Tivadar Kostka se narodil 5. července 1853 v horské vesnici Kisseben, která patřila Rakousku (dnes Sabinov, Slovensko) - maďarský samouk.
Jeho otec Lasli Kostka byl lékař a lékárník. Budoucí umělec Od dětství jsem věděl, že se stanu lékárníkem. Než se jím stal, ale vystřídal mnoho profesí — pracoval jako obchodní referent, nějaký čas chodil na přednášky na právnické fakultě a teprve poté studoval farmakologii.
Jednoho dne, když už mu bylo 28 let, v lékárně popadl tužku a nakreslil na recepturu jednoduchou scénu, kterou viděl z okna - projíždějící vozík tažený buvoly.Od té doby, nebo ještě dříve, pevně zamýšlel stát se umělcem, snažil se k tomu dát dohromady malý kapitál, který mu zajistil finanční nezávislost.
"Starý rybář"
Napsal o sobě toto: „Já, Tivadar Kostka, jsem se ve jménu obnovy světa zřekl svého mládí. Když jsem přijal zasvěcení od neviditelného ducha, byl jsem v bezpečné pozici, žil jsem v blahobytu a pohodlí. Ale opustil jsem svou vlast, protože jsem ji chtěl na konci svého života vidět bohatou a slavnou. Abych toho dosáhl, hodně jsem cestoval po Evropě, Asii a Africe. Chtěl jsem najít pravdu, která mi byla předpovězena, a proměnit ji v malbu.“
Zdá se, že myšlenka stát se umělcem Tivadara Kostku vytrvale pronásledovala.
Jednoho krásného dne jede do Říma, pak do Paříže, kde se setkává se slavným maďarským umělcem Mihalym Munkacsim.
A pak se vrací do vlasti a čtrnáct let pracuje v lékárně a snaží se dosáhnout finanční nezávislosti. Konečně se nashromáždil malý kapitál a jednoho krásného dne pronajme lékárnu a odjede studovat nejprve do Mnichova a poté do Paříže.
Následuje princip, který je nám tak známý při konstruování osudu neznámého génia.
Uvědomil si, že dovednosti, které získá během studia, neodpovídají jeho vnímání. Studia proto zanechal a v roce 1895 se vydal na cestu do Itálie, aby maloval krajiny. Také cestoval po Řecku, Severní Afrika a na Středním východě.
V roce 1900 si změnil příjmení Kostka na pseudonym Chontvari.
Hodnota jeho děl byla zpochybňována mnoha kritiky. Byly vystaveny v Evropě (i když bez většího úspěchu), ale v rodném Maďarsku byli Csontvary jednou provždy označeni za šílence. Až na sklonku života přijel do Budapešti a přivezl tam své obrazy. Snažil jsem se je odkázat místnímu muzeu, ale nikdo je nepotřeboval. V roce 1919 se Tivadar Kostka Chontvari skutečně zbláznil a zemřel chudý, osamělý, vysmívaný a nikomu k ničemu.
Po pohřbu nešťastníka začali příbuzní rozdělovat majetek. Ale vše, co bylo dobré, byly obrázky. A tak se po poradě s „odborníky“ rozhodli plátna sešrotovat jako obyčejné plátno a peníze si mezi sebou rozdělit, aby bylo vše fér.
V této době náhodou nebo vůbec ne náhodou (ovšem zvláštní náhoda!) prošel kolem mladý architekt Gedeon Gerlotsi. Byl to on, kdo zachránil umělcovy výtvory a zaplatil za ně o něco více, než nabízel obchodník s nevyžádaným zbožím. Nyní jsou obrazy Tivadara Csontvaryho uloženy v muzeu města Pecs (Maďarsko).
A právě nedávno jednoho ze zaměstnanců muzea při pohledu na Kostkův obraz „Starý rybář“ namalovaný v roce 1902 napadlo umístit na něj zrcadlo. A pak viděl, že na plátně není jeden obraz, ale minimálně dva! Zkuste si plátno sami rozdělit zrcadlem a uvidíte buď boha sedícího v lodi na pozadí poklidné, dalo by se říci nebeské krajiny, nebo samotného ďábla, za kterým zuří černé vlny. Nebo možná v jiných filmech Chontvari, tam je skrytý význam? Ostatně se ukazuje, že bývalý lékárník z vesnice Iglo to tak jednoduché neměl.
V tomto, předchozím a následujících příspěvcích používám materiál z knihy Willa Gompertze „Nepochopitelné umění“, série přednášek v Garage Museum od Iriny Kulik, přednášky Dmitrije Gutova, kniha Susie Hodge „Modern Art in Detail“, dokumentární filmy BBC atd.
PRIMITIVISMUS, FAUVISMUS
V předchozím příspěvku jsem mluvil o kubismu Picassa a Braquea. Jedním z Picassových zdrojů inspirace byla výstava africké umění. Jednoduchost a zároveň primitivní síla a majestátnost dřevěných masek umělce ohromila. A nejen on.
Ve skutečnosti se touha po této jednoduchosti táhne jako červená nit celou historií. současné umění. Na jedné straně se umělci snažili kopírovat styl práce primitivních kmenů Afriky, Austrálie a Jižní Amerika, a na druhé straně - dětské kresby.
Obecně platí, že radostné očekávání změn spojené s rychlým rozvojem průmyslu ve Francii rychle vystřídala únava z tempa, které život nabyl.
Již na konci 19. století se rozšířilo hnutí „návratu k původu“.
V malbě, jak jsem již psal dříve, to byl Gauguin se svými „tahitskými“ tématy, plochými obrazy a bohatou symbolikou.
Paul Gauguin, Staré časy, 1892
Hnutí za zjednodušení umění mělo různé podoby. Například díla slavného rakouského malíře a hlavního účastníka vídeňské secese Gustava Klimta (1862-1918) jsou mnohem rafinovanější a dekorativnější než díla Gauguina. Klimt miloval zdobení, bronzové a zlaté barvy a bohatě zdobené oblečení. Se stejnou jednoduchostí linie a dvourozměrností obrazu je Klimtův primitivismus luxusní.
Gustav Klimt, Očekávání, 1909
Gustav Klimt, Jabloň, 1912
Gustav Klimt, Dívka s vějířem, 1918
Ti, kteří jsou považováni za zakladatele primitivismu 20. století, však žili ve Francii. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () a Henri Derain (1880-1954) také obdivovali africké umění. Kromě toho sdíleli vášeň pro syté barvy, jako v dílech Van Gogha. S Holanďanem je spojovalo i přesvědčení, že emoce na obrázku jsou důležitější než zobrazovaný předmět.
Spojením jednoduchosti domorodého umění s bohatými, čistými barvami vytvořili neuvěřitelně živé a veselé dílo. V nich se barva používá jako způsob, jak vyjádřit emoce, a ne k popisu skutečného předmětu.
Maurice de Vlaminck, Orchard, 1905
Maurice de Vlaminck, Most v Chatou, 1907
André Deurin, Estac, 1905
André Deurin, Charing Cross Bridge, 1906
Henri Matisse, Červená cibule, 1906
Henri Matisse, Harmony in Red, 1908
„Přeložil jsem do jazyka barev to, co jsem viděl, instinktivně bez jakékoli metody, jak říct pravdu, ne jako umělec, ale jako člověk, který se mačká až do konce, rozbíjí trubice akvamarínu a rumělky“ – tak popisuje Maurice de Vlaminck. jeho dílo z té doby. Ve skutečnosti je to barva, která se brzy stane vizitka toto trio umělců. Rozhodli se vystavovat na Salonu 1905. Jako obvykle byla kritika prudká. Louis Vassel (vlivný kritik té doby) vtipkoval, že obrazy malovala „divoká zvířata“ (francouzsky les fauves).
A přestože ani Matisse, ani Vlaminck, ani Doren neměli v úmyslu se svázat v rámci jakéhokoli směru, to slovo se jim líbilo.
Fauvismus byl doslova a do písmene jasným zábleskem na obzoru umění. Ve skutečnosti tato myšlenka použití velkých ploch neředěné barvy orámovaných jednoduchou formou získala své logické pokračování v dílech mnoha umělců 20.
Friedensreich Hundertwasser, Cesta k vám, 1966
Roy Lichtenstein, Zátiší s křišťálovou vázou, 1973
Wilem de Kooning, Bez názvu 5, 1983
V roce 1905 se však veřejnost ještě nevzpamatovala z neoimpressinistů a tehdy dorazil Matisse se svou slavnou „Ženou s kloboukem“.
Henri Matisse, Žena s kloboukem, 1905
Nevím, zda v tu chvíli byla madame Matisse ráda, že se provdala za umělce, protože portrét se ukázal jako kontroverzní. Žlutozelený obličej zredukovaný na pár jednoduchých tahů a oranžové nádechy vlasů nebudou po chuti každému. Oslovila však sběratele a mecenáše současných umělců Lea Steina. Koupil „Žena s kloboukem“ a o necelý rok později získal „Radost ze života“, další slavný obraz z Matissova fauvistického období.
Henri Matisse, "Radost života", 1906
Matisse, inspirovaný pastoračními výjevy, maloval skupiny lidí oddávajících se různým potěšením: hudbě, tanci, lásce. A hlavní postavou je opět barva. Lidské postavy jsou malovány nedbale a dvourozměrně, i když samotná kompozice je postavena úhledně a harmonicky.
Samotný děj není tak nový jako styl psaní.
Agostino Caracci, Vzájemná láska, 1602
Kontrast mezi těmito dvěma díly prozrazuje, jak moc se umělcovo vnímání změnilo. Zdá se, že Matisse si hraje a flirtuje s divákem. Jeho radost ze života není ani tak v zápletce, jako v samotném obrazu: linie, barva.
Matisse, jak sám přiznal, snil o tom, že umění bude jako „dobré křeslo pro relaxaci“. I když byl fauvismus minulostí, umělec pokračoval v práci na stejném principu. Mimochodem, jeho múzou, přítelkyní a společnicí byla dívka z Tomska - Lydia Deliktorskaya, která s ním zůstala až do konce jeho života a poté mu darovala několik pláten (které jí Matisse nechala pro její pohodlné stáří) Puškinovo muzeum a Ermitáž.
Půjdu trochu stranou: nedávno jsem četl kritiku umění počátku 20. století, kvůli které jsem se na Matisseovy obrazy díval trochu jinak. Kromě průlomů v technických oborech tato doba stagnovala i v sociální vztahy. Obvyklé formy života se značně opotřebovaly. Z obrazu dobře živeného měšťáka ve fraku, který byl hlavním zákazníkem, se umělci dělalo špatně.
Hlavním hnacím motorem se stala touha se zlomit. Tento princip samozřejmě nejjasněji ztělesňovali kubisté, kteří doslova drolili známý vzhled věcí.
Jiní umělci, kteří zachytili dění jako blána, ale svou nespokojenost odráželi v malbě. Změnili vše, co bylo běžnému člověku známé, zničili buržoazní svět na svém plátně. Umělec chtě nechtě protestoval proti zastaralým konvencím. Možná kontrasty Fauveů nejsou výpovědí o radosti z bytí, ale podobnou výzvou realitě?
Odtud zelené tváře žen, nedbalý/konvenční design. Z tohoto pohledu je Matissův obraz „Radost ze života“ spíše ironií či satirou hédonismu evropské buržoazie, jejíž veškeré potěšení ze života spočívá v tělesná láska, písně a tance. Takový bonbónový svět s figurkami připomínajícími pouťové bonbóny. Ale tento pohled není příliš populární. Přesto je Matisseovo dílo častěji interpretováno jako vyjádření radosti a jasu života.
Umění jako potěcha pro oči i srdce je princip, který byl blízký nejen Matissovi. A pokud se musel snažit kreslit dětsky snadno, pak to udělal Henri Rousseau (1844-1910), protože prostě neuměl jinak.
Henri Rousseau, Autoportrét, 1890
Henri Rousseau - celník, negramotný člověk, který se rozhodl začít malovat ve věku 40 let, aniž by získal jakékoli vzdělání nebo školení. Domácí, ne fanoušek bohémských večírků a daleko od umělecké komunity, se stal jedním z nej slavných umělců primitivistický styl. Rousseau byl prostoduchý a naivní, možná proto mají jeho díla jednoduchost dětských kreseb. Veřejnost a kritici se samozřejmě umělci zpočátku smáli.
Henri Rousseau, Karnevalová noc, 1886
Kouzlo jednoduchosti a dětinskosti se tehdy divákovi zdálo jako banální neschopnost kreslit, nic víc. Rousseauův nedostatek techniky je však více než kompenzován jasností, která je opět charakteristická pro japonské rytiny. Aspirujícímu umělci velmi pomohla jeho absolutní imunita vůči kritice, která mu umožnila pokračovat v tom, co miloval.
Henri Rousseau
Je jasné, že jeho díla nelze z hlediska provedení srovnávat s mistry minulosti ani talentovanými současníky. Rousseau vzal další. Jeho jednoduché zápletky fascinovaly mnohé z tehdejšího uměleckého světa. Mezi obdivovatele byl například Picasso, který vlastní slavná věta: "Umím kreslit jako Raphael, ale bude mi trvat celý život, než se naučím kreslit jako dítě." Rousseau byl ten, kdo toho dosáhl. Picasso dokonce koupil jeho obraz „Portrét dámy“, který ho podle Španěla prostě fascinoval.
Henri Rousseau, Portrét ženy, 1895
Rousseauova díla takříkajíc už mají jednu nohu v surrealismu. Opravdu fascinují ani ne tak svou neumělostí, ale svým podtextem, nejednoznačností a alegorickou povahou. Je to jako v těch chvílích v hororových filmech, kdy se houpačky na prázdném hřišti trochu houpou, jakoby od větru... Nebo ne? Tuto otázku nechává Rousseau na divákovi.
Rousseauův způsob obdivoval nejen Pablo Picasso. Mezi jeho příznivce patřil i rumunský sochař Constantin Brancusi (Brancusi), na rozdíl od Rousseaua jej však pařížská umělecká komunita přijala s nadšením. Brancusi si vybral roli obyčejného umělce: husté vousy, dřeváky a plátěná košile. Vhodné byly materiály, se kterými sochař pracoval – dřevo a kámen. Mramor na mistra nijak zvlášť nezapůsobil.
Brancusi byl nějakou dobu učedníkem v Rodinově dílně, ale jejich přístupy k práci se ukázaly být úplně jiné.
Auguste Rodin, Polibek, 1886
Constantin Brancusi, Polibek, 1912
Obrázky mluví hlasitěji než jakékoli vysvětlení. Brancusi věřil, že v sochařství se lze obejít bez předběžného modelování a pracovat přímo s materiálem. Snažil se co nejvíce zachovat původní tvar skály a ponechat její texturu. Žádné romantické zvraty, jednoduché linie, ne dekorativní prvky.. Brancusiho sochy mám rád právě pro jejich jednoduchost a originalitu provedení. Na začátku 20. století to byla další výzva k tradici.
Po něm následovali další primitivní sochaři: Modigliani (zkoušel se i v sochařství a docela úspěšně), Giacometti, Hepworth...
Amadeo Modigliani, vedoucí, 1910
Giacometti, Walking Man 1, 1960
Barbara Hepworth, Single Form, 1964
V Rusku je to sochař Vadim Sidur. Podle mého názoru velmi cool.
Vadim Sidur
Vadim Sidur
Mimochodem, v Rusku byli jedním z prvních primitivistů v malbě Michail Larionov a Natalya Goncharova, kteří pracovali v technice „dlahy“. Jedná se o typ grafiky vyznačující se jednoduchostí a plochým designem. Gončarová se inspirovala ruskými ikonami. Ve svých dílech používala charakteristický prvek ikonografie - motory - svislé bílé čáry.
Michail Larionov, Židovská Venuše, 1912
Natalya Goncharova, Sekačky, 1911
Jak vidíme, jednoduchost, uspořádanost a struktura se staly základními pojmy a cíli umělců, počínaje postimpresionisty. Tyto zdánlivě neškodné aspirace však měly také destruktivní potenciál. Koneckonců, každá touha vměstnat svět do nějaké struktury má zadní strana- vytvoření tuhého systému. A jak ukázala praxe, pokusy podřídit vše živé subjektivní rigidní logice vedou ke smrti a zkáze. Další akce 20. století je toho jasným potvrzením.
Pokračování)
A dovětek.
Moje srdce si prostě získala úžasná Američanka - babička Mojžíšová - amatérská výtvarnice, představitelka primitivismu druhé poloviny 20. století. Dokonce mi tak nějak připomínala Holanďany s jejich útulnými každodenními scénami venkovského života. Například zde:
Babička Mojžíšová Předjaří na farmě, 1945
Pieter Bruegel starší, sčítání lidu, 1566
P.S. Děkuji všem, kteří čtou a koho to zajímá. Tento příspěvek posílám pozdě - odcházel jsem a musel jsem si dát pauzu)
Naivní umění (z latinského primitivus - první, nejstarší) -
běžné jméno neprofesionální kreativita
umělci konec XIX-XX c., nezná uměleckou gramotnost nebo manipulaci
umělců k formám t. zv. primitivní umění- primitivní, středověké,
lidové umění starých mimoevropských civilizací,
dětskou kreativitu.
Nejznámější primitivističtí umělci:
Niko Pirosmanishvili,
Ivan Generalich,
babička Mojžíšová
Maria Primachenko,
Jekatěrina Bilokurová,
Henry Darger
Nikifor Krynitsky,
Martin Ramirez,
Bunlya Sulilat,
Henri Rousseau.
Pirosmani "žirafa".
Neoprimitivismus
Zvláštnosti neoprimitivismu spočívají v záměrném zjednodušování uměleckého
prostředky a formy k dosažení co největší expresivity, využití
světlá, místní barva, zkreslený vzor, jednoduchá kompozice
atd. Neoprimitivismus přitom vychází ze zkušenosti primitivního umění
(umění archaických kultur,
lidové umění atd.).
Neoprimitivismus se promítl do tvorby téměř všech předních mistrů 20. století.
Kultura ostrovanů inspirovala P. Gauguina, sochu národů Afriky
ovlivnil kubisty aj. Zvláštní roli sehrál neoprimitivismus
při formování ruské avantgardy
Moderní primitivisté
Nikolaj Kopeikin
Antizhlobalistický umělec, odpůrce výhradně společensky užitečné funkce
umění a zvýšená komercializace v něm. Ve své práci však on
řeší aktuální problémy reality kolem sebe.
Mitki
Mitki je skupina umělců z Petrohradu, sdružující asi dvě desítky
lidí a pojmenované po jednom z nich, Dmitriji Shaginovi.
Jedinečné sociální a estetické hnutí vytvořené kolem „Mitki“,
jehož účastníci se vyjadřují výtvarné umění, próza, poezie a styl
život. Hlavními principy tohoto stylu jsou laskavost, láska k bližnímu,
soucit, extrémní jednoduchost v řeči a způsobu oblékání.
Škola Tingatinga
Obraz Tingatinga vznikl v 60. letech dvacátého století a byl pojmenován po
zakladatelem směru je Eduardo Saidi Tingatinga. Bez akademika
vzdělání, maloval domácí motivy - slunce, příroda, zvířata, ptáci,
mýty a tance - autolaky na všem, co se potkává.
Od 70. let byly výstavy školy triumfální
se konají v největších galeriích a muzeích na světě.
Podle kritiků umění v současné době dochází k posunu v kultuře
center z Evropy do Asie a Afriky se formuje stabilní směr
světová kultura - světlý příklad moderní malba, na základě
národní tradice, ale zároveň s novým jedinečným vzhledem.
Andrej Samarin
Umělec ve své tvorbě dává přednost nejstarším uměleckým formám -
a to grafika - kombinace černé a bílé. Použití tak lakomé
výrazové prostředky díky použití primitivních prostředků
- Malířské programy a počítačová myš. V každém jeho díle, provedeném s
jeho přirozený smysl pro humor, jemný vhled do podstaty tématu,
díky čemuž jsou jeho obrazy skutečně realistické. Každá postava má svůj vlastní
vlastní postava, a jeho nálada se přenáší na diváka, což je
nepopiratelnou důstojnost skutečný produkt umění.
Bez ohledu na to, jak ošklivé jsou kresby pana Samarina, konfrontují nás s nimi
integrální obrazy plné dramatu, humoru a filozofie.
Pojem „primitivismus“ v malbě není tak jednoduchý. Za prvé, historici umění se ne vždy shodují, pokud jde o dešifrování jeho významu. Vše je navíc zatíženo přítomností synonym, kterými to lze označit. Nebo synonyma vůbec – podle toho, jakého úhlu pohledu se držíte.
Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Lev a slunce
Pojďme pochopit pojmy
Koncem 19. a začátkem 20. století začali někteří progresivní evropští umělci šílet z expresivity a lakonismu artefaktů primitivních kultur. Prostá a hrubá naivita afrických rituálních masek a dřevěných figurek se jim jeví jako jednoduchá a zřejmá odpověď na hledání cest, jak překonat bezcitnost a stagnaci v akademické malbě. V té době již impresionismus ztratil svou dřívější svěžest a skandalismus, takže si nemohl dělat nárok na roli otřásání základů.
Díla primitivních kultur - předchůdců moderních primitivistických mistrovských děl - zahrnují jak prehistorické skalní malby nebo kamenné idoly, kulturní tradice moderní kmenové národy obývající Afriku, Oceánii a podobně. Africké masky jako tyto byly rozhodujícím faktorem při vzniku mnoha avantgardních hnutí na počátku 19. století.
Zdroj fotografií: newpackfon.ru
V jednom ze souřadnicových systémů se věří, že je to kreativita profesionální umělci K primitivismu patří ti, kteří mají akademické umělecké vzdělání a všechny potřebné dovednosti, ale vědomě jdou zjednodušovat stylistické a technické postupy k napodobování primitivního umění. Odkaz umělců samouků, malování obrázků neobratně, dětinsky, v tomto případě označované jako naivní umění.
V jiném vesmíru dějin umění jsou primitivismus a naivní umění úplnými synonymy a zaměnitelnými pojmy. Z tohoto pohledu je pojem „naivní umění“ jakýmsi eufemismem, potřebným pro větší eufonii, na rozdíl od pojmu „primitivismus“, který má v mnoha jazycích poněkud hanlivý význam.
Druhou verzi budeme brát jako axiom a mějme na paměti, že primitivismus, stejně jako naivní umění, jsou styly, které zahrnují tvorbu neprofesionálních umělců, jejichž velikost zakrývá nedostatek určitých dovedností, jako je schopnost správně budovat perspektivu nebo zprostředkovat šerosvit.
Pro dědictví sofistikovaných mistrů, kteří kompetentně přistupují ke stylizaci toho či onoho druhu primitivního umění (například starověké ikonomalby, etnické motivy nebo populární tisky), budeme používat termín „neoprimitivismus“. Přesně to dělali příslušníci Rusů na začátku minulého století umělecké spolky„Jack of Diamonds“ a „Oslí ocas“.
Kazimír Severinovič Malevič. Děti
1908, 30,2×23,8 cm
Natalja Sergejevna Gončarová. Bělení lnu. Z "selské série"
Avantgardní umělci jako Kazimir Malevič, Michail Larionov a Natalya Goncharova čerpali inspiraci z lidové umění, které je také klasifikováno jako primitivní umění. A termín neoprimitivismus byl poprvé použit v brožuře Alexandra Ševčenka, kterou umělec vydal v roce 1913: „Neoprimitivismus. Jeho teorie. Jeho schopnosti. Jeho úspěchy."
Pokud v západní Evropa Zatímco umělci ve svých dílech využívali naivních výtvarných technik jen částečně a na jejich základě rozvíjeli hnutí jako fauvismus, kubismus nebo expresionismus, v Rusku se pak významným hnutím stal neoprimitivismus, z něhož nakonec vyrostl a zformoval suprematismus. Proto někdy západní kritici umění používají termín neoprimitivismus specificky ve vztahu k ruským vyznavačům ideálů naivního umění, kteří je pilně prosazovali a uplatňovali v praxi.
Michail Fedorovič Larionov. Venuše a Michail
1912, 85,5×68 cm
Podle Alexandra Benoise, „Zvláštností neoprimitivismu bylo, že jeho představitelé neusilovali o stylizaci, nikoli o napodobování lidový mistr, ale k vyjádření podstatných stránek lidové estetiky. Zde je nejvíce názorný příklad se ukazuje jako dílo Larionova, který - v souladu s lidovou estetikou - klade rovnítko mezi důležité a nedůležité, vysoké a nízké, jde do extrému - pěstuje principy kresby plotu a „barákové malby““.
Zpět k základům
Cestu trním ke hvězdám primitivistů uvolnili tak uznávaní tvůrci jako Gauguin, Picasso a Matisse. Po hledání uzdravení z vážná nemoc, do kterého Gauguin zahrnul výhody civilizace, se umělec vydal na Tahiti a tam všemožně splynul s přírodou, zároveň svůj styl obohatil o zářivé barvy exotického ostrova a naivní obrazy místní kultury a další ho následovali.
Paul Gauguin. Tahitské pastorály
1898, 87,5×113,7 cm
V rozlehlé Oceánii zkoušeli štěstí i němečtí expresionisté Emil Nolde a Max Pechstein, ale jejich soudruzi Ernst Ludwig Kirchner a Erich Heckel rekonstruovali primitivní scenérie přímo ve svých dílnách. francouzští umělci Pro inspiraci jste nemuseli cestovat daleko; ani jste nemuseli opustit Paříž. Z francouzských kolonií v západní Africe přivezli obchodníci do hlavního města nejrůznější etnická řemesla, která se pak rozdávala v muzeích a malých obchůdcích.
Will Gompertz v knize „Nepochopitelné umění. Od Moneta k Banksymu“ vypráví, jak se umělec Maurice de Vlaminck nechtěně stává katalyzátorem propuknutí zájmu o primitivní umění a v důsledku toho vznik takového hnutí, jako je fauvismus. V roce 1905 viděl v pařížské kavárně tři vyřezávané africké masky. Pod vlivem výrazu „instinktivního umění“, jak to sám nazýval, koupil Vlaminck masky od majitele podniku a spěchal kořist ukázat svým uměleckým přátelům.
Henri Matisse. Žena s kloboukem
1905, 24×31 cm
Maurice de Vlaminck. Restaurace
Andre Derain. Přístav Colliour
1905, 72×91 cm
Henri Matisse a Andre Derain sdíleli Vlaminckovu fascinaci Van Goghovou expresivní paletou a Gauguinovo exotické hledání. Jeho vypočítavost byla oprávněná: jeho přátelé považovali získané artefakty za projev svobody myšlení, nezacpané materialistickými ideály civilizace, ale zachovávající si dětskou spontánnost a naivitu. Výsledkem setkání tří umělců byl závěr, že barva a emoce na plátně mají dominantní význam, na rozdíl od realističnosti a autenticity obrazu.
Díky tomu se zrodily obrazy, ve kterých se snažili co nejvíce oživit své nové umělecké principy. Plátna obarvená kombinacemi čistých, nemíchaných barev, nanášených ostrými, samostatnými tahy, na tehdejší dobu šílenými, byla tak provokativní, že organizátoři Salonu z roku 1905 zpočátku odmítali díla k vystavení. Jen díky Matissově osobní autoritě se podařilo prosadit účast na experimentech tria na Salonu.
Pak zazní bouřlivé a rozhořčené recenze od uměleckých kritiků, z nichž jedna, jak se často stává (viz impresionismus), dá jméno novému avantgardnímu hnutí - fauvismu: ctihodný kritik Louis Vaucelle řekne, že obrazy cákající barva byla namalována divokými zvířaty - „les fauves“ ve francouzštině Ale to je trochu jiný příběh.
Jak Picasso objevil Rousseaua
Obraz nadějného mladého Španěla také udělal pozoruhodné salto pod přímým vlivem primitivního umění a jeho vyznavačů. Když Picasso viděl poslední zaskřípání Matissova autorství – křiklavé, na rozdíl od jiných pláten, bez jakýchkoli akademických předsudků, ztratil klid a spánek. Picasso bez přemýšlení jde do etnografické muzeum, kde byla uchovávána rozsáhlá sbírka afrických masek. Tam prošel jakýmsi iniciačním obřadem. Kdo ví, možná tyto rituální předměty skutečně obsahovaly magickou sílu?
„Byl jsem úplně sám, vzpomínal umělec. - Chtěl jsem odtamtud utéct. Ale zůstal jsem. Prostě jsem nemohl odejít. Uvědomil jsem si něco velmi důležitého; něco se se mnou dělo. Podíval jsem se na tyhle feťáky a najednou mi bylo jasné, že jsem také proti všem. Také mám pocit, že vše kolem je neznámé a nepřátelské. Když jsem stál sám v tom hrozném muzeu, obklopen maskami, indickými panenkami, zaprášenými figurínami, muselo se mi zjevit „Les Demoiselles d’Avignon“; ne že by je podněcovaly formy, které viděli: ten obrázek se stal mou první zkušeností s exorcismem – ano, je to tak!"
Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907
Několik kmenových artefaktů tak přimělo Picassa namalovat obraz, který se stal praotcem kubismu, a v důsledku toho futurismu a mnoha dalších -ismů. Ale to byl rozsah jejich magického zásahu v té době umělecký život francouzský kapitál nebyl omezen. Podlehnutí kouzlu primitivní umění Picasso si nemohl nechat ujít fenomén vycházející hvězdy naivního umění a významně se podílel na tom, aby Paříž brala vážně neprofesionální výtvory skromného celníka Henriho Rousseaua.
Aniž bych měl výtvarná výchova Celník (jak mu pařížští bohémové přezdívali) měl přesto vážné malířské ambice. Rousseauovi hrála do karet dětská spontánnost – jinak by se sotva odvážil představit své trapné experimenty náročné veřejnosti na Salonu nezávislých v roce 1986, kterého se mohli zúčastnit všichni zainteresovaní umělci.
Nestal se zázrak; kritici se snažili zesměšnit ctižádostivého tvůrce, čtyřicetiletého, který neměl žádnou představu o lineární perspektivě nebo principech; kompoziční konstrukce. Z harmonického chóru posměchu vystupoval hlas mistra Camille Pissarra, který zaznamenal bohaté tóny Rousseauovy malby.
Henri Rousseau. Karnevalový večer
1886
Neúspěch na Salonu nezávislých nemohl cílevědomého Celníka zlomit. Naopak práci opouští, aby se naplno věnoval své kariéře umělce. Jeho hlavní obdivovatel Picasso v něj také bezmezně věřil. Jednoho dne narazil v jednom provinčním obchodě na obraz od Rousseaua, který se tam prodával za cenu použitého plátna - ani obchodník s harampádím se neodvážil za něj žádat vysokou cenu. Španěl ho okamžitě koupil a následně si ho nechal až do konce svých dnů, přičemž odpověděl, že je jeho "Zachyceno jako posedlost... tohle je jedna z nejpravdivějších." psychologické portréty ve francouzském malířství".
Henri Rousseau. Portrét Jadwigy
Navíc uspořádal večeři na počest podivného portrétu, kam pozval celou pařížskou elitu a samotného hrdinu této příležitosti - první superstar naivního umění. Picasso pověsil obraz celníka na nejvýraznější místo ve svém vlastním ateliéru a posadil jeho autora na židli, která spíše připomínala trůn. Pro amatérského umělce to byl skutečný triumf, i když část veřejnosti pravděpodobně vnímala, co se děje, jako obzvláště sofistikovaný výsměch nebo žert.
Ale ne Picasso. Je mu připočítáno, že se čtyři roky učil psát jako Raphael, ale celý život Trvalo mu, než se naučil kreslit jako dítě. Proto obdivoval Rousseauův dar, který mu umožnil tyto fáze bezpečně přeskočit a okamžitě začít vytvářet primitivistická mistrovská díla.
Henri Rousseau. Tygr v tropické bouři
Z čeho jsou obrazy primitivistů?
Jaká znamení určují, že to, co vidíte, je dílem naivního umění, a ne, řekněme, dílem expresionisty, abstrakcionisty nebo představitele nějakého jiného avantgardního hnutí? Mimochodem, Mark Rothko, který se proslavil na poli abstraktního expresionismu, hledal inspiraci a tajemství malířského umu v dětských kresbách a věnoval tomu dokonce celou knihu – ještě předtím, než začal nezištně pěstovat barevnou pole malbu.
Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Medvědí matka se svými mláďaty
1917, 140×100 cm
Příklady primitivismu se skutečně vyznačují charakteristickými chybami, kterých se děti při kreslení dopouštějí. Není ale nutné mít všechny následující na jednom obrázku. Umělci samouci ještě některé věci uměli.
1. Absence lineární perspektiva: objekty v popředí mají stejnou velikost jako objekty v pozadí, což činí jejich vztah v prostoru nejasným a obraz ztrácí objem.
2. S detaily pozadí se zachází se stejnou péčí jako s blízkými objekty. Důsledky jsou stejné jako v předchozím odstavci.
Babička (Anna Mary) Mojžíš. Svátek
3. Barvy neztrácejí jas a sytost úměrně vzdálenosti objektů od náběžná hrana plátna. Obraz se stává plochým a připomíná pohlednici.
4. Nejsou žádné známky světelných zdrojů: i když je na snímku přítomno slunce, všechny povrchy jsou rovnoměrně osvětleny, lidé ani předměty nevrhají stíny a nenajdete ani žádná světla.
Camille Bombois. Překvapení koupači
1930, 65×81,5 cm
5. Porušení anatomie: proporce lidské tělo, chyby ve vyobrazení zvířat. Ale co Picasso, Salvador Dalí, Francis Bacon a mnozí další, z jejichž děl nelze říci, že by vůbec znali stavbu lidského těla? To jsou taky primitivisté? - Ne. Při pohledu na obraz představitele naivního umění uvidíte, že se člověk snažil, jak nejlépe mohl, a právě díky tomuto úsilí vypadají jeho naivní pokusy oslovit „velké“ umělce tak dojemně a mají neodolatelnou kouzlo. Výše zmíněná čísla ale takové cíle nesledovala a jejich seznam rozhodně neobsahoval položku „aby se všem zalíbilo“.
6. Stejně jako děti ani primitivisté nerozlišují mezi realitou a fantazií. V jejich obrazech mohou lidé a jednorožci bezpečně koexistovat ne v rámci surrealistické fantazie, ale jako každodenní jev. Lvi na takových obrazech nejsou pro člověka hrozbou a jelen může vypadat jako pohádková bytost.
Ivan Generalich. Jednorožec
7. A konečně zásadní rozdíl, který dává odpověď na přirozeně vyvstávající otázku, jak se liší neobjektivní malby modernistů ve stylu „můj-5letý-kdo-kdo-může-lepší“ od výtvory primitivistů. Neprofesionální umělci zobrazují předměty s takovou mírou realismu, která je jim dostupná kvůli omezeným znalostem, dovednostem a schopnostem. A představitelé avantgardního umění se ze všech sil snaží zapomenout na to, co je učili umělecké školy nebo předstírají, že je vůbec nenavštívili. Ale harmonie a promyšlenost kompozice, přehnaná symbolika nebo kulturní pozadí zrádně prosvítající předstíraně naivní a záměrně neobratnou image profesionála stejně prozradí. Ano, ano, můžete se odhlásit, stále jsme vás poznali, soudruhu Chagalle a pana Klee.
Mark Zacharovič Chagall. Starý muž s brýlemi
50. léta 20. století
Paul Klee. Loutkové divadlo
1923
Primitivismus: cheat sheet. Umělci, kteří pracovali ve stylu primitivismu
Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Babička Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.
Ikonické obrazy primitivistů
Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Herečka Margarita
1909, 94×117 cm
Historie Pirosmaniho obrazu se stala legendou. Byla to ona, kterou zvěčnil v poezii Andrei Voznesensky, kterou zhudebnil Raymond Pauls a vytvořil píseň „A Million Scarlet Roses“. Je o pokusech chudého umělce získat srdce nepřístupného francouzská herečka Margarita de Sevres, která vystupovala v Tiflis v roce 1905, kde s ní Pirosmani ztratil hlavu. Podle některých verzí byly mezi „mořem květin“, které zoufalý Niko poslal do hotelu své milé, nejen růže, a to nejen šarlatové, ale také máky, pivoňky, lilie, šeříky, akácie a další květinové dary gruzínské země. Vše, co si umělec za svůj čin zasloužil, byl jen jeden polibek od Margarity. Ale o mnoho let později, když herečka ztratila jak davy fanoušků, tak svou dřívější přitažlivost, přicházela každý den do Louvru, kde byl v roce 1969 vystaven Pirosmaniho obraz, a strávila hodiny prohlížením jejího portrétu. Umění tak přežilo krátkodobou lásku a prchavou krásu.
Maria Avksentievna Primachenko. Rybí král chytil dudek a je rád
XX století
Bezmezná fantazie, odvážná barevná schémata, odzbrojující lidová barevnost jsou jen některé ze složek tajemství zdánlivě nenáročného umění umělce z ukrajinského vnitrozemí. Je nepravděpodobné, že byste si je mohli splést s díly jiného autora, jakmile jste viděli obrazy Marie Primachenko, jsou tak originální a originální. Oceňovali se i za hranicemi země: Mariina díla měla obrovský úspěch na výstavách v Paříži, Varšavě, Praze a dalších evropských městech.
Henri Rousseau. Sen
1910, 298×204 cm
"Sen" je považován za jeden z nejlepší obrazy Rousseau. Autor dal následující komentář ke své pozdější (a možná poslední) práci: „Jadwiga má kouzelný sen. Za zvuku flétny neznámého svůdce klidně usnula. Když měsíc vrhá světlo na květiny a zelené stromy, zvířata a dokonce i dravci zmrznou a poslouchají nádherné zvuky hudby.“. Plátno zaujme svou technickou složitostí a bohatost palety, kterou Pissarro zaznamenal na Rousseauově prvním obraze, zde dosahuje svého vrcholu: není to vtip, jen více než dvě desítky odstínů zelené! Ani ti nejžíravější kritici nedokázali odolat hypnotizujícímu účinku „The Dream“ a Rousseauův krajan a současník, spisovatel Andre Breton, řekl, že obraz „absorboval veškerou poezii a všechna tajemství naší doby“.
Jste odborník, pokud:
Když mluvíme o středověkých mistrovských dílech Rogiera van der Weydena nebo Duccia di Buoninsegniho, neváhejte vyslovit slovo „primitivismus“.
Okamžitě můžete určit, kde je cudná kráska podle štětce skutečného primitivisty Pirosmaniho a kde je falešná „naiva“ od Michaila Larionova.
Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Ortachální krása. Pravá strana diptych
Michail Fedorovič Larionov. Židovská Venuše
1912, 147 cm
Jste laik, pokud:
Úmyslné zjednodušení nezbytné k vytvoření ilustrací a karikatur považujete za příklady nekomplikovaného primitivismu.
Myslíte si, že k primitivismu patří jakékoli umělecké dílo, které svádí k označení klikyháky? Primitivismus (vědomý, také předem promyšlený) je ve skutečnosti nejen neobratnou formou, ale také zvláštním pohledem na podstatu věcí: čistý, spontánní, dětinský nebo dokonce primitivní. Za malbami Maleviče, Kandinského, Mondriana se skrývají velké, vyspělé teorie.
) ve svých expresivních, rozmáchlých dílech dokázala zachovat průhlednost mlhy, lehkost plachty a plynulé houpání lodi na vlnách.
Její obrazy ohromují svou hloubkou, objemem, bohatostí a texturou, že z nich nelze spustit oči.
Teplá jednoduchost Valentina Gubareva
Primitivistický umělec z Minsku Valentin Gubarev nehoní se za slávou a dělá jen to, co miluje. Jeho tvorba je v zahraničí neuvěřitelně populární, ale pro jeho krajany téměř neznámá. V polovině 90. let se Francouzi zamilovali do jeho každodenních skic a podepsali s umělcem smlouvu na 16 let. Obrazy, které by, zdá se, měly být srozumitelné jen nám, nositelům „skromného kouzla nerozvinutého socialismu“, oslovily evropskou veřejnost a začaly se vystavovat ve Švýcarsku, Německu, Velké Británii a dalších zemích.
Smyslný realismus Sergeje Marshennikova
Sergej Maršennikov má 41 let. Žije v Petrohradě a pracuje v nejlepších tradicích klasické ruské realistické školy portrétní malba. Hrdinkami jeho pláten jsou ženy něžné a bezbranné ve své polonahotě. Na mnoha z nejvíce slavné obrazy zobrazuje umělcovu múzu a manželku Natalyu.
Myopický svět Philipa Barlowa
V moderní doba obrázky vysoké rozlišení a vzestup hyperrealismu, dílo Philipa Barlowa okamžitě přitahuje pozornost. Od diváka se však vyžaduje určité úsilí, aby se přinutil podívat se na rozmazané siluety a světlá místa na plátnech autora. Pravděpodobně tak lidé trpící krátkozrakostí vidí svět bez brýlí a kontaktních čoček.
Sluneční zajíčci od Laurenta Parseliera
Obraz Laurenta Parceliera je úžasný svět, ve kterém není ani smutek, ani sklíčenost. Ponuré a deštivé obrázky od něj nenajdete. Jeho plátna obsahují spoustu světla, vzduchu a jasných barev, které umělec aplikuje charakteristickými, rozpoznatelnými tahy. To vytváří pocit, že obrazy jsou utkány z tisíce slunečních paprsků.
Městská dynamika v dílech Jeremyho Manna
Olej na dřevěných deskách americký umělec Jeremy Mann maluje dynamické portréty moderní metropole. "Abstraktní tvary, linie, kontrast světlých a tmavých skvrn - to vše vytváří obraz, který navozuje pocit, který člověk zažívá v davu a ruchu velkoměsta, ale může také vyjádřit klid, který se nachází při rozjímání o tiché kráse." říká umělec.
Iluzorní svět Neila Simona
V obrazech Britský umělec Neil Simone (Neil Simone) všechno není tak, jak se na první pohled zdá. „Svět kolem mě je pro mě řadou křehkých a neustále se měnících tvarů, stínů a hranic,“ říká Simon. A v jeho obrazech je vše skutečně iluzorní a propojené. Hranice se stírají a příběhy plynou jeden do druhého.
Milostné drama Josepha Lorassa
Současný americký umělec Joseph Lorusso, původem Ital, přenáší na plátno náměty, které špehoval každodenní život obyčejní lidé. Objetí a polibky, vášnivé výbuchy, chvíle něhy a touhy naplňují jeho emotivní obrazy.
Venkovský život Dmitrije Levina
Dmitrij Levin je uznávaným mistrem ruské krajiny, který se prosadil jako talentovaný představitel ruské realistické školy. Nejdůležitějším zdrojem jeho umění je lpění na přírodě, kterou něžně a vášnivě miluje a jejíž součástí se cítí být součástí.
Světlý východ od Valeryho Blokhina
