συμφωνίας του Μπετόβεν, υπό τη διεύθυνση του Fabio Mastrangelo. Η σεζόν της όπερας άνοιξε την ίδια χρονιά με το Turandot του Puccini.
Όπερα Τζουζέπε Βέρντι στην Τεργέστη
Η Όπερα του Τζουζέπε Βέρντι είναι μια από τις παλαιότερες σε λειτουργία όπερες στον κόσμο. Η κατασκευή του ξεκίνησε το 1798 σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Gian Antonio Selva (σχεδίασε επίσης το βενετσιάνικο La Fenice). Η κατασκευή ολοκληρώθηκε το 1801 υπό την ηγεσία του Matteo Pertsch. Η δομή του κτιρίου θυμίζει τη Σκάλα του Μιλάνου. Η πρώτη παραγωγή ήταν η «Genevieve of Scotland» του Simon Mayr.
Κατά τη διάρκεια της σεζόν όπερας 1843-44, ο Ναμπούκο του Τζουζέπε Βέρντι γνώρισε εκπληκτική επιτυχία με το κοινό. Το 1848, το θέατρο έκανε πρεμιέρα το Le Corsair του Βέρντι και το 1850 το Stiffelio. Προς τιμήν του μεγάλου συνθέτη, το δημοτικό συμβούλιο της Τεργέστης αποφάσισε να δώσει το όνομά του στην όπερα της πόλης.
Teatro Massimo στο Παλέρμο
Το Teatro Massimo Vittorio Emanuele στο Παλέρμο είναι η μεγαλύτερη όπερα στην Ιταλία και η τρίτη μεγαλύτερη στην Ευρώπη μετά Όπερα του Παρισιούκαι βιεννέζικα Κρατική Όπερα. Η έκτασή του είναι 7700 τετραγωνικά μέτρα.
Το κτίριο χτίστηκε σε νεοκλασικό ρυθμό στο οικόπεδο της Εκκλησίας των Στιγμάτων και της Μονής του Αγίου Ιουλιανού, τα οποία κατεδαφίστηκαν για να χτιστεί ένα θέατρο. Οι εργασίες ξεκίνησαν το 1875 σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Giovanni Battista Filippo Basile. Τα εγκαίνια έγιναν στις 16 Μαΐου 1897 με την όπερα Falstaff του Τζουζέπε Βέρντι, σε σκηνοθεσία Leopold Mugnone.
Διασκεδαστικό γεγονός:το 1990, το θέατρο έγινε η τοποθεσία για τα γυρίσματα " νονός III» του Φράνσις Φορντ Κόπολα με πρωταγωνιστές τους Αλ Πατσίνο, Άντι Γκαρσία και Σοφία Κόπολα. Η σκηνή γυρίστηκε εδώ όταν ο Μάικλ Κορλεόνε, που έφτασε στο Παλέρμο, παρευρίσκεται στο ντεμπούτο της κόρης του στο " Τιμή χώρας» Πιέτρο Μασκάνι.
Την πρώτη σεζόν της όπερας, το θέατρο έδωσε την Aida (15 παραστάσεις), στη συνέχεια ανέβηκαν οι Lohengrin, La Traviata και Manon Lescaut. Η όπερα «Ο Βασιλιάς της Λαχώρης» του Ζυλ Μασνέ γνώρισε τεράστια επιτυχία εκείνα τα χρόνια. Παίχτηκε 17 φορές σε μία σεζόν.
Τα έτη 1906-1919 ήταν η περίοδος ακμής της «Ελευθερίας του Παλέρμο», που σημαδεύτηκε από τοπικές πρεμιέρες των όπερων του Βάγκνερ: «Walkyrie», «Siegfried», «Twilight of the Gods», «Tristan and Isolde», «Parsifal». Έγιναν παγκόσμιες πρεμιέρες τέσσερις όπερες: «Lost in the Dark» του Stefano Donaudi, «Venice» του Riccardo Storti, «The Month of Mary» του Umberto Giordano, «Baroness Carini» του Giuseppe Mule.
Parma Teatro Reggio
Το κτίριο του θεάτρου Reggio στην Πάρμα άρχισε να χτίζεται το 1821 σύμφωνα με το σχέδιο του αρχιτέκτονα Nicola Bettoli με πρωτοβουλία της Δούκισσας Marie-Louise της Αυστρίας, συζύγου του Ναπολέοντα, που διορίστηκε να κυβερνά το Δουκάτο της Πάρμα και Piacenza μετά Συνέδριο της Βιέννης. Η Δούκισσα υποστήριξε τις μεγάλες παραδόσεις της ιταλικής μουσικής και θεώρησε υπάρχον θέατρο Farnese ανάξια των αναγκών της πόλης. Τα εγκαίνια του νέου θεάτρου έγιναν στις 16 Μαΐου 1829 με την όπερα «Ζαΐρ», που συνέθεσε ειδικά για αυτό το γεγονός ο Vincenzo Bellini. Η πρώτη σεζόν όπερας συνεχίστηκε με τα «Μωυσής και Φαραώ», «Ο θάνατος της Σεμίραμις» και «Ο κουρέας της Σεβίλλης» του Τζιοακίνο Ροσίνι.
Από την ίδρυσή του, το Θέατρο Reggio γνώρισε και συμμετείχε σε βαθιές αλλαγές είδος όπερας, που σηματοδότησε την παρακμή της εποχής του Ροσίνι και την ακμή του Βέρντι, την αύξηση του ενδιαφέροντος για τη γερμανική και τη γαλλική όπερα, την κίνηση προς τον ρεαλισμό στα έργα των Mascagni, Leoncavallo και Puccini.
Το θέατρο θεωρείται και σήμερα ο πραγματικός θεματοφύλακας του Ιταλού οπερατική παράδοση, δεν υστερεί σε τίποτα από τη Σκάλα του Μιλάνου και το Φενίτσε της Βενετίας, αν και, φυσικά, είναι λιγότερο γνωστό στον κόσμο.
Εάν σχεδιάζετε ένα ταξίδι στην Ιταλία, φροντίστε να πάτε σε μια από τις ιταλικές όπερες. Παρά όλα αυτά Η Ιταλία είναι η γενέτειρα της όπεραςκαι τις πιο διάσημες παραγωγές και τις καλύτερες στον κόσμο μουσικές παραστάσειςμεταβιβάζω Ιταλικές σκηνές. Αυτό το είδος μουσικής και δραματικής τέχνης προοριζόταν αρχικά για δικαστική ψυχαγωγία, αλλά αργότερα έγινε διαθέσιμο στο ευρύ κοινό. Αυτές τις μέρες, η μετάβαση στην όπερα είναι ένας πολύ καλός τρόπος για να περάσετε μια αξέχαστη βραδιά και να ζήσετε μια μεγάλη τέχνη.
Είναι καλύτερα να το φροντίσετε εκ των προτέρων. Η σεζόν της όπερας διαρκεί από τον Οκτώβριο έως τα τέλη Μαρτίου, αλλά σε ορισμένες υπαίθριες σκηνές παίζονται παραστάσεις και το καλοκαίρι.
Ακόμα κι αν δεν έχετε την ευκαιρία να παρακολουθήσετε μια παράσταση όπερας ή ένα μπαλέτο, η αρχιτεκτονική και η ιστορία των θεάτρων αξίζουν κάποια προσοχή και μια ξεχωριστή επίσκεψη.
Θέατρο La Scala (Teatro alla Scala)
Η πιο διάσημη όπερα στον κόσμο (και σίγουρα η πιο διάσημη στον κόσμο) άνοιξε το 1778. Στη σκηνή αυτού του θεάτρου παρουσιάστηκαν για πρώτη φορά στο κοινό οι όπερες του Πουτσίνι «Madama Butterfly» και «Turandot». Σε αυτή τη σκηνή ανέβηκε για πρώτη φορά και η όπερα του Βέρντι «Nabucco». Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, το θέατρο καταστράφηκε και στη συνέχεια αποκαταστάθηκε πλήρως.Μετά την τελευταία αποκατάσταση το θέατρο ήταν άνοιξε το 2004.
Τέτοιοι διάσημοι δάσκαλοι της σκηνής της όπερας όπως Μαρία ΚάλλαςΚαι Λουτσιάνο Παβαρότι. Και σήμερα το θέατρο συνεχίζει να προσελκύει τους καλύτερους ερμηνευτές όπερας και παγκοσμίου φήμης ορχήστρες. Το άνοιγμα της σεζόν στη Σκάλα είναι ένα από τα πιο αναμενόμενα ΚΟΙΝΩΝΙΚΕΣ ΕΚΔΗΛΩΣΕΙΣστο Μιλάνο.
Teatro La Fenice (Teatro La Fenice)
Teatro La Fenice (Πηγή: Wikimedia)La Fenice – "Φοίνιξ"- ένα από τα πολλά διάσημα θέατραΕυρώπη. Άνοιξε στη Βενετία το 1792 και καταστράφηκε από τις φλόγες δύο φορές και στη συνέχεια "σηκώθηκε από τις στάχτες". Μετά από μια πυρκαγιά το 1996 και μια οκταετή αποκατάσταση, χάρη σε δωρεές και υποστήριξη πολλών διασημοτήτων, συμπεριλαμβανομένου του Αμερικανού σκηνοθέτη Γούντι Άλεν, το θέατρο άνοιξε ξανά τις πόρτες του στο κοινό το 2003. Πρωτοπαρουσιάστηκε στη σκηνή Η όπερα του Τζουζέπε Βέρντι "La Traviata".
Το πιο σημαντικό γεγονός στο θέατρο είναι Πρωτοχρονιάτικη συναυλία , στην οποία συμμετέχουν αστέρια της παγκόσμιας σκηνής.
Θέατρο Σαν Κάρλο (Teatro di San Carlo)
Πλέον παλαιότερη λειτουργούσα όπεραΗ Ιταλία άνοιξε το 1737 στη Νάπολη με εντολή του βασιλιά Καρόλου Γ'. Οι πρώτες παραστάσεις μπαλέτου στην Ιταλία ανέβηκαν στη σκηνή του θεάτρου. Κάποτε, το θέατρο διοικούνταν από τους Gioachino Rossini και Gaetano Donizetti.
Αν αγαπάτε το μπαλέτο, να έχετε κατά νου ότι διαθέτει μια από τις κορυφαίες ακαδημίες μπαλέτου στον κόσμο.
Teatro Massimo (Teatro Massimo)
Το Teatro Massimo βρίσκεται στο Παλέρμο της Σικελίας και είναι η τρίτη μεγαλύτερη όπερα στην Ευρώπη. Θολωτή θεωρείται το κτίριο αρχιτεκτονικό αριστούργημακαι φημίζεται για την εξαιρετική ακουστική του. Οι σκηνές για το τρίτο μέρος του Νονού του Φράνσις Φορντ Κόπολα γυρίστηκαν στο θέατρο. Όλοι οι λάτρεις του κινηματογράφου και της αρχιτεκτονικής, οι λάτρεις της όπερας και της κλασικής μουσικής θα πρέπει να συμπεριλάβουν το Teatro Massimo στη λίστα με τα μέρη που πρέπει να επισκεφτείτε.
Teatro Reggio (Teatro Regio)
Teatro Reggio ή " Βασιλικό Θέατρο«- άλλη μια όπερα ανακαινίστηκε μετά από πυρκαγιά. Χτισμένο στο Τορίνο το 1740, αυτό το θέατρο φιλοξένησε πολλούς διάσημους καλεσμένους, συμπεριλαμβανομένου του Ναπολέοντα. Το 1973 Teatro Regioάνοιξε ξανά μετά την πυρκαγιά το 1936 και συνεχίζεται σήμερα προσφέρει περίπου δέκα παραγωγές ανά θεατρική σεζόν, που διαρκεί από τον Οκτώβριο έως τον Ιούνιο.