(!SPRACHE:Porträt mit Schultergurten. Schullexikon. Kunst des Mittelalters und der Renaissance

Ein klassisches Porträt ist eine Art bildender Kunst, die eine Person oder mehrere Personen darstellt. Hierbei handelt es sich um ein ähnliches Bild einer Person auf Papier oder Leinwand, mit dem Ziel, nicht nur sein Aussehen zum Ausdruck zu bringen, sondern auch Emotionen, Charaktereigenschaften, Lebenswerte usw. zu zeigen. Es ist auch erwähnenswert, dass das Zeichnen eines Gesichts der komplexeste Prozess in der Kunst ist. Ein talentierter Künstler muss die wichtigsten persönlichen Aspekte hervorheben, die charakteristischsten Merkmale und Emotionen eines Menschen bestimmen und seine Werte im Leben zeigen.

Die Antworten auf die Frage, welche Arten von Porträts es gibt, können unterschiedlich sein. Porträts werden normalerweise nach Genres und Subgenres, Themen und Ausführungstechniken unterschieden. Sie können eine Person von der Brust aufwärts bis zur Taille in voller Größe darstellen oder das Gesicht in Nahaufnahme zeigen. Welche Porträts es in der Malerei gibt, unterscheidet sich auch in der Positionierung des Gesichts. Je nach Position kann die Person von vorne oder vom Gesicht, in einer Dreivierteldrehung oder im Profil dargestellt werden.

Was sind die Genres und Subgenres von Porträts?

Die Antwort auf die Frage, welche Arten von Porträts es gibt, beginnt mit ihrer Einteilung in Genres. Die Genres sind in Intim-, Zeremonien- und Kammerporträts unterteilt. Ein eigenes Genre ist das Selbstporträt, bei dem der Künstler sich selbst darstellt. Generell handelt es sich bei der Porträtmalerei heute um eine eigenständige Kunstgattung, die keiner weiteren Beschreibung bedarf.

Darüber hinaus gibt es auch Subgenres, in denen es um Porträts bei der Zeichnung von Menschen geht. Sie verkörpern eine Richtung, die auf die eine oder andere Weise mit den Merkmalen anderer Genres der Porträtmalerei verbunden ist. Wenn Sie nicht wissen, welche Arten von Porträts es gibt, können Sie sich hierzu ganz einfach auf spezialisierten Websites informieren. Beispielsweise wird ein historisches Porträt mit alten Zeiten in Verbindung gebracht. Beispielsweise kann eine Person im Geiste einer bestimmten historischen Epoche gekleidet und die entsprechende Umgebung geschaffen werden. Oft wird ein Kostümporträt verwendet, das ungewöhnliche Eigenschaften und ein interessantes Bild suggeriert, ähnlich einer Theateraufführung.

Welche Techniken gibt es zum Malen von Porträts?

Porträts können, wie andere Gemälde auch, in der Ausführungstechnik stark variieren. Welche Arten von Porträts gibt es aufgrund der Technik? Sie können also in Öl auf Leinwand, mit einem trockenen Pinsel, mit Buntstiften, einem Bleistift usw. gemalt werden. Die Öl-auf-Leinwand-Technik ist eine der beliebtesten Porträts überhaupt. Dieser Prozess ist ziemlich arbeitsintensiv und erfordert viel Geduld, Genauigkeit und Aufmerksamkeit des berühmten Künstlers. Der Ölporträtstil hat eine sehr reiche Geschichte und ist heute ebenso wie die Art der Porträts auf der ganzen Welt sehr berühmt. Im Laufe der Zeit wurden die sogenannten operativen Arbeitstechniken, schnelle Skizzen, Kohle, Bleistift, Sepia, populär. Beliebt sind auch Aquarell-, Pastell- und Trockenpinsel.

Ein Porträt ist eine künstlerische Darstellung des Gesichts einer bestimmten Person und zugleich dessen Interpretation durch den Künstler. Das Porträt zeigt die äußeren Merkmale eines Menschen und durch sie seine innere Welt.

Warum entstehen malerische Porträts?
Das ist keine rhetorische Frage. So antwortete ihm Albrecht Dürer: „Ich schreibe, um Menschenbilder nach ihrem Tod zu bewahren.“ Der Renaissance-Künstler Leon Battista Alberti sagte etwa so: „Das Gemälde lässt abwesende Menschen präsent und die Toten lebendig erscheinen.“ Viele andere Künstler vergangener Jahrhunderte hätten so antworten können.
Aber dann wurde die Fotografie erfunden, und ein Porträt kann schnell erstellt werden, ohne dass man so viel Arbeit investieren muss, wie es für das Malen eines bildlichen Porträts erforderlich wäre. Warum verschwindet das Porträtgenre nicht, sondern entwickelt sich weiter und verbessert sich? Ja, das Porträt hat in seiner langen Geschichte Höhen und Tiefen erlebt, sich aber nicht erschöpft.

Arten von Porträts

Ein Porträt beschränkt sich nicht immer nur auf die äußeren Merkmale einer Person. Innerhalb des Porträtgenres gibt es eigene Subgenres: historisches Porträt, Porträtbild (eine Person wird in der umgebenden Natur oder Architektur dargestellt. Attribute, Hintergrund und Kostüm trugen dazu bei, die gesamte Bandbreite der Qualitäten einer Person oder ihrer sozialen Gruppe darzustellen) , Porträttyp (Sammelbild), allegorisches Porträt (zum Beispiel „Katharina II. in Gestalt der Minerva“), Familienporträt, Selbstporträt, Gruppenporträt usw.
Hier ist ein Beispiel für ein historisches Porträt.

V. Vasnetsov „Porträt von Iwan dem Schrecklichen“ (1897)
Ein solches Porträt kann nur auf der Grundlage der Beschäftigung des Künstlers mit Altertümern und Eindrücken von Theateraufführungen gemalt werden.
Und hier ist ein Typenporträt.

B. Kustodiev „Die Frau des Kaufmanns beim Tee“ (1918)
Gruppenporträts waren meist für zeremonielle Innenräume gedacht.

I. Repin. Gruppenporträt „Große Sitzung des Staatsrates“
Dieses Porträt war für den Saal des St. Petersburger Mariinski-Palastes gedacht, dessen Innenräume äußerst luxuriös sind und vor dem ein „bescheidenes“ Porträt verloren gegangen wäre.

Von Natur aus kann ein Porträt zeremonieller Natur sein (normalerweise vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund, normalerweise in voller Länge), intim (normalerweise ein Halb- oder Brustbild) oder eine Miniatur.

Ähnlichkeit des Porträts mit dem Original

Ist Ähnlichkeit bei einem Porträt wichtig? Zweifellos. Neben der äußerlichen Ähnlichkeit muss es aber auch eine innere Ähnlichkeit geben, d.h. Es ist die innere Ähnlichkeit, die den Betrachter davon überzeugt, dass die dargestellte Person so sein sollte.
Aber die auf den Gemälden alter Künstler abgebildeten Personen sind uns unbekannt; wir können nicht sicher sein, dass ihr Aussehen dem Original entspricht. Wie kann man dann feststellen, ob ein Porträt gut ist oder nicht? Gibt es also etwas an einem Porträt, das wichtiger ist als sein genaues Aussehen?
Ein gut gemaltes Porträt sollte das innere Wesen des Modells aus der Sicht des Künstlers zeigen: nicht nur körperliche, sondern auch spirituelle Merkmale. Dieser Bedarf wurde bereits bei der Genehmigung des europäischen Porträts formuliert. Im Jahr 1310 sagte Pietro d'Abano, dass ein Porträt sowohl das äußere Erscheinungsbild als auch die Psychologie des Modells widerspiegeln sollte. Der französische Porträtist Maurice Quentin de Latour sagte über seine Modelle: „Sie denken, dass ich nur die Gesichtszüge einfasse, aber.“ Ohne ihr Wissen steige ich in die Tiefen ihrer Seele hinab und nehme sie vollständig in Besitz.“
Ein sehr wichtiger Punkt bei Auftragsporträts ist die Verkörperung sowohl der Erwartungen des Modells als auch seines tatsächlichen Aussehens auf der Leinwand. Wie A. Sumarokov schrieb:

Fufana ließ ihr Porträt malen,
Aber sie sagte zum Maler:
Sie sehen, ich bin schief;
Schreiben Sie jedoch, dass ich nicht so bin.

Die Urteile eines Menschen über seine eigene Persönlichkeit, sein Aussehen, seinen Charakter und seine innere Welt stimmen bei weitem nicht mit dem überein, was der Künstler zu diesem Thema denkt. Und je mehr die Ansichten auseinandergehen, desto schärfer kann der Konflikt zwischen den Anforderungen des Kunden und dem Willen des Künstlers sein.

Epoche und Porträt

Ein gutes Porträt ist auch eine Vorstellung vom Lebensstil von Menschen bestimmter Epochen, ihren Idealen und Vorstellungen vom Menschen. Ein gutes Porträt gibt dem modernen Betrachter die Möglichkeit, etwas über das Leben und die Bräuche der Zeit zu erfahren, zu der das Porträt gehört. Ein Porträt ist eine Art Geschichte.

O. Kiprensky „Porträt von Evgraf Davydov“
Hier vor uns liegt ein Porträt des Husaren Evgraf Davydov, gemalt von Orest Kiprensky. Dies ist ein Porträt einer bestimmten Person, aber wenn wir dieses Porträt betrachten, erfahren wir, wie die Uniform der damaligen Husaren aussah, die Frisur, der innere Zustand des Militärs – das Bild zeigt die Epoche. Und natürlich ermöglicht das Porträt-Genre, die für diese Zeit charakteristische ideale Persönlichkeit zu erkennen. Das heißt, es handelt sich um eine Art künstlerisches Porträt eines Helden seiner Zeit.
Sozialer Status, Nationalität, Alter, religiöse und moralische Merkmale, Charakter usw. – all dies sollte in einem guten Porträt vorhanden sein. Sie können lernen, einem Modell Ähnlichkeit zu vermitteln, aber gleichzeitig nicht die Fähigkeit erwerben, seinen Charakter auszudrücken – das ist viel schwieriger zu erreichen.

Merkmale des Porträts

Ein wichtiger Punkt ist der Blick: Das Model kann den Betrachter direkt ansehen, als würde es ihn zu einem Gespräch einladen, oder vorbei. Dadurch wirkt die dargestellte Person nachdenklicher und ruhiger. Wenn sich der Kopf in die eine Richtung dreht und die Pupillen in die andere, das heißt, die Person scheint sich umzuschauen, dann entsteht Bewegung im Porträt. Sind Blick und Bewegung in die gleiche Richtung gerichtet, wirkt das Model ruhiger. Ein Porträt zeichnet sich nicht durch den Ausdruck starker Gefühle aus, denn... Sie sind von kurzer Dauer und charakterisieren die Person nicht vollständig.
Die Seele wird durch den Ausdruck der Augen sichtbar, insbesondere durch den auf den Betrachter gerichteten Blick. Darüber hinaus „richtet sich der auf den Betrachter gerichtete Blick an die gesamte Menschheit“ (A. Karev).

V. Perov „Porträt von Wladimir Iwanowitsch Dahl“
Ein weiteres wichtiges Mittel zur psychologischen Charakterisierung sind die Hände. Schauen Sie sich das Porträt von V.I. an. Dahl von V. Perov. Einer der Kritiker beschrieb das Porträt wie folgt: „... sein Blick drückt Ruhe aus: Er hat seinen Job gemacht. Man kann nicht umhin, die schönen Hände des alten Mannes zu bemerken: Jeder Chirurg wird diese langen Finger beneiden.“ Tatsächlich war Dahl ein wunderbarer Chirurg, und er war gleichermaßen erfolgreich darin, beide Hände zu benutzen, was bei einer Operation sehr wichtig ist.
Seine Haltung kann viel über einen Menschen aussagen.

V. Serov „Porträt der Schauspielerin Ermolova“
Eine betont stolze Haltung betont die Größe eines Menschen. Es kommt vor, dass Einbildung so dargestellt wird, aber Maria Nikolaevna Ermolova war wirklich eine großartige Schauspielerin. Laut Stanislavsky der größte Schauspieler, den er je gesehen hat.
Die Porträts des zeitgenössischen Künstlers A. Shilov erregen Aufmerksamkeit durch fotografische Präzision, aber das reicht, wie wir bereits wissen, für ein gutes Porträt nicht aus. Durch den Ausdruck der Augen der Helden seiner Porträts ist die Seele immer sichtbar. Wie in diesem Porträt.

Ein Shilov „Porträt von Olenka“ (1981)

Das Wort „Porträt“ kommt in unserem Wortschatz sehr häufig vor. Wir verwenden es in Bezug auf Malerei, Literatur, Kriminologie und auch einfach im Alltag. Diesbezüglich gibt es verschiedene Arten von Porträts, die sich auf den einen oder anderen Lebens- oder Kunstbereich beziehen. Was ist charakteristisch für ein Porträt, was sind seine Merkmale, was ist seine Einzigartigkeit im Vergleich zu anderen Genres der Kreativität? Schauen wir uns diese Fragen genauer an.

Was ist ein Porträt?

Dieser Begriff bezieht sich auf das Bild einer Person, die jetzt lebt, früher gelebt hat oder eine fiktive Figur in einer Geschichte oder Geschichte ist. In der Kunst können Porträts in Skulpturen oder Gravuren dargestellt werden. Es gibt auch Arten von Porträts, die sich auf das Schreiben beziehen. Hierbei handelt es sich um Beschreibungen von Charakteren in Werken, Eigenschaften bestimmter Personen, kriminelle Daten über eine bestimmte Person, deren Informationen erforderlich sind. Am beliebtesten gelten nach wie vor verschiedene Arten von Porträts. Sie unterscheiden sich in Stil, Farbgebung, Parametern, Merkmalen des Farbauftrags, Proportionen und Struktur.

Parameter, die ein Porträt vermitteln kann

Diese Klassifizierung impliziert folgende Punkte: Kopfporträt (dargestellt ist nur der menschliche Kopf); Büstenporträts oder Büsten (eine Person ist bis zur Brust gezeichnet oder modelliert); Bilder von Menschen bis zur Hüfte; eine Zeichnung, die uns einen Mann bis zum Knie zeigt; schließlich abendfüllende Gemälde. Wenn wir die Arten von Porträts unter dem Gesichtspunkt des Drehwinkels des abgebildeten Modells betrachten, werden wir die folgenden Punkte hervorheben. In einem Porträt kann uns eine Person gegenüberstehen – das ist eine Front. Sein Gesicht oder seine Figur kann uns zu drei Vierteln zugewandt sein oder seitlich zum Publikum stehen – das ist ein Profil. Selten finden wir in der Malerei Porträts, bei denen uns eine Person den Rücken zuwendet. In all diesen Fällen ist das Hauptkriterium für ein Porträt die maximale Ähnlichkeit des Modells, das posierte, mit dem Ergebnis, das auf der Leinwand oder in seiner Skulptur des Schöpfers entstanden ist. Dadurch sollen nicht nur statische Gesichtszüge und Proportionen, sondern auch die emotionale Aura des Porträtierten maximal vermittelt werden.

Wie Menschen in der Antike dargestellt wurden

Die allerersten Arten von Porträts in der Malerei sind Skulpturen. Man findet sie im gesamten Alten Osten sowie in antiken Ländern. Solche Kunstwerke wurden damals für Menschen geschaffen, die wichtige Positionen in der Gesellschaft innehatten. Dies waren Herrscher, Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens und Schöpfer. Die Skulpturen vermittelten mit ihrer Hilfe immer genau die emotionale Farbe der abgebildeten Person. Oft wurden solche Kreationen zu Grabsteinen für ihre Besitzer. Für uns ermöglichen die Skulpturen dieser alten Zeiten, das Bild der Vergangenheit wiederherzustellen und zu verstehen, was für Menschen in dieser Zeit lebten.

Mittelalterliche Malerei

Im Mittelalter tauchten bestimmte Arten von Porträts in der bildenden Kunst auf. Herrscher, Kirchenführer und bedeutende weltliche Persönlichkeiten sind bereits auf Leinwand abgebildet. Es war fast unmöglich, in solchen Porträts Gesichter zu unterscheiden – sie hatten alle ähnliche Gesichtszüge, ebenso wie menschliche Figuren. Das Gemälde vermittelte immer eher eine Atmosphäre, die von Religion und Theologie durchdrungen war. Beliebt waren Spenderporträts. Sie stellten eine Person dar, die einer bestimmten katholischen Kirche eine Spende machte. Er war immer von Cherubim umgeben oder hatte Jesus in seinen Armen, wie die Jungfrau Maria. Ein Analogon zu solchen Bildern waren Ktitor-Porträts, die nicht nur bei Katholiken, sondern auch in der orthodoxen Welt beliebt waren.

Renaissance und folgende Jahrhunderte

Um das 15. Jahrhundert erkannten die Menschen, dass Porträtmalerei eine Kunstform und nicht nur ein Mittel zur Informationsvermittlung war. Seitdem haben sich die kreativen Grenzen der Gesellschaft erheblich erweitert. Allegorische Porträts wurden immer beliebter, bei denen das Modell immer in Kleidung dargestellt wurde, die ihre Gefühle und ihren Charakter zum Ausdruck brachte, und oft waren solche Bilder stark übertrieben. Etwas später (18. Jahrhundert) begannen Künstler, auf ihnen Menschen sowohl in voller Größe als auch in Brustlänge darzustellen. Der Kern der Arbeit bestand darin, dass das gesamte Bild eine bestimmte Farbe hatte. Es war entweder eine Aura der Zärtlichkeit oder eine Art brutales Bild usw. Auch während der Renaissance entstanden verschiedene Arten subjektiver Porträts. Und jetzt schauen wir uns an, was genau solche Meisterwerke auszeichnet.

Ein Porträt, das „vom Kopf aus“ gemalt wird

Unter diesem Begriff versteht man jene Gemälde von Menschen, auf denen diese nicht so dargestellt werden, wie sie in Wirklichkeit aussehen, sondern so, wie sie dem Künstler erscheinen. Der Schöpfer kann Proportionen ändern, Gesichtszüge ändern, eine Person fröhlicher oder trauriger machen. Um ein Modell zu zeichnen, ist es oft überhaupt nicht erforderlich. Ein Künstler kann in seinem Kopf Bilder der Realität und seiner Fantasien rekonstruieren und diese dann auf die Leinwand übertragen. Heutzutage gibt es von der Malerei getrennte Formen subjektiver Porträts. Dazu gehören: ein Identikit, die Wiederherstellung der Gesichtszüge des Verstorbenen dank Technologie und der Erinnerung von Augenzeugen, das Auftragen von Make-up auf das Gesicht einer Person, damit sie wie eine andere wird.

Unsere Tage

Die Arten von Porträts, die man heute findet, unterscheiden sich stark von denen, die früher in der Gesellschaft beliebt waren. Heutzutage werden alle Menschen fotografiert und nicht gezeichnet, sodass ihre Gesichtszüge und Emotionen mit größtmöglicher Genauigkeit vermittelt werden. Unter den modernen Porträts gibt es auch Genreporträts: öffentliche, intime, individuelle, intime Porträts sowie Selfies – das häufigste Porträt unserer Zeit.

Im heutigen Beitrag möchte ich kurz auf die Entwicklungsgeschichte der Porträtmalerei eingehen. Es ist nicht möglich, im begrenzten Umfang des Beitrags das gesamte Material zu diesem Thema vollständig abzudecken, daher habe ich mir keine solche Aufgabe gestellt.

Ein kleiner Ausflug in die Geschichte der Porträtmalerei


Porträt(aus dem französischen Porträt) - Dies ist ein Genre der bildenden Kunst sowie Werke dieses Genres, die das Aussehen einer bestimmten Person zeigen. Ein Porträt vermittelt individuelle Eigenschaften, einzigartige Merkmale, die nur einem Modell innewohnen (ein Modell ist eine Person, die für einen Meister posiert, während sie an einem Kunstwerk arbeitet).



"Pariser". Fresko aus dem Palast von Knossos, 16. Jahrhundert v. Chr.


Aber Äußere Ähnlichkeit ist nicht die einzige und vielleicht nicht die wichtigste Eigenschaft eines Porträts . Ein echter Porträtmaler beschränkt sich nicht darauf, die äußeren Merkmale seines Modells wiederzugeben, er strebt danach die Eigenschaften ihres Charakters vermitteln, ihre innere, spirituelle Welt offenbaren . Es ist auch sehr wichtig, die soziale Stellung der porträtierten Person darzustellen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.
Als Genre tauchte das Porträt bereits vor mehreren tausend Jahren in der antiken Kunst auf. Unter den Fresken des berühmten Knossos-Palastes, die Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden haben, befinden sich eine Reihe malerischer Frauenbilder aus dem 16. Jahrhundert v. Chr. Obwohl Forscher diese Bilder „Hofdamen“ nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister darzustellen versuchten – Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
Das berühmteste Porträt einer jungen Frau, von Wissenschaftlern als „Pariserin“ bezeichnet. Wir sehen vor uns ein Profilbild (nach den Traditionen der damaligen Kunst) einer jungen Frau, die sehr kokett ist und die Kosmetik nicht vernachlässigt, wie ihre dunkel umrandeten Augen und die hell geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskenporträts ihrer Zeitgenossen schufen, haben sich nicht mit den Eigenschaften der Modelle befasst, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.




„Porträt eines jungen Römers“, frühes 3. Jahrhundert n. Chr.




Im antiken Griechenland und im antiken Rom gab es keine Staffeleimalerei, daher drückte sich die Porträtkunst hauptsächlich in der Skulptur aus. Alte Meister schufen plastische Bilder von Dichtern, Philosophen, Militärführern und Politikern. Diese Werke zeichnen sich durch Idealisierung aus, gleichzeitig finden sich unter ihnen auch Bilder, die in ihren psychologischen Eigenschaften sehr treffend sind.
Von großem Interesse sind die malerischen Porträts, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten entstanden. In Anlehnung an den Fundort (die Gräber von Hawara nördlich von Kairo und die Nekropolen der Fayum-Oase, unter den Ptolemäern Arsinoe genannt) werden sie Fayum genannt. Diese Bilder erfüllten rituelle und magische Funktionen. Sie erschienen im hellenistischen Zeitalter, als das alte Ägypten von den Römern erobert wurde. Diese auf Holzbrettern oder auf Leinwand ausgeführten Porträtbilder wurden zusammen mit der Mumie in das Grab des Verstorbenen gelegt.
In den Fayum-Porträts sehen wir Ägypter, Syrer, Nubier, Juden, Griechen und Römer, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten lebten. Vom antiken Rom bis nach Ägypten kam der Brauch, auf Holztafeln gemalte Porträts der Besitzer sowie skulpturale Masken verstorbener Verwandter im Haus aufzubewahren.


Porträt einer Fayum-Mumie



Fayum-Porträts wurden mit Tempera- oder Enkaustiktechniken erstellt, was besonders typisch für frühere Bilder ist. Enkaustik ist das Malen mit Farben, wobei das wichtigste Verbindungsglied Wachs war. Die Künstler verwendeten geschmolzene Wachsfarben (auf vielen Tafeln mit Porträtbildern sind Spuren des Tropfens solcher Farben zu sehen). Diese Technik erforderte spezielle Techniken. Auf die Bereiche Wangen, Kinn und Nase wurde Farbe in dichten Schichten aufgetragen, der Rest des Gesichts und der Haare wurde mit dünnerer Farbe bemalt. Für Porträts verwendeten die Meister dünne Bretter aus Bergahorn (Maulbeerfeigenbaum) und libanesischer Zeder.




G. Bellini. „Porträt eines Spenders“ Fragment


Zu den berühmtesten Porträts, die mit der Enkaustiktechnik angefertigt wurden, gehören „Porträt eines Mannes“ (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts n. Chr.) und „Porträt eines älteren Mannes“ (spätes 1. Jahrhundert n. Chr.), bei denen es sich um lebenslange Bilder handelt. Bei diesen Arbeiten fallen die geschickte Licht- und Schattenmodellierung und der Einsatz von Farbreflexen auf. Wahrscheinlich haben die uns unbekannten Meister, die die Porträts malten, die hellenistische Malschule durchlaufen. Zwei weitere Gemälde wurden auf die gleiche Weise ausgeführt – „Porträt eines Nubiers“ und ein wunderschönes Frauenbild, das sogenannte. „Herrin Alina“ (2. Jahrhundert n. Chr.). Das letzte Porträt wird mit Pinsel und flüssiger Tempera auf Leinwand angefertigt.
Im Mittelalter, als die Kunst der Kirche untergeordnet war, entstanden in der Malerei vor allem religiöse Bilder. Aber schon zu dieser Zeit malten einige Künstler psychologisch korrekte Porträts. Weit verbreitet waren Bilder von Spendern (Spendern, Kunden), die meist im Profil vor Gott, der Madonna oder einem Heiligen dargestellt wurden. Die Bilder der Stifter hatten äußerlich zweifellos Ähnlichkeit mit den Originalen, gingen jedoch nicht über den ikonografischen Kanon hinaus und spielten in der Komposition eine untergeordnete Rolle. Von der Ikone ausgehende Profilbilder behielten ihre dominierende Stellung, auch als das Porträt begann, eine eigenständige Bedeutung zu erlangen.
Die Blütezeit des Porträtgenres begann in der Renaissance, als der Hauptwert der Welt ein aktiver und zielstrebiger Mensch wurde, der in der Lage war, diese Welt zu verändern und allen Widrigkeiten zu trotzen. Im 15. Jahrhundert begannen Künstler, eigenständige Porträts zu schaffen, die Modelle vor dem Hintergrund majestätischer Panoramalandschaften zeigten. Dies ist das „Porträt eines Jungen“ von B. Pinturicchio.




B. Pinturicchio. „Bildnis eines Knaben“, Kunsthalle Dresden


Die Präsenz von Naturfragmenten in Porträts schafft jedoch keine Integrität, die Einheit einer Person und der Welt um sie herum scheint die natürliche Landschaft zu verdecken. Erst in Porträts des 16. Jahrhunderts entsteht Harmonie, eine Art Mikrokosmos.




Viele berühmte Meister der Renaissance wandten sich der Porträtmalerei zu, darunter Botticelli, Raffael und Leonardo da Vinci. Das größte Werk der Weltkunst war Leonardos berühmtes Meisterwerk – das Porträt „Mona Lisa“ („La Giaconda“, ca. 1503), in dem viele Porträtmaler nachfolgender Generationen ein Vorbild sahen.
Tizian spielte eine große Rolle bei der Entwicklung des europäischen Porträtgenres und schuf eine ganze Galerie mit Bildern seiner Zeitgenossen: Dichter, Wissenschaftler, Geistliche und Herrscher. In diesen Werken fungierte der große italienische Meister als subtiler Psychologe und hervorragender Kenner der menschlichen Seele.





Tizian: Kaiserin Isabella von Portugal.


Während der Renaissance wandten sich viele Künstler, die Altar- und mythologische Kompositionen schufen, dem Porträtgenre zu. Die psychologischen Porträts des niederländischen Malers Jan van Eyck („Timothy“, 1432; „Der Mann mit dem roten Turban“, 1433) zeichnen sich durch ihr tiefes Eindringen in die Innenwelt des Modells aus. Ein anerkannter Meister des Porträtgenres war der deutsche Künstler Albrecht Dürer, dessen Selbstporträts noch heute den Betrachter begeistern und als Vorbild für Künstler dienen.




Albrecht Dürer, Selbstbildnis

Während der Renaissance tauchten in der europäischen Malerei verschiedene Formen der Porträtmalerei auf. Das Ganzkörperporträt erfreute sich damals großer Beliebtheit, es erschienen aber auch Halb-, Seiten- und Ganzkörperporträts. Adelspaare bestellten Paarporträts, bei denen die Modelle auf unterschiedlichen Leinwänden abgebildet waren, aber beide Kompositionen waren durch ein gemeinsames Konzept, eine gemeinsame Farbe und einen gemeinsamen Landschaftshintergrund verbunden. Ein markantes Beispiel für Paarporträts ist das Bild des Herzogs und der Herzogin von Urbino (Federigo da Montefeltro und Battista Sforza, 1465), geschaffen vom italienischen Maler Piero della Francesca.
Auch Gruppenporträts verbreiteten sich, bei denen der Künstler mehrere Modelle auf einer Leinwand zeigte. Ein Beispiel für ein solches Werk ist „Porträt von Papst Paul III. mit Alessandro und Ottavio Farnese“ (1545-1546) von Tizian.





Basierend auf der Art des Bildes begann man, Porträts in zeremonielle und intime Porträts zu unterteilen. Die ersten wurden zu dem Zweck geschaffen, die darauf dargestellten Menschen zu verherrlichen und zu verherrlichen. Zeremonielle Porträts wurden bei berühmten Künstlern von regierenden Personen und ihren Familienangehörigen, Höflingen und Geistlichen in Auftrag gegeben, die die oberen Stufen der hierarchischen Leiter besetzten.
Bei der Erstellung zeremonieller Porträts stellten Maler Männer in prächtigen, mit Gold bestickten Uniformen dar. Die Damen, die für den Künstler posierten, trugen die luxuriösesten Kleider und schmückten sich mit Schmuck. Der Hintergrund spielte bei solchen Porträts eine besondere Rolle. Die Meister malten ihre Modelle vor dem Hintergrund einer Landschaft, architektonischen Elementen (Bögen, Säulen) und üppigen Vorhängen.
Der größte Meister zeremonieller Porträts war der Flame P.P. Rubens, der an den Königshöfen vieler Staaten tätig war. Seine edlen und wohlhabenden Zeitgenossen träumten davon, dass der Maler sie auf seinen Leinwänden festhielt. Rubens‘ Auftragsporträts bestechen durch ihren Farbreichtum und ihre virtuose Gestaltung und wirken etwas idealisiert und kalt. Die Bilder von Familie und Freunden, die der Künstler für sich selbst geschaffen hat, sind voller warmer und aufrichtiger Gefühle; es besteht kein Wunsch darin, dem Modell zu schmeicheln, wie in zeremoniellen Porträts für wohlhabende Kunden.






Porträt der Infantin Isabella Clara Eugenie, Regentin von Flandern, Wien, Kunsthistorisches Museum


Ein Schüler und Anhänger von Rubens war der talentierte flämische Maler A. van Dyck, der eine Galerie mit Porträtbildern seiner Zeitgenossen schuf: Wissenschaftler, Anwälte, Ärzte, Künstler, Kaufleute, Militärführer, Geistliche und Höflinge. Diese realistischen Bilder vermitteln auf subtile Weise die individuelle Einzigartigkeit der Modelle.
Die Porträts, die van Dyck in der Spätzeit schuf, als der Künstler am Hofe des englischen Königs Karl arbeitete, sind künstlerisch weniger perfekt, weil Der Meister, der viele Aufträge erhielt, kam mit diesen nicht zurecht und vertraute das Bild einiger Teile seinen Assistenten an. Aber auch zu dieser Zeit malte van Dyck eine Reihe recht erfolgreicher Gemälde (Louvre-Porträt Karls I., ca. 1635; „Die drei Kinder Karls I.“, 1635).




A. van Dyck. „Die drei Kinder Karls I.“, 1635, Königliche Sammlung, Schloss Windsor

Einen wichtigen Platz in der europäischen Malerei nahm im 17. Jahrhundert das intime (Kammer-)Porträt ein, dessen Zweck es war, den Gemütszustand, die Gefühle und Emotionen eines Menschen darzustellen. Der niederländische Künstler Rembrandt, der viele gefühlvolle Bilder malte, wurde zu einem anerkannten Meister dieser Art von Porträt. „Porträt einer alten Dame“ (1654), „Porträt des lesenden Sohnes Titus“ (1657) und „Hendrickje Stoffels am Fenster“ (Porträt der zweiten Frau des Künstlers, um 1659) sind von aufrichtigen Gefühlen durchdrungen. Diese Werke präsentieren dem Betrachter gewöhnliche Menschen, die weder adelige Vorfahren noch Reichtum haben. Aber für Rembrandt, der eine neue Seite in der Geschichte des Porträtgenres aufschlug, war es wichtig, die spirituelle Freundlichkeit seines Modells, ihre wahrhaft menschlichen Qualitäten, zu vermitteln.





Unbekannter Künstler. Parsun „Herrscher von ganz Russland“, Iwan IV. der Schreckliche, Ende des 17. Jahrhunderts.


Rembrandts Können zeigte sich auch in seinen großformatigen Gruppenporträts („Nachtwache“, 1642; „Syndics“, 1662), die unterschiedliche Temperamente und strahlende menschliche Persönlichkeiten zum Ausdruck brachten.
Einer der bemerkenswertesten europäischen Porträtisten des 17. Jahrhunderts war der spanische Künstler D. Velazquez, der nicht nur zahlreiche zeremonielle Porträts spanischer Könige, ihrer Frauen und Kinder malte, sondern auch eine Reihe intimer Bilder gewöhnlicher Menschen. Die tragischen Bilder von Hofzwergen – weise und zurückhaltend oder verbittert, aber stets im Sinne der Menschenwürde („Porträt des Narren Sebastiano Mora“, um 1648) appellieren an die besten Gefühle des Betrachters.




Das Porträtgenre erfuhr im 18. Jahrhundert eine Weiterentwicklung. Porträts verschafften Künstlern im Gegensatz zu Landschaften ein gutes Einkommen. Viele Maler, die zeremonielle Porträts schufen und versuchten, einem reichen und hochgeborenen Kunden zu schmeicheln, versuchten, die attraktivsten Merkmale seines Aussehens hervorzuheben und seine Mängel zu verschleiern.
Aber die mutigsten und talentiertesten Meister hatten keine Angst vor dem Zorn der Herrscher und zeigten den Menschen, wie sie wirklich waren, ohne ihre körperlichen und moralischen Mängel zu verbergen. In diesem Sinne ist das berühmte „Porträt der Familie von König Karl IV.“ (1801) des berühmten spanischen Malers und Grafikers F. Goya interessant. In England entstand die National School of Portraiture. Ihre größten Vertreter sind die im 18. Jahrhundert tätigen Künstler J. Reynolds und T. Gainsborough. Ihre Traditionen wurden von jüngeren englischen Meistern übernommen: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Das Porträt nahm einen wichtigen Platz in der Kunst Frankreichs ein. Einer der talentiertesten Künstler der zweiten Hälfte des 18. und ersten Viertels des 19. Jahrhunderts war J.L. David, der neben Gemälden des antiken und historischen Genres auch viele wunderschöne Porträts schuf. Zu den Meisterwerken des Meisters zählen das ungewöhnlich ausdrucksstarke Bild von Madame Recamier (1800) und das romantisch überhöhte Porträt „Napoleon Bonaparte am Bernhardinerpass“ (1800).







Ein unübertroffener Meister des Porträtgenres war J.O.D. Ingres, der seinen Namen mit zeremoniellen Porträts verherrlichte, die sich durch klangvolle Farben und anmutige Linien auszeichneten.
Hervorragende Beispiele romantischer Porträtmalerei wurden der Welt von französischen Künstlern wie T. Gericault und E. Delacroix präsentiert.
Französische Realisten (J. F. Millet, C. Corot, G. Courbet), Impressionisten (E. Degas, O. Renoir) und Postimpressionisten (P. Cezanne, W. van Gogh) drückten in Porträts ihr Lebens- und Kunstgefühl aus.
Auch Vertreter der im 20. Jahrhundert aufkommenden modernistischen Strömungen wandten sich dem Porträtgenre zu. Der berühmte französische Künstler Pablo Picasso hat uns viele Porträts hinterlassen. Anhand dieser Werke lässt sich nachvollziehen, wie sich das Werk des Meisters aus dem sogenannten entwickelte. blaue Periode bis zum Kubismus.




In seiner „Blauen Periode“ (1901–1904) entstehen Porträts und Genretypen, in denen er das Thema der Einsamkeit, der Trauer und des Untergangs des Menschen entwickelt, das die geistige Welt des Helden und die ihm feindselige Umwelt durchdringt. Dies ist das Porträt des Freundes des Künstlers, des Dichters X. Sabartes (1901, Moskau, Puschkin-Museum).





P. Picasso. „Porträt von Vollard“, um 1900. 1909, Puschkin-Museum, Moskau


(Ein Beispiel für „analytischen“ Kubismus: Ein Objekt wird in kleine, klar voneinander getrennte Teile zerkleinert, die Objektform scheint auf der Leinwand zu verschwimmen.)


In der russischen Malerei tauchte das Porträtgenre später auf als in der europäischen Malerei. Das erste Beispiel der Porträtkunst war Parsuna (vom russischen „Person“) – Werke der russischen, weißrussischen und ukrainischen Porträtmalerei, die in der Tradition der Ikonenmalerei ausgeführt wurden.
Im 18. Jahrhundert erschien ein echtes Porträt, das auf der Übertragung äußerer Ähnlichkeit beruhte. Viele in der ersten Hälfte des Jahrhunderts entstandene Porträts ähnelten in ihren künstlerischen Merkmalen noch Parsuna. Dies ist das Bild von Colonel A.P. Radishchev, Großvater des berühmten Autors des Buches „Reise von St. Petersburg nach Moskau“ A.N. Radishcheva.


D.D. Schilinski. „Porträt des Bildhauers I.S. Efimov“, 1954, Kalmückisches Heimatmuseum. Professor N.N. Palmova, Elista.



Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei leistete der talentierte Künstler der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts I.N. Nikitin zeigte mit dem Können eines Psychologen in „Porträt eines Bodenhetmans“ (1720er Jahre) ein komplexes, vielschichtiges Bild eines Mannes aus der Petruszeit.




Die Malerei der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ist mit den Namen so berühmter Porträtmaler wie F.S. Rokotov, der viele inspirierte Bilder seiner Zeitgenossen schuf (Porträt von V.I. Maykov, ca. 1765), D.G. Levitsky, der Autor wunderschöner Zeremonien- und Kammerporträts, die die Integrität des Charakters der Modelle vermitteln (Porträts von Studenten des Smolny-Instituts, ca. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dessen erstaunlich lyrische Frauenporträts den Betrachter noch immer begeistern.




Borovikovsky, Vladimir Lukich: Porträt von Elena Alexandrovna Naryshkina.



Wie in der europäischen Kunst ist die Hauptfigur in der russischen Porträtmalerei der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ein romantischer Held, eine außergewöhnliche Persönlichkeit mit vielschichtigem Charakter. Verträumtheit und zugleich heroisches Pathos sind charakteristisch für das Bild des Husaren E.V. Davydov (O.A. Kiprensky, 1809). Viele Künstler schaffen wunderbare Selbstporträts, erfüllt vom romantischen Glauben an den Menschen, an seine Fähigkeit, Schönheit zu schaffen („Selbstporträt mit einem Album in seinen Händen“ von O.A. Kiprensky; Selbstporträt von Karl Bryullov, 1848).





Die 1860er und 1870er Jahre waren die Zeit der Herausbildung des Realismus in der russischen Malerei, die sich am deutlichsten im Werk der Wanderkünstler manifestierte. In dieser Zeit erfreute sich im Porträtgenre das Typusporträt, bei dem das Modell nicht nur eine psychologische Beurteilung erhielt, sondern auch unter dem Gesichtspunkt seines Platzes in der Gesellschaft betrachtet wurde, in der demokratisch gesinnten Öffentlichkeit großen Erfolg. In solchen Werken achteten die Autoren gleichermaßen auf die individuellen und typischen Merkmale der Dargestellten.
Ein Beispiel für diese Art von Porträt wurde 1867 vom Künstler N.N. gemalt. Ge-Porträt von A.I. Herzen. Wenn man sich die Fotografien des demokratischen Schriftstellers ansieht, kann man verstehen, wie genau der Meister die äußere Ähnlichkeit eingefangen hat. Aber der Maler hörte hier nicht auf; er hielt das spirituelle Leben eines Einzelnen auf der Leinwand fest, der durch Kampf Glück für sein Volk erreichen wollte. Im Bild von Herzen zeigte Ge den kollektiven Typus der besten Menschen seiner Zeit.




N.N. Ge-Porträt von A.I. Herzen

Ges Traditionen der Porträtmalerei wurden von Meistern wie V.G. Perov (Porträt von F.M. Dostoevsky, 1872), I.N. Kramskoy (Porträt von L. N. Tolstoi, 1873). Diese Künstler schufen eine ganze Galerie mit Bildern ihrer herausragenden Zeitgenossen.
Wundervolle Porträts wurden von I.E. gemalt. Repin, der es geschafft hat, die einzigartige Individualität jedes Menschen sehr genau zu vermitteln. Mithilfe korrekt notierter Gesten, Posen und Mimik vermittelt der Meister soziale und spirituelle Charakteristika der Dargestellten. Auf dem 1881 von Repin geschaffenen Porträt von N. I. erscheint eine bedeutende und willensstarke Person. Pirogow. Der Betrachter erkennt das tiefe künstlerische Talent und die Leidenschaft der Natur in seinem Gemälde mit der Darstellung der Schauspielerin P.A. Strepetow (1882).




Porträt der Schauspielerin Pelageya Antipovna Strepetova in der Rolle der Elisabeth. 1881



Während der Sowjetzeit wurde das realistische Porträt in den Werken von Künstlern wie G.G. weiterentwickelt. Ryazhsky („Vorsitzende“, 1928), M.V. Nesterov („Porträt des Akademikers I.P. Pavlov“, 1935). Typische Merkmale des Volkscharakters spiegeln sich in zahlreichen Bauernbildern des Künstlers A.A. wider. Plastov („Porträt eines Försters Pjotr ​​Tonschin“, 1958).
Akute psychologische Merkmale ihrer Modelle werden von so berühmten Porträtmalern wie P.D. angegeben. Korin („Porträt des Bildhauers S.T. Konenkov“, 1947), T.T. Salakhov („Komponist Kara Karaev, 1960“), D.I. Zhilinsky („Porträt des Bildhauers I.S. Efimov“, 1954) und viele andere.
Derzeit arbeiten Künstler wie N. Safronov, der viele malerische Bilder berühmter Politiker, Schauspieler und Musiker I.S. aufführte, erfolgreich im Porträtgenre. Glasunow, der eine ganze Galerie mit Porträts berühmter Persönlichkeiten aus Wissenschaft und Kultur geschaffen hat.






Glasunow_ Porträt von Ilya Reznik, 1999



A.M. leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei. Shilov („Porträt des Akademikers I.L. Knunyants“, 1974; „Porträt von Olya“, 1974).





BIN. Schilow. „Porträt von Olya“, 1974



Materialien, die bei der Vorbereitung des Materials verwendet wurden

Malerei ist eine der häufigsten Kunstformen, mit deren Hilfe Künstler dem Betrachter ihre Vision der Welt vermitteln.

Somit ist die Malerei eine eigenständige und sehr beliebte Form der bildenden Kunst, bei der der Meister durch das Auftragen von Farben auf die Bildoberfläche visuelle Bilder vermittelt.


I. I. Shishkin. Landschaft „Ship Grove“ (1898).

Alle heute existierenden Gemälde lassen sich in mehrere separate Genres einteilen, die ihre eigenen Charakteristika in Thematik und Bildtechnik aufweisen. Betrachten wir die wichtigsten, um eine richtige Vorstellung von der Struktur von Gemälden zu bekommen.

Unter den modernen Genres der Malerei können wir also Folgendes nennen:

  • Porträt
  • Landschaft
  • Yachthafen
  • Historienmalerei
  • Schlachtenmalerei
  • Stillleben
  • Genremalerei
  • Architekturmalerei
  • Religiöse Malerei
  • Tiermalerei
  • Dekorative Malerei

Schematisch sieht die Einteilung der Malereigattungen wie folgt aus:


Porträt

Viele von uns kennen das Genre der Malerei, das als Porträtmalerei bekannt ist. Dabei handelt es sich um eine der ältesten Formen der Feinmalerei, die auch in der Bildhauerei und Grafik zu finden ist. Früher gab es keine Fotografien, daher hielt es jeder reiche oder berühmte Mensch für notwendig, sein Gesicht und seine Figur für die Nachwelt zu verewigen – und dabei kamen ihm Porträtkünstler zu Hilfe.

Darüber hinaus kann das Porträt sowohl reale Menschen als auch literarische oder mythische Helden darstellen. Darüber hinaus kann sowohl ein Porträt einer Person, die in vergangenen Zeiten gelebt hat, als auch eines unserer heutigen Zeitgenossen erstellt werden.

Das Genre des Porträts hat keine klaren Grenzen, daher kann ein Porträt in einem Werk mit Elementen anderer Genres der Malerei kombiniert werden – Landschaft, Stillleben usw.

Arten von Porträts

Zu den häufigsten Arten der Porträtmalerei gehören:

  • Historisches Porträt
  • Retrospektives Porträt
  • Porträt - Malerei
  • Typisches Porträt
  • Selbstporträt
  • Spenderporträt
  • Zeremonielles Porträt
  • Halbgekleidetes Porträt
  • Kammerporträt
  • Intimes Porträt
  • Kleinformatiges Porträt
  • Porträt - Miniatur

Jede Art von Porträtmalerei hat ihre eigenen charakteristischen Merkmale und Unterschiede in der Ausführungstechnik. Schauen wir sie uns genauer an.

  • Historisches Porträt- enthält ein Bild einer historischen Persönlichkeit, einer politischen Persönlichkeit oder einer kreativen Person. Ein solches Porträt kann aus den Erinnerungen von Zeitgenossen entstehen oder in der Fantasie des Malers entstehen.
A. M. Matveev. Porträt von Peter dem Großen (1724 - 1725). Öl auf Leinwand.
  • Retrospektives Porträt- ein posthumes Bild einer Person, die in der Vergangenheit gelebt hat, das nach Beschreibungen von Augenzeugen oder aus einem Lebensbild erstellt wurde. Es kann jedoch auch Fälle geben, in denen das Porträt vollständig vom Meister komponiert wurde.
Vladislav Rozhnev „Frauenporträt“ (1973). Öl auf Leinwand.
  • Malerei - Porträt- Eine Person wird in einer Handlungsbeziehung mit der umgebenden Welt, der Natur, vor dem Hintergrund architektonischer Gebäude oder den Aktivitäten anderer Menschen dargestellt. In der Porträtmalerei sind die Verwischung der Grenzen und die Kombination verschiedener Genres – Landschafts-, Historien- und Schlachtenmalerei usw. – am deutlichsten sichtbar.
Boris Kustodijew. Das Gemälde ist ein Porträt von F. I. Schaljapin (1922). Öl auf Leinwand.
  • Typisches Porträt- Künstler - Maler stellt ein kollektives Bild dar, das sich aus den charakteristischen Merkmalen des Aussehens vieler Menschen zusammensetzt, die durch gemeinsame Vorstellungen, Arten von Aktivitäten, sozialen Status oder Lebensstil verbunden sind.
F. V. Sychkov „Porträt einer Bäuerin“.
  • Porträt im Kostüm- Die dargestellte Person wird dem Betrachter in Form einer literarischen oder theatralischen Figur, einer historischen Figur oder eines mythologischen Helden präsentiert. Solche Porträts sind für die Untersuchung von Kostümen aus anderen Epochen von besonderem Interesse.
  • Selbstporträt- eine besondere Art der Porträtmalerei, in der der Künstler sich selbst darstellt. Das heißt, er möchte dem Publikum sein inneres Wesen vermitteln und vermitteln.
  • Spenderporträt- eine der veralteten Formen der Porträtmalerei. Ein solches Gemälde mit religiösem Thema zeigte eine Person, die große Spenden an die Kirche leistete. Er erschien vor dem Publikum, umgeben von Heiligen, neben der Madonna oder auf einer der Türen des Altars, kniend. Wohlhabende Menschen sahen damals eine besondere Bedeutung in der Anfertigung eines Stifterporträts, da solche Gemälde stets positiv wahrgenommen und gleichberechtigt verehrt wurden.

Pinturicchio. „Auferstehung Christi“ mit kniendem Papst Alexander VI.

Nach Art und Art der Darstellung Menschliche Figuren, alle Porträts sind in folgende Typen unterteilt:

  • Zeremonielles Porträt- zeigt einen Mann im Stehen in voller Körpergröße. Gleichzeitig sind alle Details des Aussehens und der Figur sehr klar ausgeschrieben.
  • Halbgekleidetes Porträt- Eine Person wird von der Taille aufwärts bis zu den Knien oder in sitzender Position dargestellt, wenn der untere Teil der Beine nicht sichtbar ist. Bei einer solchen Porträtarbeit spielt die Darstellung der Umgebung oder der Accessoires eine große Rolle.
Rokotov F. S. „Krönungsporträt von Katharina II.“ (1763).
  • Kammerporträt- Die menschliche Figur wird auf einem neutralen Hintergrund dargestellt und es wird eine verkürzte Version des Bildes der menschlichen Figur verwendet – bis zur Taille, bis zur Brust oder sogar bis zur Schulterhöhe. In diesem Fall zeichnet der Meister die Gesichtszüge der Person besonders deutlich und sorgfältig nach.
  • Intimes Porträt- wird äußerst selten verwendet und stellt aufgrund seiner Ausführung auf neutralem Hintergrund eine der Spielarten intimer Porträts dar. Die Grundlage für die Erstellung eines intimen Porträts sind die tiefen Gefühle des Künstlers für die abgebildete Person oder eine vertrauensvolle Beziehung zwischen ihnen.

Edouard Manet „Mädchen in spanischer Tracht“ (1862 - 1863).
  • Kleinformatiges Porträt- ein kleines Gemälde. normalerweise mit Tinte, Bleistift, Pastell oder Wasserfarben.
  • Porträt - Miniatur- eine der bekanntesten und technisch komplexesten Arten der Porträtmalerei. Die Miniatur zeichnet sich durch ein kleines Bildformat (von 1,5 bis 20 cm) sowie eine außergewöhnliche Feinheit der Schrift und eine sorgfältige, fast schmuckartige Zeichnung aller Linien aus. Miniaturporträts wurden in Medaillons eingefügt und zur Verzierung von Uhren, Armbändern, Broschen, Ringen und Schnupftabakdosen verwendet.

Jacques Augustine „Die Bacchantin“ – Miniaturporträt (1799). Knochen, Aquarell, Gouache. Größe 8 cm (Kreis).

Landschaft

Landschaft ist ein eigenständiges Genre der Malerei, dessen Hauptgegenstand die Natur in ihrer ursprünglichen oder im Laufe der menschlichen Tätigkeit leicht veränderten Form ist.


Konstantin Kryzhitsky „Straße“ (1899).

Das Genre der Landschaftsmalerei ist seit der Antike bekannt. Im Mittelalter verlor es jedoch etwas an Bedeutung. Doch bereits in der Renaissance erlebte die Landschaft eine Wiederbelebung und erlangte die Bedeutung einer der wichtigsten Gattungen der Bildkunst.


Jean - Francois Millet „Frühling“.

Yachthafen

Marina (vom lateinischen Wort „marinus“ – „Meer“) ist eine besondere Gattung der Malerei, in der alle dargestellten Ereignisse, Arten menschlicher Aktivitäten und Naturbilder dem Meer gewidmet sind. Oftmals zeigen die Leinwände Meereslandschaften zu unterschiedlichen Jahreszeiten und unter unterschiedlichen Lichtverhältnissen.


I.K. Aivazovsky „Die neunte Welle“ (1850).

Künstler, die das Meer in seinen verschiedenen Erscheinungsformen malen, werden „Marinemaler“ genannt. Einer der berühmtesten Marinemaler ist Ivan Aivazovsky, der über 6.000 Gemälde zu Meeresthemen schuf.


Ivan Aivazovsky „Regenbogen“ (1873).

Historienmalerei

Das Genre der Historienmalerei entstand in der Renaissance, als Künstler versuchten, in ihren Gemälden Szenen aus dem Leben der Gesellschaft in verschiedenen Epochen der Geschichte widerzuspiegeln.

Historische Gemälde könnten jedoch nicht nur Bilder aus dem Leben realer Menschen darstellen, sondern auch mythologische Themen sowie illustrierte Neuinterpretationen biblischer und evangelischer Geschichten.


Domenico Beccafumi „Die Mäßigkeit des Scilio Africanus“ (um 1525).

Die historische Malerei dient der Darstellung vergangener Ereignisse, die für ein bestimmtes Volk oder die gesamte Menschheit von größter Bedeutung sind.


Francisco Pradilla „Taufe von Prinz Juan, Sohn von Ferdinand und Isabella“ (1910).

Schlachtenmalerei

Eine der Spielarten des historischen Genres ist die Schlachtenmalerei, deren Bilder sich hauptsächlich militärischen Ereignissen, berühmten Land- und Seeschlachten sowie Feldzügen widmen. Das Kampfgenre umfasst die Geschichte militärischer Zusammenstöße in der gesamten Geschichte der menschlichen Zivilisation.

Gleichzeitig zeichnen sich Schlachtengemälde durch eine große Anzahl und Vielfalt der dargestellten Figuren sowie durch recht genaue Darstellungen des Geländes und der Besonderheiten einer bestimmten Region aus.


Francois Edouard Picot „Die Belagerung von Calais“ (1838).

Der Schlachtenmaler steht vor mehreren schwierigen Aufgaben:

  1. Zeigen Sie den Heldenmut des Krieges und das Verhalten der mutigsten Krieger.
  2. Erfassen Sie einen besonders wichtigen oder Wendepunkt in einer Schlacht.
  3. Entdecken Sie in Ihrer Arbeit die volle historische Bedeutung militärischer Ereignisse.
  4. Bringen Sie das Verhalten und die Erfahrungen jedes einzelnen Teilnehmers der Schlacht – sowohl berühmter Kommandeure als auch gewöhnlicher Soldaten – präzise und klar zum Ausdruck.

Jean-Baptiste Debray » Napoleon spricht am 20. April 1809 in Abensberg zu den bayerischen Truppen.

Es ist zu beachten, dass das Genre der Schlachtenmalerei als eines der schwierigsten gilt, weshalb solche Gemälde von Meistern über einen langen Zeitraum – manchmal zehn Jahre – geschaffen werden. Der Künstler muss nicht nur über ausgezeichnete Kenntnisse der detaillierten Geschichte der dargestellten Schlacht verfügen, sondern auch in der Lage sein, mehrfigurige Leinwände mit einer Vielzahl von Hilfsdetails zu erstellen. Dazu gehören Bilder der Natur, Elemente der Architektur sowie Bilder von Waffen oder militärischen Vorrichtungen. Daher nimmt das Kampfgenre einen besonderen Platz ein und steht getrennt von der historischen Malerei.


Stillleben

Stillleben ist die Schaffung von Kompositionen aus unbelebten Objekten in verschiedenen Kombinationen auf Leinwand. Am beliebtesten sind Bilder von Gerichten, Blumentöpfen mit Blumensträußen und Früchten auf einer Platte.


Cezanne „Die Ecke des Tisches“ (1895 - 1900).

Das Thema der Bilder im Genre des Stilllebens entstand zunächst an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert, die endgültige Herausbildung des Genres in eine eigene Richtung der Malerei erfolgte jedoch im 17. Jahrhundert. Die ersten Schöpfer von Stillleben waren niederländische und flämische Künstler. Später nahm das Stillleben einen wichtigen Platz im Werk russischer Künstler ein.


Die Bildthemen in Stillleben können sehr reichhaltig und vielfältig sein und beschränken sich nicht ausschließlich auf Alltagsgegenstände. Das können Bücher, Zeitschriften und Zeitungen, Flaschen, Figuren, ein Globus und viele andere Gegenstände sein.


David Teniers der Jüngere. Stillleben (1645 - 1650).

Der Grundgedanke von Kompositionen im Vanitas-Genre ist die Idee der Endlichkeit des irdischen Daseins und der Demut vor der Unvermeidlichkeit des Übergangs in eine andere Welt. Stillleben mit einem Totenkopf im Zentrum der Komposition erlangten im 16.-17. Jahrhundert in Flandern und den Niederlanden die größte Popularität. Wenig später begannen französische und spanische Künstler Kontakt zu ihm aufzunehmen.


Peter Claes „Stillleben mit Totenkopf“.

Genremalerei

In der bildenden Kunst gilt die Genremalerei als Teil des alltäglichen Genres. Seit der Antike haben Künstler Szenen aus dem Alltag der einfachen Leute dargestellt – Bauern, Handwerker, Händler sowie Diener adliger Höflinge bei der Arbeit oder im Alltag ihrer Familien.

Gabriel Metsu „Der Vogelverkäufer“ (1662).

Die ersten Beispiele für Genrebilder im modernen Sinne tauchten im Mittelalter auf und erfreuten sich in der Folge großer Beliebtheit. Die Themen der Genrebilder zeichnen sich durch eine beneidenswerte Vielfalt aus, die das Interesse des Betrachters weckt.


Bernardo Strozzi „Der Koch“ (1625).

Architekturmalerei

Architekturmalerei ist ein besonderes Bildgenre, dessen Gegenstand sich der Darstellung von Gebäuden, Bauwerken und verschiedenen Baudenkmälern sowie den interessantesten Lösungen im historischen Aspekt widmet. Damit ist das Bild der Innenarchitektur von Palästen, Theater- und Konzertsälen usw. gemeint.

Dank solcher Gemälde hat der Betrachter die Möglichkeit, Baudenkmäler in ihrer ursprünglichen Form durch die Augen des Künstlers persönlich zu sehen. Werke der Architekturmalerei helfen auch bei der Erforschung der Architekturlandschaft vergangener Städte.


Louis Daguerre „Nebel und Schnee sichtbar durch eine zerstörte gotische Kolonnade“ (1826).

Tiermalerei

Das animalische Genre ist ein eigenständiges Genre der Malerei, das sich hauptsächlich auf die Darstellung der Tierwelt unseres Planeten spezialisiert hat. In Gemälden dieses Genres können wir Tiere, Vögel, Fische sowie Vertreter vieler anderer Arten in ihrem natürlichen Lebensraum sehen.


George Stubbs „Der schlafende Leopard“ (1777).

Dies bedeutet jedoch nicht, dass das Thema des Tiergenres nur wilde Tiere sind. Im Gegenteil, Künstler malen sehr oft Gemälde, die Haustieren gewidmet sind – Katzen, Hunden, Pferden und so weiter.


Dekorative Malerei

Das Genre der dekorativen Malerei kann in mehrere Typen unterteilt werden, von denen jeder seine eigenen Unterschiede aufweist:

  • Monumentale Malerei
  • Theaterlandschaftsmalerei
  • Dekorative Malerei

Die Vielfalt des dekorativen Genres erklärt sich aus der Tatsache, dass Künstler zu allen Zeiten versuchten, jedes Objekt in der umgebenden Welt zu dekorieren.

  • Monumentale Malerei- eine Gattung monumentaler Kunst, deren Werke recht großformatig sind und als dekorative Dekoration für Gebäude und Bauwerke weltlicher und religiöser Natur für verschiedene Zwecke (einschließlich Kirchen, Bürogebäude und Kulturgebäude, Baudenkmäler usw.) verwendet werden Wohngebäude).

  • Theaterkulisse- Dies ist eine sehr beliebte Art von dekorativem Genre, das die Erstellung von Bühnen- und Kostümskizzen für Charaktere in Theaterproduktionen und Filmfiguren sowie Skizzen einzelner Inszenierungen umfasst. Dekorateure im Theater und am Filmset schaffen mitunter wahre Meisterwerke, die später zu den besten Theater- und Filmsets zählen.

  • Dekorative Malerei- Stellt Handlungskompositionen oder ornamentale Dekorationen dar, die an verschiedenen Teilen von Gebäuden und Bauwerken sowie an Beispielen dekorativer und angewandter Kunst geschaffen wurden, die ihren Ursprung im Volkskunsthandwerk haben. Die wichtigsten Arten bemalter Gegenstände waren Geschirr, Haushaltsgegenstände, Möbel usw.